Inteligencia Artificial en la Música: ¿Oportunidad o Amenaza?

 

Hace unos años solo escuchábamos sobre la inteligencia artificial o AI (artificial intelligence) en películas de ciencia ficción o en un capítulo visionario de los Expedientes X. Su llegada parecía algo que no estaba ni cerca y que tal vez nuestra generación no alcanzaría a ver. Qué equivocados estábamos. La inteligencia artificial ya está entre nosotros, y -aún cuando apenas está en pañales- ya ha demostrado hacer cosas increíbles en varias áreas de la vida, incluso en la música. Suena interesante, y lo es, pero una pregunta comienza a rondar mi cabeza: ¿es una amenaza o una oportunidad?

La respuesta a este interrogante, al menos en mi opinión, es que es ambas: amenaza y oportunidad. En cuanto a la primera, es una amenaza para quienes trabajan en el ámbito del periodismo musical. Hace unos años, la tecnología parecía ser más bien un complemento de trabajos como el de un crítico musical o un locutor/DJ. Hoy, parece más como si la AI hubiera llegado a reemplazar al ser humano en estas labores. Recientemente, la página de noticias musicales Loudwire hizo el ejercicio de hacerle preguntas de índole musical a ChatGPT, un robot que se especializa en el diálogo. 

Con respecto a la no inclusión de Iron Maiden y Soundgarden al Hall of Fame del Rock N' Roll, el robot tuvo esto que decir: "si bien Iron Maiden es una banda altamente influyente y exitosa en el género del heavy metal, aún no ha sido inducida el Rock N' Roll Hall of Fame. Vale la pena anotar, sin embargo, que la inducción al Hall of Fame no es necesariamente un reflejo del talento del artista, influencia o popularidad, sino una compleja combinación de varios factores, incluyendo las decisiones y opiniones de los miembros votantes del Hall". Con respecto a Soundgarden, la tecnología señaló que "a pesar de haber sido una banda influyente y exitosa del movimiento grunge, aún no está incluida en el Hall por la opinión y votos de sus integrantes". Como pueden ver, el robot la tiene totalmente clara. Incluso sabe que los liderados por Chris Cornell ya no están activos. Tiemblan los periodistas especializados en música.

Pero no solo ellos tiemblan, también los DJ y locutores radiales. Hace unas semanas, Spotify reveló planes para incluir un DJ artificial en su aplicación, e incluso dio una pequeña prueba de cómo sonaría. El resultado previo es absolutamente increíble y MUY humano. La verdad, no tiene nada que envidiarle al trabajo de una persona. No quiero ser alarmista, pero creo que los DJ van a tener que encontrar un nuevo enfoque profesional. Lo digo con gran dolor, pues yo era DJ de radio, pero salté del barco a tiempo. Juzguen al DJ robot por ustedes mismos:

La amenaza es real, no solo para el mundo de la música, pues hay incluso quienes afirman que al menos 80 % de los trabajos se verán eventualmente amenazados por la inteligencia artificial. Tal vez en unos meses esté blog lo escriba un robot. 

Otra cosa que ha hecho al inteligencia artificial en el mundo de la música es crear canciones, muy competitivas, a propósito. No solo canciones nuevas sino de artistas que ya murieron. No sé a ustedes, pero a mí esto me parece que está en un terreno que se ubica entre lo triste y terrorífico. Escuchar a un artista cantando desde el más allá es más bien aterrador, y oír música de grupos "roboticos" me parece algo aburrido y artificial (duh!), lo cual es precisamente lo que más me molesta de la música moderna, lo poco orgánica que es. ¿Qué nos espera? Un concierto frío, opaco, y carente de humanidad en el que solo robots estén sobre el escenario. Hablando de músicos que cantan desde el más allá, hace poco alguien logró el milagro de resucitar a Chester Bennington para que hiciera un cover de Snuff, una melancólica canción de Slipknot. Lo peor, o mejor, de todo es que quedó hermosa. Realmente parece interpretada por el fallecido cantante de Linkin Park, pero me preocupa la cantidad de canciones falsas que van a rondar por ahí. No me sorprendería que algún fan de Guns N' Roses, ante la sequía de material nuevo, le dé por hacer un disco falso y todos quedemos tristes al ver que no es de verdad. 

 

La Rabieta Anual Contra el Rock and Roll Halll of Fame (columna)

La publicación de los nominados para ingresar al Rock and Roll Hall of Fame siempre está cargada de controversia y da mucho material para analizar, por ende, con ustedes mi tradicional rabieta anual en contra de la institución, tan despistada y cuestionable como siempre. 

Hace apenas unos días, el Rock and Roll Hall of Fame actualizó su definición de lo que, según ellos, es el rock, diciendo sobre el género que este es "nacido de la colisión del rhythm and blues, el country y el gospel, el rock n' roll es un espíritu integrador y siempre cambiante". En cuanto leí su forma de definir al rock, me resultó claro que se están justificando por las inducciones del pasado y que -peor aún- se están justificando anticipadamente por las del futuro, y vi venir una lista de nominados curiosa. Dicha lista de nominados para la ceremonia de inducción 2023 fue revelada hoy, y vaya que no me equivoqué, pues hay uno que otro artista que está en consideración, mientras que otros deben seguir y seguir y seguir esperando su inclusión, mereciéndola desde hace años, décadas.

Los nominados para este año son: Kate Bush, Sheryl Crow, Missy Elliott, Iron Maiden, Joy Division/New Order, Cyndi Lauper, George Michael, Willie Nelson, Rage Against the Machine, Soundgarden, The Spinners, A Tribe Called Quest, The White Stripes, y Warren Zevon. Es imposible no notar la gran variedad de artistas, los cuales, supongo, clasifican dentro de la definición de rock and roll del Hall of Fame. De la lista, cinco van a ser inducidos en 2023. Los encargados de votar son personajes de la industria musical, sin embargo, los seguidores podemos emitir un voto a través de la página web del Hall (www.vote.rockhall.com/es/), el cual probablemente no sea tenido en cuenta para nada. No soy de los que revelo mi voto, pero como este tipo de elección es menos "caliente" que las políticas, confieso que voté por Iron Maiden, Joy Division/New Order, Soundgarden, George Michael, y Willie Nelson. A mi juicio, estos son los cinco artistas de la lista que más han cambiado el curso de la música. Ellos rompieron los esquemas y cambiaron la música por siempre. Por otra parte, llevan siendo elegibles por al menos una década, mientras que otros han ingresado mucho antes. 

Ahora, que Iron Maiden, influencia de practicamente todos los grupos de heavy metal que han salido después de ellos y que lleva más de una década esperando, no haya ingresado antes es una absoluta locura. Lo peor de todo, es que en esta, su segunda chance de ser inducidos, seguramente también serán rechazados. Siguiendo con otras omisiones casi criminales, cómo demonios Soundgarden aún sigue por fuera. Parece que tener a uno de los mejores cantantes de rock de la historia no es suficiente. Perdónalos, Chris, no saben lo que hacen. Willie Nelson puede no ser rock en su estado más puro ni estar entre mis artistas favoritos, pero si hay un artista vivo que le ha dedicado todo a la música, es él. George Michael tampoco es rock, pero no me importa, un cantante del sublime nivel de él, merece estar hasta en el salón de la fama del merengue. 

Hay dos cosas que me molestan enormemente de la lista. La primera, la nominación de Kate Bush. No porque no lo merezca, sino porque sospecho que el Hall la va a incluir este año principalmente para montarse en el bus de la victoria de ella y de Stranger Things, serie en la que su canción Running up that Hill jugó un rol protagónico. La segunda cosa que más me saca de casillas es la nominación en conjunto de Joy Division y New Order, como si fueran la misma cosa y no fueran ambas bandas lo suficientemente meritorias como para ingresar al salón de la fama por separado, máxime cuando otros artistas en el pasado han ingresado varias veces con diferentes bandas. Es verdad que New Order nació de las cenizas que dejó Joy Division tras la muerte del cantante Ian Curtis, pero son dos entidades totalmente distintas musicalmente hablando. Mientras Joy Division ondeaba alto la bandera del post-punk, New Order básicamente se inventaba el new wave. De manera que empaquetar ambas bandas sería como empaquetar whiskey con vino, ambos tragos exquisitos, pero que no necesariamente tiene sentido vender en combo. 

Probablemente, Missy Elliott y otros artistas que no merecen ser inducidos al Hall of Fame logren su lugar en el mismo, mientras que otros como Motorhead, Scorpions, Thin Lizzy, Motley Crue, ni siquiera son tenidos en cuenta. Como escribió elegantemente John Lydon, vocalista de los Sex Pistols, en una carta a mano dirigida al Hall of Fame cuando el legendario grupo punk iba a ser inducido: "el rock and roll hall of fame es una mancha de orina. Orina en vino". 

 

David Bowie: un viejito cool (columna)

 

La adolescencia es la época en la que la gran mayoría de personas encuentran un gran aliado en la música. Hay artistas que uno escoge, mientras que otros lo escogen a uno. En mi caso, muchos me escogieron debido a influencia familiar (mi tío me presentó a Guns N' Roses) o al enorme rol que las emisoras y MTV jugaban a mediado de los 90. Llegar del colegio era sinónimo de sentarse frente al televisor a ver videos musicales, tan importantes en aquel entonces. Que las bandas favoritas de uno salgan en la tele era algo casi celestial. Metallica, Red Hot Chili Peppers, Soundgarden, Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Smashing Pumpkins, Nirvana, por nombrar solo algunos, eran los autores de los sonidos que nos enloquecían a los adolescentes de los 90. 

Sin embargo, en medio de la marea de videos y canciones de los artistas en cuestión, se colaban otros que, casi como extraterrestres, llegaban de otras épocas en su respectiva nave espacial. Eran músicos que no tenían que ver con lo que estaba de moda. Eran más bien ese bicho raro que llamamos "la música de nuestros padres". Rolling Stones, Beatles, Hendrix, y un tal David Bowie. 

"Ese man es como bueno", pensaba sobre Bowie. Había algo muy cautivante en su arte, que - a pesar de no ser de mi generación- llamaba mucho la atención. Para mí, y seguro para muchos otros, era un viejito cuarentón que estaba quemando sus últimos cartuchos musicales antes de retirarse a su ancianato. Al verme de cierta forma obligado por MTV  a consumir su música, empezó a interesarme algo más. No sabía por qué me gustaba lo que hacía, que sonaba tan diferente a "lo mío", hasta que un día di con la razón: el tipo era un genio visionario que se estaba adaptando perfectamente a los tiempos sonoros en los que vivíamos. 

A mediados de los 90, el rock duro y alternativo estaba comenzando a ceder su trono a otras tendencias como el nü metal y el rock/metal industrial, que no es otra cosa que la incorporación de elementos de música electrónica a la música. Bandas como Ministry, Marilyn Manson, White Zombie y Nine Inch Nails comenzaban a desfilar por la escena como los grandes abanderados de esta causa. Bowie lanzó dos discos que sonaban como estos grupos: Outside (1995) y Earthling (1997). Me encantaba como un "viejito" podía sonar tan actual y codearse con los jóvenes de la época con tanta gracia y sutileza. Es más, esos jóvenes morían por trabajar con él. Trent Reznor y su Nine Inch Nails llegaron a hacerlo en la canción I'm Afraid of Americans. 

Ayer, 10 de enero, cuando se cumplía el aniversario seis de su temprana partida, me puse en la tarea -como lo hago cada año- de rendirle homenaje musical oyendo su música. Tarea muy difícil, por cierto, pues el Camaleón del Rock, como el apodo lo indica, tiene mil encarnaciones sónicas diferentes y -por ende- muchísima música por consumir. Escuché alrededor de 40 canciones, y siento que no fue suficiente tributo. Perdón, señor Bowie, su talento era infinitamente más grande que el tiempo que se puede tener para disfrutarlo. El siguiente año trataré de hacerlo mejor. 

 

¿Cuál es realmente el rock clásico? (columna)

 

Cuando comencé a escuchar música en los años 90, lo que se consideraba como rock clásico era el que hacían bandas como los Rolling Stones, Led Zeppelin, Beatles, The Doors, Black Sabbath, Pink Floyd, entre otros. Por su parte, el rock moderno existía en la forma de grupos como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Smashing Pumpkins, Stone Temple Pilots, por nombrar tan solo algunos. Mientras que otros artistas como Guns N' Roses, Metallica, y Red Hot Chili Peppers, a pesar de gozar de un gran respeto entre las masas, caían en una zona intermedia entre los "viejitos" y los "de moda". Escuchar a los Stones, por ejemplo, era escuchar lo que entre los jóvenes de siempre se conoce como "la música de los papás", música que yo comencé a consumir desde muy joven, a sabiendas de que era lo "clásico". Hace unos días caí en cuenta cómo varios de mis álbumes favoritos ya tienen casi tres décadas de haber sido lanzados, y -si bien suenan supremamente frescos- ya son discos de antaño, lo cuál me llevó a preguntarme si estos ahora también clasifican como "rock clásico".

Hace unos días, uno de mis discos favoritos (One Hot Minute, de Red Hot Chili Peppers) cumplió 27 años de haber llegado al mercado. ¡Casi tres décadas! ¿Qué etiqueta se le pone si no la de "clásico"? El dilema es cómo demonios se mide qué es clásico y qué no. Máxime cuando agrupaciones como los Chili Peppers, Aerosmith, Metallica, y otras tantas, siguen siendo tan vigentes y, además, lucen tan modernos. Basta con ver la pinta de "pelado" de Axl Rose sobre un escenario. ¿Es clásico el grupo cuyos integrantes pasen de 50 años? ¿Es clásico el grupo que toque música que ya no sea la que mande la parada en popularidad? ¿Es clásico quien haya sacado su primer disco hace tres décadas o más? o ¿es clásico quien tenga arrugas y canas? ¿Todas o ninguna de las anteriores?

En mi opinión, nada tiene que ver ni con la ropa ni con las arrugas ni mucho menos con las canas. El tema de qué es clásico o no, radica en un tema estrictamente de sonido y de tiempo transcurrido desde su época de gloria o lanzamiento de sus discos. En ese orden de ideas, una banda nueva como Dirty Honey es rock clásico,  a pesar de haber lanzado su álbum debut en 2021, pues su sonido se basa en el rock y blues de los 70. Un disco que haya sido lanzado hace 20 años o más es un disco clásico de una banda clásica, sin importar si se ponen los jeans rotos o tienen camisetas de colores fosforescentes o diseños modernos. Dicho eso, una producción lanzada en 2002 es clásica. Por ejemplo, Songs for the Deaf, el álbum más aclamado de Queens of the Stone Age, es un clásico total, sin importar que en su momento haya mandado la parada de los sonidos modernos de comienzos de siglo. Ni hablar de discos insignia como Superunknown, de Soundarden, o el ilustre Ten, de Pearl Jam,¡ clásicos en mayúscula sostenida! Ahora, otra forma de saber qué es "clásico"y que no es la del impacto que una canción/álbum haya tenido. Seven Nation Army, de los White Stripes, tiene menos de 20 años, al igual que el éxito de Kings of Leon Sex on Fire, sin embargo, su gran rotación y masiva aceptación las convirtieron en clásicos casi súbitos. 

Si usted querido lector, se está sintiendo viejo al leer estas líneas e identificarse con los artistas mencionados, entiendo la sensación, pero no lo haga. Más bien siéntase orgulloso de la música clásica con la que creció, pues la calidad de la misma es algo que se extinguió hace ratos, pues a los jóvenes se les olvidó hacer música buena, ahora solo hacen cosas pasajeras y sin poder de permanencia. Y sí, con eso soné como un viejito que cree que todo pasado fue mejor, pero ¿acaso no lo fue?

Soul Asylum y la historia de Runaway Train

 

El primer lustro de los 90 fue particularmente propicio para el auge y éxito del rock alternativo. Bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, entre otros, ondeaban alto y con orgullo la bandera del grunge. Otras, como Soul Asylum, a pesar de llevar mucho tiempo en la escena, tuvieron que conformarse con sentarse en el asiento trasero del estridente vehículo alternativo conducido por Kurt Cobain. Puede que los liderados por Dave Pirner no tuvieran gran notoriedad en la escena, pero gracias al enorme talento a la hora de componer de su vocalista/guitarrista se dieron el lujo de tener una de las canciones más emblemáticas de los 90, ¡y vaya que eso es todo honor, pues se miran directo a los ojos con las Smells Like Teen Spirit, Black Hole Sun, y Jeremy. Esta es la historia de Runaway Train. 

Casi 10 años tuvieron que pasar para que Soul Asylum tuviera reconocimiento, a pesar de no necesariamente estarlo buscando, pues sus raices musicales están más cercanas al punk y al underground que a cualquier otra cosa. Sin embargo, el éxito llegó en 1992 con su Grave Dancers Union, su sexto álbum, el cual tuvo éxitos como Somebody to Shove y Black Gold, pero fue Runaway Train, su tercer sencillo, la canción que cambió todo para el cuarteto estadounidense. Su composición se dio básicamente de form accidental, pues Pirner estaba teniendo problemas con su capacidad auditiva, motivo por el cual quizo escribir cosas menos estridentes. Según él mismo cuenta, "la canción simplemente llegó. Hay algunas que toman 6 años escribir, otras 30 minutos. Esta la escribí en una sola sentada". 

Cuando llegó la hora de acompañar la canción con un video, la banda decidió enviar un mensaje a través de este. Fotos de niños y adolescentes desaparecidos y la historia central de una mujer cuyo bebé es secuestrado, hacen del video de la canción una pieza cargada de emociones y responsabilidad social. No cabe duda de que el track no habría sido tan exitoso si no hubiera tenido un buen video, el cual es tan efectivo, que resulta imposible escuchar la canción sin recordar sus escenas. Por no hablar de cómo la hermosa melodía de la canción y su letra, sumada a las imágenes, logran un efecto emocional tan potente que eriza la piel y conmueve enormemente. La idea, planteada por Tony Kay, director del video, no fue del agrado de la disquera, cuyos ejecutivos pensaban que este "debería ser una herramienta promocional para el disco, no un mensaje político". 

Afortunadamente, el grupo hizo caso omiso de las opiniones de la disquera, hicieron el video y se convirtieron en súper estrellas, al menos por un momento. Según su director, 21 de los niños que aparecen en las diferentes versiones del video fueron encontrados gracias a este. Thomas Dean Gibson, el niño que aparece al final de la versión más popular del video y quien desapareció en 1991 con tan solo dos años, sigue desaparecido, pero versiones indican que su padre lo habría asesinado accidentalmente y desaparecido sus restos mortales. Lamentablemente, varios de los niños cuyas fotos aparecieron en los videos fueron confirmados como fallecidos años después, mientras que otros tantos aún son buscados. 

Al día de hoy, 30 años después de su lanzamiento, Runaway Train sigue siendo un himno en torno a la causa de encontrar gente desaparecida en Estados Unidos, con el National Center for Missing & Exploited Children a la cabeza. Por otra parte, cuenta la leyenda que Dave Pirner ha conocido a varios de los niños encontrados a lo largo de su vida y que, incluso a la fecha, continúa en contacto con varios de ellos. 

¿Por qué la muerte de un artista puede afectar tanto?

 

Aún recuerdo bien ese momento en el que me alistaba para salir al aire para hablar de la muerte de Michael Jackson en la emisora en la que trabajaba cuando ocurrió su deceso. El letrero de "al aire" se encendió. Mi compañero en la mesa de trabajo y yo nos miramos con ojos cristalinos y cara de terror, casi como diciéndonos "¿cómo demonios reportamos esto?". Después de unos tensionantes segundos de silencio, logramos reunir unas pocas palabras para hablar del tema. No era fácil hablar del asunto, pues ambos éramos muy fanáticos del Rey del Pop. Si no lo hubiéramos sido, seguro habríamos hablado como si nada. Fueron 3 horas dedicadas a la vida y obra de Michael, en las que nos tocó arrastrarnos hasta la meta y contener las lágrimas para no llorar al aire. Al día siguiente, unos amigos y yo homenajeamos a Michael con una noche dedicada a su música y acompañados de unas cervezas, como si de un amigo cercano se tratara.

¿por qué algunas muertes de celebridades golpean tan duro? 

Con respecto al tema, consulté a Gilberto González Arango, psicólogo y profesor de mindfulness, quien señaló que "las muertes de celebridades pueden llegar a afectar a las personas que los conocían aunque no directamente o de manera presencial". A muchos les resulta extraño y absurdo que una persona pueda generar sentimientos de duelo por alguien con quien no tenía una conexión directa, sobre lo cual Gonzáles afirma que con esas celebridades sí establecemos relaciones, así nunca las conozcamos en persona. "Esas personas hacen parte de nuestras vidas con sus canciones, y de alguna manera han tenido un impacto en nosotros. Para mucha gente, escuchar las canciones de un grupo musical trae momentos de placer a su vida. Que esa persona muera genera un impacto emocional".

A lo largo de mi vida han sido, lastimosamente, muchos ídolos los que he tenido que ver partir. La mayoría de ellos de manera trágica, inesperada y temprana. Shannon Hoon, de Blind Melon, Eddie Van Halen, Scott Weiland, y Chris Cornell son apenas algunos de ellos. A esta dolorosa lista recientemente se unió Taylor Hawkins, baterista de Foo Fighters, fallecimiento que, sin duda, ha sido el que más he lamentado. Diversos elementos sobre su partida han generado malestar emocional en mí: admiración por su banda -la cual he seguido desde su debut en 1995 y por la cual viaje entre estados en Estados Unidos en el año 2000 para verlos en vivo-, el hecho de que fueron banda sonora de varios momentos de mi vida que van desde el colegio, pasando por la universidad, hasta la adultez. Ni hablemos de lo joven y vital que siempre se le veía a Taylor, por no mencionar que deja atrás a una familia. 

Además, hay otro par de razones que creo han sido causantes del enorme dolor que he sentido desde el 25 de marzo, día de su fallecimiento: en primer lugar, el hecho de haber tenido boletas para verlos en el marco del festival Estéreo Picnic. Una semana antes del concierto, decidí venderlas. ¿Por qué? No estoy tan seguro, simplemente lo decidí. Quizás mi sexto sentido se activó y me alertó de lo que iba a suceder. Por otra parte, el hecho de que los trágicos acontecimientos hayan tenido a Bogotá como telón de fondo, a algo más de veinte cuadras de donde resido, poco ayudó. Así hubiera muerto en Miami, Mozambique, Canberra, o París, habría sentido tristeza, pero que haya pasado todo en mi ciudad, lo hace todo más real e impactante. 

La siguiente vez que fallezca una celebridad, y alguien que usted conozca se muestre afectado, antes de criticar, juzgar, o tirar livianamente una frase insensible como "no tiene sentido sufrir por un desconocido", mejor no diga nada. Viva y deje vivir.

Especial de Halloween parte 1: Tumbas de músicos

 

Hay gente que es tan grande y deja tanta huella, que hasta sus tumbas son interesantes. Tal es el caso de los artistas cuyas tumbas les mostraré a continuación. Algunas de ellas son motivo de peregrinación y están incluidas hasta en paquetes turísticos. Hay cementerios, como el Père Lachaise, de París, que tiene muchísimos inquilinos ilustres. Tal es el caso de Jim Morrison, tumba que visité en 2016, y que es una oda a la vida hippie. Estas son algunas de las tumbas más famosas de aquellos que se nos adelantaron en el viaje, pero que viven todos los días en nuestras almas gracias a su música.

Bob Marley (1945-1981)

Enterrado en una pequeña capilla en su natal jamaica, el cuerpo del músico fue enterrado, al menos esos dicen, con una guitarra roja, una Biblia abierta en el salmo 23, así como una hoja de marijuana. 

Michael Jackson (1958-2009)

El Rey del Pop está enterrado en el Forest Law Memorial Park, en Glendale, California, en un mausoleo dentro de una capilla. si bien su ingreso no es abierto, en ocasiones su familia ha permitido el ingreso de fanáticos del cantante. 

Elvis Presley (1935-1977)

El llamado Rey del Rock N' Roll se encuentra enterrado en su mansión Graceland. Junto a él yacen su madre Gladys, su padre Vernon, y su abuela Minnie May. Su tumba está abierta al público y recibe cientos de visitantes al año. 

Jimi Hendrix (1942-1970)

Hasta el año 2002, los restos mortales de quien es considerando por muchos como el mejor guitarrista de la historia, yacían en una tumba más bien normal. Pero en dicho año fueron movidos a un hermoso mausoleo en el cementerio Greenwood Memorial, en Renton-Washington que, más que una tumba, parece un monumento.

Kurt Cobain (1967-1994)

Si bien el ícono del grunge no tiene una tumba, pues nunca fue enterrado sino cremado, y sus cenizas fueron esparcidas en un lugar no conocido de Seattle, el cantante y guitarrista de Nirvana tiene el Kurt Cobain Memorial Park, un pequeño e íntimo lugar ubicado en su natal Aberdeen, justo al lado del Young Street Bridge, puente donde el músico solía escapar del mundo y que inspiró la canción Something in the Way, del álbum Nevermind. En el lugar hay algunas fotos de Cobain, así como una guitarra hecha en piedra. 

Jim Morrison (1943-1971)

El enigmático cantante de The Doors está enterrado en el que quizás es el cementerio más famoso del mundo, por su arquitectura y por la gran cantidad de celebridades de alto perfil. Junto al Rey Lagarto, se encuentran en el Père Lachaise personajes de la talla de Oscar Wilde y Edith Piaf. Su tumba está llena de grafitis y, en un árbol aledaño, hay cientos de gomas de mascar pegadas, en una especie de extraño tributo. En alguna época había un busto del cantante, pero este fue vandalizado y removido. Desde entonces el lugar de descanso de Jim se encuentra rodeado por cercas de seguridad. 

foto de archivo personal. 

Chris Cornell (1964-2017)

El cantante y guitarrista de Soundgarden, ícono del rock alternativo de los 90, fue enterrado en 2017 en el famoso Hollywood Forever, lugar donde descansan en paz numerosas celebridades Judy Garland, el actor Burt Reynolds, y colegas roqueros de Cornell como Dee Dee Ramone y Scott Weiland, de Stone Temple Pilots. Su lápida, que suele estar adornada por recuerdos que llevan los fanáticos de Cornell, dice algo que quienes crecimos en los 90 y gustamos del rock sabemos es cierta: "voz de nuestra generación y aun artista para todos los tiempos".

Artistas que fueron rechazados por sellos discográficos

Todos tenemos que comenzar en algún lugar. Lastimosamente, ese lugar es -al menos en muchas ocasiones- ser rechazado por una persona, lugar, o empresa. Nos pasa a todos los mortales. Incluso a aquellos artistas que hoy consideramos están por encima del bien y del mal. 

Dave Grohl

Pensar que uno de los tipos más importantes del rock en las últimas dos décadas, baterista de Nirvana y líder de los Foo Fighters fue rechazado alguna vez parece un total disparate. Pero cuando tenía 14 años, Grohl fue rechazado por Ian MacKaye, fundador de Dischord Records, cuando trataba de irrumpir en la escena con Mission Impossible, su primer grupo. MacKaye no tuvo interés alguno por la canción que Grohl le envió, y le cerró las puertas de su disquera. Tal vez fue la inocente y tierna carta escrita a mano no le no convenció a MacKaye. 

Madonna

Si bien la leyenda pop estadounidense no es santo de mi devoción, hay que hacer un gran esfuerzo para no reconocer su talento y carisma. Ese esfuerzo lo hizo exitosamente Jimmy Lenner, a quien Madonna envió sus demos justo antes de firmar con Sire Records. El hombre afirmó que no ver el sentido en la música de la joven cantante, pero como dicen por ahí: quien ríe de último, ríe mejor. Madonna vendió 10 millones de copias de su álbum debut. 

U2

Si existe un grupo especializado en hacer grandes éxitos, ese es el liderado por Bono. Canciones como With or Without You, Where the Streets have no Name, y One, lo demuestran y hacen imposible pensar que alguna vez fuera rechazado. Pero lo fueron. En 1979, justo antes de lanzar su primer sencillo, U2 fue rechazado por el gerente general de RSO. En una carta que no tiene más de cinco renglones, el ejecutivo señaló que el cuarteto no era lo que buscaban en ese momento. ¡Lo que debe ser vivir con tan mala decisión!

Oasis

A mediados de los 90, el grupo de los hermanos Gallagher salvó al rock británico del letargo en el que se encontraba. El panorama musical era dominado por el rock alternativo estadounidense y por grupos como Nirvana, Soundgarden, y Pearl Jam, hasta que apareció Oasis. Noel Gallagher era gran fan de bandas firmadas por Factory Records, como New Order y los Happy Mondays, por ende, decidió que su grupo debería audicionar para ellos. ¿La respuesta del sello? un rotundo "no", con el que no solo le cerraron la puerta a los Gallagher, sino también a toneladas de dinero. 

Beatles (¡Sí! ¡Los putos Beatles!) 

Si hasta el cuarteto de Liverpool fue rechazado, ¿qué nos queda a los ciudadanos de a pie? Después de volverse maestros de tocar en vivo tanto en Liverpool como en Hamburgo, los Beatles decidieron comenzar a tocar puertas. La primera fue la de Decca Records, donde trabajaba quien fuera vital en su carrera: George Martin, quien incluso llegó a calificar su audición para el sello como "basura". Pero fue Dick Rowe quien los rechazó, todo en favor de Brian Pool and the Tremeloes, argumentando su decisión en el hecho de que este grupo vivía más cerca al estudio de grabación. Rowe pasó a la historia por ser "el hombre que rechazó a los Beatles". 

 

I'll be watching you: Acosadores de músicos

 

La fama suele traer muchas cosas: dinero, mucho dinero, lujos, viajes, entre otras. Sin embargo, en ocasiones, para algunos trae cosas no tan agradables como acosadores. Esas personas que llevan su fanatismo a un nivel enfermizo, que persiguen a sus ídolos y hasta se les meten en las casas. A continuación, algunos de los casos más aberrantes de músicos que han sido víctimas de "fanáticos" locos. 

Eddie Vedder

En el disco No Code de 1996, Pearl Jam incluyó una canción llamada Lukin, la cual escribió Vedder inspirado en una fan que lo acosó en los 90. La mujer, aseguraba que su hijo tenía como padre a Vedder, y que este la violó. En otra ocasión, una persona quiso entrar a la casa del músico tumbando las rejas de su casa con su carro, a lo cual Vedder reaccionó con gran rabia, señalando que pudo haber muerto. 

Bjork

La cantante de Islandia tuvo un acosador que pudo haber acabado con su vida cuando le envió una carta con una bomba, justo antes de grabar su suicidio. Afortunadamente, la policía interceptó la encomienda antes de que llegara a manos de Bjork. Ricardo Lopez, nombre del acosador, se obsesionó con la cantante a mediados de los 90, cuando comenzó a verla como una hija debido a su cara de niña y voz dulce. Grabó varios videos en los que describía detalladamente todo lo que quería hacerle a Bjork.

Lady Gaga

Si alguien estaba casi obligada a tener un stalker esa es la excéntrica interprete de Poker Face. En 2010 la estudiante rusa Anastasia Obukhova escribió una carta a la cantante diciéndole que ella la visitaba en sus sueños y que quería "morir junto a ella", aclarando que no solo Gaga iba a morir, pues ella se iba a "poner una bala en el cerebro también", no sin antes señalar que ella no era como Mark David Chapman, asesino de John Lennon. ¿Qué hizo Lady Gaga? Ponerle una orden de restricción cuando la acosadora trató de ingresar a su camerino en uno de sus conciertos.

Glenn Danzig

En 2005 el exintegrante de los Misfits y su guardaespaldas encontraron afuera de la casa del músico a un fan con una maleta llena de revistas con material pornográfico, lo cual no les pareció nada del otro mundo. Eso cambió cuando revisaron bien las revistas y notaron que el hombre había puesto fotos de su rostro y del de Danzig sobre las caras de los cuerpos desnudos de las publicaciones.

John Lennon y George Harrison 

¿Cómo ser integrante del grupo más importante de la historia y no tener un acosador? Carajo, hasta yo tenía un proyecto de acosadora cuando trabajaba en la radio, pero eso es otra historia. Antes de su muerte en 1980 a manos de Mark David Chapman, Lennon sufrió el acoso de varios individuos en las décadas anteriores. Después de confrontar a uno de ellos, y en un gesto de grandeza enorme, le dio de comer. Por su parte, Harrison tuvo un par de acosadores en los últimos años de su vida. La primera entró a su casa en Maui, donde tuvo tiempo hasta de hacerse una pizza. Unas semanas más tarde, un hombre entró a su casa en Reino Unido y atacó al Beatle y a su esposa. Ambos lograron detenerlo, pero resultaron levemente heridos.

Chris Cornell

En 2014 el FBI arrestó a una mujer llamada Jessica Robbins por acosar por Internet al cantante de Soundgarden. Cornell y su esposa creían que Robbins había entrado a su casa en Miami en 2013, razón por la cual se vieron obligados a reforzar su seguridad, llegando incluso a sacar a sus hijos del colegio, pues temían que la mujer les hiciera daño. Desafortunadamente, la acosadora salió en libertad bajo fianza, logró quitarse el brazalete que las autoridades le habían puesto para rastrearla, y siguió en su misión de molestar a Cornell y a su familia. En 2015, mientras Cornell promocionaba su álbum The Higher Truth, Robbins fue arrestada cuando trataba de ingresar al concierto del artista en Louisville, Kentucky. La acosadora fue reconocida pues Cornell había ordenado que en la entrada de cada recital estuviera una foto de ella.

Axl Rose y Justin Timberlake

Además de ser grandes estrellas de la música, el líder de Guns N' Roses y el antiguo integrante de NSYNC tienen en común Karen McNeill, mujer que persiguió a ambos. En 2009, Timberlake obtuvo una orden de restricción por tres años. Según el cantante, la mujer llegó hasta su lugar de residencia con todas sus pertenencias para vivir con él y gobernar el mundo. Varios años antes, la víctima de McNeill era Axl Rose, quien -al menos según ella creía- estaba casada con él y se comunicaban telepáticamente. En 1997 la corte ordenó a la mujer estar a por lo menos 300 metros del cantante, pero más tarde fue sentenciada a un año en prisión tras intentar entrar en la casa de Rose. En el año 2000, McNeill retomó sus actividades de acosadora y envió cientos de cartas a Axl y -según reportes- entró a su casa, donde la policía la encontró acostada en su cama, motivo por el cual fue arrestada de nuevo. 

Noel Gallagher

Cuando Oasis daba sus primeros pasos, Noel Gallagher hizo una lista de lujos innecesarios que le gustaría tener, entre los cuales se encontraban un mico y un acosador. Infortunadamente para él, este último se convirtió en realidad. En entrevista de 2015 para Talksport, el guitarrista confirmó que tiene su propia acosadora, una mujer alemana que, según sus palabras, "no es muy atractiva". El mayor de los hermanos Gallagher señaló, además, que la mujer ingresa a los hoteles en los que se hospeda y le dice por debajo de las puertas cosas como "sé que estás ahí". 

25 años atrás Metallica da un salto generacional con Load

Para 1996, el panorama musical era muy diferente al   que Metallica se había acostumbrado en los 80. El metal ya no era tan popular, tampoco lo era tocar multiples acordes a la velocidad de un rayo. La llegada de los 90 lo había cambiado todo, y bandas como Iron Maiden, Slayer, Megadeth ya no reinaban. Lo alternativo, liderado por el grunge de grupos como Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains, y Soundgarden mandaba la parada.

El cuarteto de San Francisco notó eso y siguió alejándose del thrash metal que lo había catapultado al estrellato en la anterior década. Atrás quedaron las canciones épicas estilo Master of Puppets, o las estridentes como Whiplash. Era hora de intentar algo nuevo, de sonar diferente y verse diferente. En entrevista de 1997, James Hetfield señaló que para aquel entonces hacer música rápida "no nos emocionaba más". 

Dicho desencanto por la música veloz quedó plasmado en las 14 canciones de Load, las cuales suenan más al rock alternativo de la época que al heavy metal de los 80. Con tintes de blues, rock alternativo e incluso algo de country, Metallica dejó a todo el mundo con la boca abierta. Algunos valoraron su nueva dirección y los riesgos tomados. Otros, los puristas del metal, detestaron cada segundo del álbum, dándole el rótulo de "traidores vendidos" al grupo. Por si fuera poco, los cuatro integrantes de la banda decidieron cortarse el pelo, pintar sus uñas de negro, usar maquillaje, y cambiar su manera de vestir, tal como se evidencia en las fotos del disco, sobre todo en la contraportada, en la cual posan con una pinta que se acerca más a la de un grupo de salsa que de metal.

Load es sin duda uno de los discos más odiados de toda la discografía de Metallica, prácticamente con todos los que hicieron desde ese momento, especialmente St. Anger y Lulu, la colaboración con Lou Reed. Sin embargo, un cuarto de siglo después de su lanzamiento, es fácil entender lo que la banda quería hacer con el cambio de sonido: ganar la aprobación de una nueva generación de fans, a la cual no le interesaba el metal, pero sí el rock duro y alternativo.

¿Podemos culparlos por querer dar un salto generacional?

Jesus Rocks!

 

Let's face it: Jesus and rock n' roll rarely read properly in the same sentence, not to mention that anything that's related to religion is not exactly deemed as cool when it comes to heavier music genres, unless, of course, that red dude with horns is involved or the lyrics are full of anger toward the man. Very few bands have gotten away with being devoted to the Lord. U2 is the first name that comes to mind. However, others acts have pulled it off as well and gave us some awesome rockin' tunes about Jesus. 

Soundgarden- Jesus Christ Pose.

The song doesn't explicitly talk about Jesus, but its lyrics are a direct hit at the culture of idolizing characters in popular culture, and treating them like deities and martyrs. One of Soundgarden's best and heaviest songs, Chris Cornell (by the way, didn't he look like Jesus in the early days of the band?) reaches some of the highest notes ever. 

Bon Jovi- Hey God.

We have all been mad at God at some point or another. Well, Jon Bon Jovi was pissed as hell (no pun intended) at him. Complaining about why is the Lord not present in the lives of all us, and telling us about people who were seemingly abandoned by the divine powers of Jesus. A man who's about to lose his house and has no money, and a woman whose son just got convicted are just some of the people Jon is fighting for, all while ironically telling God about how busy he must be. 

Depeche Mode- Personal Jesus.

Inspired by Priscilla Presley's book Elvis and Me- a tribute to none other that Elvis himself- Martin Gore wrote the song about how all of us have the choice to find our own Jesus in those we adore. It could be as easy as deifying the object of your affection. It could be your significant other, your mother, father, brother, it could even be yourself. 

Mis álbumes favoritos de 2020

 

Para haber sido un año tan horrible y desastroso, tuvo muy buena música. Al menos con eso nos podemos quedar de este pesado e intratable 2020 que está, gracia a Dios, llegando a su fin. Para ser sincero, este año no tenía muchas ganas de hacer este top de mis álbumes favoritos, pero tomé impulso y decidí no dejar que 2020 acabara con una tradición que llevo haciendo por 10 años. Con ustedes mis discos favoritos de este año, sin ningún orden en particular. A todos les deseo lo mejor para 2021, paz, amor, salud, todo lo que este año nos quitó o se negó a darnos. ¡A la mierda 2020!

*las opiniones expresadas a continuación son, bueno, opiniones de la apreciación de quien escribe, pero se aceptan reclamos y observaciones dentro del marco del respeto y sano debate. 

The Strokes- The New Abnormal

Si hay un grupo que trabaja lento y se toma muuuucho tiempo entre álbumes, ese es The Strokes. Siete largos años tuvieron que pasar para que el grupo estadounidense lanzara su sexto larga duración. Por momentos, parecía que la banda estaba más cerca de disolverse que de hacer nuevo material. Afortunadamente para todos, ese no fue el caso y, por el contrario, nos complacieron con una colección de canciones muy maduras y enfocadas. 

AC/DC- Power Up

Otro grupo que parecía estar más cerca del colapso que de otra cosa. Gracias a los dioses del rock el grupo australiano liderado por Angus Young supo sortear las muchas dificultades que tuvieron en los últimos años, entre ellas los problemas auditivos de Brian Johnson, y nos regalaron su álbum número 17, una colección de 12 canciones en las que suenan frescos y con su clásica, inagotable y adictiva fórmula. 

Chris Cornell- No One Sings Like You Anymore, Vol. 1

La frase que da nombre al álbum, tomada de el clásico de Soundgarden Black Hole Sun, cobra todo el sentido del mundo al oír el disco, una colección de covers de artistas como John Lennon, Prince, Janis Joplin, entre otros. Quizás el momento en que la voz de Cornell brilla más es en su versión de Patience, canción que Guns N' Roses hiciera famosa a finales de los 80. Chris Cornell es el regalo que sigue dando, incluso desde el más allá. 

Muzz- Muzz

De Nueva York llega este trío integrado por Josh Kauffman, Matt Barrick, y Paul Banks, este último conocido por su trabajo como cantante y guitarrista de Interpol. Este combo de amigos comenzó a hacer cosas junto desde 2015, pero fue apenas en 2019 que se pusieron serios y comenzaron a grabar. El resultado es este autotitulado álbum, una nueva joya del rock independiente que nos da un hermoso paseo por territorios de post-punk y folk.

Armored Saint- Punching the Sky

Siempre he tenido mucho aprecio por la capacidad vocal de John Bush desde sus días en Anthrax. Tan bueno es, que en algún momento en los 80 Metallica consideró reclutarlo como cantante para que James Hetfield se concentrara solo en la guitarra (de los miles de "yeah!" que nos hubiéramos perdido). En el nuevo álbum del veterano grupo de metal estadounidense, su voz sobresale como siempre. Potente y melódica a la vez. En cuanto a la música, las canciones del LP nos muestran a un grupo que, a pesar de ser un clásico del género, se niega a evolucionar y explorar cosas nuevas. 

Ozzy Osbourne- Ordinary Man

¿Quién mejor que el mismísimo Príncipe de las Tinieblas para ponerle algo de luz a un año tan oscuro? Ozzy, quien no se veía grabando un nuevo álbum, no solo lo hizo sino que también resultó ser uno tremendamente bueno. Si bien no cuenta con Zakk Wylde, quizás el guitarrista con quien mejor le ha ido desde los 90, tiene a su lado una banda con la que no se puede fallar: Chad Smith en la batería, Duff McKagan en el bajo. Por si fuera poco, invitados ilustres como Slash y Elton John engalanan algunas de las canciones. 

Deftones- Ohms

Si la ley de Ohms habla sobre la transmisión de corriente, este álbum, el noveno del grupo estadounidense no podría tener un mejor nombre, pues sus canciones son de alto voltaje. Ohms es todo lo que Deftones nos enseñó a amar de ellos: los riffs pesados y distorsionados, melodías crudas y oscuras, y la voz de Chino Moreno que puede lograr cosas que van desde poner los pelos de punta a quien la oye, hasta exorcizar nuestros demonios internos con la potencia de sus gritos.

Pearl Jam- Gigaton

Es cierto que Eddie Vedder y su corte ya perdieron el voltaje noventero y que parecen más oficinistas que las estrellas de rock que son, pero continúan haciendo buena música y negándose a permanecer estancado en la nostalgia grunge. Dicho esto, su álbum 11 suena muy bien condensado y maduro, con pizcas de rock estridente, baladas, y una alta dosis de experimentación, sobre todo en canciones como Dance of the Clairvoyants, en la cual la banda de Seattle coquetea con sonidos electrónicos mezclados disco, tal vez la canción más experimental del catálogo del grupo, lo cual demuestra que Pearl Jam, a diferencia del perro viejo, sí aprende nuevos trucos. 

Marilyn Manson- WE ARE CHAOS

Más de una década y varios álbumes han pasado desde que Marilyn Manson sonó así de maduro y melódico. Con este disco, el undécimo en su carrera, logra un matrimonio perfecto entre lo oscuro e íntimo -sobre todo en las letras- con lo pesado, estridente y melódico. Producido por el mismo Manson en conjunto con Shooter Jennings, más conocido por su influencia en el mundo de la música country, dan como resultado una muy interesante amalgama de lo mejor de los mundos a los que ambos músicos pertenecen: la sensibilidad melódica de Jennings con el factor shock  de Manson. 

The Killers- Imploding the Mirage

En el primer álbum de estudio desde Wonderful Wonderful de 2017, el primero sin el guitarrista Dave Keuning- quien decidió tomarse un descanso indefinido de la banda-, el grupo de Las Vegas recupera mucho del brillo de sus dos primeros álbumes. Guiados por la melódica voz de Brandon Flowers y a través de sus clásicas letras introspectivas, los Killers nos dan 10 canciones que, sin sonar como una fórmula usada o gastada, recuerdan a aquellas canciones de coros grandes de álbumes como Hot Fuss y Sam's Town.