Sobre el papel, los Fabulosos Cadillacs es una banda que no debería gustarme. Siendo lo mío el rock duro y heavy metal, los estilos más folclóricos y rítmicos no son lo mío, pero los Cadillacs hacen que me guste algo más cercano a lo que en Colombia llamamos "chucuchucu". Su mezcla de varios géneros es una poesía. Un poco de salsa, algo de reggae, otro tanto de ska, y una buena dosis de rock en español son una mezcla que desde mis años de colegio logró ganarse un lugar en mis oídos.
Llevaba años, por no decir décadas, esperando por la oportunidad de ver a Vicentico y su combo en vivo. El momento perfecto nunca parecía llegar. O no estaba en el país, o venían a tocar en festivales, algo que nunca me ha apetecido, pues en estos los grupos suelen tocar menos tiempo. Yo los quería ver haciendo lo suyo por dos horas, no por hora y media y con una lista de canciones reducida. Por eso, cuando hace unos meses se anunció su visita Bogotá, supe que era una oportunidad dorada de lograr el objetivo por fin. Y vaya que se logró el objetivo, pues los tipos se fajaron un concierto sencillamente brutal.
Por dos horas nos dieron un baile, literalmente, por sus casi 40 años de vida. Asegurándose de que todo el presente en el Movistar Arena se pegara una buena "azotada" de baldosa, brincada, y hasta un lindo pogo en V centenario, al cual tuve que meterme, pues tenía que hacer algo con tanta energía y emoción. Los éxitos no solo no faltaron sino que estuvieron presentes uno tras otro. Manuel Santillan, el león, Demasiada presión, Calaveras y diablitos, Gitana, Siguiendo la luna, Mal bicho, Matador, Vasos vacíos hicieron que las dos noches con los Cadillacs en Bogotá fueran un viaje épico por la nostalgia de los días de gloria del rock en español.
Dudo que el más "pelado" de la banda tenga menos de 55 años. Bueno, al menos de los integrantes de la vieja guardia, pues Astor Cianciarulo y Florian Fernández Capello -hijos de Flavio y Vicentico respectivamente- no deben llegar ni a los 30. Sin embargo, la energía de cada uno de los músicos que se pararon en el escenario es una total locura. No había más que responderles con voltaje. No había forma de no saltar, gritar, cantar, bailar, poguear. Solo la persona más aburrida del planeta no se pegaría su buena enloquecida con tanto derroche de energía saliendo del escenario.
Vicentico, un capo total. Los Fabulosos Cadillacs una banda que ,sin temor a equivocarme, está junto a Soda Stereo en la cima de las leyendas más leyendas del rock en español.
Creo que se puede decir sin temor a equivocarse que Soda Stereo fue, es y será el grupo de rock en español más importante de todos los tiempos. A mediados de los 90, cuando lanzaron Sueño Stereo, su último disco de estudio, pensé que en algún momento darían el salto y conquistarían el mercado anglo. Infortunadamente, Gustavo Cerati, Zeta Bosio, y Charly Alberti decidieron que ya era hora de dejar así, y en 1997 dieron sus últimos conciertos. No es un secreto que una de las más grandes claves del éxito en la industria de la música es cantar en inglés. Artistas como Shakira lo han hecho, ganando así gran popularidad a nivel mundial. ¿Y si Soda hubiera hecho música en inglés? ¡un momento! Soda hizo música en inglés!
A mediados de los 80, hacia 1986 -para ser algo más exactos- el trío argentino grabó en inglés dos de sus canciones más apetecidas: Juegos de seducción y Cuando pase el temblor, traducidas como Games of Seduction y When the Shake is Past. ¿Por qué lo hicieron? Este interrogante no tiene una respuesta exacta, pues la información sobre estas sesiones de grabación es muy escueta. Sin embargo, se dice que ambas canciones fueron grabadas cuando la banda viajó a Londres para grabar el álbum Doble vida. Otra versión apunta a que Cerati y compañía grabaron en inglés tras petición de un DJ británico, quien les pidió que lo hicieran para poder sonar en discotecas en Reino Unido, con la intención también de algún día lanzar una producción totalmente en inglés, lo cual nunca sucedió.
Ambos temas nunca fueron lanzadas de manera oficial, y hay quienes ni siquiera saben que existen. Gracias a la internet, donde no hay nada oculto, podemos disfrutar de Gustavo Cerati cantando estos clásicos en un muy buen inglés. Una de las cosas más interesantes de estas versiones es lo claras que suenan algunas de las influencias de Soda Stereo, como The Cure y The Police.
¿Habría funcionado grabar un álbum totalmente en inglés? Juzguen ustedes mismos.
Cada vez que tiembla, alguien comenta en alguna red social "despierten a Cerati, ya pasó el temblor". Esto en alusión al coro de la famosa canción de Soda Stereo Cuando pase el temblor. Pero más allá de los memes y el ahora clásico comentario, ¿qué hay detrás de la letra de la canción?
Este clásico del rock latino hizo parte de Nada Personal, segundo álbum del trío argentino, el cual llegó al mercado en 1985 y catapultó al grupo en la región. Tanto fue el éxito del LP, que les alcanzó incluso para grabar la canción en inglés, pero eso es tema de otro día. Su video, grabado en la ciudad argentina de Tilcara, es uno de los más icónicos en la historia del rock en español, además de ser uno de los primeros del rock latino que encontró un espacio para rotar en MTV. Sobre el significado de Cuando pase el temblor, Gustavo Cerati contó que esta fue "una de las primeras canciones que salieron, sobre una idea que yo ya tenía, inspirada en paisajes que conocía de chico, del noroeste argentina". Con respecto a su particular sonido, el cantante y guitarrista afirmó que "es una fusión de reggae con un aire de carnavalito".
En cuanto a lo que hay detrás de su título y letra, Cerati señaló que obtuvo inspiración en el terremoto que había ocurrido en México a mediados de los 80: "me impactaba mucho esa noticia y la relacioné con algo totalmente emocional".
La siguiente vez que tiemble, mientras evacúa el lugar en el que está, puede aliviar un poco las tensiones del momento contándole a la gente con quien esté la historia de esta canción, y si la pone a todo volumen, puntos extra.
Como melómano, oigo música todo el día. Pero quizá uno de los momentos en los que más necesito de la música es cuando salgo a correr. Los kilómetros sin música serían absolutamente tediosos e interminables. Necesito de canciones para oxigenar mis músculos y hacer que mis pies se muevan. Al menos una vez por semana, escojo la música de un artista de rock en español, pero hace poco me vi en apuros, pues no encontraba ninguno que fuera compatible con el tipo de corrida que iba a hacer, o que no hubiera escuchado hace poco. Fue entonces cuando tuve una revelación, el mundo del rock en el idioma de Cervantes es muy pequeño. Inmediatamente después, llegó a mí una oscura teoría: el rock en español está estancado y lleva estancado décadas.
No es nada en contra de ningún artista que cante en nuestro idioma, es simplemente que son muchos. Es cierto, el idioma del rock es el inglés, e incluso artistas que no son anglosajones cantan en inglés, pero -de igual forma- siento que los artistas, al menos los grandes artistas, las leyendas del rock en español, y ni hablar de los grupos nuevos que estén pegando fuerte son MUY pocos y ya son veteranos. Soda Stereo, Café Tacuba, Caifanes, los Fabulosos Cadillacs, Draco Rosa, Miguel Mateos, Fito Páez, Enanitos Verdes, Charly García, Los Rodríguez, Andrés Calamaro, Aterciopelados, Maná, Los Prisioneros, La Ley, perdón si olvidé a alguno, son los más destacados, y algunos de ellos ya ni hacen música o están cerca de los 60 o ya pasaron por ellos.
¿Cuál es el artista de rock en español que más sensación haya causado en los últimos tiempos? Zoé, tal vez, a comienzos de siglo, pero el grupo palidece al lado de los grandes nombres que listé hace un instante. De ahí para adelante, es muy poco lo que ha salido, al menos a nivel comercial. Es decir, no veo a nadie que esté comenzando su carrera hoy que en un par de décadas podamos poner en el mismo renglón de Charly, Fito, o el maestro Spinetta (¡sabía que me olvidaba de alguien!). Seguro que hay gente haciendo cosas interesantes, pero nada que deje a nadie con la boca abierta. Todo muy normalito.
La pregunta es: ¿por qué el rock en español parece haberse estancado? Me resulta difícil de creer que con tantos buenos artistas que han producido estas tierras -y si quieren incluimos a los españoles como Héroes del Silencio y Hombres G- no haya quien haya tomado sus influencias y se sienta capaz de ser el abanderado de una nueva generación de monstruos del rock en español. ¿Cómo puede ser posible que el gran momento del rock en nuestro idioma haya sido hace más de 30 años y nadie haya tomado el testigo? Tengo una posible teoría y un posible culpable de todo, pero a quienes me leen entre los 10 y 20 años no les va a gustar.
¡El asqueroso, abominable, monótono y musicalmente pobre reggaeton! Los jóvenes de hoy ya no quieren hacer rock, y es entendible, pues el rock no es lo que escuchan. Yo, por ejemplo, crecí en pleno apogeo del grunge y rock alternativo de los 90, y lo único que quería era colgarme una guitarra y hacer temblar a todo el vecindario. No quería hacer salsa ni vallenato. Lo mismo sucede hoy, los "pelados" quieren hacer el tipo de música que está de moda y que sienten cercana...así sea horrenda. Por otra parte, hacer reggaeton puede resultar más fácil y hasta económico que hacer rock. Una guitarra buena tiene un costo no menor, lo mismo que un bajo y una batería. Si alguien quiere ser el nuevo ídolo del reggaeton, puede comenzar a crear rimas, y solo necesita un cuaderno, un esfero, y conseguir varias palabras que rimen con culo.
Mientras esté panorama favorable a géneros urbanos continúe, es muy poco probable que una nueva gran banda de rock salga a la luz. No solo porque no haya quien quiera rockear, sino porque hay menos público para el rock, menos medios, menos todo.
A propósito del Día de Acción de Gracias, esta es la historia del que es tal vez el agradecimiento más famoso de todos los tiempos: el "gracias totales" de Gustavo Cerati.
Hace 25 años, el 20 se septiembre de 1997, para ser exactos, Soda Stereo tocaba su último concierto en Buenos Aires antes de disolverse oficialmente. Tras un show de alrededor de 30 canciones, Cerati, Charly Alberti, y Zeta Bosio, bajaron el telón de una carrera ilustre con De Música Ligera. Antes de terminar la canción y mientras el bajo, la guitarra y la batería seguían tronando, Cerati se acercó al micrófono para dirigirse al público una última vez: "No solo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias...totales!". Al ver a Cerati decir estas emotivas palabras, es fácil darse cuenta de que el agradecimiento final llegó de accidente, pues en su rostro se ve a un hombre que está tratando de encontrar la palabra adecuada que resuma lo enorme que era su gratitud hacia el público, la banda y su carrera, colaboradores, siendo "totales" la única o mejor palabra que encontró.
"Gracia totales" se ha convertido en una frase esencial cuando se quiere expresar un agradecimiento grande. Estoy seguro de que usted la ha usado alguna vez o que alguien se la ha dicho. Cuando Cerati murió en 2014, muchos de sus seguidores encontraron en las dos mágicas palabras la forma más precisa para agradecerle por su música y vida. Charly Alberti y Zeta Bosio hicieron una muy corta gira llamada Gracias Totales, en la cual interpretaron canciones de Soda Stereo junto a invitados especiales. Pero quizás el uso de del "gracias totales" que ha resultado más popular recientemente es el de Chris Martin, vocalista de Coldplay, quienes versionaron De Música Ligera en una de sus presentaciones en Buenos Aires, con Martin replicando en un curioso español el discurso que Cerati dio a sus asistentes en el último concierto del trío que lideraba en 1997, por su puesto, con el "gracias...totales" incluido. Las palabras significan tanto para el cantante de Coldplay, que en su reciente y exitoso paso por Argentina decidió tatuarse "gracias totales" en su brazo.
Soda Stereo se reunió en 2007 para conmemorar los 10 años del último concierto, y la idea -según el libro Soda Stereo- Biografía Total, de Marcelo Fernandez Bitar- era reunirse cada cierto tiempo para hacer al menos un puñado de presentaciones. Lastimosamente, con el fallecimiento de Gustavo Cerati, el plan quedó solo en sueños.
*A todos quienes leen este blog: gracias...totales.
Es fácil caer en el error de pensar que la cantante de Barranquilla es una artista exclusivamente pop que coquetea con ritmos urbanos y folclóricos, pero su espectro musical es mucho más amplio de lo que sus mayores éxitos e inexplicable contorneo de caderas demuestran. Como todos quienes vivimos nuestra adolescencia en la década de los 90, Shakira estuvo expuesta al rock de la época, y su gusto por el género se asoma constantemente en su música y, sobre todo, en sus presentaciones en vivo. Su afinidad por el rock también se deja ver con claridad en su ropa. En ocasiones, como en la rueda de prensa previa a su presentación en el Super Bowl de este año, viste camisetas de bandas como Guns N' Roses. Además, su perfume se llama Rock. La conexión es clara. Shakira es de los nuestros.
Para probar este punto de forma más contundente, estas son algunas de las veces en las que Shakira mostró su lado rock:
Cantando "Zombie" de los Cranberries
Hace unos años la cantante grabó junto a Trevor Noah la famosa sección Carpool Karaoke, en la que los artistas se dan una vuelta en carro junto al presentador mientras charlan y cantan. Shakira cantó un fragmento de Zombie, track de los Cranberries. La influencia de Dolores O'Riordan en la voz de la barranquillera es más que evidente.
Haciendo un cover de Aerosmith
En 2002, la otrora cadena de música MTV decidió hacer un tributo a Aerosmith en su programa MTV Icon, en el que varios músicos tocaron canciones del grupo de Boston. Shakira dijo "presente" haciendo una muy fiel versión de Dude Looks Like a Lady, en la cual participó brevemente Steven Tyler, cantante del grupo.
Sacándola del estadio con su versión de I'll Stand by You, de The Pretenders
Cuando Crissie Hynde, cantante de The Pretenders, oyó está versión de su canción lanzada para recaudar fondos para las víctimas del terremoto en Haití en 2010 probablemente vio en peligro su permanencia con el grupo, pues Shakira hizo un trabajo vocal sencillamente conmovedor e impecable.
Versionando a Metallica
En entrevista realizada en 2011 para Google Music, la cantante confesó ser fan de Led Zeppelin, The Cure, Nirvana y Metallica. "Solía ser gran fan de Metallica cuando tenía entre 15 y 16 años. Recuerdo cuando me iba a graduar de bachiller y solía cantar Nothing Else Matters todo el día". Para su gira Sale el sol, de 2011, Shakira decidió incluir una muy especial versión del clásico de Metallica.
Dúo con Cerati
No hay forma de ser latino y no haber cruzado caminos con Soda Stereo. Los caminos de Shakira y el trío argentino se cruzaron en varias oportunidades, especialmente con Gustavo Cerati. El cantante ayudó en la producción del álbum Fijación oral vol.1, además de haber tocado en la canción No, la cual en alguna ocasión hicieron en vivo. Tal vez el momento más emblemático entre ambos artistas se dio en mayo de 2008, cuando Shakira organizó el Concierto Alas, una especie de Live Aid latinoamericano orientado a conseguir fondos para la niñez desamparada de la región. Ambos compartieron escenario para colaborar en el himno de Soda En la ciudad de la furia.
En octubre de 2019, cuando se hizo el anuncio oficial de la gira Gracias Totales en homenaje a Gustavo Cerati y el legado del trío argentino, ni por un segundo contemplé la posibilidad de comprar mi boleta. ¿Me pareció llamativo e interesante? Sí, sobre todo por el calibre de los invitados que se pondrían en la piel de Cerati. Andrea Echeverri, Juanes, Chris Martin (Coldplay), Draco Rosa, entre otros. Igual decidí no ir.
Tras la muerte de Cerati en 2014, Charly Alberti y Zeta Bosio afirmaron que la idea después de la exitosa gira de reunión Me Verás Volver era tocar en vivo cada cierto tiempo, los tres. Por ende, supuse que nunca más habría versión alguna de Soda de regreso a los escenarios. Sin embargo me pareció interesante celebrar la historia del grupo con invitados de lujo, lo que nunca pensé, pues creo que jamás se informó, fue que el concierto sería más un videoconcierto que cualquier otra cosa. De las 20 canciones que hicieron parte del setlist, 12 fueron interpretadas con un video pregrabado con el cantante de turno.
Soda Stereo fue posiblemente lo primero que escuché en mi vida, por allá a finales de los 80 cuando apenas era un niño. Su influencia en mi gusto musical es enorme, por eso me resulta molesto y doloroso ver como anoche en El Campín de Bogotá sus integrantes prácticamente le metieron la mano al bolsillo a los asistentes para darles algo de muy poco valor por un precio no menor, manchando su imagen y despertando más pesar y rabia que admiración. Cuando colgaron sus instrumentos después de la reunión de 2007 se retiraron en la cima, ¡por segunda vez! Gesta heroica. ¿Qué necesidad había de hacer esta gira y pisotear su historia?
Nirvana, otro trío que sufrió la muerte de su cantante y guitarrista, ha hecho un par de reuniones con el resto de su alineación junto a invitados quienes en vivo y en directo, no en video, interpretaron algunos clásicos del grupo. ¿Por qué Alberti y Bosio no pudieron hacer lo mismo? Estoy seguro de que coordinar una gira en la que puedan contar con todos los invitados en cada fecha no debe ser tarea fácil, pero debe haber una forma, de lo contrario es mejor quedarse en casa y no salir a ofender a la gente que, con enorme amor al grupo, invierte su tiempo y dinero. No sé si el hecho de ser día bisiesto los afectó, pero lo de ayer fue una vergüenza. Si no componen su andar para las siguientes fechas, esta gira va a hacer un absoluto desastre.
A todo grupo le llega la hora de reunirse, no importa lo difícil que parezca o lo graves que sean las razones de su separación. The Police, Soda Stereo, Pink Floyd en Live Aid 2005, Soundgarden son algunos de los casos más aclamados. Pero quizás la reunión más deseada hasta 2016 cuando por fin sucedió fue la de Guns N' Roses. Tras dos décadas de peleas, comentarios increíblemente irrespetuosos entre sus antiguos integrantes (Axl se refirió a Slash como "un cáncer), y una negación rotunda con respecto a una posible reunión cuando los micrófonos de TMZ preguntaron a Axl sobre el tema: "no en esta vida", contestó el cantante categóricamente. De forma irónica la súper exitosa gira de reunión fue bautizada Not in this Lifetime. Tras la confirmación de la reunión de los Gunners hace casi 4 años, muchos se preguntan cuál es el siguiente gran grupo que debería seguir sus pasos. Mi respuesta: Oasis.
Era 1994. El panorama musical estaba dominado por lo que sucedía en Estados Unidos, sobre todo por el grunge. En Reino Unido parecía no pasar nada, pero un monstruo estaba a punto de dar sus primeros paso. El 29 de agosto de dicho año Oasis lanza Definitely Maybe, su primer álbum, con canciones que le dieron una buena y necesaria patada en el trasero al rock británico y lo puso en el mapa de nuevo. Con canciones como Supersonic y Live Forever los hermanos Gallagher comenzaban a hacerle contrapeso a Nirvana y a la escena alternativa estadounidense. Al movimiento liderado por Oasis se le conoció como Britpop, el cual se enriqueció con otros grupos como Suede, Pulp, y Blur, principalmente. 15 años más tarde, tras millones de discos vendidos y un súper exitoso álbum en (What´s the Story) Morning Glory del cual salieron canciones como Wonderwall y Don't Look Back in Anger, la banda decidió poner fin a su carrera. La razón: los Gallagher no podían ni verse.
El fin llegó el 28 de agosto de 2009 cuando los Gallagher tuvieron su última pelea tras bastidores antes de salir a escenario en París. Dicen quienes estuvieron ahí que se dijeron varios insultos, se arrojaron cosas, y que incluso una ambulancia tuvo que ser llamada al lugar. Noel inmediatamente emitió un comunicado anunciado su salida del grupo y diciendo que no podía "trabajar un día más con Liam". Tras la ruptura de Oasis Noel ha lanzado varios álbumes en solitario con resultados nada despreciables, mientras que su hermano menor ha hecho lo propio pero sin mayor gloria. Su nuevo disco, Why me? Why not?, será lanzado el 20 de septiembre, y hasta ahora se han conocido varios sencillos promocionales, incluyendo One of Us, el cual no es otra cosa sino un grito nostálgico y doloroso para que Oasis se reúna. Desde su lanzamiento se ha especulado acerca de que la canción trata sobre Noel. El mismo Liam afirmó que el tema de esta es la familia. "Dijiste que viviríamos por siempre", dice su letra, en directa alusión al clásico de Oasis Live Forever. Por si lo anterior no fuera lo suficientemente claro, el video echa más leña al fuego. En este aparecen tres niños, muy posiblemente los tres hermanos Gallagher, y Liam entra por una puerta que tiene los números 28.08.09, el día que el grupo se separó. (continúa después de la imagen)
Mensaje más claro y directo, imposible. Lastimosamente Noel no ha tenido reacción al respecto (además de haber negado vehementemente a lo largo de los años que el grupo pueda reunirse) y parece no tener ningún tipo de interés en limar asperezas con su hermano. Pero así como Axl y Slash, y David Gilmour y Roger Waters pudieron solucionar sus conflictos, no cabe duda de que los Gallagher podrían seguir el mismo camino. Ya les llegará su hora. Ya verán. Sus lazos artísticos, familiares, y emocionales lo juntarán tarde o temprano. El rock británico necesita otra patada en el trasero.
Sí, la jeta. No la boca, la jeta. Hace unos meses cuando se anunció la parrilla de artistas que harían parte de la edición 25 de Rock al Parque varios protestaron vehemente e irrespetuosamente, como ya es costumbre cada vez que el festival revela su lineup. "No, es que ese tipo no es rock. Se vendió hace años", exclamaban muchos. Hace mucho Juanes soñaba con tocar en Rock al Parque, pero por diversos motivos no lo había logrado. Su día llegó ayer, cuando ante más de 100.000 personas interpretó sus mejores canciones por un poco más de una hora. Un rato antes de subirse al escenario dijo en rueda de prensa "¡la voy a romper hijueputa!" y vaya si lo hizo. En la historia del festival he visto muchos grupos con menos rock en sus venas que él, entonces por qué no podría tener su chance en uno de los escenarios más importantes en Colombia.
Es verdad que su lado heavy lo dejó atrás hace décadas, pero -y esto lo digo por experiencia- quien es metalero nunca deja de serlo. Él mismo lo dijo al encantado público bogotano: "yo era más metalero que todos ustedes juntos". Era como si fuera un asunto personal, como si estuviera ahí para probar su punto. ¿Juanes no es metalero? Un tipo que ensayaba en la Medellín de los años 80 en un edificio infestado de ratas, como él mismo ha contado, tiene que ser muy metalero. Si eso no es prueba suficiente, los invito a oír la canción que siendo cantante y guitarrista de Ekhymosis grabó para la banda sonora de Rodrigo D. No Futuro. Si necesitan más pruebas, oigan el disco de Ekymosis Niño Gigante, metal en estado puro.
Juanes ayer se montó a la tarima de Rock al Parque a cerrar bocas, jetas, perdón, con guante blanco. A punta de música y no de insultos. Sin ponerse disfraces ni máscaras, tocó lo mejor de su repertorio, con La Camisa Negra incluida, además de contar con invitados como Zeta Bosio, de Soda Stereo, con quien interpretó el clásico del trío argentino Cuando pase el temblor. A pesar de no haber hecho ningún tipo de reunión con Ekhymosis, el paisa tocó Solo, una de las canciones más importantes del grupo y del rock colombiano. Después de ese momento sublime se colgó una guitarra Flying V, instrumento que si bien no fue diseñado para los metaleros, estos lo adoptaron para su arte. "¿Por qué creen que me puse esto? ¿Para tocar qué?". Era obvio que venía algo pesado. Ese algo fue Seek and Destroy, canción del primer álbum de Metallica y con la que el grupo estadounidense suele cerrar sus conciertos. En esta ocasión Juanes la tomó prestada para cerrar el suyo, con pogo incluido y llamas sobre el escenario. El público aplaudía y pedía más, pero Fito Páez esperaba. Un Fito a quien, siendo el grande que es, Juanes hizo ver pálido. Y es que el P.A.R.C.E debió cerrar el festival, pero bueno, no quiero entrar en esa discusión, al menos no hoy.
Siempre he apreciado la labor de Juanes como embajador de Colombia. ¿Qué prefieren ustedes? Que puertas afuera se hable de violencia, guerrillas, bandas criminales, ¿o de la música del país? Si prefieren lo primero, ¿Por qué nos se van, no se van del país? Como cantaban Los Prisioneros. Juanes es un grande de la música colombiana, punto final. Hasta tocó con los Rolling Stones en su concierto en Bogotá. ¿Hay algo más que pueda decir? No. Mi boca está cerrada.
Por cada ídolo de las 6 cuerdas (7, en algunos casos) hay uno que injustamente no se le cuelga el rótulo de "gran guitarrista". Por cada Hendrix hay un N.N. Por cada Eddie Van Halen hay un Don Nadie. Por cada Slash hay un "¿y ese quién es?". A continuación encontrarán apenas un puñado de aquellos guitarristas cuyas facultades no han sido justamente valoradas.
David Gilmour (Pink Floyd)
Es muy fácil perderse en la grandeza de Pink Floyd y considerar a Roger Waters como el principal arquitecto del sonido e imagen de la banda, pero los invito a que oigan la música del grupo inglés antes y después de la llega de Gilmour. Sin él, el cuarteto se hubiera quedado en las épicas estructuras creadas por Waters, pero hubiera carecido de la profunda y onírica voz de Gilmour, la cual es un acompañamiento exquisito a su pureza al tocar la guitarra. Casi como un buen vino acompaña al caviar. Hasta la fecha no he oído un guitarrista más impecable en su interpretación. No le sobra ni le falta nunca nada.
Neal Schon (Journey)
Si bien sus inicios fueron en el grupo de un tal Carlos Santana, donde Schon ha demostrado el grueso de sus talentos es en Journey. Tal vez la música de esta banda no, al menos a oídos de las masas, es necesariamente algo "cool", y posiblemente eso haya influido en que su talento sea subvalorado. Parece que no hay nada que Schon no pueda hacer. ¿Quien oírlo tocar acordes pesados? Oigan Separate Ways. ¿Baladas románticas? Open Arms. ¿Acercarse al instrumento con elegancia? I´ll be Alright Without You. El tipo es un maestro. Y hay que serlo para tocar al lado de Santana.
Gustavo Cerati (Soda Stereo)
Su talento en la guitarra ha sido sin duda eclipsado por sus letras, buena pinta, y por las miles de melodías pegajosas que hizo en su carrera, sobre todo con Soda Stereo. Sin embargo debajo de esa torre de hits y letras memorables, yacen riffs contundentes y gran maestría y exquisitez. Quizás el botón de muestra más claro de su poder guitarrero es el Unplugged de Soda, principalmente En la Ciudad del la Furia, en la que su manejo de efectos de pedal resultan absolutamente espléndidos.
The Edge (U2)
Cuando el cantante del grupo en el que uno toca guitarra es Bono, un tipo con una voz privilegiada que ama las cámaras y luces tanto como estas lo aman a él, es muy difícil no pasar a un segundo plano. A pesar de esto, The Edge es todo menos un simple segundón en las filas del grupo, pues su sonido ha sido trascendental y , según fuentes cercanas al grupo, lo que aporta tras bambalinas es igual de importante. Sí, Bono es la cara del grupo, pero hagan el ejercicio de tratar de oír canciones como Pride y Where the Streets Have no Name sin la guitarra y efectos de The Edge.
Mark Tremonti (Creed/Alter Bridge)
Satanizado por su paso por Creed y haber sido compañero de banda del muy poco querido Scott Stapp, Tremonti no ha logrado establecer su reputación como el excelente guitarrista que es, al menos no en la las grandes ligas. Con su trabajo solista y Alter Bridge mucho respeto ha logrado ganar. No es para menos, pues ese voltaje con el que interpreta el instrumento y las murallas de riffs inclementes que crea no se oyen todos los días.
Wes Borland (Limp Bizkit)
Otro que se ha visto perjudicado por el grupo en el que se hizo famoso y el cantante que lo acompaña en este. Ser guitarrista de Limp Bizkit y compañero de Fred Durst tal vez le haya hecho pocos favores a Borland. No es fácil ser respetado cuando se es parte de uno de los grupos más odiados junto a uno de los cantantes más detestados. Pero si se logra oírlo a través de esto, no es difícil encontrar a un guitarrista muy sólido y que crea riffs muy interesantes, y aún mejor y más admirable, toca guitarras de siete cuerdas.
Jerry Cantrell (Alice in Chains)
Este es tal vez uno de los casos más aberrantes de subvaloración que he visto en la música. ¿Las razones? No las tengo muy claras, pero es posible que el grupo de Cantrell -Alice in Chains- haya vivido bajo la sombra de otros grupos de la época que fueron más grandes comercialmente, como Nirvana y Pearl Jam. Cantrell es una doble amenaza, canta bien y toca guitarra de forma maestral y logra unos tonos oscuros que no pueden ser de otro guitarrista sino de él.
John Frusciante (Red Hot Chili Peppers)
Hoy por hoy, tras años de la partida de Frusciante de los Chili Peppers- el grupo estadounidense sigue vigente, pero da más la impresión de que es por nombre e historia que por la música que hacen actualmente. Sí, han sabido hacer buenas canciones, pero la época de grandes éxitos parece haber quedado atrás, y no creo que sea coincidencia. John Frusciante era su arma secreta y fuente importante de su éxito, antes y después de él. Su vibra en el escenario, buena onda, y tonos hendrixianos hacen de él un guitarrista como pocos.
Ahhhh! Suspiro por los hermosos años 90. Si bien nací muy a comienzos de los 80, mis primeros años de rebeldía juvenil, primeras fiestas, primeros besos, primeras novias, todo eso y más lo viví en los 90. Como banda sonora de tan preciados recuerdos tengo al rock de los 90. A finales de los 80 comenzó mi viaje por el mundo de la melomanía, oyendo rock en español en mi habitación durante mis ratos libres. Un día, en casa de mi tío, llegó a mis manos el disco que lo cambió todo: Use Your Ilusion I, de Guns N´Roses. Mi tío muy amablemente me lo regaló. Era 1992. Aún recuerdo sus palabras exactas, casi como si fueran religión: "Este es el mejor grupo del mundo". Le creí. En mi entonces minúscula colección musical solo habitaba un álbum: Dangerous, de Michael Jackson, pero el de los Gunners fue el que moldeó mi gusto musical por siempre e inicio mi inagotable amor por la música y el rock duro.
No pretendo atacarlo por oír rock de otras décadas. Cada época ha tenido lo suyo, aunque sí creo que el sub-género se ha venido a menos con la llegada del nuevo siglo. Tal vez esté sonando como un viejito, pero le pido que lea mis argumentos para enaltecer el rock y la industria musical de la década en cuestión.
1. Los Grandes Festivales. A inicios de los 90, comenzaron a hacerse festivales masivos de música. Lollapalloza, por ejemplo. Tal vez usted diga: "pero si en los sesenta ya estaba Woodstock, Monterrey Pop, y el trágico Altamont". Tiene razón, pero eran festivales que solo se llevaron a cabo en una oportunidad. Lollapalloza, por su parte, comenzó en 1991 y se realizó anualmente hasta 1997. Luego, regreso en 2003 y -salvo por 2004- se ha hecho todos los años, e incluso ya se hace en otros países como Brasil, Argentina, y Chile. Ese es un enorme legado de los 90, el inicio de los festivales anuales masivos. Revisen el historial de conciertos de países industrializados. Les garantizo que en cada uno de ellos se hace por lo menos un festival anual. Diga usted, Estéreo Picnic en Colombia. Sin Lollapalooza no habría Estéreo Picnic.
2. El Disco Compacto. Esa reliquia plateada y redonda que tal vez muchos jóvenes de hoy ya no conocen comenzó a fabricarse y usarse en los 80, pero -al menos en mi concepto- tuvieron su apogeo en los 90. ¿O usted recuerda haber visto un CD en los 80? En esa época, la música se movía en vinilo. ¿Que el vinilo sonaba mejor que el CD? Por supuesto. Pero el disco compacto nos comenzó a dar la posibilidad de ver más de nuestros artistas favoritos: fotos, letras de canciones, agradecimientos. Además, con ellos comenzó la revolución de la música portátil. Ya podíamos transportar nuestra colección en una maleta a cualquier lugar, sacar un CD, ponerlo en un discman y voilá! No tengo nada en contra del streaming o el mp3. Aunque su calidad de sonido no es tan buena como la de otros formatos, se ha hecho muy fácil transportar la música y oírla en cualquier lugar. Lo que sí critico es que los formatos digitales de audio nos robaron el placer que era ir a una discotienda, buscar un CD, encontrarlo y -cómo no- ese sagrado momento de romper el celofán para abrirlo.
3. MTV. Lo sé. Otro invento ochentero, pero los 90 fueron la última década en la que el otrora canal de música fue relevante y educó al público en cuanto a lo que era importante en la industria. La mitad, por no decir que más, de lo que sé de música se lo debo al canal. Ver un video atractivo de una buena canción, significada salir casi corriendo a comprar el CD y averiguar más sobre el artista o banda. No había mejor plan de viernes en la noche que ver el Top 20, así como lo último en noticias musicales en Semana Rock, y cerrar la noche con los nuevos lanzamientos de Expo. Además, MTV ofrecía toda una serie de programas musicales como Clásico, Headbangers Ball, Conexión, Nación Alternativa, entre muchos otros. Ver MTV era como ir a clases de historia y actualidad musical. MTV anunció recientemente la llegada de un canal dedicado exclusivamente a los 90.
4. Rock en Español. ¡El último gran periodo de rock en español y punto! No me digan que la generación de Zoé y quién sea que suene hoy en día es tan buena como la de los 90. Soda Stereo amplio sus horizontes y los de todo el sub-género con lanzamientos como Canción Ánimal, Dynamo, y Sueño Stereo. Los Fabulosos Cadillacs nos contaban la historia de Manuel Santillán, El Léon, y el Matador. Por su lado, Caifanes nos enseñaba que afuera no existíamos, solo adentro, mientras que Café Tacuba sacaba el que, probablemente, es el mejor disco de rock latino de la historia: Re. ¡Superen eso, Zoé!
5. Rock Anglo. ¿Por dónde y cómo comenzar? Los 90 nos dieron los últimos grupos grandes, contundentes, revolucionarios del rock, así como la última gran escena de este: el grunge de comienzo de década. ¿Ha habido una escena más completa y atractiva desde la de Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains, y Soundgarden? Lo dudo. Esta escena lo tenía todo: grandes compositores, enormes y contagiosas melodías, excelentes cantantes y guitarristas, furia, rabia, energía. Kurt Cobain fue el último gran ícono del rock, el último que encontró la forma de llegar directamente a básicamente toda una generación. Nos unió a todos, nos hizo sentir identificados. Siendo un rechazado, logró que los rechazados de todo el mundo se sintieran importantes. Llevó a que la música underground pasara a ser la música del momento. Tumbo a Michael Jackson del número 1, ¿Se le puede pedir algo más? Guns N´Roses, Metallica, Red Hot Chili Peppers, Smashing Pumpkins (de quienes se rumora se reunirá la formación original), Soundgarden, U2, por nombrar solo algunos, sacaron sus mejores discos y canciones. Pearl Jam lazó Ten, junto con Appetite for Destruction, es de los mejores álbumes debut de la historia. Dave Grohl fundó Foo Fighters, Queen grabó su último disco, Pink Floyd nos dejó The División Bell, etc, etc, etc. A finales de década apreció el criticadísimo nü metal, con bandas como Limp Bizkit, KoRn, y Rage Against the Machine a la cabeza. Los puristas odiaron su mezcla de rap, rock y metal, pero lo cierto es que -al menos a nivel comercial- fue la última tendencia sonora con cojones y con un sello distintivo, basta con oír las guitarras chillonas de KoRn y la peculiar forma de interpretar la guitarra de Tom Morello.
6. El Unplugged de Nirvana. Para finales de 1993, todo el mundo sabía lo que Kurt Cobain podía hacer. La revolución grunge había dado sus frutos, pero aún quedaba algo por demostrar: el grunge y Nirvana podían ser tan ruidosos como quisieran, pero tenían un lado melódico. En noviembre de 1993, Nirvana tocó en los estudios de MTV el que sería el mejor Unplugged la historia y uno de los momentos más memorables de la música. Cobain podía cantar melódicamente y dejar de lado su guitarra estridente para adaptarse magistralmente al formato acústico. Con versiones desconectadas de Come as You Are, About a Girl, All Apologies, y una rendición épica de The Man Who Sold the World, de David Bowie, Nirvana cambió la historia de MTV y sus presentaciones Unplugged, además de lanzar el disco de dicho concierto. Una de las presentaciones en vivo mas hermosas y memorables de todos los tiempos.
Si pudiera viajar así sea un día a una época en el tiempo, no tengo la más mínima duda de que viajaría a los 90. Me pondría el uniforme de colegio, vería MTV, iría a la tienda de discos y conquistaría a mi primera novia una vez más. ¡Gracias, década de los 90!
Hablar de Gustavo Cerati es hablar de clásicos irrefutables como De Música Ligera, Cuando Pase el Temblor y Persiana Americana, por nombrar solo algunos. Sin embargo, siempre he tenido cierta debilidad por sus canciones menos conocidas, algunas de las cuales comparto a continuación con ustedes.
Desde la oscura y vengativa No Existes, la nostálgica Fue, pasando por las experimentales Sonoman (Banda de Sonido) y Rombos, hasta la sublime Perdonar es Divino, estas son cinco de mis canciones favoritas de la parte menos conocida del legado que nos deja Cerati.
