Para 1997 Metallica ya había hecho grandes esfuerzos para sorprendernos: cortarse el pelo y bajarle al volumen de su música fueron dos de las cosas que nos dejaron boquiabiertos. Sin embargo, dentro de su álbum Reload, una colección de "sobras" del cuestionado Load, había una bomba más: la canción The Memory Remains, para la cual colaboraron con la cantante y actriz británica Marianne Faithfull.
Recuerdo la primera vez que la canción llegó a mis oídos. No me sorprendió que siguieran por ese camino de rock duro con tintes blues y cero thrash que ya habían presentado con Load, pero sí me asombró esa voz femenina que aparece a lo largo del tema. "de quién será esa voz de abuelita?", me pregunté. Luego, gracias a los poderes que la radio tenía entonces, me enteré de que era Marianne Faithfull, y así -sin querer queriendo-Metallica la puso en mi radar. Pero ¿cómo demonios llegó una artista que nada tenía que ver con la banda a una de sus canciones?
Mientras James Hetfield trabaja en la canción, específicamente en la letra, no sabía qué hacer con la parte de "la la la la". Quería escribir algo ahí, pero nada le salía. Fue cuando uno de los ingenieros del cuarteto le dijo que así estaba bien y que la canción no necesitaba letra ahí. The Memory Remains cuenta la historia de alguien que alguna vez fue famoso y ahora lidiaba con haber desaparecido, algunos dicen que se escribió pensando en Axl Rose, pero eso nunca ha sido comprobado ni negado, el caso es que Hetfield comenzó a cantar los "la la la", pero algo no le convencía. "Oía la voz de una mujer mayor en esa parte", señaló el cantante y guitarrista en su momento. Fue justo ahí cuando entró Faithfull a la foto, todo tras la recomendación de Bob Rock, quien coprodujo Reload.
Después de haber escuchado a Faithfull más a fondo, Hetfield dijo "tenemos que ir a buscarla. Fue uno de esos retos muy a lo Metallica". El resto es historia.
Para quienes somos seguidores del rock y, por supuesto, de los Rolling Stones, el hecho de que saquen su primer álbum de material original en casi dos décadas es una bendición épica y un deleite sublime. Pero, ¿Podrá el álbum 24 de Mick Jagger, Keith Richards, y Ron Wood causar algún tipo de impacto por fuera de las esferas del rock y llegar a nuevos oídos?
Hackney Diamonds, el primer álbum de los Stones sin Charlie Watts- bueno, al menos no en todas las canciones- llegará al mercado el 20 de octubre. Las sesiones de grabación comenzaron en 2020, pero fueron detenidas abruptamente por la pandemia. Tras el fin de las restricciones causadas por el covid y el regreso a la normalidad, la producción pudo ser completada. Según se ha dicho, el disco contará con invitados estelares como Lady Gaga, Elton John, Paul McCartney, y el regreso del bajista Bill Wyman, quien prestara sus servicios para la banda por 30 años, en una de sus canciones.
Suena hermoso, ¿no? Pero me pregunto si el álbum tendrá un impacto masivo. Los últimos lanzamientos del grupo (A Bigger Bang y Blue & Lonesome) fueron bien recibidos, pero no necesariamente causaron locura. Con Hackney Diamonds tengo la sensación de que algo grande va a pasar. Basta tan solo con ver la atención que genero el anuncio del disco y la presentación del primer video, con entrevista con Jimmy Fallon incluida. Por otro parte, como los viejos y sabios zorros que son los Stones, sabían que necesitaban de algún factor de mercadeo que los ayudara a impulsar la música nueva, por ende, consiguieron que Sydney Sweeney, una de las actrices jóvenes más aclamadas del momento, conocida por sus roles en Euphoria y The White Lotus. Siendo ambas series de gran aceptación entre los jóvenes, muy seguramente estos vieron el video del primer sencillo del álbum, Angry, y están teniendo su primer acercamiento a la música de Mick y su corte.
Pero no solo Sweeney atraerá oídos frescos, seguramente la presencia de Lady Gaga en la canción Sweet Sounds of Heaven hará lo propio. Otro de los grandes atractivos de Hackney Diamonds es la de Jagger, Richards, Wyman, y el fallecido Watts en "Live by the Sword", reuniendo así a 4 de los integrantes del grupo que grabaron el disco debut de 1964.
Cuando escuché por primera vez Angry, la primera reacción que tuve fue investigar qué tan nueva es realmente la canción. Pensé que tal vez era una pieza inédita de los 70, pues suena increíblemente vital y energética. La canción, como el resto del disco fue escrito y grabado en los últimos años. Independientemente de si el disco logra aclamación masivas o no, debería ser un absoluto honor ser testigos de cómo tres tipos de más de 75 años (el pelado del grupo es Ron Wood y tiene 76 años) se dan mañas de grabar un disco nuevo y sonar con tremendo voltaje...y no se les haga raro que hagan una gira de dos años por todo el mundo. ¡Ah! y no se les olvide que Mick Jagger tuvo una cirugía de corazón en 2019. Creo que todos podemos aprender algo de ellos. Larga vida a los Stones.
No quiero sonar a discurso de viejito, pero en los últimos tiempos me he preguntado constantemente si la industria musical algún día nos mostrará el nacimiento de una nueva leyenda de la música. Alguien quien en unas décadas podamos poner al menos en una mesa cercana , o la misma, de artistas como los Beatles, los Rolling Stones, Michael Jackson, Prince, Black Sabbath, entre muchos otros.
Lo más cercano que hemos estado de tener una nueva leyenda es Amy Winehouse. no cabe duda de que la cantante tenía una voz de leyenda y una pinta y actitud dignas de alguien especial, pero me cuestiono si su estatus de casi leyenda tiene que ver más con su muerte que con su legado. No me malentiendan. Estoy seguro de que iba en camino a ser una cantante épica, única, inigualable, pero lamentablemente no tuvo mucho tiempo para demostrarlo, ni tampoco nos dejó mucha música. ¿Escuché que dijo Adele? No creo que el rótulo de leyenda se le ajuste. ¿Justin Timberlake? Quizás en un tiempo.
La industria hoy por hoy no está hecha para crear leyendas ni para dejar que nazcan. Vehículos como MTV y la misma radio ya no son tan importantes como alguna vez lo fueron a la hora de masificar artistas, catapultarlos, y hacerlos grandes. Hoy por hoy tenemos a Spotify, pero no sé qué tan efectiva sea la popular aplicación de streaming a la hora de ayudar a un artista a convertirse en leyenda. La oferta de música es ENORME. Es como un río que nadie puede contener y se termina desbordando. Antes la radio y MTV ofrecían lo mejor de lo mejor, ahora es cada uno quien debe escoger qué es lo que más le gusta...y ahí muchísimo de dónde escoger, y no hay tanto tiempo para escuchar todas las canciones y álbumes que se ofrecen hoy en día. La competencia por la atención es simplemente brutal.
Lastimosamente, y espero estar equivocado, creo que nunca jamás volveremos a ver el nacimiento de un artista legendario. De una estrella, seguro, pero no de alguien realmente intocable, sublime, heroico. Diga usted, un John Lennon, un Mick Jagger, o un Gustavo Cerati, para acercarlo más a nuestro patio. La industria ya no da para eso, es más ¿Hay una industria aún que todavía pueda darle la patadita de la buena suerte a alguien?
Hace unas semanas, la actriz Jamie Lee Curtis afirmó que le gustaría mucho ver a Coldplay en vivo, pero que sus conciertos, como casi todos, comienzan muy tarde. Curtis sugirió algo: conciertos matiné. Es una idea interesante, pero ¿es viable? Analicemos.
Seamos realistas, a muchos de nosotros ya nos están alcanzando los años, y la idea de estar en un lugar diferente a nuestras viviendas o camas en horas de la noche ya no es tan atractiva como lo era antes. En mi caso, la asistencia a conciertos se ha disminuido con el paso del tiempo, pues simplemente me da física pereza hacer largas filas y estar horas y horas de pie. Recuerdo la primera vez que vi a Metallica. Era mayo de 1999. El concierto comenzaba alrededor de las 8 p.m., sin embargo, decidí llegar al lugar del mismo a las 6 a.m. Tenía 18 años y el físico para soportar 12 horas de fila y luego otras tantas de concierto. Hoy, a casi cuarto de siglo de dicho evento, no hay opción alguna de que llegue a un concierto a la misma hora en la que los gallos comienzan a cantar. De hecho, a los últimos conciertos a los que he asistido, he llegado sobre el tiempo. Hace un mes, por ejemplo, entré al concierto de Def Leppard y Mötley Crüe 10 minutos antes de que comenzara. En 2016, los Rolling Stones comenzaron a tocar cuando yo apenas estaba entrando.
Hay quienes llegan/llegamos a los conciertos relativamente tarde ya sea por responsabilidades o por pereza de hacerlo antes. Otros, tal vez más jóvenes, lo hacen con horas y hasta días de anticipación. Incluso acampando en los predios del lugar. En el pasado, diferentes grupos hacían varias presentaciones en un solo día. En sus comienzos, los Beatles hacían unas 6 presentaciones por día, comenzando en horas de la tarde. ¿Por qué no hacer uno que otro concierto así? Pues bien, hay muchas cosas que, para bien o para mal, juegan en contra de conciertos diurnos. La primera es que serían imposibles de hacer entre semana. ¿Cuánta gente iría a un concierto un martes a la 1 p.m.? Seguramente muchos, pero no tantos como si fuera en la noche. Imagínense la cantidad de empleados pidiendo permiso para salir del trabajo temprano, y la cantidad de jefes bravos porque media oficina se quiere ir rápido al concierto de x artista.
Por otra parte, un concierto de día, a menos que sea en un lugar cerrado, pierde un gran porcentaje de su atractivo, pues probablemente no se usarían ni luces, ni láseres, ni pirotecnia, elementos que hacen, en resumen, que un concierto sea un concierto. Si han visto presentaciones de artistas en el verano europeo, seguramente habrán notado que estas suelen comenzar cuando aún no ha caído la noche. Se ve rarísimo. Otro elemento que hace poco viable llevar acabo espectáculos en horario martiné es la venta de alcohol, la cual disminuiría fuertemente en eventos diurnos, y -si el concierto es en un bar- a los dueños del establecimiento poco les va a interesar esto.
Si bien un concierto de día, diga usted que comience a las 7 p.m. y no a las 10 p.m. sería una belleza para quienes ya poco nos gusta trasnochar o tenemos obligaciones tempraneras el día siguiente, creo que estos nunca van a suceder y , por las razones ya expuestas, son muy poco viables. Tal vez, y esto lo he visto pasar en Colombia, algunas bandas puedan hacer dos presentaciones en un día. Una más íntima para seguidores menores de edad en horas de la tarde, y otra ,la principal, en horas de la noche. Estaría en manos de los músicos, y desde ya puedo ver a más de uno negándose a tocar dos veces en un día. ¿Ustedes creen que Mick Jagger y los Stones se le medirían a dos conciertos en un mismo día? Yo no creo. El impacto físico para el artista sería muy fuerte.
Mi querida Jamie Lee Curtis, creo que tendremos que seguirnos poniendo la 10 e ir a los conciertos en horarios habituales. Cada vez cuesta más, sí, pero son un sacrificio/incomodidad por un rato, y el júbilo por haber visto a un artista en vivo dura toda la vida.
Hoy en día que una banda transmita sus presentaciones por Internet es todo menos novedoso. Tal vez hasta antes de la pandemia del COVID-19 lo era, pero debido a las cuarentenas impuestas alrededor del mundo, se convirtió en algo absolutamente normal y habitual. Muchos artistas, al no poder hacer conciertos, decidieron tocar desde sus casas. Pero ¿se imaginan usar la Internet para llevar al mundo un concierto en 1993? La banda estadounidense Severe Tire Damage lo hizo.
El 24 de junio de 1993, la banda estaba tocando en Xerox PARC, una compañía de desarrollo e investigación tecnológica. Científicos de dicha empresa estaban ingeniando la manera de transmitir al mundo a través de la red, lo que hoy se conoce como streaming. Una vez lograron encontrar la manera, transmitieron los ensayos y presentaciones de Severe Tire Damage, cuyos integrantes también eran tecnólogos informáticos. Lastimosamente, semejante logro tecnológico no fue visto por muchos, ya que sus transmisiones en vivo llegaron prácticamente solo hasta Australia...hasta que los Rolling Stones entraron a escena.
A finales de 1994, los Stones decidieron transmitir por Internet uno de sus conciertos, y los liderados por Mick Jagger tuvieron la idea de que Severe Tire Damage fuera su banda telonera, lo cual puso a esta humilde banda en los ojos y oídos de millones de fanáticos en todo el mundo, pasando de ser un grupo de geeks a estrellas de rock, así fuera tan solo por un instante.
Si bien la banda ha sido olvidada (injustamente) por el tiempo, en su carrera han lanzado un álbum, Who Cares, y un EP, Trial Starter Kit, los cuales son un curioso paseo por sonidos rock y punk. Su página de Internet es un hermoso homenaje a cómo lucían las páginas web en los 90, además de tener toda la información actualizada sobre su historia y una muy nostálgica sección de merchandising, la cual -muy a lo Kiss- estaba engalanada por curiosos productos como fósforos y condones. Su música, para los curiosos, se puede encontrar en Spotify.
Cada día en cada rincón del mundo algún artista aparece en vivo por Internet, cuando vean una transmisión de estas, recuerden siempre que lo que es hoy mundano, en 1993 fue sabiduría tecnológica del más alto nivel. Cortesía de Severe Tire Damage.
Ir a un concierto es sinónimo de alegría y de pasar un buen rato. Sin embargo, ha habido ocasiones en las que, por diferentes razones, la felicidad se convierte en caos y descontrol. Tal fue el lamentable caso del festival Astroworld, en el que 8 personas perdieron la vida y hubo más de 300 heridos. Estos son algunos de los conciertos de la historia que terminaron en tragedia.
Pearl Jam en el festival Roskilde, junio de 2000
El grupo de Seattle encabezaba el cartel de artistas que se presentaron en el festival danés. Tras varios días de lluvia, el terreno se encharcó y se llenó de barro, lo cual hizo que este se pusiera peligrosamente resbaloso. Cuando Eddie Vedder y su combo tomaron el escenario, los seguidores del quinteto corrieron hacía el escenario, generando una estampida que dejó 9 personas fallecidas. En los años posteriores a la tragedia, los integrantes del grupo han conocido a algunos de los familiares de las víctimas y, según dicen, se han vuelto cercanos a ellos.
Colapso del escenario en la Indiana State Fair, agosto de 2011
Una fuerte tormenta con vientos de más de 60 millas por hora soplaron en el lugar donde se llevaba a cabo el evento, haciendo que el escenario colapsara apenas unos minutos después de que los organizadores pidieran a los presentes buscar refugio. Como resultado de las fuertes ráfagas de viento, siete personas perdieron la vida, y 58 fueron heridas. Según las investigaciones posteriores, en el lugar había varias violaciones del código de seguridad, así como un débil plan de emergencias.
Incendio en el club The Station, febrero de 2003
La banda de rock Great White estaba tocando el club de Rhode Island, cuando su mánager encendió fuegos artificiales que causaron que la espuma de insonorización del lugar se prendiera en llamas, las cuales se propagaron rápidamente por el lugar, causándole la muerte a 100 personas e hiriendo a más de 200. Entre las víctimas fatales del suceso estuvo Ty Longley, guitarrista del grupo. El mánager de la banda y los dueños del lugar fueron acusados por homicidio involuntario, y estos últimos fueron a prisión.
Concierto de The Who en Cincinnati, diciembre de 1979
Cientos de fanáticos del grupo inglés llegaron temprano al sitio del concierto para asegurarse un buen lugar una vez adentro. Cuando las puertas se abrieron, los asistentes corrieron y empujaron, creando una estampida que reclamó la vida de 11 asistentes. The Who había organizado una presentación en la ciudad, en la que no han tocado desde entonces, pero los planes tuvieron que ser aplazados por la pandemia del coronavirus.
Los Rolling Stones en Altamont, diciembre de 1969
Altamont había sido creado con la intención de que fuera una especie de Woodstock parte 2, pero la paz y el amor no estuvieron presentes. Artistas como Santana y Jefferson Airplane estuvieron en el festival, pero la falta de planeación y la no muy brillante idea de que los Hell Angels, una pandilla de motociclistas, velaran por la seguridad del evento, crearon tensiones entre ellos, los artistas, y asistentes. En medio del set de los Stones y antes los ojos de Mick Jagger, un miembro de "seguridad" apuñaló a un integrante de la audiencia, quien le habría apuntado con un arma de fuego. Para muchos, el caos de este concierto es considerado como el final oficial de la generación de la paz y el amor.
Sobresalir en un grupo de rock nunca ha sido tarea fácil, mucho menos cuando se tiene de compañeros a Mick Jagger y Keith Richards, dos huracanes sobre el escenario y fuera de él. Fue precisamente ser diferente lo que hizo que Charlie no pasara desapercibido. Jagger y Richards eran los encargados de prender las luces, Watts era quien las mantenía encendidas con su pulcritud a la hora de tocar. Dicha elegancia y caballerosidad en su interpretación de la batería eran fiel reflejo de su carácter y personalidad. Rara vez se le veía mal vestido. Rara vez se le escuchaba fuera de tiempo. Rara vez (más bien nunca) se sabía algo escandaloso de él. Estuvo con la misma mujer desde 1964, fidelidad inusual en el mundo del rock.
Tras su fallecimiento en Londres a los 80 años, deja un inmenso legado junto a los Rolling Stones, banda en la que estuvo desde 1963, siendo -junto a Jagger y Richards- el único integrante de la legendaria banda en grabar todos sus álbumes.
Paz en su tumba y volumen alto a su música, con la cual todos a quienes los gusta el rock crecimos escuchando.
¿Qué hace de una presentación en vivo un evento memorable? La música, el escenario, el público, sí. Pero, en ocasiones, la controversia.
Janet Jackson y Justin Timberlake en el Super Bowl de 2004
El show de medio tiempo del Super Bowl, además de ser una gran fuente de audiencia, es un momento seguro para todas las edades. Pues bien, en la presentación de los dos iconos pop eso no fue tan así, ya que hacía el final de la misma, Timberlake despoja a Janet Jackson de un pedazo de su corsé, dejando al descubierto el pezón de la cantante, el cual estaba decorado con un accesorio en forma de sol. El escándalo fue mayúsculo, a tal nivel que el incidente fue portada de varios diarios al día siguiente. Como consecuencia del suceso, gracia a ese momento la televisión comenzó a trasmitir el espectáculo de medio tiempo con algunos segundos de retraso, para poder censurar lo inapropiado. Por muchos años se especuló que todo fue planeado, a pesar de que ambos cantantes afirmaron que todo había sido un accidente. Recientemente, la estilista de Jackson reveló que la idea de dejar a la cantante al descubierto fue del mismo Timberlake.
Los Rolling Stones en Altamont
Unos meses después de Woodstock, los Stones decidieron organizar un festival que resaltará el poder de la música estadounidense, pero todo se fue al demonio cuando Mick Jagger y su corte tomaron el escenario. Durante la presentación del grupo británico una asistente fue apuñalada por un miembro de la pandilla de motociclistas Hells Angels, encargada de la seguridad del evento. Lo que se suponía iba a ser una celebración de la generación del peace and love terminó siendo el caos que acabó con el sueño hippie.
The Doors en el show de Ed Sullivan
Cuando el grupo estadounidense liderado por Jim Morrison fue invitado al famoso show, la idea era interpretar su éxito Light My Fire, pero había un problema: Sullivan le pidió a Morrison que no cantara la frase "we couldn't get much higher", por su supuesta alusión a estar bajo el efecto de las drogas. ¿Qué hizo el cantante? Ser fiel a su naturaleza rebelde y desobedecer. A consecuencia de esto, a los Doors se les prohibió volver a aparecer en el programa.
Elvis Presley en el show de Ed Sullivan
En la década de los 60, aparecer en el show de Ed Sullivan era un paso obligatorio para llegar a la cima del éxito (pregúntenle a los Beatles). Presley, el Rey del Rock N' Roll, no podía faltar. Cuando el cantante comenzó su presentación y sus caderas comenzaron a moverse de maneras nunca antes vistas hasta entonces, el mundo se escandalizó, ya que dichos movimientos eran considerados sucios y obscenos por aquel entonces.
Woodstock '99
El aniversario 30 del legendario festival fue promocionado bajo el lema de "tres días más de paz y amor". Lastimosamente no todo fue paz y amor, ya que a lo largo de los tres días del evento hubo incendios, vandalismo, y agresiones sexuales. Dos momentos específicos fueron señalados como catalizadores de los sucesos: la presentación de Limp Bizkit, en la que el grupo emanó tanta energía que los espectadores comenzaron a romper cosas, y el cierre a cargo de los Red Hot Chili Peppers, quienes hicieron su versión de Fire, clásico de Hendrix, lo cual fue tomado como el público como banda sonora perfecta para quemar todo.
Metallica en los premios MTV Europa de 1996
El 16 de noviembre de 1996, en el marco de la entrega europea de los premios MTV, Metallica le hizo matoneo extremo a la cadena de televisión. El cuarteto de San Francisco iba a presentar su canción King Nothing en vivo, pero el plan cambió cuando ejecutivos del otrora canal de música pidieron a la banda que no dijera palabras obscenas durante su actuación. Esto disgustó tanto al grupo, que decidieron -sin decir a nadie- tocar algo diferente. En vez de King Nothing, las leyendas del metal interpretaron dos covers: Last Caress, original de los Misfits, y So What, de Anti-Nowhere League. La primera, habla sobre matar a un bebé y asesinar a una madre. Por su parte, la segunda cuenta la explicita historia de un hombre que ha tenido sexo con la reina, con una cabra, una oveja, además de tener sexo oral con un anciano, usando malas palabras en más de una docena de ocasiones.
Hace un par de semanas, quizás algo más, me dio por ver videos de Stone Temple Pilots en vivo, y me encontré con una presentación en 2001 de Plush y Trippin on a Hole in a Paper Heart. En cuanto terminó, puse en los comentarios del video que si fuera profesor de música, aquella sería una de las cosas que le mostraría a mis estudiantes en la materia de Manejo del Escenario y del Público 101. La puesta en escena de Weiland era tan impecable como arrolladora. El tipo parecía un huracán, un demonio. Entendía todo. Hacía todo bien. Muy afinado, algo que falla en la gran mayoría de cantantes cuando se presentan en vivo. Tenía la pinta, las movidas de Mick Jagger con el mojo de Jim Morrison y la voz de David Bowie. Se acercaba al público. Hacía sentir a los asistentes al concierto como parte vital del mismo. Si Weiland fuera clavadista, y yo juez, el cartel que sacaría 10.
Se preguntará, ¿por qué carajos este tipo habla de Scott Weiland así como de la nada? Pues bien, no es tan fortuito este texto, ya que quien fuera cantante de los Stone Temple Pilots y Velvet Revolver dejó el plano físico un día como hoy hace 5 años. Me pareció un número redondo para celebrar su legado. No quisiera sonar como un viejito de mediana edad (aunque efectivamente soy un viejito de mediana edad), al que todo lo pasado le parece mejor, pero vocalistas e interpretes como él ya no se dan. Los reto a que piensen en alguien como él que haya salido a escena en los últimos 10 años. Si lo encuentran, con gusto debatimos. Weiland fue parte crucial del éxito de Stone Temple Pilots. Éxito que lo puso en el radar de Slash, Matt Sorum y Duff Mckagan, exintegrantes de Guns N' Roses quienes vieron en él al frontman perfecto para Velvet Revolver, por no hablar de otro súpergrupo para el cual prestó sus servicios: Art of Anarchy. Tan bueno y camaleónico era, algo que le heredo a Bowie, que le alcanzó la voz para grabar un álbum de canciones de Navidad.
Era, además, muy respetado por sus colegas, tanto así que artistas como Sheryl Crow, Deftones, Limp Bizkit, entre otros, colaboraron con él. Lastimosamente, su talento es otro de los tantos que se vieron cortados por el monstruo de las drogas, pero su legado es tan grande que hoy, un lustro después de su partida, seguimos recordando y cantando sus canciones.
El mundo pasa por días muy difíciles. Nuestra tranquilidad está siendo puesta a prueba como nunca. Sin embargo, entre más fuerte la situación, nosotros debemos ser igual o más fuertes. Fuertes no significa no sentir miedo o evitar llorar, fuertes quiere decir tomar medidas, ser juiciosos, aceptar las emociones que tengamos. No es hora de ponernos a jugar ni de ser rebeldes o ciegos ante esta nueva realidad. Este momento pasará, seguro, pero debemos actuar ya para que pase más rápido. Lavemonos las manos al menos cada dos horas, usemos gel antibacterial en caso de no tener agua y jabón, revisemos nuestro estado de salud y el de los nuestros, no saludemos de mano ni de beso o abrazo, meditemos, oremos, y -por sobre todas las cosas- quedémonos en casa.
La siguiente es una lista de canciones acerca de estar en casa.
Mötley Crüe- Home Sweet Home
Sin duda una de las power ballads más representativas de los 80 y que muestra que los chicos malos por excelencia del rock también tiene su lado suave. Lejos de letras sobre fiestas y excesos, la canción habla sobre sentirse agotado de estar de gira y querer volver al hogar, dulce hogar.
Rolling Stones- Please Go Home
En esta canción escrita por Mick Jagger y Keith Richards para el álbum Between the Buttons de 1967, los Stones le suplican al destinatario de la letra que vaya a casa, que no es momento para estar por ahí. Cuando Jagger y Richards, dos de los personajes más rebeldes del rock, imploran el regreso a casa, hay que hacerles caso.
Ozzy Osbourne- Mama, I'm Coming Home
Hay quienes dicen que esta canción habla sobre la drogadicción del Padre del Metal, otros afirman que trata sobre el deseo de volver a casa tras estar de gira. Las primeras líneas de la canción son casi proféticas y parecen casi como un valioso consejo de Ozzy: "los tiempos han cambiado y son extraños. Aquí voy, pero no soy el mismo. Mamá, estoy regresando a casa".
Blind Melon- Tones of Home
La gran mayoría de gente conoce al grupo estadounidense únicamente por el súper éxito No Rain. Sin embargo, los otrora liderados por Shannon Hoon, son mucho más que eso, y esta canción es prueba de ellos. Pintar nuestras vidas con tonos de casa es justo lo que necesitamos en estos días.
Depeche Mode- Home
Si bien esta canción no le habla al hogar en su forma física y visible sino más bien a un estado de ánimo en el que se encuentra una anhelada sensación de tranquilidad mental que se siente tan cómoda como el hogar, sus líneas pueden extrapolarse y adaptarse al deseo e intención de ir a casa y permanecer allí.
Dejar de hacer algo debe ser muy difícil. Retirarse de una actividad que uno lleva haciendo toda la vida ha de ser psicológicamente impactante, pero la realidad es que a todos nos llegará la hora de dejar de hacer algo, ya sea por que no nos gusta más, ya no somos buenos en ello, por quebrantos de salud, o nadie aclama nuestra labor. A los músicos les pasa igual, a pesar de que tendemos a verlos como seres intocables e inmortales. Mucha culpa la tenemos nosotros, pues pedimos más y más de ellos como si fueran robots.
Con ustedes un forzoso top 5 de artistas que, al menos en mi concepto ya dieron todo lo que tenían para dar y deberían colgar la toalla.
1. Rolling Stones
Como roquero que soy y gran admirador de los "Dinosaurios del Rock", creo que es hora de que los Stones digan adiós. Respeto su longevidad y entereza, pero a Charlie Watts (baterista) se le notan los brazos cansados, y -por si fuera poco- Mick Jagger acaba de ser sometido a un delicado procedimiento cardiaco. Seguro lo veremos volver a los escenarios, pero ya su cuerpo le dio una serie advertencia, y no queremos que se nos desplome en medio de una presentación, ¿o sí? Keith Richards debería armar toldo aparte y salir de gira otros 50 años.
2. Charly García
El rock en español le debe mucho, si no todo, a Charly García. No creo que sea posible que exista un músico latino que no tenga algo de él en su música. Si bien sus quebrantos de salud son materia pública desde hace muchos años, personalmente no sabía que estaba tan mal hasta que vi su biografía en Natgeo. Es casi doloroso ver lo que le cuesta montarse a un escenario hoy por hoy. Casi que ni la boca puede abrir para cantar y la agilidad para tocar piano lo ha ido abandonando. Te queremos, Charly, pero duele verte así.
3. Madonna
No tengo absolutamente nada en contra de la gente mayor. ¡Carajo! Después de todo yo no es que sea muy niño que digamos, pero sé que hay un punto en la vida en el que hay cosas que ya no se ven bien. Por ejemplo, yo dejé de ser un ave de la noche y bares hace casi una década, pues me veía ridículo y me sentía igual. En el caso de Madonna, al bailar se le ve pesada y carente de la agilidad de antaño. Y es normal, ya no tiene 21 años, tiene 60. Por si fuera poco, su música clásica ha envejecido terriblemente mal (no sé si haya una canción más anticuada que Material Girl) y cuando ya hasta te toca hacer dúos con Maluma creo que es mejor irse a tejer sacos.
4. Limp Bizkit
La época en la que los liderados por Fred Durst mandaban en el mundo de la música pasó hace dos décadas. Sus canciones eran himnos de rebeldía para la juventud, pero esa juventud ya envejeció y ellos también. Una cosa es cantar a la locura adolescente a los 23 años y otra cosa muy distinta es hacer lo mismo a los casi 50. Si bien el grupo sigue tocando con regularidad en vivo, su público se ha reducido gradualmente y no ha rejuvenecido. Hace varios años Limp Bizkit lleva amenazando con un nuevo álbum, pero ¿a quién le interesa? Parece que ni a ellos.
5. Ozzy Osbourne
A sus casi 70 años el padre del metal está en una etapa en la que la más leve brisa se lo lleva volando. Si hay algo que nunca hago es burlarme de los problema de salud de las personas y aquí no lo estoy haciendo, pero a Ozzy se le ve muy sensible. Le da gripa y termina hospitalizado por neumonía y aplazando su gira hasta el otro años. Hace unas pocas semanas sufrió una lesión cuando iba a acostarse y se tropezó con un zapato. Cuando hasta acostarse a dormir se vuelve un deporte extremo es hora de parar. Ozzy, creo que tus días de morder palomas terminaron.
Artistas que se salvaron por un pelo de estar en este top: Backstreet Boys (ya ni boys son), Kiss (porque ya se están retirando), Bon Jovi (a sus conciertos solo van soccer moms), Stone Temple Pilots (sin Scott Weiland nunca lo van a a lograr).
2016 parece no querer parar de llevarse iconos: David Bowie, Glenn Frey, Prince, entre muchos otros. Ahora se nos lleva a George Michael, una voz increíble.
El año era 1996. Tenía apenas 15 años y estaba en mis años de formación musical. Era una época en la que, si bien la escena grunge del primer lustro de los 90 estaba de salida, rock era lo único que escuchaba. Un día de comienzos de enero de dicho año, vi en MTV el video de Jesus to a Child, el primer sencillo del nuevo disco de George Michael: Fastlove. Algo me gustó mucho de la canción, pero no sabía qué era, y aún hoy no lo sé. Tal vez era el video. Tal vez la letra (un homenaje a Anselmo Feleppa, pareja de Michael que falleció por complicaciones causadas por el sida). Quizá era su música y la melancolía de su voz. Quizá eran todas las anteriores. Pasaba largos ratos frente al televisor esperando a que votara el video. Hasta que un día lo logré grabar en una cinta de VHS y lo veía varias veces seguidas.
Semanas después, aún con la canción en mi cabeza, pasé por la vitrina de una tienda de discos cerca a mi casa y vi el sencillo de Jesus to a Child. Quise comprarlo, pero mi ego rockero no me lo permitía. Lo pensé y lo pensé y dije "¡qué demonios! Tengo que tenerlo", así que fui a la discotienda y dije que quería comprarlo, pero -para no herir ese ego grunge y ocultar mi gusto por la canción- pedí que lo empacaran en papel regalo, pues era para otra persona. Llegué a mi apartamento y lo escuché infinidades de veces. Es un canción supremamente extraña, muy lenta y hasta aburrida, pero su sentimiento es único. Eso fue lo que me atrajo de George Michael: su sentimiento y cómo convertía sus emociones en melodías inolvidables. Baladas como Kissing a Fool, One More Try, Father Figure, y Careless Whisper (en mi opinión, la canción más romántica de la historia) son prueba de ello.
Nuestros íconos se están yendo. Lo más triste es que ninguno de ellos se está poniendo más joven y en los próximos años, lastimosamente, se nos seguirán yendo. Así que aprovechemos a los Gilmour, Waters, McCartney, Starr, Steven Tyler, Jagger, Richards, entre otros.
Tras pasar un buen tiempo analizando y oyendo una y otra vez una lista de 60 álbumes, he aquí los 25 que fueron mi banda sonora de la década que acaba de concluir. Algunos han aparecido en listados de diferentes publicaciones, otros no figuraron en absoluto. Esperen este martes la parte 2.
25. MÖTLEY CRÜE- New Tattoo. 2000 Después de unos cuantos intentos fallidos en los 90 por hacer que su música sonara moderna, los Santos de los Ángeles regresan a ese sonido más Sleaze que los hizo tan famosos en los 80 y con letras alusivas al sexo, alcohol, strippers y bares, sin duda algo de lo que Vince Neil y compañía saben bastante. Con el fallecido Randy Castillo (Ozzy Osbourne, Lita Ford) en el lugar de Tommy Lee y la producción de Mike Clink (Guns N´Roses, Megadeth), este es un álbum perfecto para pegarse un Trip nostalgico por la década de la laca y el spandex.
24. ANGELS AND AIRWAVES-We Don´t Need To Whisper. 2006 Después de la separación de Blink 182 en 2005, Tom Delonge, guitarrista y uno de los cantantes del trío californiano, no se quedó de brazos cruzados y demostró que puede ser el único a cargo de las labores de frontman en una banda. Junto a Atom Willard (The Offspring, Rocket From The Crypt), Ryan Sinn (The Distillers) y David Kennedy (Box Car Racer), Delonge se embarcaría en una nueva aventura sónica que lo alejaría del Pop Punk de su anterior grupo y lo acercaría más a los sonidos del space rock y dream pop.
23. RAGE AGAINST THE MACHINE-Renegades. 2000 Lanzado un par de meses después de la separación de la banda, este álbum, lleno de la rebeldía y cojones típicos de Rage, es una colección de covers de artistas como Bob Dylan, MC5, Minor Threat, Cypress Hill, entre otros, que nos deja oír las raíces e influencias musicales de esta agrupación que, según Scott Ian (Anthrax), es la única que supo llevar un paso más lejos lo que ellos hicieron en 1991 cuando se juntaron al grupo de Hip Hop Public Enemy para hacer una nueva versión de Bring The Noise, antes de que los RATM se convirtieran en los pioneros del Nü Metal.
22. THE ROLLING STONES-A Bigger Bang. 2005
Producido por Don Was y los Glimmer Twins (Mick Jagger y Keith Richards), el álbum de estudio número 22 de los interminables Stones es una clara demostración de que la fuerza rockandrollera del grupo está intacta y que el espíritu creativo de la dupla Jagger/Richards permanece tan vital como siempre. Tal vez éste no sea el mejor álbum de los Rolling Stones, pero estamos ante una banda que lleva 5 décadas lanzando música y, en estos tiempos en los que escasean las rockstars, los escurridizos movimientos de Jagger sobre el escenario, el comportamiento rebelde de Richards y el sonido sucio de la música de estos dinosaurios del Rock, no dejan de causar gran impacto.
21. WOLFMOTHER. Wolfmother. 2005 Guiados por la estridente voz y guitarra potente de Andrew Stockdale, este grupo australiano combina la psicodelia de los 60, el hard rock de Led Zeppelin y el heavy metal de Black Sabbath con sonidos de grupos más modernos como The White Stripes y el stoner rock de Queens of the Stone Age. Canciones como Dimension, Joker & The Thief y Witchcraft hacen de este álbum una oda a lo que el rock n´ roll debe ser: suciedad, mística y mucha diversión.
20. INCUBUS. Morning View. 2001 Tal vez uno de los álbumes más subvalorados de la década y de la discografía misma del grupo, pero con 13 canciones que muestran a un Incubus camino a la madurez y dejando un poco de lado su faceta más pesada para concentrarse en baladas como “Mexico”, “11 am” y experimentar con instrumentos chinos en “Aqueous Transmission”, canción cuyo propósito según Brandon Boyd, cantante de la banda, es “Hacer que el oyente se orine en sus pantalones” tras caer en un estado total de relajación.
19. AUDIOSLAVE. Audioslave. 2002. Cuando este supergrupo lanzó su álbum debut y autotitulado, dos cosas me cautivaron: Tener de regreso a un Chris Cornell más agresivo y “gritón”, factores que fue perdiendo a medida que su carrera solista fue progresando, y oír de nuevo la genialidad de Tom Morello en la guitarra, pero esta vez demostrando que, además de ser un experto en crear sonidos que desafían las leyes del instrumento, puede mezclar el ser agresivo, sensible e increíblemente melódico. Lastimosamente la banda se desintegraría debido a diversos proyectos musicales como la carrera solista de Cornell, el Nightwatchman de Morello, la reunión de Rage y los infaltables roces personales.
