Roger Waters, ¿Por qué no te callas?

 

Decir que Roger Waters es uno de los genios de la historia de la música es una verdad absoluta e irrefutable. Lastimosamente, al menos en mi opinión y la de muchos, decir que sus comentarios son detestables también lo es. Todos tenemos derecho a una opinión, sí, pero hay algo en la forma en que opina Waters y en la naturaleza de sus comentarios que resulta extremadamente hiriente para muchos. Que tenga una postura política, social, religiosa es más que justo, pero hay ciertas posturas que, en ocasiones, es mejor callar. Aquí un recuento de algunas de las controversias que el otrora bajista y cantante de Pink Floyd ha causado. 

A raíz de la invasión de Rusia a Ucrania, Waters, sin pelos en la lengua, ha dejado saber al mundo lo que piensa al respecto. Por momentos, pareciendo tomar -por alguna razón- el lado de los rusos. En julio de 2022, Pink Floyd - con David Gilmour a la cabeza- lanzó Hey Hey Rise Up, una canción en la que protesta por la invasión de Putin a Ucrania, algo que a Waters no le gustó ni un poquito. En entrevista para un periódico alemán, el músico señaló sobre el lanzamiento de la canción que "carece de humanidad. Promueve la continuidad de la guerra...es ondear la bandera azul y amarilla sin ningún contenido". 

Polly Samson, esposa de David Gilmour, salió en defensa de su pareja y su trabajo. En un tuit más que incendiario, Samson afirmó de Waters que este es "antisemita hasta su podrido centro. También un apologista de Putin, y un mentiroso, ladrón, hipócrita, evasor de impuestos, que usa pistas en concierto, misógino, enfermo de envidia, megalómano. No más de su sinsentido". Gilmour contestó al tuit en cuestión diciendo que "cada palabra es verdad". 

Además de criticar a sus excompañeros de banda, Waters le escribió una carta a Olena Zelenska, primera dama de Ucrania, en la cual culpa a los "nacionalistas radicales" de su país por "poner a Ucrania en el camino a esta desastrosa guerra". Muy cordialmente, Zelenska, le pidió a Waters vía Twitter que mejor "le pidiera la paz al presidente de otro país". Por si fuera poco, el bajista y cantante escribió otra carta a Putin, llamó a Joe Biden un "criminal de guerra", y acusó a Israel de genocidio. 

Roger, eres un genio, pero estás borrando las genialidades que haz hecho como músico con tus muy cuestionables opiniones. Sal de gira y toca The Wall o The Dark Side of the Moon, pero deja de decir cosas como que la invasión de Rusia a Ucrania es "probablemente la invasión más provocada de la historia". Estás quedando como un tarado incontrolable. 

¿Cuál es realmente el rock clásico? (columna)

 

Cuando comencé a escuchar música en los años 90, lo que se consideraba como rock clásico era el que hacían bandas como los Rolling Stones, Led Zeppelin, Beatles, The Doors, Black Sabbath, Pink Floyd, entre otros. Por su parte, el rock moderno existía en la forma de grupos como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Smashing Pumpkins, Stone Temple Pilots, por nombrar tan solo algunos. Mientras que otros artistas como Guns N' Roses, Metallica, y Red Hot Chili Peppers, a pesar de gozar de un gran respeto entre las masas, caían en una zona intermedia entre los "viejitos" y los "de moda". Escuchar a los Stones, por ejemplo, era escuchar lo que entre los jóvenes de siempre se conoce como "la música de los papás", música que yo comencé a consumir desde muy joven, a sabiendas de que era lo "clásico". Hace unos días caí en cuenta cómo varios de mis álbumes favoritos ya tienen casi tres décadas de haber sido lanzados, y -si bien suenan supremamente frescos- ya son discos de antaño, lo cuál me llevó a preguntarme si estos ahora también clasifican como "rock clásico".

Hace unos días, uno de mis discos favoritos (One Hot Minute, de Red Hot Chili Peppers) cumplió 27 años de haber llegado al mercado. ¡Casi tres décadas! ¿Qué etiqueta se le pone si no la de "clásico"? El dilema es cómo demonios se mide qué es clásico y qué no. Máxime cuando agrupaciones como los Chili Peppers, Aerosmith, Metallica, y otras tantas, siguen siendo tan vigentes y, además, lucen tan modernos. Basta con ver la pinta de "pelado" de Axl Rose sobre un escenario. ¿Es clásico el grupo cuyos integrantes pasen de 50 años? ¿Es clásico el grupo que toque música que ya no sea la que mande la parada en popularidad? ¿Es clásico quien haya sacado su primer disco hace tres décadas o más? o ¿es clásico quien tenga arrugas y canas? ¿Todas o ninguna de las anteriores?

En mi opinión, nada tiene que ver ni con la ropa ni con las arrugas ni mucho menos con las canas. El tema de qué es clásico o no, radica en un tema estrictamente de sonido y de tiempo transcurrido desde su época de gloria o lanzamiento de sus discos. En ese orden de ideas, una banda nueva como Dirty Honey es rock clásico,  a pesar de haber lanzado su álbum debut en 2021, pues su sonido se basa en el rock y blues de los 70. Un disco que haya sido lanzado hace 20 años o más es un disco clásico de una banda clásica, sin importar si se ponen los jeans rotos o tienen camisetas de colores fosforescentes o diseños modernos. Dicho eso, una producción lanzada en 2002 es clásica. Por ejemplo, Songs for the Deaf, el álbum más aclamado de Queens of the Stone Age, es un clásico total, sin importar que en su momento haya mandado la parada de los sonidos modernos de comienzos de siglo. Ni hablar de discos insignia como Superunknown, de Soundarden, o el ilustre Ten, de Pearl Jam,¡ clásicos en mayúscula sostenida! Ahora, otra forma de saber qué es "clásico"y que no es la del impacto que una canción/álbum haya tenido. Seven Nation Army, de los White Stripes, tiene menos de 20 años, al igual que el éxito de Kings of Leon Sex on Fire, sin embargo, su gran rotación y masiva aceptación las convirtieron en clásicos casi súbitos. 

Si usted querido lector, se está sintiendo viejo al leer estas líneas e identificarse con los artistas mencionados, entiendo la sensación, pero no lo haga. Más bien siéntase orgulloso de la música clásica con la que creció, pues la calidad de la misma es algo que se extinguió hace ratos, pues a los jóvenes se les olvidó hacer música buena, ahora solo hacen cosas pasajeras y sin poder de permanencia. Y sí, con eso soné como un viejito que cree que todo pasado fue mejor, pero ¿acaso no lo fue?

Cliff Burton: un legado grande en un corto tiempo

 

¿Cómo no celebrar el que sería el natalicio 60 de uno de los más genuinos, locos, excéntricos, únicos bajistas de la historia?

Hace varios años hablaba con un tipo que tenía al lado en un concierto de Roger Waters. Antes de que el músico británico saliera al escenario, nos pusimos a hablar de música, y -por alguna razón- terminamos hablando de Cliff. Sí, en un concierto de un artista que nada tiene que ver con Metallica terminamos hablando de él. "Cliff era un bajista inspirado". Creo que todos podemos decir "amén". Sin duda, Burton era dueña de un feeling distinto, particular. Su bajo no sonaba como un bajo, pues lo interpretaba básicamente como una guitarra. Basta con escuchar el legendario solo de Anesthesia (Pulling Teeth), de Kill 'Em All. Varias veces en mi vida he oído un comentario estilo "¿eso no es guitarra?". Y es que por momentos uno puede escuchar ciertos ecos hendrixianos en su tratamiento del instrumento.

Pero por qué hablar solo de la canción ya citada, cuando lo que hace en otras como Orion, Fade to Black, y For Whom the Bell Tolls es pura poesía metalera. Si tan solo Dios nos hubiera regalado su exorbitante talento un ratico más, solo Él sabe qué más desafíos sónicos hubiera conquistado.

Feliz cumpleaños 60, Cliff.

Cliff 'Em All! 

Mellon Collie and the Infinite Sadness cumple 25 años

Octubre de 1995 era un momento más bien opaco para la escena del rock que había brillado de forma candente durante el primer lustro de la década. Nirvana -y buena parte del movimiento alternativo- murió con Kurt Cobain. La escena del grunge comenzaba a dar paso a sonidos más pop e industriales. El rock dejaba lentamente de ser el género dominante en el mainstream. Sin embargo, antes de que el barco se hundiera, los Smashing Pumpkins tenían seis últimas palabras que decir: Mellon Collie and the Infinite Sadness. 

Casi sin buscarlo, y viéndose más como un Zero que como un hero, Billy Corgan lideró un último momento de grandeza alternativa con el lanzamiento del álbum doble conceptual de 28 canciones, las cuales se paseaban por diversos sonidos musicales, dejando atrás el enfoque más estridente y cargado de guitarras de sus dos álbumes previos. Temas como Bullet with Buttefly Wings y Fuck You nos daban todo lo que nos hizo amar a los Pumpkins, pero el futuro sónico del cuarteto de Chicago comenzaba a asomarse. El rock pesado estaba presente, seguro, pero la banda comenzó a experimentar con sonidos de piano en canciones como la que da nombre a la producción, una orquesta en vivo en Tonight, Tonight, así como sintetizadores y loops en la exitosa 1979.  

La crítica aplaudió a Mellon Collie, sobre todo por sus esfuerzos en alejarse del sonido clásico del grupo y atreverse a experimentar. Incluso algunos se atrevieron a llamarlo el The Wall de la Generación X. Si el álbum está a la altura del lanzado por Pink Floyd, es discutible. Lo que si es cierto es el favorito indiscutible de la mayoría de los fans del grupo. Billy Corgan, canta y guitarrista de la agrupación, reveló recientemente que la idea era celebrar el cuarto de siglo del álbum con una gira conmemorativa, pero que por razones de bioseguridad ese plan se ha visto aplazado hasta nueva orden. Por otra parte, el líder de la banda también confirmó que actualmente están trabajando en un álbum doble que cierre la trilogía que comenzó con Mellon Collie y continuó con Machina/The Machines of God. 

Feliz cuarto de siglo, Mellon Collie! Álbum que fue una importante banda sonora de mi adolescencia... casi al punto de la obsesión. 

 

Clare Torry: La voz de The Great Gig in the Sky, de Pink Floyd

Pensar en Pink Floyd es pensar en la genialidad de Roger Waters y David Gilmour. Es pensar en la precisión de Nick Mason en batería y en las atmósferas sónicas creadas por el teclado majestuoso de Richard Wright. Su obra maestra -con el respeto que merece The Wall- es The Dark Side of the Moon, un álbum conceptual que explora diversas facetas de la vida como la avaricia, el tiempo, la enfermedad mental, el conflicto, la muerte, entre muchas otras. Canciones como Money y Time quizás fueron las más populares del disco. Sin embargo, justo en la mitad del álbum hay una pieza que produce escalofríos cada vez que suena: The Great Gig in the Sky. Su melodía hipnótica con tintes existencialistas dan paso eventualmente a la imponente voz de Clare Torry, cuya impecable interpretación añade afán y drama a la canción. Es casi como un llanto de desespero que desemboca en un leve aire de esperanza y alivio. 

En 1972, el grupo comenzó a tocar en vivo una versión temprana del tema llamada "The Mortality Sequence". Un año más tarde, cuando la banda se acercaba a la finalización de la grabación del disco, Torry fue invitada al estudio, pues el cuarteto tenía una composición con la cual no sabían qué hacer. Cuenta la cantante que al llegar al estudio el grupo le presentó la canción y le confesaron que no sabían qué querían hacer con ella. Sus primeros intentos de hacer algo con The Great Gig in the Sky fueron fallidos, pues nada de lo que cantaba encajaba con el feeling de esta. "No estaba llegando a ningún lado. En ese momento fue cuando pensé ´tal vez debería pretender que soy un instrumento'". 

Los intentos posteriores salieron mejor. Torry cerró sus ojos y comenzó a sacar de su alma cuanto sonido pudiera. Sin embargo, según ella misma cuenta, "me di cuenta de que comenzaba a sonar repetitiva. Así que les dije que ya tenían suficiente material". La vocalista se fue del estudio sin saber si algo de lo que había grabado sería utilizado. Por su trabajo, recibió dinero de bolsillo y boletas para conciertos de la banda. Fue hasta 2004 cuando decidió demandar al grupo por las regalías de derechos de autor. El asunto no pasó a mayores y en los créditos del Dark Side of the Moon, la composición de la canción se acredita como Wright/Torry. Se hizo justicia con una cantante autora de una las melodías más impresionantes en la historia de la música. 

A lo largo de su carrera, Pink Floyd tocó The Great Gig in the Sky en varias de sus giras. Roger Waters y David Gilmour han hecho lo propio en sus presentaciones como solistas. Múltiples cantantes han tratado de replicar lo hecho por Torry, incluso algunas versiones en vivo han sido interpretadas por tres mujeres, quienes se turnaban diferentes fragmentos de la melodía. Así de difícil debe ser encontrar quién le haga justicia a la canción. 

Queridos Liam y Noel: ¿Para cuándo la Reunión de Oasis?

A todo grupo le llega la hora de reunirse, no importa lo difícil que parezca o lo graves que sean las razones de su separación. The Police, Soda Stereo, Pink Floyd en Live Aid 2005, Soundgarden son algunos de los casos más aclamados. Pero quizás la reunión más deseada hasta 2016 cuando por fin sucedió fue la de Guns N' Roses. Tras dos décadas de peleas, comentarios increíblemente irrespetuosos entre sus antiguos integrantes (Axl se refirió a Slash como "un cáncer), y una negación rotunda con respecto a una posible reunión cuando los micrófonos de TMZ preguntaron a Axl sobre el tema: "no en esta vida", contestó el cantante categóricamente. De forma irónica la súper exitosa gira de reunión fue bautizada Not in this Lifetime. Tras la confirmación de la reunión de los Gunners hace casi 4 años, muchos se preguntan cuál es el siguiente gran grupo que debería seguir sus pasos. Mi respuesta: Oasis. 

Era 1994. El panorama musical estaba dominado por lo que sucedía en Estados Unidos, sobre todo por el grunge. En Reino Unido parecía no pasar nada, pero un monstruo estaba a punto de dar sus primeros paso. El 29 de agosto de dicho año Oasis lanza Definitely Maybe, su primer álbum, con canciones que le dieron una buena y necesaria patada en el trasero al rock británico y lo puso en el mapa de nuevo. Con canciones como Supersonic y Live Forever los hermanos Gallagher comenzaban a hacerle contrapeso a Nirvana y a la escena alternativa estadounidense. Al movimiento liderado por Oasis se le conoció como Britpop, el cual se enriqueció con otros grupos como Suede, Pulp, y Blur, principalmente. 15 años más tarde, tras millones de discos vendidos y un súper exitoso álbum en (What´s the Story) Morning Glory del cual salieron canciones como Wonderwall y Don't Look Back in Anger, la banda decidió poner fin a su carrera. La razón: los Gallagher no podían ni verse. 

El fin llegó el 28 de agosto de 2009 cuando los Gallagher tuvieron su última pelea tras bastidores antes de salir a escenario en París. Dicen quienes estuvieron ahí que se dijeron varios insultos, se arrojaron cosas, y que incluso una ambulancia tuvo que ser llamada al lugar. Noel inmediatamente emitió un comunicado anunciado su salida del grupo y diciendo que no podía "trabajar un día más con Liam". Tras la ruptura de Oasis Noel ha lanzado varios álbumes en solitario con resultados nada despreciables, mientras que su hermano menor ha hecho lo propio pero sin mayor gloria. Su nuevo disco, Why me? Why not?, será lanzado el 20 de septiembre, y hasta ahora se han conocido varios sencillos promocionales, incluyendo One of Us, el cual no es otra cosa sino un grito nostálgico y doloroso para que Oasis se reúna. Desde su lanzamiento se ha especulado acerca de que la canción trata sobre Noel. El mismo Liam afirmó que el tema de esta es la familia. "Dijiste que viviríamos por siempre", dice su letra, en directa alusión al clásico de Oasis Live Forever. Por si lo anterior no fuera lo suficientemente claro, el video echa más leña al fuego. En este aparecen tres niños, muy posiblemente los tres hermanos Gallagher, y Liam entra por una puerta que tiene los números 28.08.09, el día que el grupo se separó. (continúa después de la imagen)

Mensaje más claro y directo, imposible. Lastimosamente Noel no ha tenido reacción al respecto (además de haber negado vehementemente a lo largo de los años que el grupo pueda reunirse) y parece no tener ningún tipo de interés en limar asperezas con su hermano. Pero así como Axl y Slash,  y David Gilmour y Roger Waters pudieron solucionar sus conflictos, no cabe duda de que los Gallagher podrían seguir el mismo camino. Ya les llegará su hora. Ya verán. Sus lazos artísticos, familiares, y emocionales lo juntarán tarde o temprano. El rock británico necesita otra patada en el trasero. 

Guitarristas Subvalorados

Por cada ídolo de las 6 cuerdas (7, en algunos casos) hay uno que injustamente no se le cuelga el rótulo de "gran guitarrista". Por cada Hendrix hay un N.N. Por cada Eddie Van Halen hay un Don Nadie. Por cada Slash hay un "¿y ese quién es?". A continuación encontrarán apenas un puñado de aquellos guitarristas cuyas facultades no han sido justamente valoradas.

David Gilmour (Pink Floyd)

Es muy fácil perderse en la grandeza de Pink Floyd y considerar a Roger Waters como el principal arquitecto del sonido e imagen de la banda, pero los invito a que oigan la música del grupo inglés antes y después de la llega de Gilmour. Sin él, el cuarteto se hubiera quedado en las épicas estructuras creadas por Waters, pero hubiera carecido de la profunda y onírica voz de Gilmour, la cual es un acompañamiento exquisito a su pureza al tocar la guitarra. Casi como un buen vino acompaña al caviar. Hasta la fecha no he oído un guitarrista más impecable en su interpretación. No le sobra ni le falta nunca nada. 

Neal Schon (Journey)

Si bien sus inicios fueron en el grupo de un tal Carlos Santana, donde Schon ha demostrado el grueso de sus talentos es en Journey. Tal vez la música de esta banda no, al menos a oídos de las masas, es necesariamente algo "cool", y posiblemente eso haya influido en que su talento sea subvalorado. Parece que no hay nada que Schon no pueda hacer. ¿Quien oírlo tocar acordes pesados? Oigan Separate Ways. ¿Baladas románticas? Open Arms. ¿Acercarse al instrumento con elegancia? I´ll be Alright Without You. El tipo es un maestro. Y hay que serlo para tocar al lado de Santana. 

Gustavo Cerati (Soda Stereo)

Su talento en la guitarra ha sido sin duda eclipsado por sus letras, buena pinta, y por las miles de melodías pegajosas que hizo en su carrera, sobre todo con Soda Stereo. Sin embargo debajo de esa torre de hits y letras memorables, yacen riffs contundentes y gran maestría y exquisitez. Quizás el botón de muestra más claro de su poder guitarrero es el Unplugged de Soda, principalmente En la Ciudad del la Furia, en la que su manejo de efectos de pedal resultan absolutamente espléndidos. 

The Edge (U2)

Cuando el cantante del grupo en el que uno toca guitarra es Bono, un tipo con una voz privilegiada que ama las cámaras y luces tanto como estas lo aman a él, es muy difícil no pasar a un segundo plano. A pesar de esto, The Edge es todo menos un simple segundón en las filas del grupo, pues su sonido ha sido trascendental y , según fuentes cercanas al grupo, lo que aporta tras bambalinas es igual de importante. Sí, Bono es la cara del grupo, pero hagan el ejercicio de tratar de oír canciones como Pride y Where the Streets Have no Name sin la guitarra y efectos de The Edge. 

Mark Tremonti (Creed/Alter Bridge)

Satanizado por su paso por Creed y haber sido compañero de banda del muy poco querido Scott Stapp, Tremonti no ha logrado establecer su reputación como el excelente guitarrista que es, al menos no en la las grandes ligas. Con su trabajo solista y Alter Bridge mucho respeto ha logrado ganar. No es para menos, pues ese voltaje con el que interpreta el instrumento y las murallas de riffs inclementes que crea no se oyen todos los días. 

Wes Borland (Limp Bizkit)

Otro que se ha visto perjudicado por el grupo en el que se hizo famoso y el cantante que lo acompaña en este. Ser guitarrista de Limp Bizkit y compañero de Fred Durst tal vez le haya hecho pocos favores a Borland. No es fácil ser respetado cuando se es parte de uno de los grupos más odiados junto a uno de los cantantes más detestados. Pero si se logra oírlo a través de esto, no es difícil encontrar a un guitarrista muy sólido y que crea riffs muy interesantes, y aún mejor y más admirable, toca guitarras de siete cuerdas.

Jerry Cantrell (Alice in Chains) 

Este es tal vez uno de los casos más aberrantes de subvaloración que he visto en la música. ¿Las razones? No las tengo muy claras, pero es posible que el grupo de Cantrell -Alice in Chains- haya vivido bajo la sombra de otros grupos de la época que fueron más grandes comercialmente, como Nirvana y Pearl Jam. Cantrell es una doble amenaza, canta bien y toca guitarra de forma maestral y logra unos tonos oscuros que no pueden ser de otro guitarrista sino de él. 

John Frusciante (Red Hot Chili Peppers)

Hoy por hoy, tras años de la partida de Frusciante de los Chili Peppers- el grupo estadounidense sigue vigente, pero da más la impresión de que es por nombre e historia que por la música que hacen actualmente. Sí, han sabido hacer buenas canciones, pero la época de grandes éxitos parece haber quedado atrás, y no creo que sea coincidencia. John Frusciante era su arma secreta y fuente importante de su éxito, antes y después de él. Su vibra en el escenario, buena onda, y tonos hendrixianos hacen de él un guitarrista como pocos. 

LAS BANDAS DE ROCK MÁS ODIADAS

Por cada Black Sabbath, Kiss, Pink Floyd, Beatles, hay una (o más) banda o artista que la gente simplemente detesta y no soporta escuchar. A continuación algunas de las más odiadas. 

JOHN MAYER

Desafortunadamente para el cantante y guitarrista, Taylor Swift no es la única persona que lo odia. Alguna vez un profesor de filosofía dijo en clase que definitivamente el alma y el rostro están conectados, y Mayer es clara muestra de esto. De otra forma ¿Cómo se puede explicar que actuar de forma tan petulante y verse igual? Como botón de muestra de su petulancia basta leer esta cita célebre del tan querido John hablando sobre él mismo: "Si antes no era percibido como un joven Bruce Springsteen, ahora estoy seguro de que ahora lo soy". No, John. No eres ni una uña de Springsteen.

DAVE MATTHEWS BAND

Salvo quizás por un par de canciones este grupo no es ni malo ni bueno, la banda está en incómodas aguas tibias donde, a pesar de su imagen anti-cool, son queridos por algunos. Sin embargo, muchos de los fans de sus primeros discos en los 90 se cansaron de la peculiar voz de su cantante y sonido que es de todo y a la vez es nada. Todo un mazacote musical. 

LIMP BIZKIT

No les voy a mentir, en mis años de adolescencia me gustaba Limp Bizkit, y aún hoy hay canciones que no me molestan. Supongo que vi en el grupo algo que no muchos vieron, a pesar del éxito masivo que los liderados por Fred Durst cosecharon a finales de los 90 y comienzos del nuevo milenio. Su mezcla de rap, hip hop, y metal resultó intolerable para los puristas, así como la actitud sobrada y cursi de Durst. 

CREED

Otro grupo que al igual que Limp Bizkit tenía su principal problema en la actitud de su cantante. Respetando el trastorno bipolar del cual sufre Scott Stapp y con el cual me compadezco, su muchas veces extraña actitud fue una de las cosas que hizo de Creed una de las bandas más odiadas de la historia, por no hablar de las acusaciones de que estaban robando a Pearl Jam con su sonido pero palideciendo en el intento. Eso sí, Creed tenía en Mark Tremonti un excelente guitarrista. Oigan su grupo Alter Bridge y lo notarán. Nickelback antes de que Nickelback existiera, como les dicen algunos.

NICKELBACK

Tal vez sea el hecho de ser canadienses, la actitud  y voz de su cantante, Chad Kroeger, o simplemente esta banda apesta en los oídos de las masas. El tema de ser la peor banda de la historia se ha vuelto tan popular que sus integrantes -al menos en ocasiones- se han negado a conceder entrevistas, seguramente anticipándose al espinoso tema. Por otra parte, las ventas de sus álbumes han bajado (¿acaso las de qué artista no?). Artistas como Patrick Carney de los Black Keys y Corey Taylor de Slipknot y Stone Sour han manifestado abiertamente su oído hacia Nickelback, este último diciendo sobre Kroeger cosa como "no puedo decir nada malo sobre Nickelback...Es solo él. Así que, hombre, escóndete en tu cama con tu almohada de Hello Kitty y cierra la boca". 

Érase una vez The Hall Effect

A mediados de la primera década del presente milenio una nueva camada de rock colombiano comenzaba a tocar la puerta. Del rock local de los 90 liderado por bandas como Aterciopelados se pasaba a un sonido más global y cantado en inglés. Varios grupos comenzaron a cantar en la lengua madre del rock, lo cual - si bien ya se había hecho antes- no dejaba de ser fresco en su momento. En la cabeza de este movimiento se encontraba The Hall Effect, la banda bogotana que dio sus primeros pasos en la escena haciendo tributos a U2. Otras bandas siguieron su ejemplo y comenzaron a cantar en inglés, Stayway -por ejemplo- cuyo cantante alguna vez me dijo que hacían fuerza por The Hall Effect, pues ellos podían abrir las puertas para muchos otros quienes, como ellos, luchaban por triunfar en la dura escena roquera colombiana. 

Después del éxito más que todo local de su primer álbum (Aim at Me), liderado por varias canciones que pegaron fuerte como la que le da nombre al disco, Unpure y Become, el grupo se puso ambicioso y viajó a Inglaterra para grabar su sucesor. De la mano de Phil Manzanera, conocido por su trabajo junto a Roxy Music, David Gilmour, Pink Floyd, entre otros grandes de la música global, el cuarteto pasó una temporada en Londres trabajando en su segundo álbum, el cual salió al mercado en el primer semestre de 2010. Con canciones como Shine y Hitman Story, el disco tal vez no dio los resultados esperados, a pesar de contar con una muy buena producción y un sonido más maduro. 

Tal vez fue el cambio en el sonido del grupo (menos brit pop y más hard rock), o quizás se pusieron muy ambiciosos muy rápido. El caso es que después de la presentación del disco en cuestión las cosas comenzaron a no funcionar tan bien. La banda perdió a un par de sus integrantes originales y empezó a experimentar sonoramente (tal vez fue eso lo que llevó al colapso de su formación original). Un poco aporreados y algo fuera de foco el grupo siguió adelante y después de ese segundo álbum ha lanzado un LP y dos EP, dejando casi totalmente de lado la idea principal de cantar en inglés para hacerlo en español e incluso en francés. Si tras sus dos primeros discos el grupo hubiera entrada en la Bolsa de Valores, hasta acciones hubiera comprado (¡carajo! Hasta los llevé a tocar en mi universidad y el rector casi me crucifica por el alto volumen), pero algo sucedió en el camino que desvalorizó al grupo dentro del panorama nacional del rock y -de ser los nuevos abanderados en la noble causa de sacar a flote el rock colombiano- pasaron a ser actores secundarios y ver cómo bandas como Diamante Eléctrico reciben el testigo. 

The Hall Effect: "Te lo digo y lo siento, cuando tu vuelvas aquí voy a estar". 

Axl y Slash Se Reconcilian: Leyendo Entre Líneas

Hace poco más de una semana llegó la noticia que muchos , incluido yo, jamás pensamos oír: Axl y Slash vuelven a hablar tras casi dos décadas sin hacerlo. Así lo anunció el mismo Slash en entrevista con un medio sueco. Ante la pregunta del periodista sobre el acercamiento entre ambos músicos, el guitarrista contestó: “Creo que nos demoramos mucho. Es bueno dejar de lado toda esa negatividad”. Cuando el entrevistador tocó el tema de una posible reunión de la formación original de Guns N´ Roses, Slash cambió el tema de inmediato.

Los rumores no se hicieron esperan. Inmediatamente diferentes redes sociales, medios de comunicación y blogs se inundaron con todo tipo de especulaciones y las típicas noticias infundadas acerca de la tan ansiada reunión. Incluso se llegó a informar que el grupo tocaría en el festival Soundwave de Australia en enero de 2016, lo cual –lamentablemente- quedó desmentido por la misma cabeza de dicho evento. En medio de tanta habladuría, ¿Qué les parece si leemos entre las líneas de la noticia en cuestión?

Si bien la información sobre la reconciliación llegó hace poco, dicen diversas personas con fuentes cercanas a los integrantes de la banda que Axl y Slash limaron asperezas hace casi cerca de un año. En silencio. Por otra parte, esas mismas personas afirman que algo está sucediendo tras bambalinas en cuanto a una posible reunión de la alineación original de Guns N´ Roses. ¿Qué han dicho los exintegrantes del grupo? Absolutamente nada. Lo cual me pone a pensar: si todo fuera mentira, estoy seguro de que alguien, sobre todo Axl, hubiera dicho algo al respecto. El periodista musical Eddie Trunk comentó que intentó conseguir una entrevista con Slash para aclarar la situación, pero según su mánager: él no quiere hablar del tema en este momento. Es un silencio sospechoso, sin duda. Ni siquiera Steven Adler (baterista original de GN´R) –siempre tan interesado en tocar el tema- ha dicho una sola palabra, al igual que Duff McKagan (bajista).

¿Creo que algún día el grupo de reunirá? Sí. Siempre lo he creído. ¿Cuándo creo que va a pasar? No sé, tal vez en unos años. Si usted sabe algo de la historia de Guns N´ Roses, entonces sabe que nada con ellos es fácil. Pienso que antes de que algo suceda, todos los involucrados del grupo tendrían que tener largas conversaciones e incluso ayuda profesional y psicológica, así como tuvieron que hacer los integrantes de Blur para poder grabar su nuevo disco sin asesinarse en el intento, o como hizo Metallica para no terminar de caerse a pedazos en las épocas de St. Anger. Piensen también la cantidad de abogados que estarían metidos en el asunto. 

Nada fácil será. Pero si Led Zeppelin, Pink Floyd, The Police –por nombrar apenas algunos casos- pudieron dejar sus diferencias atrás y tocar juntos de nuevo, estoy seguro de que Axl, Slash, Izzy, Steven y Duff pueden hacerlo también. A pesar de que creo que la reunión va a tomar tiempo, también creo que este momento es el perfecto para que pase. ¿por qué? Porque la formación actual de la agrupación está “cojeando”, en crisis, si se quiere. Dos de sus guitarristas –DJ Ashba y Bumblefoot- anunciaron su salida del grupo recientemente. Asimismo, el bajista Tommy Stinson parece estar más interesado en estar con The Replacements y en hacer cosas como solista que en trabajar con GN´R. Lo anterior deja un espacio para que Slash, Izzy (o Gilby) y Duff vuelvan al grupo. Duff, a propósito, reemplazo brevemente a Stinson en el paso por Suramérica de la banda hace poco. La animosidad entre Axl y Slash era lo que detenía una reunión. Ahora que por fin decidieron actuar como adultos y dejar atrás sus diferencias, no veo nada que la detenga.

Para más de lo que pienso acerca de esto, los invito a oír este podcast que grabé hablando sobre el tema: 

20 Discos que Cumplen 20 Años- Parte 1

Si usted -como yo- creció oyendo el rock del primer lustro de los 90, o simplemente le gustan los sonidos de la época, este especial de dos partes dedicado a los mejores discos lanzados en 1994 es para usted.

Póngase su camisa de leñador a cuadros, los jeans más rotos que tenga, y –advertencia incluida- prepárese para un viaje de enorme nostalgia que lo hará sentir “relativamente veterano”.  

¿No fueron los 90 increíbles?

Pd: El orden de los discos es netamente aleatorio.

1. Green Day- Dookie

La inspiración para el nombre del disco es increíblemente desagradable, pues Dookie era como los integrantes del trio estadounidense llamaban a los problemas estomacales que la comida podrida que consumían por aquel entonces les causaban. Sin embargo, Dookie se convirtió en uno de los álbumes insignia de los 90, gracias a éxitos como When I Come Around, Basket Case y Longview. Hasta el día de hoy, el disco ha vendido más de 20 millones de copias a nivel mundial.

2. Alice in Chains- Jar of Flies

Difícilmente encontrarán en la historia de la música un EP tan exitoso como Jar of Flies. No en vano fue el primer EP en debutar en el puesto número 1 del Billboard 200. Canciones como las lúgubres Rotten Apples y Nutshell, la nostálgica Don´t Follow, la comercialmente exitosa No Excuses, y la espeluzante y magistral instrumental Whale & Wasp, hacen de Jar of Flies una de las grandes joyas del rock de los 90.

3. Meat Puppets- Too High to Die

La banda liderada por los hermanos Kirkwood, una de las favoritas de Kurt Cobain, lanzó el 25 de enero de 1994 el que es hasta la fecha su disco más aclamado. Too High to Die –cuyo nombre es una mofa al disco de los Ramones Too Tough to Die- alcanzó las primeros lugares en diversos listados de rock en Estados Unidos, mucho tuvo que ver el enorme éxito del sencillo Backwater.

4. Nine Inch Nails- The Downward Spiral

Considerado por muchos como el trabajo más sólido de la banda de Trent Reznor, su mezcla de heavy metal, rock industrial y música electrónica lo llevaron al segundo lugar del Billboard 200 y a vender màs de cinco millones de copias alrededor del mundo. Impulsado por el éxito de canciones como Hurt y la controversial y provocadora Closer, The Downward Spiral fue uno de los álbumes que abrió el camino para la experimentación electrónica que llegaría hacía finales de los 90.

5. Soundgarden- Superunknown

Con canciones como Fell on Black Days, Spoonman y Black Hole Sun, Superunknown fue el álbum que catapultó a Soundgarden de los terrenos underground del heavy metal y grunge hacia el mainstream. Prueba de ello son las 9 millones de copias vendidas hasta hoy, así como los premios Grammy que ganó por Spoonman y Black Hole Sun, la canción más exitosa del grupo de Seattle.

6. Pantera- Far Beyond Driven

Sin duda alguna, uno de los discos clásicos del cuarteto estadounidense. Canciones como 5 Minutes Alone, I´m Broken y Planet Caravan –impecable cover de Black Sabbath- llevaron al séptimo disco del grupo ha ser el primero de metal extremo en debutar en la posición número 1 del Billboard 200. La voz de Philipp Anselmo y la guitarra de Dimebag Darrell, llenan este disco de una potencia y brutalidad metalera digna de alabar.

7. Oasis- Definitely Maybe

Para 1994, el rock británico estaba pasando por uno de sus peores momentos. En muy buena parte por el boom de la escena grunge estadounidense y bandas como Nirvana y Pearl Jam. Afortunadamente, la banda de los controversiales hermanos Gallagher llegó para poner el rock inglés  de regreso en la cima. Publicaciones como Rolling Stone y NME le dieron críticas muy favorables, con califiicaciones casi perfectas. El álbum debut de Oasis es hoy uno de los discos esenciales de los 90. 

8. The Offspring- Smash

Con 20 millones de copias vendidas alrededor del mundo, el tercer disco del grupo californiano es el álbum independiente mejor vendido de la historia. Canciones como Self Esteem, Gotta Get Away y Come Out and Play hacen de Smash –junto a Dookie (Green Day)- uno de los discos pioneros del movimiento pop punk que se haría tan popular a finales de los 90.

9. Pink Floyd- The Division Bell

A pesar de recibir críticas no muy positivas de parte de la crítica especializada –en parte por la falta de cohesion del disco y la ausencia de Roger Waters en este-, The Division Bell no carece de brillo. Canciones como Marooned, Keep Talking y High Hopes, son joyas absolutas que nada tienen que envidiarle a otras del repertorio del grupo británico. Este sería el último disco lanzado por Pink Floyd.

10. Live- Throwing Copper

A pesar de estar lejos de ser tan popular como otros lanzamientos de la época, en mi opinión, es uno de los mejores y más representativos discos de los 90. Canciones como Selling the Drama, Lightning Crashes, I Alone y All Over You, son una clara muestra del poder vocal de Ed Kowalczyk y parte fundamental de la banda sonora de los 90.