¿Y si Kurt Cobain no hubiera muerto?

 

Hace unos años, un fanático del desaparecido cantante de Nirvana se puso a la tarea de crear una imagen de cómo luciría Kurt Cobain de no haberse quitado la vida a los 27 años. El pasado 20 de febrero, el líder del trío estadounidense hubiera cumplido 55, con lo cual me puse a pensar en un interrogante que siempre ha invadido mis pensamientos -y seguro los de muchos otros de sus seguidores-: ¿Qué habría sido de Kurt si no hubiera muerto? No me refiero a su estado físico sino a su música, a Nirvana, a Foo Fighters.

Hay quienes afirman que para cuando Cobain dejó este mundo, Nirvana se había separado. Hasta donde tengo entendido, eso nunca sucedió, o nunca ha sido confirmado. Lo que sí se ha dicho es que Kurt estaba grabando material en solitario y acústico junto a Pat Smear, quien se convirtió en el cuarto miembro de Nirvana en sus últimos años. Estas grabaciones salieron ala luz hace un tiempo. Es fácil asumir que la presencia de Smear en ellas es señal de que dichas composiciones iban a ser parte de un nuevo lanzamiento de Nirvana. De hecho, You Know You're Right tiene una versión que Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic grabaron en enero de 1994, en la que sería la última sesión de estudio del grupo. Es muy posible que Nirvana hubiera seguido grabando, de no haber llegado ese fatídico día de principios de abril, en el que el cuerpo de Cobain fue hallado sin vida. Sin embargo, siempre he creído que, eventualmente, el trío se hubiera disuelto, y que no hubieran sacado más de un disco.

Antes de morir, Cobain y Michael Stipe, cantante de R.E.M., estaban planeando hacer música juntos. Ese álbum, que hubiera sido una absoluta belleza, estaba seriamente entre los planes futuros del cantante y guitarrista. Por otra parte, y esto es para mí una prueba grande de que Nirvana no iba a durar mucho tiempo más, es que Dave Grohl, su baterista, estaba muriendo por pararse de su batería para dar un paso al frente y sacar ese frontman estridente e histriónico a relucir. Apenas al año siguiente de la muerte de Kurt, Foo Fighters ya existía. Tal vez Grohl fundó el grupo como una respuesta psicológica para distraerse de la pérdida de su amigo y compañero de aventuras musicales. O quizás ser líder de su propio grupo era simplemente algo que quería probar brevemente, para luego regresar a Nirvana. Nunca lo sabremos. Lo que sí sabemos es que Foo Fighters se convirtió en un grupo gigantesco, y de pronto hubiera sido muy difícil para Grohl continuar con ambos grupos. 

Otra cosa sobre la cual apostaría es que Cobain iba a sacar un disco solista y con un sonido dramáticamente distinto al de Nirvana. Atrás quedarían las guitarras duras y distorsionadas para darle paso a canciones íntimas y con aires de folk. Probablemente, iba a camino a convertirse en una especia de Bob Dylan del grunge, o un Neil Young. Con Nirvana, por su parte, habría tenido reuniones ocasionales para festivales o causas benéficas. Las grabaciones caseras que han sido lanzadas en los últimos años, así como el aclamado Unplugged in New York, de Nirvana, podrían tomarse como señales del posible camino que su música habría tomado. La vida nos quitó a Kurt antes de que pudiéramos deleitarnos con lo que sea que hiciera, y así como su foto de viejo, serán por siempre solo cosas con las que podremos fantasear. 

25 años atrás Metallica da un salto generacional con Load

Para 1996, el panorama musical era muy diferente al   que Metallica se había acostumbrado en los 80. El metal ya no era tan popular, tampoco lo era tocar multiples acordes a la velocidad de un rayo. La llegada de los 90 lo había cambiado todo, y bandas como Iron Maiden, Slayer, Megadeth ya no reinaban. Lo alternativo, liderado por el grunge de grupos como Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains, y Soundgarden mandaba la parada.

El cuarteto de San Francisco notó eso y siguió alejándose del thrash metal que lo había catapultado al estrellato en la anterior década. Atrás quedaron las canciones épicas estilo Master of Puppets, o las estridentes como Whiplash. Era hora de intentar algo nuevo, de sonar diferente y verse diferente. En entrevista de 1997, James Hetfield señaló que para aquel entonces hacer música rápida "no nos emocionaba más". 

Dicho desencanto por la música veloz quedó plasmado en las 14 canciones de Load, las cuales suenan más al rock alternativo de la época que al heavy metal de los 80. Con tintes de blues, rock alternativo e incluso algo de country, Metallica dejó a todo el mundo con la boca abierta. Algunos valoraron su nueva dirección y los riesgos tomados. Otros, los puristas del metal, detestaron cada segundo del álbum, dándole el rótulo de "traidores vendidos" al grupo. Por si fuera poco, los cuatro integrantes de la banda decidieron cortarse el pelo, pintar sus uñas de negro, usar maquillaje, y cambiar su manera de vestir, tal como se evidencia en las fotos del disco, sobre todo en la contraportada, en la cual posan con una pinta que se acerca más a la de un grupo de salsa que de metal.

Load es sin duda uno de los discos más odiados de toda la discografía de Metallica, prácticamente con todos los que hicieron desde ese momento, especialmente St. Anger y Lulu, la colaboración con Lou Reed. Sin embargo, un cuarto de siglo después de su lanzamiento, es fácil entender lo que la banda quería hacer con el cambio de sonido: ganar la aprobación de una nueva generación de fans, a la cual no le interesaba el metal, pero sí el rock duro y alternativo.

¿Podemos culparlos por querer dar un salto generacional?

Cuando el grunge y la literatura se cruzaron

 

No es nada extraño que el mundo de la música nos dé colaboraciones que parecieran carecer de todo sentido: Lou Reed y Metallica, Sting y Shaggy, Jack White y Alicia Keys, entre otras tantas. Lo que si es extraño es cuando dos formas distintas de arte se juntan, más aún cuando dos líderes de la contracultura están involucrados. Ese fue el caso de Kurt Cobain, cabeza del movimiento del rock alternativo de los 90 con Nirvana, y William S. Burroughs, una de las caras más visibles de los escritores de la llamada Generación Beat. 

Si bien a William S. Burroughs no le gustaba la música estridente de Cobain, lo suyo era el blues, el líder de Nirvana le tenía una gran admiración. Era uno de sus ídolos. Uno años después de la muerte del músico, sus diarios fueron publicados. En una entrada Cobain señalaba que le encantaba "todo lo que empieza por B: Bukowski, Beckett, pero sobre todo Burroughs". Unos meses antes de la muerte de Kurt, ambos artistas se reunieron. Hablaron un rato, y el escritor regaló a Cobain un autorretrato debidamente autografiado. Sobre el encuentro, Burroughs admitió que el cantante y guitarrista "es un chico raro. Frunce el ceño sin ningún motivo". Cuando se supo del suicidio del líder de Nirvana, Burroughs dijo que "él ya estaba muerto".

Pero el encuentro entre ambos no se quedó solo ahí. En 1992 los dos grabaron juntos lo que tiene que ser una de las piezas musicales más raras en la historia de la música: The "Priest" They Called Him, una grabación de casi 10 minutos en la que Burroughs recita The Junky's Christmas, una de sus historias cortas, mientras Cobain toca en su altamente distorsionada guitarra una versión de la canción navideña Silent Night y To Anacreon in Heaven, tema oficial de una sociedad inglesa de músicos amateur del siglo XVIII. Burroughs grabó su parte en septiembre de 1992, mientras Cobain hizo lo suyo en noviembre del mismo año. En la portada del sencillo aparece Krist Novoselic, bajista de Nirvana, interpretando a The Priest, protagonista del relato de la canción.

El track tuvo cero rotación comercial debido a su extraña naturaleza, pero hace parte del legado de Cobain, a quien probablemente nunca nos cansaremos de escuchar, incluso si se trata de él haciendo ruido con su guitarra por 9 minutos 41 segundos. 

¿Flea tocó trompeta con Nirvana? Sí

Nirvana en vivo era un tiro al aire. Si bien sus presentaciones eran llenas de energía cruda y una furia inigualable, también solían ser desordenadas, impredecibles y no necesariamente agradables al oído. Kurt Cobain solía, a propósito, sonar excesivamente estridente y gritón. En esta apreciación no clasifica el MTV Unplugged, concierto que fue sencillamente una perfecta obra de arte. 

En enero de 1993, el trío de Seattle se encontraba en Río de Janeiro como parte de la alineación del festival Hollywood Rock, en el cual también participaron Alice in Chains, Simply Red, y los Red Hot Chili Peppers. La presentación de Nirvana es considerada hasta la fecha como la peor en toda la historia de la banda, pues -dicen las malas lenguas- Cobain estaba fuertemente intoxicado y muy nervioso por tocar antes una audiencia tan grande. Además, de un momento a otro decidieron dejar de hacer sus canciones e interpretar una serie de covers de artistas como Queen, Iron Maiden, The Clash, entre otros, que sonaron todo menos bien. El público, unas 110.000 personas, no tuvo más opción que chiflarlos. En entrevista con MTV en 1993, Dave Grohl recuerda dicho concierto como "un desastre". 

Para poner más leña al fuego, Cobain y su corte decidieron que sería una gran idea invitar a Flea, bajista de los Red Hot Chili Peppers, al escenario. Lo lógico habría sido invitarlo a que tocara el bajo en alguna de sus canciones, pero como las dos presentaciones que hizo Nirvana en ese festival tenían todo menos lógica, lo llamaron para que tocara trompeta en Smells Like Teen Spirit, un momento tan what the fuck?! como cuando Metallica grabó un álbum junto a Lou Reed (esperen más de esto en una futura publicación). 

¿Cómo sonó el clásico de Nirvana con trompeta a bordo? Un desastre, por supuesto, pero juntó a músicos en una presentación que, a pesar de su muy cuestionable calidad, hoy podemos recordar como un momento histórico y -tristemente- irrepetible entre dos fuerzas mayúsculas del rock. 

 

Cuando los Premios MTV Apoyaban el Rock

En una época muy, muy lejana MTV apoyaba el rock. De hecho, la mitad (o más) de lo que sé del género se lo debo al otrora canal de música. Sí, eran otros tiempos y el paisaje musical ha cambiado mucho. En los 90 el rock no era una subcultura, era LA cultura. Por ende, MTV apoyaba el movimiento. Era lo que adolescentes como yo queríamos ver. Hoy por hoy el canal ya ni música rota, y cuando lo hace, es solo rap o pop (se supone que es un canal para todo tipo de música). 

Uno de los vehículos que MTV utilizaba para apoyar el rock, además de sus diversos programas como Headbangers Ball y Nación Alternativa, eran los Video Music Awards. Shawn Mendes, Taylor Swift, J. Balvin, Bad Bunny, son algunos de los que se presentaran en vivo durante la ceremonia de este año. ¿dónde está el rock? Repito, los tiempos han cambiado y la gente hoy ya no oye lo mismo que hace 25 años, pero si son premios dedicados a la música, al menos un representante de cada género debería haber. 

¿Qué tal si recordamos mejores tiempos para nosotros, los roqueros, en los premios MTV? Con ustedes algunas de las mejores presentaciones de artistas rock en los Video Music Awards. 

NIRVANA- LITHIUM (1992)

En 1992 Nirvana era el grupo a seguir. La cadena quería que el grupo tocará Lithium, sin embargo, ellos no querían interpretar Rape Me, pero su contenido lírico no era considerado apropiado por MTV (como si las letras de los reguetoneros que rotan hoy en día fueran hermosas). El trío abrió su presentación con un fragmento de Rape Me, los ejecutivos aburridos del canal casi se desmayan. Bullying roquero en su estado más puro.  

GUNS N´ ROSES- NOVEMBER RAIN (1992)

Otro grupo que mandaba en la escena musical de comienzos de los 90 era Guns N´ Roses. Por ese entonces ellos y Nirvana se odiaban e incluso hubo amagos de pelea tras bambalinas. Obviamente MTV intentó capitalizar en eso y llevó a amagos grupos a su ceremonia anual de premios. Los Guns tocaron November Rain junto a un tal Elton John. 

MARILYN MANSON- THE BEAUTIFUL PEOPLE (1997)

En 1998, con un panorama musical bastante diferente al de la primera mitad de los 90, a MTV no le tembló la mano para llevar al grupo más controversial del momento: Marilyn Manson. El Anticristo Superestrella interpretó The Dope Show sobre un escenario lleno de policías vestidos de rosado besándose apasionadamente al final de la canción y vistiendo un abrigo que a mitad de la presentación dejó caer para revelar un vestido con senos el cual dejaba ver su trasero. 

JON BON JOVI/RICHIE SAMBORA- WANTED DEAD OR ALIVE (1989)

Cuando el entonces dúo dinámico de Bon Jovi tomó el escenario de los VMAs no tenían la menor idea de la tendencia musical que estaban a punto de desatar: la de las presentaciones acústicas. Si bien MTV (ni nadie, de hecho) les ha dado crédito por inspirar la famosa serie de presentaciones MTV Unplugged, no me cabe la menor duda de que esta fue la actuación que sentó las bases de lo que sería una de las insignias del canal en los 90. 

NEIL YOUNG/PEARL JAM- ROCKIN´ IN THE FREE WORLD

Durante la ceremonia de 1993 Neil Young, conocido por muchos como el padrino del grunge, decidió juntar fuerzas con uno de los grupos más cojonudos de la escena rock de la época: Pearl Jam. El resultado fue versión estridente y llena de voltaje de "Rockin´ in the Free World", la cual termina con guitarras rotas y un hermoso caos roquero. 

¡A Romper Calabazas de Nuevo!

Como he dicho siempre: TODOS, absolutamente TODOS los grupos eventualmente se reúnen, ya sea total o parcialmente (Oasis, ustedes siguen). Después de semanas de especulación, la formación original de los Smashing Pumpkins ha decidido reunirse, excepto por D´arcy quien -por motivos que aún no son del todo claros- no será parte de esta reunión. Junto a Billy Corgan, Jimmy Chamberlin, y James Iha, estará Jeff Schroeder, guitarrista que ha sido parte de previas encarnaciones del grupo. Aún falta por aclararse quién va a tocar el bajo en lugar de D´arcy. Lo que si se sabe es que a mediados de julio la banda de Chicago iniciará una gira que los llevará por diferentes ciudades de Estados Unidos hasta el mes de septiembre. En un anunció (el cual pueden ver al final del artículo) el grupo anunció oficialmente las fechas del tour por medio de un nostálgico video de las niñas de la portada de Siamese Dream ya grandes y algo "desgastadas" prendiendo fuego al clásico logo del corazón con las letras SP en su interior. Después de esto todo es incierto hasta el momento, pero si jugamos a especular, no resultaría extraño que Corgan y compañía hicieran la clásica jugada de escapar del invierno en Europa y Estados Unidos para pegarse la "rodadita" a Suramérica. Dedos cruzados.

Los Pumpkins estarán tocando música de sus 5 primeros álbumes, entre los cuales se destacan Siamese Dream y el épico Mellon Collie and the Infinite Sadness, toda una insignia de los discos del rock alternativo de los 90 que, si apuntan un arma a mi cabeza, confieso que en mi corazón noventero ocupa un lugar más especial que el mismo Nevermind, sin quitarle mérito o decir que no me gusta esta otra pieza definitiva de la era grunge. 

Amantes del rock de los 90, a desempolvar esa vieja camiseta de zero (la tuve hace más de dos décadas), ¡es hora de volver a roquear!

In Memoriam: Dolores 0´Riordan

Pensé mucho antes de escribir este humilde tributo a Dolores O' Riordan. No sabía qué decir ni quería quedar como fan de último minuto de su trabajo. Nunca fui el mayor fan de los Cranberries, pero soy un fan devoto del rock de los 90, y al ser fan del rock de dicha década, es inevitable cruzarse (o haberse cruzado en esa época) con la música de esta banda irlandesa. 

Crecer en los 90 fue crecer oyendo todo el movimiento Grunge. Bandas como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains, Smashing Pumpkins, Stone Temple Pilots, principalmente. Pero aquellos renglones que estos grupos dejaban sin escribir, eran escritos por grupos de tal vez menor impacto como Soul Asylum, Meat Puppets, Blind Melon y, por supuesto, los Cranberries. Era imposible ver MTV o escuchar la radio sin que en algún momento se colaran canciones del grupo -ya clásicos hoy- como Zombie, Ode to my Family o Linger. También era imposible no gustar de estos. Para mí era muy extraño, y debo admitir que hoy lo sigue siendo, oír una mujer en el rock. No porque no lo hagan bien, sino porque no sucede mucho, pues el rock siempre ha sido un género machista. Pero ahí estuvo Dolores, ondeando la bandera femenina en medio de una escena plagada de machos, y haciéndolo sin temores ni complejos. 

Después del éxito masivo del álbum No Need to Argue, el grupo lanzó To the Faithful Departed, también un disco menos "estelar" pero no por ello malo. Canciones como Salvation y When you are Gone se tomaron las ondas radiales sin clemencia alguna. Es precisamente When you are Gone mi canción favorita del grupo. ¿Las razones? Muchas. Una de ellas su simplicidad y melodía nostálgica La principal, lo que a través de su letra me hizo sentir. Una canción de desamor me hizo sentir enamorado sin siquiera tener la menor idea de qué era el amor y estando aún a años de tener mi primera novia. 

Si hemos de ser sinceros, la importancia de los Cranberries se quedó en los 90. Ya para el nuevo milenio el grupo no era muy relevante, no en vano decidieron separarse en 2003, para reunirse unos años más tarde. A pesar de esto, su huella en los 90 es indeleble, y al hablar de titanes como Nirvana y Pearl Jam, se habla también de los Cranberries, y eso no es algo menor.

Chris Cornell: In Memoriam

Una vez más, como se ha vuelto costumbre en el último par de años, debo hacer homenaje póstumo a otro de mis ídolos de adolescencia. ¿Qué puedo decir que no suene a cliché? ¿Qué Cornell es una de las grandes voces en la historia del rock? ¿Qué su legado nunca va a morir? ¿Qué su voz está a la par con otras voces del rock como la de Robert Plant? Todos clichés, sí. Todas verdades. 

Era el año 1994, el grunge y rock alternativo eran los sonidos más importantes del momento. Un día prendí mi televisor y puse MTV. El video que estaban dando era Black Hole Sun, del entonces más reciente álbum de Soundgarden. No sabía si reír, asustarme, o hacer ambas a la vez. Las extrañas imágenes del video eran suficiente razón para captar mi atención, pero era imposible, además, no captar de inmediato que tras dichas imágenes había una canción increíble, liderada por la potencia vocal de Cornell. Desde ese día me hice fan de Soundgarden y de Chris. 

Todo lo que bendecía con su voz se volvía oro. Comenzando con Soundgarden, pasando por Temple of the Dog y Audioslave, hasta llegar a su trabajo en solitario, con una muy pequeña duda sobre Scream, disco con fuertes influencias pop que dejó a todos confundidos. Era muy bueno haciendo versiones desconectadas de sus canciones, así como covers. Les recomiendo especialmente la versión que hizo de Nothing Compares to You de Prince, y la mitad parodia/mitad cover de One de U2 usando la letra de One de Metallica. Simplemente genial. Su rango vocal era supremamente amplio. Podía llegar a notas tan altas que podrían romper vidrios, pero a la vez sentarse con una guitarra acústica y arrullarnos con una dulce melodía. Según noticias recientes, Soundgarden estaba trabajando en el sucesor de King Animal, álbum con el que regresaron en 2012 tras algo más de una década de silencio. 

Nunca pude ver a Cornell en vivo, pero en no pocas ocasiones me imaginé asistiendo a un concierto de Soundgarden. En 2002, cuando Audioslave lanzó su primer álbum, intenté comprar mi entrada, pero justo ese día hubo un ataque cibernético y no pude comprarla, pues una vez logré volver a conectarme, las boletas estaban agotadas. 

Tengo en mi colección todos los álbumes de estudio de Soundgarden, el de Temple of the Dog, todo el catálogo de Audioslave, y un disco solista, y hoy -en medio de la tristeza- debo oírlos todos, así mi oído proteste y comience a pitar, como lo hace habitualmente. No importa. Será por una buena causa. Espero que como Cornell hizo a comienzos de los 90 cuando -tras el fallecimiento de su amigo y también cantante Andrew Wood- escribió un par de canciones brillantes como homenaje, las cuales se convirtieron posteriormente en el disco de Temple of the Dog, alguien en algún lugar devuelva tan hermoso gesto y escriba un par de canciones en su honor.

El Día en que Seattle Murió

El 5 de abril parece ser un día fatídico para el rock de los 90 y el movimiento grunge de aquella época. Ese día en 1994 fallecía Kurt Cobain. Exactamente ocho años más tarde, Layne Staley dejó esta tierra. Ambos iconos de la escena alternativa de la década. En otra curiosa coincidencia, los cuerpos sin vida de ambos fueron encontrados días después. El de Cobain fue hallado por un electricista que iba a hacer reparaciones en su casa. El de Staley fue descubierto dos semanas después de su muerte, tras la inquietud de su madre por él, ya que hacía varios días no sabía de su hijo. 

Con el paso del tiempo, y espero no sonar como un viejito aburrido y lleno de clichés, el legado de ambos solo se ha hecho más fuerte y - hasta el sol de hoy- nadie ha logrado pisar tan fuerte y con tanto ruido como estos dos grandes del rock. El carisma y liderazgo de Cobain ha sido imitado mas nunca igualado. La potencia vocal de Staley, su alma y emociones desgarradoras transmitidas en su música no las he vuelto a escuchar en ningún cantante. ¿No me creen? Oigan canciones como Love Hate Love, Nutshell, o Down in a Hole. Cobain fue el último gran líder del rock. El último que unió a una generación entera alrededor de su música. 

Personalmente me molesta un poco que Alice in Chains no sea más popular y que su catálogo, como la voz de Staley y la guitarra de Jerry Cantrell sea tan subvalorado. Y, así me quieran crucificar, en mi opinión, de los cuatro grandes del grunge (Nirvana, Alice in Chains, Pearl Jam, Soundgarden), Alice in Chains era el mejor, sin demerita en lo más mínimo a ninguno de los grupos mencionados.

¿Qué más se puede decir de estos dos que no se haya dicho ya? ¿Qué adjetivos utilizar para enaltecer más su obra y legado? Para quienes tuvimos la fortuna de tener su música como banda sonora de nuestros años de adolescencia: ¡somos unos malditos afortunados! Los roqueros de hoy leen sobre lo que ellos fueron, a nosotros nos tocó verlos en acción, ver cómo su talento se hacía grande. Hoy es un día para oír Nevermind y Unplugged in New York de Nirvana a todo volumen, sin olvidar Dirt y el autotitulado de Alice in Chains. Kurt, Layne: no sé si allá arriba tengan wi-fi, pero gracias por su música, ¡los recuerdo a través de ella todo el tiempo!

¡Hasta Siempre, George!

2016 parece no querer parar de llevarse iconos: David Bowie, Glenn Frey, Prince, entre muchos otros. Ahora se nos lleva a George Michael, una voz increíble.

El año era 1996. Tenía apenas 15 años y estaba en mis años de formación musical. Era una época en la que, si bien la escena grunge del primer lustro de los 90 estaba de salida, rock era lo único que escuchaba. Un día de comienzos de enero de dicho año, vi en MTV el video de Jesus to a Child, el primer sencillo del nuevo disco de George Michael: Fastlove. Algo me gustó mucho de la canción, pero no sabía qué era, y aún hoy no lo sé. Tal vez era el video. Tal vez la letra (un homenaje a Anselmo Feleppa, pareja de Michael que falleció por complicaciones causadas por el sida). Quizá era su música y la melancolía de su voz. Quizá eran todas las anteriores. Pasaba largos ratos frente al televisor esperando a que votara el video. Hasta que un día lo logré grabar en una cinta de VHS y lo veía varias veces seguidas.

Semanas después, aún con la canción en mi cabeza, pasé por la vitrina de una tienda de discos cerca a mi casa y vi el sencillo de Jesus to a Child. Quise comprarlo, pero mi ego rockero no me lo permitía. Lo pensé y lo pensé y dije "¡qué demonios! Tengo que tenerlo", así que fui a la discotienda y dije que quería comprarlo, pero -para no herir ese ego grunge y ocultar mi gusto por la canción- pedí que lo empacaran en papel regalo, pues era para otra persona. Llegué a mi apartamento y lo escuché infinidades de veces. Es un canción supremamente extraña, muy lenta y hasta aburrida, pero su sentimiento es único. Eso fue lo que me atrajo de George Michael: su sentimiento y cómo convertía sus emociones en melodías inolvidables. Baladas como Kissing a Fool, One More Try, Father Figure, y Careless Whisper (en mi opinión, la canción más romántica de la historia) son prueba de ello. 

Nuestros íconos se están yendo. Lo más triste es que ninguno de ellos se está poniendo más joven y en los próximos años, lastimosamente, se nos seguirán yendo. Así que aprovechemos a los Gilmour, Waters, McCartney, Starr, Steven Tyler, Jagger, Richards, entre otros. 

Scott Weiland: In Memoriam

(I recently told someone I would do an entry in English. Here it is.)

No, I´m not a last minute fan of Scott Weiland and his music, you can ask the picture of the band I had on my wall back in the 90s. I actually spent my teens listening to him in Stone Temple Pilots, in the early 2000s in Velvet Revolver, and more recently in Art of Anarchy, one of my favorite albums of 2015, by the way. Today I am sad. It might sound ridiculous to some, but tons of Scott´s songs have been in the soundtrack of my life. I remember vividly the time I bought Tiny Music..., or the time a friend of mine bought Core -STP´s debut album- and brought it to my house so we could both listen to it. We were only 14. Not a last minute fan. Back in 2000, I went to see STP at the Foxboro stadium near Boston. They were playing a festival put together by a now out-of-business radio station. I went only to see them, as most people did. At one point during the show, Scott said between songs: "I wish I could make love to all of you, but I can´t, so make love to each other". All of a sudden, a woman standing right next to me grabbed my private parts. I was a hormonal teen. I was in heaven! Thanks, Scott! For that, for the music, for making the music that reminds me of many happy times. May you rest in peace. 

To honor Scott´s memory and legacy, here are my top 5 favorite moments of him in Stone Temple Pilots.

1. Interstate Love Song

My favorite STP song and one of the defining moments of Grunge and the alternative rock movement of the 90s. I remember coming home from school, turning on the TV to watch MTV, and this song´s video was always on.

2. All of Tiny Music...

Their third album was like religion to me back when it was released in 1996. Although this was when Scott´s drug abuse was getting out of control and his voice was clearly affected, the band managed to put together a collection of unforgettable and experimental songs, leaving behind some their trademark sounds to explore some pretty retro sounding tunes.

3. Down

When STP released its fourth album, No 4, Grunge was already giving way to post-Grunge acts and to the much hated Nü-Metal. The band, in a "fuck that" attitude showcased in the single Down, released an album that sounded a lot like their debut album: dark, heavy, and in your face. 

4. Cinnamon

In 2010, the reunited Stone Temple Pilots ended 9 years of creative silence with the release of their self-titled 6th album. In it, there is one of the most beautiful love statements I´ve ever heard:" Cinnamon. "I´d like to sing a story for you, here´s what I´d sing if I could impress you...you got to be the prettiest girl I´ve ever witnessed in the whole world".

5. Plush (acoustic version)

Scott Weiland had the looks, the moves, the attitude, but he also had the voice. Back in the early 90s, the band was invited by MTV to tape an episode of their Unplugged series. In it, the band performed one of their biggest hits: Plush. Scotts performance is beautiful, powerful and inspiring.

Kurt Cobain: La Última Gran Estrella de Rock

Estoy seguro de que más de uno está en desacuerdo con lo que planteo en el título. Dirán que Cobain no es la última gran estrella de rock y se les ocurrirán mil nombres para probar que estoy equivocado. Puede que lo esté, pero creo firmemente que el líder de Nirvana fue la última gran estrella de rock. Tenía todo para serlo: una banda popular, un álbum fundamental y lleno de himnos como Nevermind, la pinta, adicciones, infancia traumática y hasta una esposa controversial y odiada por miles. ¿Quién ha cumplido esos “requisitos” y características después de 1994?

Sin duda su prematura muerte ayudó a que el rótulo de “rockstar” encajara aún con más perfección, pero morir joven no hace de cualquiera una estrella, si fuera así entonces qué pasó con Shannon Hoon? Por qué él no tiene el nivel y status dentro de la realeza del rock que tiene Cobain? Es la suma de los factores mencionados previamente lo que otorga el título de “estrella de rock”.

Cuando el álbum debut de Nirvana –Bleach- fue lanzado en 1989, la escena roquera mundial estaba dominada por grupos como Guns N´ Roses, Poison y Mötley Crüe, quienes tenían la escena conquistada con sus letras sobre el sexo, drogas y Rock N´ Roll. No había espacio para la imagen desaliñada de Nirvana ni de ninguno de los grupos de Seattle, lugar donde se estaba gestando de forma silenciosa la siguiente camada de bandas que invadirían el mundo un par de años más tarde. En 1991, Nirvana lanzó Nevermind. Hoy por hoy dicho álbum es considerado uno de los que no pueden faltar en la colección de ningún roquero, y sus canciones –sobre todo Smells Like Teen Spirit- siguen vigentes en la radio y sonando tan frescas como lo hacían cuando el disco estaba recién lanzado. Sin embargo, el éxito del álbum no fue instantáneo, tuvieron que pasar varios meses para que comenzara a sonar, y un año para que fuera reconocido por su grandeza.

La gran mayoría de bandas que dejan huella suelen tener un paso fugaz pero contundente por el mundo del rock, Nirvana no fue la excepción. Con apenas tres álbumes de estudio (cuatro, si se incluye el compilado Incesticide) el trío de Seattle logró alcanzar la cima antes de la muerte de Cobain. Una de las características de Nirvana que más cautivó al mundo fue su esencia punk, la cual camuflaba de forma exquisita bajo capas de pegajosas melodías pop y riffs de metal. La agresividad de su música, su actitud punk y letras que hablaban de prácticamente cualquier adolescente, eran el empujón que necesitaba el rock en aquel entonces. El mundo ya se había cansado de los roqueros maquillados y vestidos como mujeres, y así, de la nada pero hablándole a una generación entera de adolescentes que sentían no tener un lugar en la sociedad, Kurt Cobain se convirtió en ídolo de multitudes, tanto así que cuando (supuestamente) terminó con su vida, varios de sus seguidores decidieron hacer lo mismo en su honor.

Por siempre quedará la inquietud de qué hubiera pasado si Cobain no hubiera muerto. Seguiría haciendo música con Nirvana, se habría lanzado como solista o, por el contrario, haría parte de la lista de rockstars que el tiempo se llevó, un elemento de nostalgia pero de poca relevancia y vigencia. Nirvana era una banda cuyos cimientos se estaban sacudiendo fuertemente y su total fractura llegaría más pronto que tarde, de hecho hay quienes afirman que el trío ya se había disuelto antes de la muerte de Cobain. La fama estaba causando grandes tensiones internas, por no mencionar que Courtney Love, esposa de Cobain, estaba poniendo su grano de arena para distanciar a su marido de sus compañeros de banda. Una especie de Yoko Ono del grunge.

 Tal vez Nirvana habría lanzado un disco más, posiblemente en 1994, ya que en enero de ese año Cobain, Grohl y Novoselic estuvieron juntos por última vez en un estudio, sesión de la cual nació You Know You ´re Right, última canción que grabaron. Un poco más de un año después de la muerte de Cobain, Dave Grohl lanzaba el disco debut de Foo Fighters, escrito e interpretado en su totalidad por él. Era claro que en Grohl- baterista de Nirvana- había un frontman que moría por salir. Muchos creen que el nacimiento de los Foo llegó como respuesta a la muerte de Nirvana. Con Cobain vivo o muerto, el grupo habría aparecido.

Si Cobain siguiera vivo, tal vez hoy habrían hecho ya una gira de reunión, pero dudo mucho que la banda hubiera seguido activa. Nunca lo sabremos realmente. Lo que sí sabemos es Cobain es uno de los íconos del rock. Pocas veces en la historia del género aparecen personajes que tienen el impulso y actitud para cambiarlo todo, afortunadamente me tocó vivirlo, por ende hoy, en el que sería su cumpleaños 45, aplaudo su legado.  

DEL GRUNGE AL UKELELE

Pensar en Eddie Vedder es pensar en una lista interminable de cualidades, calificativos y datos históricos como dios del Grunge, voltaje y 20 años al frente de una de las más importantes bandas de Rock: Pearl Jam. Sin embargo, hay que añadir algo a esa lista: ukelele. Sí, se lee extraño. Suena aún más extraño, créanme.

Recientemente Vedder lanzó Ukulele Songs, su segundo álbum solista, una aventura sónica en la que nos lleva por un universo musical más bien bizarro para oídos educados con Jeremy, Animal o Alive. Los gritos, energía desenfrenada y guitarras distorsionadas dieron paso al intenso barítono de Vedder, el cual es guiado por simples, pero dulces e hipnóticas melodías que provienen de su ukelele. “Se lo tenía bien guardado”, podrá decir quien no esté del todo familiarizado con la discografía de Pearl Jam, pero la verdad es que en uno de los álbumes del grupo, Binaural, este ícono del Rock de los 90 ya había usado este exótico instrumento en una de sus canciones. Tal vez fue ese el momento en que nació la idea para este proyecto.

Poner las palabras “ukelele” y “Rock” en la misma oración no es muy común, pero si revisamos la historia, la unión entre estos dos mundos no es tan reciente como parece, ya que otros rockeros como Brian May, George Harrison, Jimi Hendrix y Neil Young, conocido como “El padrino del Grunge” y principal influencia de Vedder, se acercaron a este instrumento mientras aprendían a tocar guitarra, y, ya como músicos profesionales, en sus grabaciones y conciertos.

El álbum abre con una nueva versión de “Can´t Keep”, original de Pearl Jam, una jugada inteligente con miras a que quienes conocen la historia musical de Vedder no se sientan del todo alienados con este experimento sonoro en el que decidió incursionar el cantante. Una vez concluyen los casi 3 minutos que dura dicha canción, comienza lo realmente interesante aunque, al menos en mi experiencia, también lo más difícil de digerir, pues no es mucho lo que se puede hacer con un ukelele, así como tampoco es mucho lo que se puede hacer con este para lograr canciones diversas y atractivas. Sin embargo, Vedder lo consigue magistralmente con tracks que llenan el alma con su contenido lírico y simpleza musical: Without You, Sleeping by Myself, Goodbye y Longing to Belong son los puntos más fuertes del disco.

Ukulele Songs cuenta también con una serie de covers como More Than You Know, Tonight You Belong to Me, canción en la que participa la cantante Cat Powers, y Dream a Little Dream of me, cuya interpretación original es atribuida a Wilbur Schwandt y Fabian Andre, pero que hicieron famosa artistas como Ella Fitzgerald y The Mammas and The Pappas. En este álbum, la profunda voz de Vedder y sus letras llenas de melancolía e introspección se funden con los sonidos del ukelele para formar una amalgama que, después de unas cuantas horas cara a cara con las 16 canciones del disco, hacen de este un experimento exitoso y en el que es inevitable sentir el deseo de pararse y aplaudir. Vedder ha hecho lo que ningún cantante ha hecho antes: hacer que 34 minutos de ukelele sean soportables y que este pequeño instrumento de apenas cuatro cuerdas pueda lograr tanta grandeza musical.

Si usted es, como dicen por ahí, “rockero de pura cepa” y no está seguro de que pueda soportar algo más de media hora de música que gira en torno a un instrumento exótico, le cuento que, como rockero de pura cepa, he disfrutado este álbum tanto como aquellos que me ponen a hacer headbanging y me antojan de meterme en un buen pogo. Desde que el disco llegó a mis manos, he cambiado el air guitar por el air ukulele. 10 puntos para Ukulele Songs.