¿Qué pensamos sobre la nueva canción de los Beatles?

 

Cuando se anunció el lanzamiento de una nueva canción de los Beatles, tuve serias dudas sobre su calidad. Usualmente, estas canciones recicladas y rescatadas del olvido, por no mencionar el hecho de ser grabadas en diferentes periodos, son un desastre. Now and Then es una total excepción de esto.

Era el final de los 70 cuando John Lennon se sentó frente a un piano en su apartamento e hizo una muy casera grabación de la que hoy conocemos como "la última canción de los Beatles". Teniendo en cuenta que para entonces el cuarteto de Liverpool ya no existía, seguramente Lennon planeaba incluirla en algún futuro álbum solista. Lastimosamente, el destino tenía otros planes para él. Casi dos décadas más tarde, en 1994 para ser exactos, Yoko Ono, viuda del músico, le entregó a Paul McCartney un tesoro invaluable: un caset con grabaciones caseras no terminadas o lanzadas de Lennon. Junto a McCartney, Ringo Starr y George Harrison, se pusieron en la tarea de trabajar en dicho material, lanzando Free as a Bird y Real Love en los compilados Anthology. Cuando comenzaron a trabajar en Now and Then, no tardaron en darse cuenta de las múltiples dificultades que la grabación casera representaba, incluyendo mucho ruido y no poder separar la voz de Lennon del piano. 

Según cuenta McCartney, el descontento de George Harrison con la pieza fue una de las principales razones por la cual nunca hicieron nada con la canción. En entrevista con Q Magazine en 1997, Macca confesó que su compañero de banda describió la grabación "puta basura". Now and The acumuló polvo por casi 20 años, hasta que en 2022 McCartney y Ringo Starr decidieron revivir el proyecto y finalizarlo de una vez por todas. En esta ocasión, gracias a los avances tecnológicos y a la inteligencia artificial, pudieron lograr lo que querían con la grabación: darle un toque prístino y agregarle partes frescas, como una muy "Beatlesca" sección de cuerdas. En una reciente entrevista, McCartney aclaró que, ante la controversia por el uso de inteligencia artificial, que esta solo se usó para rescatar y mejorar la voz y piano de Lennon, pero que el aporte de cada Beatle es 100 % real.

El resultado es, al menos en mi opinión, una absoluta belleza de canción. Tenía grandes dudas. Por lo general, estas canciones ensambladas con tantos problemas y en tantas sesiones divididas en tantas décadas son un fiasco, pero McCartney, Starr, y Harrison supieron exactamente qué hacer con la grabación de Lennon, quien les dejó una melodía bastante buena y una letra de amor hermosa. Si la canción salía mal, hubiera sido todo culpa de lo que los otros tres. Hubiera sido como recibir un pase al frente de un arco despejado y mandar el balón a la tribuna. 

Quizás aún más lindo que la misma canción es su video. En este se ven a los cuatro Beatles juntos haciendo música y una que otra pilatuna. Lo más interesante de este son las imágenes de las sesiones de mediados de los 90, en las que se aprecia como los Beatles sobrevivientes trabajan en Now and Then, con un McCartney cantando la canción, mientras Ringo y Harrison hacían lo suyo. 

Dios quiera esta no sea realmente la última canción de los Beatles, y que alguien en algún lugar encuentre alguna otra grabación inédita, pero sí lo es, es una despedida por lo alto, en un año que parece más 1965 que 2023, esto si tenemos en cuenta que los Rolling Stones también nos regalaron música nueva. 

In Memoriam: Randy Meisner (Eagles)

 

Cada gran banda tiene un integrante que se escapa un poco de los flashes de las cámaras. Que se hace a un costado del escenario dejando que otros se roben el show. Un arma secreta y silenciosa pero efectiva. Que sostiene al grupo y le da cohesión. Los Rolling Stones tenían a Charlie Watts. Los Beatles a George Harrison. Guns N' Roses a Izzy Stradlin. Los Eagles tenían a Randy Meisner. 

El miércoles 26 de julio, Meisner abandonó nuestro mundo, según informaron los mismos Eagles en un comunicado publicado en su página. A comienzos de los 70, conoció a Don Henley y Glenn Frey cuando se unió a la banda de apoyo de Linda Ronstadt, pero en 1971 los tres decidieron abandonar dicha banda y formar Eagles.  Su rol en el grupo era uno más bien calmado y distante de las luces, las cuales buscaban siempre a Henley y Frey, quienes se encargaban de la mayoría de asuntos en los Eagles. "Supongo que me pongo nervioso y tímido al estar expuesto. Ellos están acostumbrados a eso", señalo el bajista y cantante a la revista Rolling Stone en 1975. 

Curiosamente, la canción Take it to the Limit, en la que Meisner demuestra su gran capacidad vocal, lo llevó a tener que dejar la timidez de lado y ubicarse en el centro del escenario, pues esta se convirtió en una de las favoritas de los seguidores de la agrupación, además de una de las más aclamadas en los conciertos. Esto condujo a que Meisner no quisiera cantarla en vivo, lo cual tuvo que hacer practicamente todas las noches en 1977 durante la gira promocional del álbum Hotel California. Esa poco deseada exposición, junto con agotamiento y problemas maritales llevaron a que renunciara a la banda. 

Una vez dicha gira concluyó, Meisner abandonó las filas de los Eagles. "Esos últimos días fueron los peores. Nadie me hablaba. Me convertí en un rechazado en la banda que ayudé a fundar". Su vida después de los Eagles fue relativamente calmada y lejos del mundo de la música. Con apenas tres discos solistas y apariciones esporádicas, Meisner vivió una vida relativamente normal y muy lejos de la fama. 

¿Veremos Algún Día Nacer a una Nueva Leyenda Musical?

 

No quiero sonar a discurso de viejito, pero en los últimos tiempos me he preguntado constantemente si la industria musical algún día nos mostrará el nacimiento de una nueva leyenda de la música. Alguien quien en unas décadas podamos poner al menos en una mesa cercana , o la misma, de artistas como los Beatles, los Rolling Stones, Michael Jackson, Prince, Black Sabbath, entre muchos otros. 

Lo más cercano que hemos estado de tener una nueva leyenda es Amy Winehouse. no cabe duda de que la cantante tenía una voz de leyenda y una pinta y actitud dignas de alguien especial, pero me cuestiono si su estatus de casi leyenda tiene que ver más con su muerte que con su legado. No me malentiendan. Estoy seguro de que iba en camino a ser una cantante épica, única, inigualable, pero lamentablemente no tuvo mucho tiempo para demostrarlo, ni tampoco nos dejó mucha música. ¿Escuché que dijo Adele? No creo que el rótulo de leyenda se le ajuste. ¿Justin Timberlake? Quizás en un tiempo. 

La industria hoy por hoy no está hecha para crear leyendas ni para dejar que nazcan. Vehículos como MTV y la misma radio ya no son tan importantes como alguna vez lo fueron a la hora de masificar artistas, catapultarlos, y hacerlos grandes. Hoy por hoy tenemos a Spotify, pero no sé qué tan efectiva sea la popular aplicación de streaming a la hora de ayudar a un artista a convertirse en leyenda. La oferta de música es ENORME. Es como un río que nadie puede contener y se termina desbordando. Antes la radio y MTV ofrecían lo mejor de lo mejor, ahora es cada uno quien debe escoger qué es lo que más le gusta...y ahí muchísimo de dónde escoger, y no hay tanto tiempo para escuchar todas las canciones y álbumes que se ofrecen hoy en día. La competencia por la atención es simplemente brutal. 

Lastimosamente, y espero estar equivocado, creo que nunca jamás volveremos a ver el nacimiento de un artista legendario. De una estrella, seguro, pero no de alguien realmente intocable, sublime, heroico. Diga usted, un John Lennon, un Mick Jagger, o un Gustavo Cerati, para acercarlo más a nuestro patio. La industria ya no da para eso, es más ¿Hay una industria aún que todavía pueda darle la patadita de la buena suerte a alguien?

¿Qué tal si los Conciertos Comenzaran más temprano? (opinión)

Hace unas semanas, la actriz Jamie Lee Curtis afirmó que le gustaría mucho ver a Coldplay en vivo, pero que sus conciertos, como casi todos, comienzan muy tarde. Curtis sugirió algo: conciertos matiné. Es una idea interesante, pero ¿es viable? Analicemos. 

Seamos realistas, a muchos de nosotros ya nos están alcanzando los años, y la idea de estar en un lugar diferente a nuestras viviendas o camas en horas de la noche ya no es tan atractiva como lo era antes. En mi caso, la asistencia a conciertos se ha disminuido con el paso del tiempo, pues simplemente me da física pereza hacer largas filas y estar horas y horas de pie. Recuerdo la primera vez que vi a Metallica. Era mayo de 1999. El concierto comenzaba alrededor de las 8 p.m., sin embargo, decidí llegar al lugar del mismo a las 6 a.m. Tenía 18 años y el físico para soportar 12 horas de fila y luego otras tantas de concierto. Hoy, a casi cuarto de siglo de dicho evento, no hay opción alguna de que llegue a un concierto a la misma hora en la que los gallos comienzan a cantar. De hecho, a los últimos conciertos a los que he asistido, he llegado sobre el tiempo. Hace un mes, por ejemplo, entré al concierto de Def Leppard y Mötley Crüe 10 minutos antes de que comenzara. En 2016, los Rolling Stones comenzaron a tocar cuando yo apenas estaba entrando. 

Hay quienes llegan/llegamos a los conciertos relativamente tarde ya sea por responsabilidades o por pereza de hacerlo antes. Otros, tal vez más jóvenes, lo hacen con horas y hasta días de anticipación. Incluso acampando en los predios del lugar. En el pasado, diferentes grupos hacían varias presentaciones en un solo día. En sus comienzos, los Beatles hacían unas 6 presentaciones por día, comenzando en horas de la tarde. ¿Por qué no hacer uno que otro concierto así? Pues bien, hay muchas cosas que, para bien o para mal, juegan en contra de conciertos diurnos. La primera es que serían imposibles de hacer entre semana. ¿Cuánta gente iría a un concierto un martes a la 1 p.m.? Seguramente muchos, pero no tantos como si fuera en la noche. Imagínense la cantidad de empleados pidiendo permiso para salir del trabajo temprano, y la cantidad de jefes bravos porque media oficina se quiere ir rápido al concierto de x artista. 

Por otra parte, un concierto de día, a menos que sea en un lugar cerrado, pierde un gran porcentaje de su atractivo, pues probablemente no se usarían ni luces, ni láseres, ni pirotecnia, elementos que hacen, en resumen, que un concierto sea un concierto. Si han visto presentaciones de artistas en el verano europeo, seguramente habrán notado que estas suelen comenzar cuando aún no ha caído la noche. Se ve rarísimo. Otro elemento que hace poco viable llevar acabo espectáculos en horario martiné es la venta de alcohol, la cual disminuiría fuertemente en eventos diurnos, y -si el concierto es en un bar- a los dueños del establecimiento poco les va a interesar esto. 

Si bien un concierto de día, diga usted que comience a las 7 p.m. y no a las 10 p.m. sería una belleza para quienes ya poco nos gusta trasnochar o tenemos obligaciones tempraneras el día siguiente, creo que estos nunca van a suceder y , por las razones ya expuestas, son muy poco viables. Tal vez, y esto lo he visto pasar en Colombia, algunas bandas puedan hacer dos presentaciones en un día. Una más íntima para seguidores menores de edad en horas de la tarde, y otra ,la principal, en horas de la noche. Estaría en manos de los músicos, y desde ya puedo ver a más de uno negándose a tocar dos veces en un día. ¿Ustedes creen que Mick Jagger y los Stones se le medirían a dos conciertos en un mismo día? Yo no creo. El impacto físico para el artista sería muy fuerte. 

Mi querida Jamie Lee Curtis, creo que tendremos que seguirnos poniendo la 10 e ir a los conciertos en horarios habituales. Cada vez cuesta más, sí, pero son un sacrificio/incomodidad por un rato, y el júbilo por haber visto a un artista en vivo dura toda la vida. 

 

La Legendaria y Rebelde Presentación de The Doors en el Ed Sullivan Show

Cuando los Doors fueron invitados al aclamado Ed Sullivan Show, el productor del programa le pidió a Jim Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, a lo cual el cantante hizo caso omiso, resultando en que la banda californiana fuera vetada eternamente del célebre programa. 

los 60 eran una década de grandes cambios sociales y culturales, y había una constante y declarada batalla entre lo establecido y aquellos quienes querían tirar abajo las reglas y reemplazarlas por unas nuevas. The Doors era uno de los artistas que ondeaba con más vehemencia la bandera de la contracultura, y a la juventud de la época le encantaba. motivo por el cual, el cuarteto fue invitado a presentarse en el Ed Sullivan Show, una oportunidad que no podían desperdiciar dada la enorme popularidad del espacio televisivo. Basta recordar que fue en dicho programa que los Beatles recibieron lo que es considerado como el comienzo de su éxito arrollador en los Estados Unidos. Pero las cosas no pintaban muy bien, incluso desde antes que de que el grupo llegara a los estudios de la CBS. 

En enero de 1967, fue lanzado al mercado el álbum debut de The Doors, el cual estaba gozando de gran éxito en ventas, impulsadas por el sencillo Light my Fire, el cual alcanzó el lugar número 1 en Billboard. Con el objetivo de seguir catapultando al grupo, su manager, Bill Siddons, consiguió que tocaran en el show de Ed Sullivan, pero, por alguna razón, olvidó mencionarlo a sus integrantes. 

Según cuenta Ray Manzarek, tecladista, se enteró de la participación de The Doors en el programa mientras veía una de sus emisiones. "mi esposa y yo estábamos viendo el programa en casa, al final Ed dice 'la siguiente semana vamos a tener a un grupo de rock de California. The Doors tocando su éxito número 1 Light my Fire´. Mi esposa y yo nos miramos y dijimos 'supongo que estaremos en el Ed Sullivan Show la siguiente semana'". 

La tarde del 17 de septiembre de 1967, la banda pasó la tarde ensayando y afinando detalles de su presentación en los estudios de la CBS. Un rato después del ensayo y 15 minutos antes de que el grupo saltará al escenario, el mismo Ed Sullivan fue al camerino a hablar con los miembros del grupo. "se ven bien, pero deberían sonreír más", dijo el icónico presentador. Una vez Sullivan dejó la habitación, uno de los productores del programa entró a decirles que tenían que cambiar la palabra "higher" en la frase "girl, we couldn't get much higher", debido a que esta era una clara alusión al consumo de drogas ilícitas, y el programa era emitido en horario familiar. Los Doors le aseguraron al productor que cambiarían la palabra, pero en cuanto este se fue, Jim Morrison señaló que "no vamos a cambiar una palabra".

Después de la presentación del comediante Rodney Dangerfield, Ed Sullivan introdujo la banda a la audiencia. The Doors comenzó su presentación con "People are Strange", las sonrisas que les pidió Sullivan brillaban por su ausencia. Una vez terminada la canción en cuestión, el grupo comenzó a interpretar Light my Fire, y Morrison siendo Morrison cumplió su palabra de no cambiar la letra. Una vez el Rey Lagarto terminó de cantar la controversial frase, la cámara enfoca al guitarrista Robby Krieger, quien dibuja en su rostro una leve pero traviesa sonrisa. 

Una vez concluida la presentación, el productor del programa enfrentó a la banda en el camerino diciéndoles que Sullivan los quería para seis programas más, pero que "Jamás volverán a trabajar en el Ed Sullivan Show", a lo que Morrison contestó con su típica rebeldía e ironía "¡Acabamos de presentarnos en el Ed Sullivan Show!". 

Si bien esta fue, efectivamente, la última presentación de The Doors en el programa, esta capturó en video la energía de la banda en quizás su mejor momento y, por si fuera poco, cambió el estilo de grupos que tocaban en el show, pues después del enorme interés y audiencia que generaron los liderados por Jim Morrison, los productores decidieron llevar a varios artistas rock.

 

David Bowie: un viejito cool (columna)

 

La adolescencia es la época en la que la gran mayoría de personas encuentran un gran aliado en la música. Hay artistas que uno escoge, mientras que otros lo escogen a uno. En mi caso, muchos me escogieron debido a influencia familiar (mi tío me presentó a Guns N' Roses) o al enorme rol que las emisoras y MTV jugaban a mediado de los 90. Llegar del colegio era sinónimo de sentarse frente al televisor a ver videos musicales, tan importantes en aquel entonces. Que las bandas favoritas de uno salgan en la tele era algo casi celestial. Metallica, Red Hot Chili Peppers, Soundgarden, Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Smashing Pumpkins, Nirvana, por nombrar solo algunos, eran los autores de los sonidos que nos enloquecían a los adolescentes de los 90. 

Sin embargo, en medio de la marea de videos y canciones de los artistas en cuestión, se colaban otros que, casi como extraterrestres, llegaban de otras épocas en su respectiva nave espacial. Eran músicos que no tenían que ver con lo que estaba de moda. Eran más bien ese bicho raro que llamamos "la música de nuestros padres". Rolling Stones, Beatles, Hendrix, y un tal David Bowie. 

"Ese man es como bueno", pensaba sobre Bowie. Había algo muy cautivante en su arte, que - a pesar de no ser de mi generación- llamaba mucho la atención. Para mí, y seguro para muchos otros, era un viejito cuarentón que estaba quemando sus últimos cartuchos musicales antes de retirarse a su ancianato. Al verme de cierta forma obligado por MTV  a consumir su música, empezó a interesarme algo más. No sabía por qué me gustaba lo que hacía, que sonaba tan diferente a "lo mío", hasta que un día di con la razón: el tipo era un genio visionario que se estaba adaptando perfectamente a los tiempos sonoros en los que vivíamos. 

A mediados de los 90, el rock duro y alternativo estaba comenzando a ceder su trono a otras tendencias como el nü metal y el rock/metal industrial, que no es otra cosa que la incorporación de elementos de música electrónica a la música. Bandas como Ministry, Marilyn Manson, White Zombie y Nine Inch Nails comenzaban a desfilar por la escena como los grandes abanderados de esta causa. Bowie lanzó dos discos que sonaban como estos grupos: Outside (1995) y Earthling (1997). Me encantaba como un "viejito" podía sonar tan actual y codearse con los jóvenes de la época con tanta gracia y sutileza. Es más, esos jóvenes morían por trabajar con él. Trent Reznor y su Nine Inch Nails llegaron a hacerlo en la canción I'm Afraid of Americans. 

Ayer, 10 de enero, cuando se cumplía el aniversario seis de su temprana partida, me puse en la tarea -como lo hago cada año- de rendirle homenaje musical oyendo su música. Tarea muy difícil, por cierto, pues el Camaleón del Rock, como el apodo lo indica, tiene mil encarnaciones sónicas diferentes y -por ende- muchísima música por consumir. Escuché alrededor de 40 canciones, y siento que no fue suficiente tributo. Perdón, señor Bowie, su talento era infinitamente más grande que el tiempo que se puede tener para disfrutarlo. El siguiente año trataré de hacerlo mejor. 

 

El FBI vs. El Rock

 

Uno pensaría que el FBI se dedica única y exclusivamente a perseguir criminales, pero no es necesariamente así, puesto que en varias ocasiones han ido tras músicos. Pareciera ser que para la agencia de investigación, un criminal no es solo quien es terrorista sino también quien toma un instrumento y compone una canción. Artistas como Jim Morrison, Janis Joplin, y Jimi Hendrix eran considerados como un problema de seguridad para la nación, e incluso se dice que fueron asesinados para evitar que su visión se siguiera propagando. Estos son algunos de los artistas que han sido investigados por el FBI.

ELVIS PRESLEY

La música del Rey era un motivo de júbilo para las masas, las cuales enloquecían con cada una de sus melodías y movimientos sobre el escenario, pero el FBI lo consideraba como un individuo peligroso que estaba despertando el instinto sexual de los adolescentes estadounidenses, todo con sus particulares movimientos, los cuales- según ellos- podían tener efectos tales como llevar al público a masturbarse. 

FRANK SINATRA

El cantante y actor goza de gran popularidad en la historia de la música, pero también en los archivos del FBI, donde dicen que tiene alrededor de 400 páginas con su nombre. Al pobre Frank le querían caer como fuera, incluso con acusaciones un poco irrelevantes para una agencia de seguridad de un perfil tan alto. Coquetear con mujeres y pagar a un médico para que lo declarara no apto para prestar servicio militar son algunas de ellas. Pero quizás la principal razón por la que fueron tras él con tanta vehemencia fue por sus supuestos lazos con la mafia. 

THE MONKEES

Recientemente, Micky Dolenz, único integrante de la banda aún vivo, demandó al FBI para que entreguen todos los documentos que tienen con su nombre o el de la banda. Según el músico, la institución de seguridad los investigaba por sus vínculos con artistas considerados como "peligrosos" como los Beatles y Jimi Hendrix. Según la agencia, la banda figura en archivos del FBI por su vínculo con actividades en contra de la guerra de Vietnam, a través de mensajes subliminales e incitación a protestas.

JIM MORRISON

El conocido como Rey Lagarto no podía faltar en esta lista. El FBI lo consideraba como un sujeto que era un mal ejemplo para la sociedad, esto debido a su conocida adicción a las drogas y estilo de vida estrafalario, por no hablar de las conductas exhibicionistas que desplegaba ocasionalmente, como aquel recordado concierto en el que le preguntó al público si querían ver su pene, con lo cual complació a los asistentes que contestaron que "sí". 

JIMI HENDRIX

La razón por la cual el FBI le tenía tanto miedo al legendario guitarrista era tan simple como absurda: consideraban que debajo de sus populares bandanas, las cuales usaba siempre en sus conciertos, escondía LSD, el cual se disolvía con su sudor y lo llevaba a intensos viajes psicodélicos mientras tocaba. No sé si reír o llorar.

JOHN LENNON

Difícilmente hay un músico al que el FBI le haya temido más que al Beatle. Según ellos, Lennon era un masivo propagador de ideologías que iban en contra de la guerra, sobre todo de la de Vietnam, además de creer que el músico tenía conexión directa con dirigentes de organizaciones que iban en contra de todo lo que Estados Unidos representaba. 

¿Cuál es realmente el rock clásico? (columna)

 

Cuando comencé a escuchar música en los años 90, lo que se consideraba como rock clásico era el que hacían bandas como los Rolling Stones, Led Zeppelin, Beatles, The Doors, Black Sabbath, Pink Floyd, entre otros. Por su parte, el rock moderno existía en la forma de grupos como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Smashing Pumpkins, Stone Temple Pilots, por nombrar tan solo algunos. Mientras que otros artistas como Guns N' Roses, Metallica, y Red Hot Chili Peppers, a pesar de gozar de un gran respeto entre las masas, caían en una zona intermedia entre los "viejitos" y los "de moda". Escuchar a los Stones, por ejemplo, era escuchar lo que entre los jóvenes de siempre se conoce como "la música de los papás", música que yo comencé a consumir desde muy joven, a sabiendas de que era lo "clásico". Hace unos días caí en cuenta cómo varios de mis álbumes favoritos ya tienen casi tres décadas de haber sido lanzados, y -si bien suenan supremamente frescos- ya son discos de antaño, lo cuál me llevó a preguntarme si estos ahora también clasifican como "rock clásico".

Hace unos días, uno de mis discos favoritos (One Hot Minute, de Red Hot Chili Peppers) cumplió 27 años de haber llegado al mercado. ¡Casi tres décadas! ¿Qué etiqueta se le pone si no la de "clásico"? El dilema es cómo demonios se mide qué es clásico y qué no. Máxime cuando agrupaciones como los Chili Peppers, Aerosmith, Metallica, y otras tantas, siguen siendo tan vigentes y, además, lucen tan modernos. Basta con ver la pinta de "pelado" de Axl Rose sobre un escenario. ¿Es clásico el grupo cuyos integrantes pasen de 50 años? ¿Es clásico el grupo que toque música que ya no sea la que mande la parada en popularidad? ¿Es clásico quien haya sacado su primer disco hace tres décadas o más? o ¿es clásico quien tenga arrugas y canas? ¿Todas o ninguna de las anteriores?

En mi opinión, nada tiene que ver ni con la ropa ni con las arrugas ni mucho menos con las canas. El tema de qué es clásico o no, radica en un tema estrictamente de sonido y de tiempo transcurrido desde su época de gloria o lanzamiento de sus discos. En ese orden de ideas, una banda nueva como Dirty Honey es rock clásico,  a pesar de haber lanzado su álbum debut en 2021, pues su sonido se basa en el rock y blues de los 70. Un disco que haya sido lanzado hace 20 años o más es un disco clásico de una banda clásica, sin importar si se ponen los jeans rotos o tienen camisetas de colores fosforescentes o diseños modernos. Dicho eso, una producción lanzada en 2002 es clásica. Por ejemplo, Songs for the Deaf, el álbum más aclamado de Queens of the Stone Age, es un clásico total, sin importar que en su momento haya mandado la parada de los sonidos modernos de comienzos de siglo. Ni hablar de discos insignia como Superunknown, de Soundarden, o el ilustre Ten, de Pearl Jam,¡ clásicos en mayúscula sostenida! Ahora, otra forma de saber qué es "clásico"y que no es la del impacto que una canción/álbum haya tenido. Seven Nation Army, de los White Stripes, tiene menos de 20 años, al igual que el éxito de Kings of Leon Sex on Fire, sin embargo, su gran rotación y masiva aceptación las convirtieron en clásicos casi súbitos. 

Si usted querido lector, se está sintiendo viejo al leer estas líneas e identificarse con los artistas mencionados, entiendo la sensación, pero no lo haga. Más bien siéntase orgulloso de la música clásica con la que creció, pues la calidad de la misma es algo que se extinguió hace ratos, pues a los jóvenes se les olvidó hacer música buena, ahora solo hacen cosas pasajeras y sin poder de permanencia. Y sí, con eso soné como un viejito que cree que todo pasado fue mejor, pero ¿acaso no lo fue?

Canciones Sobre la Reina Isabel II

 

El rock y los altos poderes tienen una relación de amores y odios. Más de odios que de amores, de hecho. De no ser por los poderosos, monarcas, y políticos, la música se habría quedado sin la inspiración de cientos de canciones en las cuales se ha plasmado inconformismo hacia estos. La reina Isabel II fue, y seguirá siendo, la inspiradora de muchos artistas. Si bien el rock siempre vio a la difunta monarca con una alta dosis de controversia, la realidad es que sin ella nos habríamos privado de grandes canciones. Las siguientes son algunas de las canciones inspiradas en Isabel II. 

Paz en su tumba.

Sex Pistols- God Save the Queen

Sin duda y de lejos las canción más antimonárquica de las canciones antimonárquicas. Lanzada para coincidir con el aniversario 25 de la llegada al trono de Su Majestad, estos próceres del punk tomaron prestado el nombre del himno británico para convertirlo en una mofa a una sociedad que estaba destinada a no tener futuro. Como era de esperarse, medios como la BBC se negaron a poner la canción, y los almacenes de discos decidieron no vender el álbum.

The Smiths- The Queen is Dead

Otra de las bandas de la realeza del rock británico se inspiró en la reina en una forma más bien oscura y escribió esta canción cuya letra es una fantasía que se imagina un mundo en el que toda la realeza muere. No podría haber sido de otra forma, sobre todo teniendo en cuenta el estilo irónico y cínico de Morrisey, cantante del grupo, a la hora de escribir letras.

The Stone Roses- Elizabeth My Dear

El grupo pionero del movimiento musical de finales de los 80 conocido como Madchester adoptó también una postura enormemente controversial en su visión de la realeza. Solo les bastó esta canción de 53 segundos para destruir a la realeza por medio de letras como "no descansaré hasta que haya perdido su trono. mi objetivo es cierto, mi mensaje es claro. Es el fin para ti, querida Isabel". 

Manic Street Preachers- Repeat

La canción incluida en Generation Terrorists, álbum debut de la banda de Gales, abre con la frase "a la mierda la reina y el país"... Más claro no canta un gallo.

The Beatles- Her Majesty

Quizás la única canción con una visión relativamente positiva de la reina Isabel II. Su letra, si bien dice cosas sobre la monarca como "no tiene mucho que decir", también la describe como "una chica muy amable". Sobre la canción, Paul McCartney señaló que "es practicamente una canción monárquica, con un tono levemente irrespetuoso, pero muy irónico. Es casi como una canción de amor para la reina".

El mantra en un clásico de los Beatles

 

En 1968 tras un viaje a la India, el cuarteto de Liverpool conoció a Maharishi Mahesh Yogi, un gurú de quien aprendieron varias cosas del país como la meditación trascendental. Incluida originalmente en el álbum benéfico No One's Gonna Change my World (título tomado de una línea de la canción), Across the Universe fue escrita por John Lennon después de una pelea con Cynthia Powell, su entonces pareja, o al menos esa es la teoría más popular, pues el mismo Lennon aseguró en entrevista con Rolling Stone con la letra no tiene nada que ver con eso. 

Lo que sí es seguro es que en su coro hay un mantra que el músico aprendió en su estadía en India: Jai guru Deva om, el cual traduce "doy gracias al maestro espiritual", seguido de la palabra "om", la cual es un llamado a la energía del universo. Dicho mantra era repetido por Lennon mientras meditaba. Across the Universe, sin ser la canción más aclamada de los Beatles, ha sido versionada por artistas como David Bowie, Roger Waters, Fiona Apple, y Scorpions, además de inspirar una película del año 2007. 

En febrero de 2008, la NASA conmemoró los 40 años de la grabación de la canción transmitiendo la misma en dirección de la estrella Polaris usando una antena de 70 metros. 

Peticiones ridículas de los artistas

 

Cada vez que un artista tiene una presentación, pasan una lista con precisas peticiones a quienes están pagando por sus servicios. El no cumplimiento de esta lista puede incluso llevar a la cancelación de un concierto. Usualmente, los músicos suelen pedir una larga lista de comida y bebidas, pero en algunas ocasiones -y quizás con el ánimo de poner a sudar a los organizadores del concierto- exigen cosas absolutamente absurdas e incomprensibles. He aquí algunas de estas. 

Van Halen- prohibido los M&Ms de color café

Quizás la petición más famosa de la historia. El grupo de Eddie Van Halen quería un plato del famoso dulce, pero en dicho plato no debía haber ni uno solo café. Al respecto, los integrantes del grupo dijeron que la razón tras tan ocurrente exigencia era comprobar que estaban en buenas manos y que los organizadores estuvieran prestándoles atención. 

Marilyn Manson- gomas de osito y una prostituta sin dientes

El excéntrico cantante era muy claro con respecto a sus exigencias. Dos cosas quería siempre sin falta: ositos de goma marca Haribo y una prostituta, algo no necesariamente extraño de ver en un camerino de un artista. En este caso, la trabajadora sexual no podía tener dientes y debería ser calva. 

Iggy Pop y los Stooges- enanos y una marca de vino que no pudieran pronunciar

Si fuera promotor, probablemente estallaría de la risa al ver la lista de peticiones del padrino del punk: además de siete enanos, el cantante requería una marca de cigarrillos que no le gustaran, para poder botarlos a la caneca, un imitador de Bob Hope, y dos botellas de vino de "una marca que conozcamos pero que no podamos pronunciar". Las teorías de por qué estas exigencias hacen que la mente vuele. 

Guns N' Roses- inodoros de porcelana y papel higiénico sedoso

Cuando el grupo de Axl Rose, Slash, y Duff Mckagan fue contratado para hacer parte de la edición 2018 del festival Download en Inglaterra, los organizadores del magno festival afirmaron que su lista de peticiones era "la más larga que hayamos visto". Dos ítems de la misma se filtraron: inodoros de porcelana y papel higiénico que fuera "tan suave como la seda". Que no se diga que Guns N' Roses no se toman las mierdas en serio. 

Slayer- animales para sacrificar y sombrillas para evitar salpicaduras de sangre

Creo que el famoso grupo de thrash le estaba haciendo matoneo extremo a los promotores de sus conciertos, quizás aprovechándose de la fama de satánicos que tenían. Dentro de la lista de exigencias, se encontraban 100 cabras blancas para sacrificar, sombrillas para que la sangre no les salpicara, balones de yoga, 10 cajas de yogurt, y marcadores que "huelen a cosas chéveres". 

Mötley Crüe- el horario de Alcohólicos Anónimos y una boa

Cuando el grupo estadounidense decidió que ya había sido suficiente de fiesta y excesos, su lista de exigencias cambio un poco. En lugar de pedir litros y litros de alcohol, pasaron a pedir los horarios de atención de las reuniones de Alcohólicos Anónimos más cercanas del lugar en el que estaban, una boa, y una ametralladora. Si esto les resulta extraño, ¿se imaginan cómo sería su lista antes de dejar las drogas y el alcohol?

Led Zeppelin- una mesa para planchar y una plancha

El grupo británico tiene que ser uno de los más conocidos de la historia, además de por su excelente música, por sus fiestas e historias de groupies. Sin embargo, en sus listas de exigencias frecuentemente aparecían dos cosas que todavía hoy nos ponen a pensar: una mesa para planchar y una plancha. Es difícil imaginar a Robert Plant extendiendo una mesa para planchar su propia ropa, así que dicha objeto posiblemente tendría un uso algo más ocurrente y divertido. 

Prince- todo cubierto en plástico transparente

Para su gira Musicology de 2004, la lista de exigencias del intérprete de Purple Rain señalaba específicamente que absolutamente todo lo que hubiera en su camerino tenía que estar envuelto en plástico transparente, y no podía ser desenvuelto hasta que él mismo lo hiciera. ¿Medida de bioseguridad? o quizás gustaba el sonido del plástico al desenvolverse. 

Paul McCartney- plantas de tamaños específicos

La lista del Beatle es una que fácilmente se puede prestar para confusiones y errores: 19 plantas de 182 centímetros, y cuatro de 121. Pero no podía ser cualquier planta. Tenían que ser plantas con abundantes hojas. Por otra parte, McCartney exigía muchos vegetales y que no hubiera ningún producto derivado de animales. Dicen por ahí que el músico se negaba a salir al escenario si alguna de las plantas excedía el tamaño requerido. 

Artistas que fueron rechazados por sellos discográficos

Todos tenemos que comenzar en algún lugar. Lastimosamente, ese lugar es -al menos en muchas ocasiones- ser rechazado por una persona, lugar, o empresa. Nos pasa a todos los mortales. Incluso a aquellos artistas que hoy consideramos están por encima del bien y del mal. 

Dave Grohl

Pensar que uno de los tipos más importantes del rock en las últimas dos décadas, baterista de Nirvana y líder de los Foo Fighters fue rechazado alguna vez parece un total disparate. Pero cuando tenía 14 años, Grohl fue rechazado por Ian MacKaye, fundador de Dischord Records, cuando trataba de irrumpir en la escena con Mission Impossible, su primer grupo. MacKaye no tuvo interés alguno por la canción que Grohl le envió, y le cerró las puertas de su disquera. Tal vez fue la inocente y tierna carta escrita a mano no le no convenció a MacKaye. 

Madonna

Si bien la leyenda pop estadounidense no es santo de mi devoción, hay que hacer un gran esfuerzo para no reconocer su talento y carisma. Ese esfuerzo lo hizo exitosamente Jimmy Lenner, a quien Madonna envió sus demos justo antes de firmar con Sire Records. El hombre afirmó que no ver el sentido en la música de la joven cantante, pero como dicen por ahí: quien ríe de último, ríe mejor. Madonna vendió 10 millones de copias de su álbum debut. 

U2

Si existe un grupo especializado en hacer grandes éxitos, ese es el liderado por Bono. Canciones como With or Without You, Where the Streets have no Name, y One, lo demuestran y hacen imposible pensar que alguna vez fuera rechazado. Pero lo fueron. En 1979, justo antes de lanzar su primer sencillo, U2 fue rechazado por el gerente general de RSO. En una carta que no tiene más de cinco renglones, el ejecutivo señaló que el cuarteto no era lo que buscaban en ese momento. ¡Lo que debe ser vivir con tan mala decisión!

Oasis

A mediados de los 90, el grupo de los hermanos Gallagher salvó al rock británico del letargo en el que se encontraba. El panorama musical era dominado por el rock alternativo estadounidense y por grupos como Nirvana, Soundgarden, y Pearl Jam, hasta que apareció Oasis. Noel Gallagher era gran fan de bandas firmadas por Factory Records, como New Order y los Happy Mondays, por ende, decidió que su grupo debería audicionar para ellos. ¿La respuesta del sello? un rotundo "no", con el que no solo le cerraron la puerta a los Gallagher, sino también a toneladas de dinero. 

Beatles (¡Sí! ¡Los putos Beatles!) 

Si hasta el cuarteto de Liverpool fue rechazado, ¿qué nos queda a los ciudadanos de a pie? Después de volverse maestros de tocar en vivo tanto en Liverpool como en Hamburgo, los Beatles decidieron comenzar a tocar puertas. La primera fue la de Decca Records, donde trabajaba quien fuera vital en su carrera: George Martin, quien incluso llegó a calificar su audición para el sello como "basura". Pero fue Dick Rowe quien los rechazó, todo en favor de Brian Pool and the Tremeloes, argumentando su decisión en el hecho de que este grupo vivía más cerca al estudio de grabación. Rowe pasó a la historia por ser "el hombre que rechazó a los Beatles". 

 

Presentaciones controversiales en la música

 

¿Qué hace de una presentación en vivo un evento memorable? La música, el escenario, el público, sí. Pero, en ocasiones, la controversia. 

Janet Jackson y Justin Timberlake en el Super Bowl de 2004

El show de medio tiempo del Super Bowl, además de ser una gran fuente de audiencia, es un momento seguro para todas las edades. Pues bien, en la presentación de los dos iconos pop eso no fue tan así, ya que hacía el final de la misma, Timberlake despoja a Janet Jackson de un pedazo de su corsé, dejando al descubierto el pezón de la cantante, el cual estaba decorado con un accesorio en forma de sol. El escándalo fue mayúsculo, a tal nivel que el incidente fue portada de varios diarios al día siguiente. Como consecuencia del suceso, gracia a ese momento la televisión comenzó a trasmitir el espectáculo de medio tiempo con algunos segundos de retraso, para poder censurar lo inapropiado. Por muchos años se especuló que todo fue planeado, a pesar de que ambos cantantes afirmaron que todo había sido un accidente. Recientemente, la estilista de Jackson reveló que la idea de dejar a la cantante al descubierto fue del mismo Timberlake. 

Los Rolling Stones en Altamont 

Unos meses después de Woodstock, los Stones decidieron organizar un festival que resaltará el poder de la música estadounidense, pero todo se fue al demonio cuando Mick Jagger y su corte tomaron el escenario. Durante la presentación del grupo británico una asistente fue apuñalada por un miembro de la pandilla de motociclistas Hells Angels, encargada de la seguridad del evento. Lo que se suponía iba a ser una celebración de la generación del peace and love terminó siendo el caos que acabó con el sueño hippie. 

The Doors en el show de Ed Sullivan

Cuando el grupo estadounidense liderado por Jim Morrison fue invitado al famoso show, la idea era interpretar su éxito Light My Fire, pero había un problema: Sullivan le pidió a Morrison que no cantara la frase "we couldn't get much higher", por su supuesta alusión a estar bajo el efecto de las drogas. ¿Qué hizo el cantante? Ser fiel a su naturaleza rebelde y desobedecer. A consecuencia de esto, a los Doors se les prohibió volver a aparecer en el programa.

Elvis Presley en el show de Ed Sullivan

En la década de los 60, aparecer en el show de Ed Sullivan era un paso obligatorio para llegar a la cima del éxito (pregúntenle a los Beatles). Presley, el Rey del Rock N' Roll, no podía faltar. Cuando el cantante comenzó su presentación y sus caderas comenzaron a moverse de maneras nunca antes vistas hasta entonces, el mundo se escandalizó, ya que dichos movimientos eran considerados sucios y obscenos por aquel entonces. 

Woodstock '99

El aniversario 30 del legendario festival fue promocionado bajo el lema de "tres días más de paz y amor". Lastimosamente no todo fue paz y amor, ya que a lo largo de los tres días del evento hubo incendios, vandalismo, y agresiones sexuales. Dos momentos específicos fueron señalados como catalizadores de los sucesos: la presentación de Limp Bizkit, en la que el grupo emanó tanta energía que los espectadores comenzaron a romper cosas, y el cierre a cargo de los Red Hot Chili Peppers, quienes hicieron su versión de Fire, clásico de Hendrix, lo cual fue tomado como el público como banda sonora perfecta para quemar todo. 

Metallica en los premios MTV Europa de 1996

El 16 de noviembre de 1996, en el marco de la entrega europea de los premios MTV, Metallica le hizo matoneo extremo a la cadena de televisión. El cuarteto de San Francisco iba a presentar su canción King Nothing en vivo, pero el plan cambió cuando ejecutivos del otrora canal de música pidieron a la banda que no dijera palabras obscenas durante su actuación. Esto disgustó tanto al grupo, que decidieron -sin decir a nadie- tocar algo diferente. En vez de King Nothing, las leyendas del metal interpretaron dos covers: Last Caress, original de los Misfits, y So What, de Anti-Nowhere League. La primera, habla sobre matar a un bebé y asesinar a una madre. Por su parte, la segunda cuenta la explicita historia de un hombre que ha tenido sexo con la reina, con una cabra, una oveja, además de tener sexo oral con un anciano, usando malas palabras en más de una docena de ocasiones. 

La extraña desaparición de Richey Edwards, exguitarrista de Manic Street Preachers

 

El mundo del rock está plagado de historias extrañas y mitos. La supuesta muerte de Paul McCartney en 1966 tras un accidente de tránsito y que Kurt Cobain no se quitó la vida sino que fue asesinado son apenas un par de ellos. Quizás uno de los más interesantes pero muy poco publicitados es el de la desaparición de Richey Edwards, guitarrista del grupo de Gales Manic Street Preachers, quien- dice la teoría- fingió su propia desaparición. 

Edwards tenía varios de los clichés de estrella de rock: abuso de sustancias, problemas psicológicos, y una personalidad oscura y misteriosa. Musicalmente, su contribución como letrista fue vital para el grupo, pero su interpretación del instrumento, dicen algunos, no era la mejor, sobre todo al comienzo del grupo, cuando aparentemente desconectaba la guitarra durante los conciertos para no hacer evidente su falta de talento. 

El 1 de febrero de 1995 el músico desapareció, justo antes de que él y James Dean Bradfield, cantante de la agrupación, se disponían a viajar a Estados Unidos como parte de una gira promocional. Según reportes, Edwards salió del hotel de Cardiff en el que se hospedaba, dejando atrás su maleta y artículos de aseo. Posteriormente, se dirigió a su apartamento, donde su fue encontrado su pasaporte, Prozac, y un recibo de peaje. En las dos semanas siguientes, un fan reporta haberlo visto en la oficina de pasaportes de Newport, y en la terminal de transportes de dicha ciudad. El 7 de febrero, un taxista afirma haber llevado al guitarrista a una estación de tren en Pontypool. Alrededor de dos semanas después, su vehículo abandonado fue encontrado por las autoridades, con evidencias de que alguien había estado viviendo ahí. Debido a la cercanía del lugar en el que el auto fue encontrado con el puente Severn, conocido como un lugar en el que las personas saltaban para acabar con su vida, se asumió que Edwards había hecho lo mismo. Sin embargo, en entrevista de 1994, el músico señalo que el suicidio no era algo en lo que el pensaba, pues "soy fuerte y puedo aguantar el dolor". 

Varios avistamientos de Edwards han sido reportados desde su desaparición, algunos afirman haberlo visto en las islas españolas de Fuerteventura y Lanzarote, mientras que otros aseguran haberse cruzado con él en un mercado en India. Nada de esto ha sido oficialmente confirmado. Manic Street Preachers siguió haciendo y gozando de gran éxito. El 24 de noviembre de 2008, Richards fue declarado muerto. Su hermana, Rachel, continúa buscando hasta el día de hoy pistas sobre la suerte de su hermano.

La banda sonora de los asesinos

 

*El siguiente artículo es netamente de carácter informativo. De ninguna manera representa un homenaje o apología al crimen ni a sus perpetradores, así como tampoco es un ataque a los artistas que inspiraron a estos rufianes. 

Richard Ramírez y su fanatismo por el rock.

Era la primavera de 1985 cuando Ramírez cometió dos asesinatos en California, Estados Unidos. En la escena del crimen, el psicópata y homicida dejó abandonada una gorra del grupo de rock australiano AC/DC. El "acosador nocturno", como fue bautizado por la prensa, cometió 14 asesinatos entre 1984 y 1985, hasta que fue detenido el 30 de agosto. En el juicio, Ramírez afirmó ser fan de AC/DC, cuya canción "Night Prowler (Acechador nocturno) parecía haberlo inspirado en sus crímenes. Sin embargo, él afirmó no estar familiarizado con la letra de la canción. Angus Young, guitarrista y líder de AC/DC, señaló que el tema en cuestión no tenía nada que ver con asesinatos, sino con los deseos sexuales de un adolescente. Además de su gusto por la banda de Angus, Ramírez gustaba de otros artistas como Led Zeppelin, Black Sabbath, Metallica, y Billy Idol, a quien -según dicen- idolatraba. Estos gustos fueron también confirmados por el mismo en un cuestionario que recibió mientras estaba en prisión. (continúa después de la foto)

Cuestionario contestado por Richard Ramírez.

A pesar de la oscura y reprochable naturaleza de los actos de Ramírez, el homicida ha logrado infiltrarse en la cultura pop. En la más reciente temporada del programa televisivo American Horror Story tiene un rol protagónico en el que- además de quitarle la vida a varios en un campamento de verano- viaja a dicho lugar para asistir a un concierto de Billy Idol. La banda estadounidense Marilyn Manson solía usar nombres de asesinos en serie para nombrar a sus integrantes. El apellido Ramírez era utilizado por el bajista Twiggy. Ramírez murió en prisión en el año 2013 a causa de insuficiencia hepática. 

Barry Loukaitis y su oscuro tributo a Pearl Jam

Barry Loukatis

Jeremy, canción que el grupo de Seattle incluyó en su álbum debut Ten, cuenta la historia real de un joven colegial que se quitó la vida frente a sus compañeros de clase. El video original muestra el momento en el que el estudiante pone una pistola en su boca, pero MTV pidió a la banda remover dicho plano, con lo cual muchos pensaron que , en lugar de suicidarse, Jeremy asesinaba a sus compañeros. El 2 de febrero de 1996, un adolescente de apenas 14 años llamado Barry Loukaitis ingresó a uno de los salones de un instituto en Washington y disparó a dos estudiantes y a su profesa, quitándoles la vida. Loukaitis fue sentenciado en 1997 a 205 años de prisión. En 2017, por primera vez, pidió perdón por sus actos.  

Justin Barber y su mala interpretación de una canción de Guns N' Roses

Justin Barber.

Guns N' Roses tiene que ser uno de los grupos más controversiales en la historia de la música. A veces por su carácter impredecible y comportamiento rebelde, a veces por las fechorías de otros, tal cual como sucedió una tarde de agosto de 2002, cuando Justin Barber decidió asesinar a su esposa tras oír repetidamente la canción Used to Love Her. Escrita por Izzy Stradlin e incluida en el EP GN'R Lies de 1988, tuvo como inspiración una noticia que Stradlin escuchó en la radio sobre un carro que atropelló a una perra, y que tuvo que ser sacrificada debido a sus graves heridas. El dueño del animal declaró que "la amaba pero tuvo que matarla". Años más tarde el músico ahondo sobre el significado del track señalando que posiblemente la temática de la misma tenía que ver con sus intentos por alejarse de las drogas. Slash, guitarrista del grupo, aportó su opinión diciendo que "la gente piensa que la canción trata de una novia de Axl, pero no es así, se trata de la historia de un perro". La mala interpretación de la canción derivó en dos asesinatos. El primero a manos de Justin Baber, quien ahogó a su esposa en la bañera y luego le disparó con un arma comprada en el mercado negro, esto con el fin de hacer pasar el suceso como un atraco. El segundo fue perpetrado por Thomas Michael Wilhelm, quien entró en casa de su exnovia Christine Murray y le disparó, no si antes cantar el coro de la canción. 

Charles Manson: el músico frustrado

Charles Manson.

Quien es considerado como el más grande asesino en serie de todos los tiempos, a pesar de haber sido más un autor intelectual que material, también tuvo una estrecha relación con la música. Dice la leyenda que Manson compuso alrededor de 80 canciones antes de convertirse en el criminal que hoy conocemos, y que incluso buscó ayuda y asesoría en Dennis Wilson, integrante de los Beach Boys. Lastimosamente, eso no funcionó. De haberlo hecho, tal vez lo recordaríamos como un gran músico y no como la escoria que fue. Una de sus fuentes de inspiración fueron los Beatles, más exactamente su canción Helter Skelter. Según Paul McCartney, la canción fue escrita en algo tan inocente como deslizarse por un tobogán. Lo que el Manson entendió fue que la canción hablaba sobre un conflicto racial entre blancos y negros que llevaría al final de una buena parte de la humanidad, lo cual llevaría a un inicio más puro y espiritual de la vida. Los asesinatos que él y sus secuaces cometieron, entre ellos los de la actriz Sharon Tate, eran -según él mismo- un intento para acelerar ese proceso de depuración mundial. 

Al igual que Richard Ramírez, Manson también encontró su lugar en la cultura pop. El cantante estadounidense Brian Warner, mejor conocido como Marilyn Manson, tomó su apellido prestado para usarlo como nombre artístico. Por su parte, el provocador y gran amigo de la controversia Axl Rose -cantante de Guns N' Roses- solía vestir en sus presentaciones en vivo una camiseta con la cara del criminal. Además, los Guns incluyeron en su álbum The Spaghetti Incident? una versión de Look at your Game, Girl, originalmente compuesta por Charles Manson, la cual no aparecía en la lista de canciones y sobre la cual nunca hablaron previo al lanzamiento del disco. Como era de esperarse, grupos de víctimas y derechos humanos protestaron por el extraño e indebido homenaje a Manson. Según Slash, la movida fue  solo un acto de "humor negro". Con respecto al uso de una camiseta con el rostro de Manson, Axl Rose argumentó que esto lo hizo porque "la gente se divierte pensando que yo soy malo y loco. Lo siento, no soy así. No me parezco en nada a él". La canción sigue no se ha quitado del álbum, como quería la disquera inicialmente, pero las regalías de la misma son donadas ha una fundación de víctimas creada por Doris Tate, madre de Sharon Tate. 

Axl Rose vistiendo camisetas con el rostro de Manson