Mis álbumes favoritos de 2020

 

Para haber sido un año tan horrible y desastroso, tuvo muy buena música. Al menos con eso nos podemos quedar de este pesado e intratable 2020 que está, gracia a Dios, llegando a su fin. Para ser sincero, este año no tenía muchas ganas de hacer este top de mis álbumes favoritos, pero tomé impulso y decidí no dejar que 2020 acabara con una tradición que llevo haciendo por 10 años. Con ustedes mis discos favoritos de este año, sin ningún orden en particular. A todos les deseo lo mejor para 2021, paz, amor, salud, todo lo que este año nos quitó o se negó a darnos. ¡A la mierda 2020!

*las opiniones expresadas a continuación son, bueno, opiniones de la apreciación de quien escribe, pero se aceptan reclamos y observaciones dentro del marco del respeto y sano debate. 

The Strokes- The New Abnormal

Si hay un grupo que trabaja lento y se toma muuuucho tiempo entre álbumes, ese es The Strokes. Siete largos años tuvieron que pasar para que el grupo estadounidense lanzara su sexto larga duración. Por momentos, parecía que la banda estaba más cerca de disolverse que de hacer nuevo material. Afortunadamente para todos, ese no fue el caso y, por el contrario, nos complacieron con una colección de canciones muy maduras y enfocadas. 

AC/DC- Power Up

Otro grupo que parecía estar más cerca del colapso que de otra cosa. Gracias a los dioses del rock el grupo australiano liderado por Angus Young supo sortear las muchas dificultades que tuvieron en los últimos años, entre ellas los problemas auditivos de Brian Johnson, y nos regalaron su álbum número 17, una colección de 12 canciones en las que suenan frescos y con su clásica, inagotable y adictiva fórmula. 

Chris Cornell- No One Sings Like You Anymore, Vol. 1

La frase que da nombre al álbum, tomada de el clásico de Soundgarden Black Hole Sun, cobra todo el sentido del mundo al oír el disco, una colección de covers de artistas como John Lennon, Prince, Janis Joplin, entre otros. Quizás el momento en que la voz de Cornell brilla más es en su versión de Patience, canción que Guns N' Roses hiciera famosa a finales de los 80. Chris Cornell es el regalo que sigue dando, incluso desde el más allá. 

Muzz- Muzz

De Nueva York llega este trío integrado por Josh Kauffman, Matt Barrick, y Paul Banks, este último conocido por su trabajo como cantante y guitarrista de Interpol. Este combo de amigos comenzó a hacer cosas junto desde 2015, pero fue apenas en 2019 que se pusieron serios y comenzaron a grabar. El resultado es este autotitulado álbum, una nueva joya del rock independiente que nos da un hermoso paseo por territorios de post-punk y folk.

Armored Saint- Punching the Sky

Siempre he tenido mucho aprecio por la capacidad vocal de John Bush desde sus días en Anthrax. Tan bueno es, que en algún momento en los 80 Metallica consideró reclutarlo como cantante para que James Hetfield se concentrara solo en la guitarra (de los miles de "yeah!" que nos hubiéramos perdido). En el nuevo álbum del veterano grupo de metal estadounidense, su voz sobresale como siempre. Potente y melódica a la vez. En cuanto a la música, las canciones del LP nos muestran a un grupo que, a pesar de ser un clásico del género, se niega a evolucionar y explorar cosas nuevas. 

Ozzy Osbourne- Ordinary Man

¿Quién mejor que el mismísimo Príncipe de las Tinieblas para ponerle algo de luz a un año tan oscuro? Ozzy, quien no se veía grabando un nuevo álbum, no solo lo hizo sino que también resultó ser uno tremendamente bueno. Si bien no cuenta con Zakk Wylde, quizás el guitarrista con quien mejor le ha ido desde los 90, tiene a su lado una banda con la que no se puede fallar: Chad Smith en la batería, Duff McKagan en el bajo. Por si fuera poco, invitados ilustres como Slash y Elton John engalanan algunas de las canciones. 

Deftones- Ohms

Si la ley de Ohms habla sobre la transmisión de corriente, este álbum, el noveno del grupo estadounidense no podría tener un mejor nombre, pues sus canciones son de alto voltaje. Ohms es todo lo que Deftones nos enseñó a amar de ellos: los riffs pesados y distorsionados, melodías crudas y oscuras, y la voz de Chino Moreno que puede lograr cosas que van desde poner los pelos de punta a quien la oye, hasta exorcizar nuestros demonios internos con la potencia de sus gritos.

Pearl Jam- Gigaton

Es cierto que Eddie Vedder y su corte ya perdieron el voltaje noventero y que parecen más oficinistas que las estrellas de rock que son, pero continúan haciendo buena música y negándose a permanecer estancado en la nostalgia grunge. Dicho esto, su álbum 11 suena muy bien condensado y maduro, con pizcas de rock estridente, baladas, y una alta dosis de experimentación, sobre todo en canciones como Dance of the Clairvoyants, en la cual la banda de Seattle coquetea con sonidos electrónicos mezclados disco, tal vez la canción más experimental del catálogo del grupo, lo cual demuestra que Pearl Jam, a diferencia del perro viejo, sí aprende nuevos trucos. 

Marilyn Manson- WE ARE CHAOS

Más de una década y varios álbumes han pasado desde que Marilyn Manson sonó así de maduro y melódico. Con este disco, el undécimo en su carrera, logra un matrimonio perfecto entre lo oscuro e íntimo -sobre todo en las letras- con lo pesado, estridente y melódico. Producido por el mismo Manson en conjunto con Shooter Jennings, más conocido por su influencia en el mundo de la música country, dan como resultado una muy interesante amalgama de lo mejor de los mundos a los que ambos músicos pertenecen: la sensibilidad melódica de Jennings con el factor shock  de Manson. 

The Killers- Imploding the Mirage

En el primer álbum de estudio desde Wonderful Wonderful de 2017, el primero sin el guitarrista Dave Keuning- quien decidió tomarse un descanso indefinido de la banda-, el grupo de Las Vegas recupera mucho del brillo de sus dos primeros álbumes. Guiados por la melódica voz de Brandon Flowers y a través de sus clásicas letras introspectivas, los Killers nos dan 10 canciones que, sin sonar como una fórmula usada o gastada, recuerdan a aquellas canciones de coros grandes de álbumes como Hot Fuss y Sam's Town. 

Canciones de Navidad que no apestan

 

Ya hemos sufrido mucho en 2020 como para tener que ponernos a oír los mismos villancicos y las mismas 2 canciones de Navidad de toda la vida (Last Christmas de Wham no entra en esa tediosa lista de canciones navideñas detestables, pues George Michael era un genio). Si espera encontrar aquí El burrito sabanero o Campanas sobre campanas, se va a desilusionar. 

Blink-182- I Won't be Home for Christmas

Cuando el trío estadounidense lanzó esta canción en 1997, lo hizo como una parodia, muy a su estilo, de la canción navideña I'll be Home for Christmas. Algo más de dos décadas después, el track adquiere un significado totalmente nuevo debido a los tiempos en los que vivimos. ¿Cuánta gente no va a estar en sus hogares esta Navidad por el pinche virus? 

Twisted Sister- Oh Come on Ye Faithful

Hacer un álbum con canciones navideñas no es necesariamente la movida más cool que puede hacer un grupo de rock, a menos que ese grupo sea Twisted Sister. Dee Snider y los suyos lanzaron A Twisted Christmas en 2006, una colección 11 canciones perfectas para la temporada, entre ellas esta curiosa adaptación de su clásico We're Not Gonna Take it. 

Ramones- Merry Christmas (I don't Wanna Fight Tonight)

Pensar en los Ramones es pensar en pura rebeldía punk, pero el grupo tenía su corazoncito. Tanto así que Joey Ramone se tomó el tiempo de escribir una canción de Navidad e incluirla en el álbum Brain Drain de 1989. 

My Chemical Romance- All I want for Christmas is You

Tal vez esta canción navideña, originalmente interpretada por Mariah Carey y sus insoportablemente altas notas, siempre fue emo y no nos habíamos dado cuenta. El grupo estadounidense hace una versión mucho más agradable y menos cursi de esta.

Korn- Jingle Balls

Mi canción navideña favorita, la pongo en cada Navidad y siempre recibo cariñosas miradas de cuestionamiento y rechazo. Jonathan Davis se encargada de adaptar este clásico y convertirlo en una linda canción de death metal. 

Sea lo que sea que oigan en esta Navidad, a todos les deseo unas felices fiestas y un próspero y menos desastroso 2021. 

Cuando U2 enloqueció con su proyecto Passengers

 

Si bien U2 pasó la década de los 90 probando fórmulas exóticas y extravagantes, tal vez su proyecto Passengers sea la cúspide de su locura musical. 

Cuando los 80 finalizaron, la banda irlandesa señaló ante un público confundido que tenían que "soñarlo todo de nuevo". Muchos temieron que Bono se estaba refiriendo al final del grupo, pero afortunadamente hacía alusión a la dirección musical del cuarteto. La primera prueba de que todo estaba cambiando fue Achtung Baby, álbum que fue grabado en Alemania y bajo una crisis interna que amenazó con acabar su carrera. En 1993, llegó Zooropa, el cual ahondó más en la experimentación y trajo consigo más intensos tintes electrónicos. La década concluyó con Pop, la entrega total a la música electrónica. Pero quizás el lanzamiento más extraño de lo 90, ocurrió justo en el ombligo del decenio: Original Soundtracks 1, lanzado en 1995 bajo el pseudónimo Passengers.  

El álbum, hecho con la ayuda de Brian Eno como el quinto integrante de la banda y con invitados especiales como Luciano Pavarotti y el DJ Howie B, es una colección de 14 canciones escritas en su mayoría para películas imaginarias (¿hay algo más experimental que esto?). Debido a la participación de Eno y la extraña naturaleza de la música, los integrantes de U2 decidieron lanzaron bajo otro nombre, lo cual hizo que el recibimiento del mismo por parte de fans y críticos fuera aún más frío. 

Una vez finalizada la gira Zoo TV en diciembre de 1993, el grupo comenzó a componer para un nuevo álbum, pero las ideas no fluían y según Eno "tocaron un muro" creativo. La idea inicial era componer la banda sonora para una película llama The Pillow Book, del director Peter Greenaway, pero eso no funcionó, razón por la cual la banda decidió seguir por la onda de escribir música para películas y, casi que burlándose de ellos mismos, crearon varias imaginarias. Lo más curioso de todo es que en el librillo del CD incluyeron explicaciones de las películas para las cuales fueron escritas los temas. 

Las canciones de la producción pasaron por fuera del radar, excepto por Miss Sarajevo, primer sencillo y una de las pocas canciones que sí fue hecha para una película real. Your Blue Room, canción que sonaba muy parecido a lo que U2 hacía habitualmente, iba a ser el segundo sencillo, pero dicho plan fue cancelado debido al poco éxito comercial del proyecto. Al parecer, ni a los propios miembros del grupo pareció gustarles el álbum. Larry Mullen, baterista, ha señalado en varias ocasiones su desprecio por el mismo, afirmando que "hay una línea delgada entre música interesante y autocomplacencia. La cruzamos con Passengers". 

Recordando a Scott Weiland

Hace un par de semanas, quizás algo más, me dio por ver videos de Stone Temple Pilots en vivo, y me encontré con una presentación en 2001 de Plush y Trippin on a Hole in a Paper Heart. En cuanto terminó, puse en los comentarios del video que si fuera profesor de música, aquella sería una de las cosas que le mostraría a mis estudiantes en la materia de Manejo del Escenario y del Público 101. La puesta en escena de Weiland era tan impecable como arrolladora. El tipo parecía un huracán, un demonio. Entendía todo. Hacía todo bien. Muy afinado, algo que falla en la gran mayoría de cantantes cuando se presentan en vivo. Tenía la pinta, las movidas de Mick Jagger con el mojo de Jim Morrison y la voz de David Bowie. Se acercaba al público. Hacía sentir a los asistentes al concierto como parte vital del mismo. Si Weiland fuera clavadista, y yo juez, el cartel que sacaría 10. 

Se preguntará, ¿por qué carajos este tipo habla de Scott Weiland así como de la nada? Pues bien, no es tan fortuito este texto, ya que quien fuera cantante de los Stone Temple Pilots y Velvet Revolver dejó el plano físico un día como hoy hace 5 años. Me pareció un número redondo para celebrar su legado. No quisiera sonar como un viejito de mediana edad (aunque efectivamente soy un viejito de mediana edad), al que todo lo pasado le parece mejor, pero vocalistas e interpretes como él ya no se dan. Los reto a que piensen en alguien como él que haya salido a escena en los últimos 10 años. Si lo encuentran, con gusto debatimos. Weiland fue parte crucial del éxito de Stone Temple Pilots. Éxito que lo puso en el radar de Slash, Matt Sorum y Duff Mckagan, exintegrantes de Guns N' Roses quienes vieron en él al frontman perfecto para Velvet Revolver, por no hablar de otro súpergrupo para el cual prestó sus servicios: Art of Anarchy. Tan bueno y camaleónico era, algo que le heredo a Bowie, que le alcanzó la voz para grabar un álbum de canciones de Navidad. 

Era, además, muy respetado por sus colegas, tanto así que artistas como Sheryl Crow, Deftones, Limp Bizkit, entre otros, colaboraron con él. Lastimosamente, su talento es otro de los tantos que se vieron cortados por el monstruo de las drogas, pero su legado es tan grande que hoy, un lustro después de su partida, seguimos recordando y cantando sus canciones. 

 

Maradona: un futbolista muy rock star

Si Maradona no hubiera sido uno de los más grandes futbolistas de la historia, habría sido una gran estrella de rock. De hecho, tenía rasgos de estrella de rock. Tatuajes, rebeldía, cara de chico malo, irreverencia, excesos, etc, hacían del ícono argentino, obvio, un ícono. Lejos de hacer una apología a conductas cuestionables, simplemente pretendo examinar algo más a fondo ese lado rocker del astro del fútbol. 

Entre los gustos que definían a Maradona estaba el rock n' roll. Uno de los grupos que le gustaba era Queen, con cuyos integrantes compartió tras bambalinas y en el escenario durante la visita del grupo británico a territorio gaucho en 1981. Cuenta la leyenda que Freddie Mercury y su corte quería visitar el país por varios motivos, uno de ellos era conocer al Pelusa. Y así fue. El 8 de marzo del año en cuestión se dio el encuentro entre las majestades de la música y el fútbol. Previo al concierto, la agrupación y Maradona estuvieron charlando en el camerino. El futbolista le regaló a Mercury una camiseta de la selección, mientras que el cantante le dio una con la bandera británica. Queen invito a Maradona al escenario, donde él fue el encargado de presentar la canción "Another One Bites the Dust". Tras el fallecimiento del ídolo argentino, Queen se tomó el tiempo de recordarlo en redes sociales:

Por su parte, otro ícono de la música británica, Noel Gallagher, exintegrante de Oasis, subió a Twitter una foto junto a su hermano Liam y al deportista tomada en Buenos Aires en 1997, cuando la banda visitaba Argentina por primera vez. En la publicación, el guitarrista y cantante dice: "Buenos Aires 1997. Qué vida. Qué leyenda. (Él estaba bajo arresto domiciliario por aquel entonces)

Slash, guitarrista de los Guns N' Roses, también recordó a Maradona por medio de una foto de él en el terreno de juego, con la leyenda de "RIP #DiegoMaradona"

D10S, como le conocen sus miles y miles de fanáticos, no solo dejó un gran impacto en el mundo del deporte. Goles como el de México 86 frente a Inglaterra nunca serán olvidados, o aquel de tiro libre que parecía imposible de anotar cuando jugaba en Napoli. Sin embargo, la grandeza que mostró detrás de un balón trascendió de la cancha a otro ámbitos, como el del arte. Varios artistas compusieron canciones dedicadas a él. Andrés Calamaro, Charly García, Los Piojos y Mano Negra, son apenas algunos de los artistas que se inspiraron en las proezas deportivas de Maradona para hacer canciones. He aquí una de esas composiciones. Paz en la tumba de Maradona.

 

Thanksgiving 2020: Songs about Being Grateful

Thanksgiving is upon us, and if there is a year to be thankful, 2020 is the one. No matter how tough and, pardon my French, shitty this year has been, I'm pretty sure we all have something to be thankful for. We are still alive and breathing, after all. Here are a few songs to accompany the feeling of gratefulness. 

Led Zeppelin- Thank You

Although this British band is more popular for their raw and energetic rock n' roll, they did have slow songs with beautiful lyrics, and this one proves the point. A song about the wonder that is having something by your side who supports you and makes your world a better, warmer place.

Beastie Boys- Gratitude

Underneath the classic mix of rap and rock the Beasties made us fall in love with (sorry, Limp Bizkit) lies a hidden message: let aside the anger within you, feel the gratitude.

Beatles- Thank You Girl

When you are down in the gutter, blue as blue can be and a girl cheer you up, is there anything more appropriate than to thank her? 

The Kinks- Days

With this tune, Ray Davies and company take the time to thank a person for the time he or she spent with you, blessing all of your days.

Queen- Your are my Best Friend

Even though this song has no direct "thank yous", it is obvious that the feeling of gratefulness is in every line of it. Written by John Deacon, Queens estranged bassist, to his wife, who has been with him for over 45 years, through the ups and the downs, and through thick and thin. 

 

¿Hizo The Who la primera canción punk?

 

Pensar en punk es pensar en los Ramones, Sex Pistols, The Clash, por no hablar de los Stooges de Iggy Pop, pero los autores de la posible primera canción del movimiento pueden ser insospechados. My Generation, lanzada en 1965 como parte del álbum del mismo nombre,  cuenta con música y letras  que pudieron sentar las bases de lo que una década después estaría en total furor en el mundo de la música.

The Who siempre ha sido considerada como una de las bandas esenciales del rock duro, pero- tal vez sin quererlo- sembraron las semillas de lo que sería el punk a través de la icónica canción. My Generation tiene prácticamente todos los elementos de la típica canción punk: una estructura simple que gira en torno a acordes relativamente básicos, y una actitud rebelde que se ve con gran transparencia en sus letras:

"¿por qué no desaparecen todos?

No intenten que le guste lo que decimos.

No estoy tratando de causar una gran sensación.

Solo estoy hablando de mi generación"

Esta estrofa encapsula en cuatro oraciones de forma perfecta del subgénero : no se metan con nosotros, no queremos ser parte de su grupo. No queremos atención. Filosofía punk al 1000 %. Si bien sus integrantes no tenían piercings en su rostro ni cortes tipo mohawk  con el cabello verde o rojo, sus presentaciones en vivo era rebeldía pura. Pete Townshend, guitarrista, tiene un largo historial de romper guitarras sobre el escenario, de hecho, mucho señalan a The Who como el primer grupo en destrozar instrumentos, lo cual ya hacían a mediados de los 60. Su baterista se desmayó en pleno concierto tras ingerir una mezcla de brandy y sedante para caballos, razón por la cual tuvo que ser reemplazado por un asistente al concierto. ¿Hay algo más punk que eso? 

Cuando Axl Rose salvó a AC/DC

El 16 de abril de 2016, cuando apenas habían pasado un par de semanas desde el primer concierto de reunión de Guns N' Roses, AC/DC anunció una noticia bomba: Axl Rose, cantante de los Guns, sería quien tomaría el lugar de Brian Johnson (quien no podía seguir de gira por problemas auditivos) por el resto del tour que la banda australiana estaba llevando a cabo para promocionar el álbum Rock or Bust. Por aquel entonces la banda parecía comenzar a caerse a pedazos y que su continuidad estaba en duda. No solo Johnson ya no estaba en el grupo, sino que Malcolm Young (segunda guitarra) se había retirado por enfermedad, además de la confirmación de que el bajista Cliff Williams se marcharía tras finalizar la gira. Por si fuera poco, Phil Rudd, baterista, fue reemplazado por Chris Slade, pues tenía una serie de problemas legales. 

El anunció de que Rose sería el cantante de AC/DC tomó a todos por sorpresa. Algunos lo amaron, otros lo odiaron, pero de no ser por él tal vez el grupo no hubiera seguido adelante. Después de todo fue el mismo líder de Guns N' Roses quien se ofreció a cantar para el grupo y que así pudieran completar la gira, haciendo así un sueño realidad, como el mismo declaró en su momento. Como era de esperarse, previo a la continuación de la gira, el escepticismo por parte de los seguidores y la crítica especializada se hizo oír. Si me preguntan a mí, creo que Axl fue un muy digno reemplazante de Johnson, haciendo justicia a las canciones de los australianos. Si me preguntan de nuevo, creo que Rose suena mejor en AC/DC que en Guns N' Roses.

La gratitud de Angus Young, líder y guitarrista del quinteto, ha sido clara en los últimos días, cuando la banda se prepara para el lanzamiento de su nuevo disco Power Up, el cual cuenta con el regreso de Brian Johnson, Cliff Williams y Phil Rudd. "Axl nos ayudó a sacar esa gira adelante, y eso es algo por lo cual siempre estaremos agradecidos, pues hizo un gran trabajo". 

 

U2 celebra los 20 años de All That You Can't Leave Behind

 

Cada final de década parecía traer una especie de crisis de identidad musical a U2. A finales de los 80, en un concierto en vísperas de Año Nuevo, Bono señalaba que el grupo debería alejarse para soñar todo de nuevo. El extraño mensaje fue tomado por muchos como un anuncio de separación del cuarteto irlandés. Pero fue solo un susto, pues realmente el mensaje hablaba de buscar un nuevo sueño musical, en el cual la banda estuvo sumergida durante toda la década de los 90. Experimentando fuertemente con sonidos electrónicos y haciendo giras masivas con espectáculos extravagantes a la vista. Una vez llegó 1999, el grupo se encontraba de nuevo en esa rara encrucijada musical. La época de coquetear con otras tendencias musicales parecía haber pasada y, de hecho, no haber funcionado del todo bien. Sobre todo con el álbum Pop, en el que, para muchos, U2 exageró en todo sentido, haciendo de este uno de los menos aclamados de su catalogo. 

All That You Can't Leave Behind, décima producción del grupo, fue un regreso relativamente cercano a sus raíces y todo un acierto a nivel comercial. Canciones como Beautiful Day, Walk On y Elevation fueron grandes éxitos radiales y ayudaron a impulsar al álbum al número 1 en más de 30 países y a vender alrededor de 12 millones de copias a nivel mundial. Su gira promocional fue a mucho menor escala y bastante más íntima que Popmart, tour con el que promocionaron Pop. 

Dos décadas después de su lanzamiento, es fácil ver (y oír) la importancia de este disco en el repertorio de U2. Temas como Beautiful Day, primer sencillo del álbum, y Stuck in a Moment you Can't Get out of se han convertido en insignias de la banda y favoritas de los fans. Para muchos, All That You Can't Leave Behind es la tercera obra maestra del grupo, solo por detrás de los legendarios Achtung Baby y The Joshua Tree. ¿Cómo llegó a ganarse un lugar en el podio de álbumes de un grupo que tiene ya una carrera de más 40 años? Fácil: es un lanzamiento tremendamente bien condensado. Al que no le hace falta nada ni mucho menos le sobra. Por otra parte, está cargado de canciones pegajosas que van directo al grano, sin importar tanto los adornos ni arreglos. Siendo un fan de la época experimental de U2, las canciones de este álbum tienen todo lo que nos hizo amar al cuarteto en primer lugar. Es fresco, es puro, es U2 sin disfraces. 

Para conmemorar los 20 años de esta obra maestra, el grupo lanzó una edición especial con canciones en vivo, versiones, alternas y varias canciones grabadas en la época pero que no tuvieron lugar en el listado final de canciones. Siendo la más destacada de esta The Ground Beneath Her Feet, la única canción en la historia de U2 que no fue escrita por ninguno de sus integrantes, sino por el escritor Salman Rushdie. ¡Tan bueno es este disco que una señora canción como esta no tuvo espacio!

Mellon Collie and the Infinite Sadness cumple 25 años

Octubre de 1995 era un momento más bien opaco para la escena del rock que había brillado de forma candente durante el primer lustro de la década. Nirvana -y buena parte del movimiento alternativo- murió con Kurt Cobain. La escena del grunge comenzaba a dar paso a sonidos más pop e industriales. El rock dejaba lentamente de ser el género dominante en el mainstream. Sin embargo, antes de que el barco se hundiera, los Smashing Pumpkins tenían seis últimas palabras que decir: Mellon Collie and the Infinite Sadness. 

Casi sin buscarlo, y viéndose más como un Zero que como un hero, Billy Corgan lideró un último momento de grandeza alternativa con el lanzamiento del álbum doble conceptual de 28 canciones, las cuales se paseaban por diversos sonidos musicales, dejando atrás el enfoque más estridente y cargado de guitarras de sus dos álbumes previos. Temas como Bullet with Buttefly Wings y Fuck You nos daban todo lo que nos hizo amar a los Pumpkins, pero el futuro sónico del cuarteto de Chicago comenzaba a asomarse. El rock pesado estaba presente, seguro, pero la banda comenzó a experimentar con sonidos de piano en canciones como la que da nombre a la producción, una orquesta en vivo en Tonight, Tonight, así como sintetizadores y loops en la exitosa 1979.  

La crítica aplaudió a Mellon Collie, sobre todo por sus esfuerzos en alejarse del sonido clásico del grupo y atreverse a experimentar. Incluso algunos se atrevieron a llamarlo el The Wall de la Generación X. Si el álbum está a la altura del lanzado por Pink Floyd, es discutible. Lo que si es cierto es el favorito indiscutible de la mayoría de los fans del grupo. Billy Corgan, canta y guitarrista de la agrupación, reveló recientemente que la idea era celebrar el cuarto de siglo del álbum con una gira conmemorativa, pero que por razones de bioseguridad ese plan se ha visto aplazado hasta nueva orden. Por otra parte, el líder de la banda también confirmó que actualmente están trabajando en un álbum doble que cierre la trilogía que comenzó con Mellon Collie y continuó con Machina/The Machines of God. 

Feliz cuarto de siglo, Mellon Collie! Álbum que fue una importante banda sonora de mi adolescencia... casi al punto de la obsesión. 

 

Cinco veces en las que Eddie Van Halen se tomó la cultura pop

 

Una persona sabe que es gigante cuando trasciende su propio ámbito y consigue reconocimiento en áreas de la vida diferentes a la suya. En el caso de Eddie Van Halen, su enorme talento rompió las barreras de la música para invadir el mundo de la cultura pop. Su nombre se mencionó en películas, dibujo animados y hasta se dio el lujo de hacer una aparición fugaz en una de las sitcom estadounidenses más aclamadas de los últimos tiempos.

En The Big Bang Theory

En el episodio The Bat Jar Conjecture, Penny está haciendo un concurso de trivia con Leonard y Sheldon, una de las preguntas que les hace es: ¿Sammy Hagar reemplazo a David Lee Roth en qué grupo?, la respuesta es Van Halen, pero ellos contestan The Brady Bunch.

En South Park

En la decimoséptima temporada del controversial programa animado, la banda se presenta en un evento en Jerusalén en el que el cristianismo, el judaísmo y el islamismo se fusionan para formar una sola religión. En una pantalla sobre el escenario aparecen los logos de cada una de las mencionadas religiones, los cuales se mezclan para formar el logo de Van Halen, momento en el cual la banda toma el escenario para interpretar Ain' t Talkin' 'Bout Love y Hot for Teacher. 

En Bill & Ted's Excellent Adventure

En la película, lanzada en 1989, el espíritu cultural de la California de los 80 se muestra en todo furor, y si se habla de la California de dicha década, se debe hablar de Van Halen. En un de sus escenas, Bill y Ted (interpretados por Keanu Reeves y Alex Winter) afirman que si quieren tener éxito en el mundo de la música tienen que conseguir que Eddie Van Halen sea su guitarrista, pero que para tener al guitarrista en su banda deben antes grabar un buen video.

En Volver al Futuro

En este clásico del cine, Eddie Van Halen también tuvo su momento. En una de sus escenas, el personaje de Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, debe convencer a su padre de que vaya con su futura madre al baile del colegio. Para hacerlo, se aprovecha del amor de su padre por la ciencia ficción y se disfraza de ser extraterrestre quien lo despierta en medio de la noche con un estridente solo del legendario guitarrista. Brevemente podemos ver el cassette marcado con el nombre de Edward Van Halen. 

En Two and a Half Men

Al final del capítulo 818-jklpuzo, Eddie Van Halen hace una breve aparición. Durante todo el capítulo, el personaje de Charlie Sheen (Charlie Harper) se encuentra emocionalmente constipado, y -mientras está en un estudio de grabación junto a uno de sus intereses románticos- siente el llamado de la madre naturaleza, por lo cual va afanado en búsqueda de un baño. El baño está ocupado, pero su puerta se abre para revelar que quien lo estaba usando era Eddie Van Halen, quien le dice a Harper que será mejor que espere un minuto antes de entrar, para después tocar su guitarra y decirle que esa canción se llama "dos burritos y una cerveza de raíz flotante". 

¿Es The Joshua Tree de U2 el mejor álbum de los 80?

En una encuesta realizada por BBC Radio, los oyentes escogieron a The Joshua Tree como el mejor álbum de los 80, derrotando a pesos pesados de la década como Thriller, de Michael Jackson, al legendario Appetite for Destruction, de Guns N' Roses, a Prince y su Purple Rain, por nombrar algunos. El álbum, lanzado en marzo de 1987, ha vendido alrededor de 25 millones de copias a nivel mundial, pero ¿es el mejor álbum lanzado en la década de la laca y el copete Alf?

Sin duda, es uno de los mejores. Con canciones como Where the Streets Have No Name, I Still Haven't Found What I'm Looking For, y la conflictivamente romántica With or Without You, no hay forma de no hablar de un disco destacado, pero más allá de los éxitos y de su innegable impacto radial, además de los números en ventas y listados, debemos tener en cuenta su impacto cultural. ¿Es el mejor disco de U2? Tal vez. ¿Es el álbum que los terminó de consagrar? Sin duda. ¿Es el lanzamiento que más revolucionó los 80? No sé. Sí, su impacto en Estados Unidos fue enorme, llevándolos a hacerse gigantes en el país del Tío Sam e incluso a alcanzar la codiciada portada de la revista Time en su edición de abril de 1987, la cual los rotuló como "la boleta más apetecida del rock". continúa después de la foto...

Su impacto para el grupo, innegable. Para la cultura pop, también. Pero ¿fue realmente más contundente como muestra cultural que Thriller, Purple Rain, o Appetite for Destruction?. No lo sé, y con esto no pretendo robarle nada a The Joshua Tree, disco que tiene todo el derecho de estar en el pedestal en el que se encuentra. Tanto Michael Jackson, como Prince y Guns N' Roses tuvieron en los tres álbumes ya mencionados sus más emblemáticos logros. El Rey del Pop cambió para siempre la forma de ver videos gracias a cortometrajes como Thriller, y a la forma de contar historias de Beat It y Billie Jean, esto sin mencionar como invadió las frecuencias radiales. Por su parte, Prince creó una obra maestra con Purple Rain, además de una película. La canción que le da nombre a la producción tiene que ser una de las mejores de la historia, además de contar con uno de los solos de guitarra más majestuosos jamás interpretados. Guns N' Roses apareció en la escena como un trueno furioso para meterse en medio de tanto grupo glam prefabricado y recordar al mundo que el rock es frenético y estridente, dejándonos en dicho proceso el mejor álbum debut de la historia con Appetite for Destruction, el cual- dicho sea de paso- ha vendido más que el disco de U2, esto es relevante si el creemos a las cifras como señal de calidad, lo cual no siempre es así, pero ¿pueden 35 millones de copias estar equivocadas?

The Joshua Tree es y será siempre uno de los discos más importantes de los 80, ¿pero el mejor? Aún tengo mis dudas. Es muy difícil escoger el mejor en una década con tanta calidad y en la que todo estilo musical parecía funcionar.

 

In memoriam: Eddie Van Halen

 

En mayo de 1998, cuando estaba en Estados Unidos de vacaciones, vi en el periódico el anuncio de un concierto de Van Halen en Boston. No tenía la menor idea de que el grupo y yo íbamos a coincidir en la misma ciudad. Supe que tenía que estar allí, así que compré mi boleta. Fui solo, pues no vivía allí, por ende no tenía amigos en la ciudad, y nadie con quien estaba mostró interés alguno en acompañarme. Eran los días del álbum Van Halen III, el cual contó con Gary Cherone, de Extreme, en la voz. Probablemente es el peor disco del grupo, pero cualquier álbum de la banda siempre tuvo algo interesante. En este caso, canciones como Without You y la épica balada Year to the Day sacan la cara por la producción. 

Los días de gloria del grupo ya estaban atrás, es cierto, pero si hay algo que Eddie Van Halen nunca dejó de hacer fue encender su guitarra en fuego, haciendo solos majestuosos y siendo dueño de una técnica propia e inigualable. Justamente eso fue lo que hizo en aquella noche de primavera estadounidense: tomar su guitarra y hacer volar a todos quienes estábamos presentes, dejando a muchos con la boca abierta, literalmente. Hace unos 15 años por poco soy crucificado en una tertulia musical cuando afirmé que Eddie es el mejor guitarrista de la historia. Me tildaron de loco e irrespetuoso con el legado de Jimi Hendrix. Hoy, cuando nos toca despedirnos del guitarrista de forma prematura a causa de un cáncer que lo aquejaba desde hace años y en un año en el que nada parece salir realmente bien, el debate pasa a un segundo plano. Si Eddie es o no mejor que Hendrix es cuestión de gustos, no hay forma de definirlo con absoluta certeza. Lo que si es rotundo, contundente y certero, es que el día en que Eddie se colgó su primera guitarra y comenzó a tocar, la historia del instrumento nunca sería la misma. Tan influyente es su legado, que hasta el mismo Michael Jackson lo invitó a grabar en Thriller, su disco más aclamado. 

Lastimosamente, los integrantes de Van Halen nunca encontraron la fórmula para seguir activos, y, ya sea por motivos de salud o interminables disputas internas, no lograron ponerse de acuerdo para hacer mucho llegado el nuevo milenio. Sin embargo, su catalogo cuenta con 12 álbumes en los que podremos oír por siempre la maestría Eddie en las seis cuerdas. 

Soy un dios dorado: 20 años de Almost Famous

 

En una de las escenas más icónicas de la película, el músico Russell Hammond -interpretado por Billy Crudup- está de pie sobre un tejado gritando todo tipo de disparates, bajo la influencia de las drogas, por supuesto. "¡Soy un dios dorado!" es una de las locuras que exclama justo antes de saltar a una piscina, para dar inicio así al desenfreno de todos los asistentes a la fiesta, quienes se le unen en el agua. Si la esencia de la película se pudiera encapsular en una sola escena, sería en esa. Rebeldía, drogas, fiestas, drama, locura, eso es Almost Famous (Casi Famosos) cinta dirigida por Cameron Crowe, la cual está celebrando su cumpleaños número 20. 

El filme cuenta la historia del joven e inocente periodista William Miller, llevado a la pantalla grande por Patrick Fugit, quien consigue trabajo para Rolling Stone y es ordenado por la revista para seguir a la banda de rock en ascenso Stillwater. Al comienzo, los integrantes del grupo lo ven como "el enemigo", pero con el paso del tiempo y mientras Miller los sigue en su gira por Estados Unidos, le dan la bienvenida a su grupo, todo mientras el joven trata de balancear su trabajo con la vida loca de las estrellas de rock, sin perder su enfoque e identidad. 

Almost Famous un relato casi biográfico de su director, quien en sus años de juventud trabajo para Rolling Stone. Los sucesos que hacen parte de esta están basados en las vivencias de Crowe mientras iba de gira con bandas como Eagles, Lynyrd Skynyrd, Led Zeppelin, entre otras. El cineasta ha aceptado que durante este periodo perdió la virginidad, se enamoró, y conoció a sus ídolos. Stillwater, la banda ficcional creada para la película, está inspirada en la mezcla de una serie de músicos y grupos de la época. Artistas como Peter Frampton, Nancy Wilson, de Heart, y el guitarrista de Pearl Jam Mike McCready tuvieron que ver con la composición e interpretación de la música que se oye en la película. Jerry Cantrell, guitarrista de Alice in Chains y gran amigo de Crowe, fue inicialmente considerado para hacer el papel del bajista de la banda, pero en el momento se encontraba ocupado grabando Degradation Trip, razón por la cual no pudo aceptar el rol. 

Brad Pitt fue la primera opción para hacer el papel de Russell Hammond, pero abandonó el proyecto al no sentir conexión con el personaje. Entre otros de los grandes nombres que fueron considerados para la película, pero que por una u otra razón fueron descartados, se encuentran Natalie Portman, quien iba a interpretar a Penny Lane pero fue descartada por su apariencia inocente, y Jack Black, quien audicionó para el rol del periodista Lester Bangs, quien finalmente obtuvo el fallecido Philipp Seymour Hoffman. 

Lejos de ser una de las películas más aclamadas de la historia, aunque una de mis favoritas de todos los tiempos, Almost Famous alcanzó ha tener un reconocimiento no menor, ganando la estatuilla dorada en los Oscar en 2001, así como un par de Golden Globe. Si no ha visto esta película, le aconsejo que lo haga, sobre todo si le gusta la música o alguna vez ha ejercido periodismo musical. Tal vez vea algo de William Miller en usted o termine cantando el clásico de Elton John Tiny Dancer en un bus lleno de rockstars. 

En defensa de One Hot Minute, de Red Hot Chili Peppers

   

Portada del álbum de 1995.

La década de los 90 fue una década prolífica en la carrera de los Red Hot Chili Peppers, comenzando en 1991 con el lanzamiento de Blood Sugar Sex Magik, álbum que los terminó de catapultar, y finalizando con el consagratorio Californication. ¿Pero qué sucedió en el medio? El cuestionado One Hot Minute. 

Por estos días el álbum está cumpliendo 25 años, época propicia para analizarlo una vez más y ,tal vez, entenderlo de una manera diferente y hacerle justicia. Personalmente, este es mi disco favorito de los Chili. ¿Por qué? Simple: admiro la capacidad de reinvención de una banda. Para One Hot Minute, el grupo se vio casi obligado a reinventarse, ya que John Frusciante ya no estaba en el grupo. Su reemplazo, Dave Navarro, guitarrista de Jane's Addiction, siendo un músico tan diferente, obviamente traería nuevas influencias sónicas. Después de varias sesiones de ensayo, Navarro obtuvo la posición, a pesar de no sentirse del todo conectado con la música de la banda, admitiendo en su momento que "realmente no me conecta, pero cuando estás con unos tipos que quieres y con los cuales tiene camaradería, se disfruta hacer funk".

En julio de 1994, los Chili entraron a estudio para grabar, y -sin que los demás integrantes lo supieran- Anthony Kiedis, cantante, había caído de nuevo en la adicción a las drogas, dejándolo sumergido en un mundo oscuro en el que tenía que luchar con sus demonios internos. La dinámica en el grupo había cambiado. Con Navarro abordo, la forma de componer era distinta, pues Frusciante solía sentarse con Kiedis a escribir cosas, lo cual ya no pasaba con el nuevo guitarrista. Además, Flea se puso a la tarea de escribir, lo cual no era muy habitual antes. Por si esto fuera poco, a cargo de la producción entró Rick Rubin, quien trajo consigo una visión diferente. 

Lanzado el 12 de septiembre de 1995, One Hot Minute presentó a los Red Hot Chili Peppers tomando bastante distancia de sus raíces funk para explorar territorios más cercanos a la psicodelia y el heavy metal, tal como se muestra con claridad en Warped, primer sencillo del disco, canción en la que Kiedis revela sutilmente su oscuro estado anímico. En el video del track, Kiedis parece darle la bienvenida a Navarro con un profundo besos en los labios, escena que se pensó en eliminar, ya que los fans probablemente se alejaría, lo cual no fue así. La canción tuvo un digno desempeño en listados, a pesar de ser muy distinta a lo que la banda tenía acostumbrada a su fanaticada. Sin embargo, otros sencillos como My Friends y Aeroplane gozaron de mayor aceptación, pues en ellos se asomaban rastros melodiosos y funky más habituales. El álbum vendió menos de la mitad de copias que su antecesor, escalando así las tensiones dentro del cuarteto californiano.

Para 1998, Navarro ya no era parte del grupo, y la era One Hot Minute llegaba a su fin. Lastimosamente, el grupo ha decido ignorar el álbum. Sus canciones nunca hacen parte de su repertorio en vivo, excepto cuando Flea interpreta la juguetona Pea. Durante una sesión de preguntas en Reddit, el baterista Chad Smith señaló que "no nos sentimos conectados con ese álbum. No hay una razón en especial. No digo que nunca tocaremos alguna de sus canciones, pero en este momento no nos sentimos emocionalmente conectados con esa música". 

 

            

¿Flea tocó trompeta con Nirvana? Sí

Nirvana en vivo era un tiro al aire. Si bien sus presentaciones eran llenas de energía cruda y una furia inigualable, también solían ser desordenadas, impredecibles y no necesariamente agradables al oído. Kurt Cobain solía, a propósito, sonar excesivamente estridente y gritón. En esta apreciación no clasifica el MTV Unplugged, concierto que fue sencillamente una perfecta obra de arte. 

En enero de 1993, el trío de Seattle se encontraba en Río de Janeiro como parte de la alineación del festival Hollywood Rock, en el cual también participaron Alice in Chains, Simply Red, y los Red Hot Chili Peppers. La presentación de Nirvana es considerada hasta la fecha como la peor en toda la historia de la banda, pues -dicen las malas lenguas- Cobain estaba fuertemente intoxicado y muy nervioso por tocar antes una audiencia tan grande. Además, de un momento a otro decidieron dejar de hacer sus canciones e interpretar una serie de covers de artistas como Queen, Iron Maiden, The Clash, entre otros, que sonaron todo menos bien. El público, unas 110.000 personas, no tuvo más opción que chiflarlos. En entrevista con MTV en 1993, Dave Grohl recuerda dicho concierto como "un desastre". 

Para poner más leña al fuego, Cobain y su corte decidieron que sería una gran idea invitar a Flea, bajista de los Red Hot Chili Peppers, al escenario. Lo lógico habría sido invitarlo a que tocara el bajo en alguna de sus canciones, pero como las dos presentaciones que hizo Nirvana en ese festival tenían todo menos lógica, lo llamaron para que tocara trompeta en Smells Like Teen Spirit, un momento tan what the fuck?! como cuando Metallica grabó un álbum junto a Lou Reed (esperen más de esto en una futura publicación). 

¿Cómo sonó el clásico de Nirvana con trompeta a bordo? Un desastre, por supuesto, pero juntó a músicos en una presentación que, a pesar de su muy cuestionable calidad, hoy podemos recordar como un momento histórico y -tristemente- irrepetible entre dos fuerzas mayúsculas del rock.