Liberty Games, empresa británica vendedora de juegos como billar, ping pong, futbolín, dardos, entre otros, se salió -por alguna extraña razón- de su zona de confort para realizar un estudio de los artistas más escuchados alrededor del mundo. Tomando estadísticas de reproducción de YouTube, se pusieron en la tarea de encontrar los artistas y canciones más populares en el planeta. Mientras que en el presente, personajes como Ed Sheeran y Bad Bunny dominan el gusto de las personas, el estudio también analizó cuáles son los grupos de rock clásico que más se oyen en el mundo.
En varios países de América Latina, Guns N' Roses goza de gran popularidad, sobre todo en Colombia y Brasil, donde el grupo recientemente llevó a cabo una serie de exitosos conciertos. Por su parte, AC/DC es el líder en reproducciones en Estados Unidos y Canadá siendo también profetas en su tierra Australia. Pero un artista parece ser el dueño del mundo: Queen, como lo muestra la siguiente gráfica:
En buen parte de Suramérica y prácticamente toda Europa Queen reina. Y es que, según los datos que arrojó el estudio, en los últimos 12 meses los de Freddie Mercury fueron el artista más escuchado en 63 países, más que cualquier otro artista en todos los géneros, y tuvo la no menor suma de 1.86 billones de reproducciones en total. El top 10 lo completan Guns N' Roses con 1.33, AC/DC con 1.33, Bon Jovi con 1.05, Metallica con 1.05, Nirvana con 1.05, los Beatles con 1.01, los Rolling Stones, 571 millones, Creedence Clearwater Revival con 561 millones, y Pink Floyd con 494 millones. Una de las más grandes sorpresas del estudio es la casi total ausencia de U2, quienes -a pesar de ser inmensamente populares- solo lideraron en Angola.
Esto abre el debate de si Queen es el mejor grupo de rock clásico por encima de otros como los Beatles, los Stones, Led Zeppelin, y Black Sabbath. ¿Pueden estar 63 países y 1.86 billones de reproducciones equivocadas? Probablemente no.
Cada generación piensa que la música de su época es la mejor, y que todo lo demás pertenece en una caneca. Yo, querido lector, no soy la excepción, salvo por el hecho de que apreció mucho el rock de generaciones previas a la mía, y algo de lo actual. Cuando alguien dice cosas como "la música de hoy en día es horrible" o "en mi época la música era mejor", se le cataloga de "viejito", y dichas palabras son tildadas de "aburridas" y "trilladas". Es por esto que hoy vengo armado con diversas pruebas para decirles que la música de hoy apesta, es horrible, es un desastre, es una mentira. Discutamos.
Cuando uno echa un vistazo a las listas de popularidad, de Spotify, por ejemplo, es claro ver que lo que el grueso de la gente prefiere el rap, pop, regaetton (como sea que eso se escriba), entre otros sonidos. Sin embargo, todo esto ha sufrido un cambio en lo que va de 2022. Según Music Business Worldwide, el consumo de música actual (aquella no más vieja de 18 meses) bajó en 1.4 % en lo que va del año, comparado con el mismo periodo de 2021. Por otra parte, la venta de álbumes en el primer semestre de 2022 fue de 131.3 millones, mientras que en los primeros 6 meses de 2021 fue de 133.1. ¿A qué puede deberse este comportamiento del consumo musical? ¿Será posible que la gente se esté dando cuenta de que la calidad de la música actual no es la mejor?, o ¿podrá ser posible que las generaciones actuales, a través de diferentes aplicaciones, pueden tener fácil acceso a música de otras épocas? Analicemos.
Todos los estilos musicales tienen sonidos característicos, es cierto, pero da la impresión de que la música moderna (el reggaeton, principalmente) tiene una base extremadamente igual, la cual se usa en todas las canciones. La temática de sus letras tampoco es muy cambiante ni profunda que digamos. Es cierto que bandas de rock de los 80 le cantan al sexo y las drogas, pero también iban más hondo para abarcar temas más densos. Basta con leer las letras de Welcome to the Jungle y Civil War, ambas de Guns N' Roses. La primera, un retrato de la vida oscura en Los Ángeles. La segunda, un repaso por la barbarie de la guerra y el cuestionamiento acerca de que tan civil es esta. Los "músicos" modernos se salen con la suya con muchas cosas: letras abusivas y misóginas, videos tontos con mil mujeres en vestido de baño bailando al lado de una piscina. Todo esto se ve como aceptable. Si un grupo de rock hace algo similar, casi de inmediato alguien lo condena y trata de inmoral.
Lo que más me molesta y entristece de la música actual es lo poco orgánica que es. Todos son beats procesados x 1.0000, y las canciones carecen, por lo general, de instrumentos, lo cual suele trasladarse al escenario, donde rara vez se ven músicos tocando en vivo, solo gente bailando. Cuando hay músicos en vivo, los esconden al fondo o debajo del escenario, como si fueran ciudadanos de segunda mano. En cuanto a sus habilidades de composición, estas no son muchas, ya que -usualmente- las canciones las componen otros.
Afortunadamente, y esto quizás explique por qué la música actual está siendo consumida menos que antes, hoy hay muchas aplicaciones de streaming: Spotify, Deezer, Apple Music, Tidal, entre otras, donde el consumidor de estas tiene muy fácil acceso a música de todo tipo y de otras épocas. Spotify, por ejemplo, tiene listas de diferentes décadas y años. En tiempos de antaño teníamos que ver MTV para estar relativamente enterados, y después correr a la discotienda a buscar la música. En los tiempos actuales todos tenemos millones de canciones en el bolsillo.
El acercamiento actual a sonidos clásicos es enorme y muy claro. Miremos estos datos:
-El disco de Greatest Hits de Queen acaba de convertirse en el más vendido de la historia en el Reino Unido tras permanecer 1.000 (!) semanas en listados. Pensar que ya nadie se acuerda de Despacito.
-God Save the Queen, el legendario álbum de los Sex Pistols, es el vinilo más vendido de 2022.
-Rumours, de Fleetwood Mac, es uno de los discos más vendidos del año, a pesar de haber sido lanzado en 1977.
-Gracias a Stranger Things, el clásico de Kate Bush Running up that Hill ha ingresado a los listados de varios países en el mundo, dándole un éxito que no tuvo antes.
-También gracia a la serie Stranger Things, Master of Puppets, una canción que Metallica lanzó a mediados de los 80, está de nuevo en los listados compitiéndole a Justin Bieber, Beyonce, y Cardi B.
-Something in the Way, una de las canciones del Nevermind de Nirvana, también ha ganado gran reconocimiento debido a su uso en la nueva película de Batman.
¿Ven el patrón que veo yo? El rock clásico está llegando a los oídos de las nuevas generaciones. ¿Será que encontraron en el género algo que a otras generaciones ya nos dio? Esa banda sonora perfecta para nuestra rabia, ira, dolor, represión y agudo sentido social? Solo el tiempo lo dirá.
Para algunos de nosotros, caminar y masticar un chicle es misión imposible. Sin embargo, hay quienes no tienen ningún problema en cantar mientras tocan un instrumento. Y hay un muy selecto grupo de músicos que, casi con una capacidad extraterrestre, se dan mañas de cantar y tocar batería al mismo tiempo. Esta es una lista de algunos aliens que han logrado semejante proeza.
Peter Criss (Kiss)
El Hombre Gato, como se le conoce por su disfraz felino, es el arquitecto detrás de la que es posiblemente la balada más exitosa de Kiss: Beth. Una corta pero contundente pieza de amor escrita e interpretada por Criss, quien, además, mostró sus dotes vocales en otras canciones del cuarteto estadounidense como Black Diamond y Hard Luck Woman.
Mickey Dolenz (The Monkees)
Cuando Dolenz fue escogido para ser uno de los personajes de la serie The Monkees, no tenía la menor idea de cómo sostener unas baquetas, pero logró aprender a aparentar para su rol. Sin embargo, cuando llegó la hora de salir de gira con la banda, él tocó la batería, instrumento que aprendió en tiempo récord. Por si fuera poco, también se le midió a cantar. Grande entre los grandes.
Taylor Hawkins (Foo Fighters)
Si bien Hawkins es conocido por ser uno de los mejores bateristas de los 90 hasta hoy, seguramente el mejor, gozaba de una voz lo suficientemente buena como para ser el cantante de varios proyectos paralelos a los Foo y para hacer coros e incluso tomar la voz líder en la banda. Quizás la canción en la que mejor despliega su versatilidad y gran coordinación a la hora de cantar y tocar la batería es Cold Day in the Sun, del álbum In Your Honor.
Roger Taylor (Queen)
Debe ser muy complicado estar en un grupo con el mismísimo Freddie Mercury, probablemente el mejor cantante de rock de todos los tiempos, y atreverse a quitarle el micrófono. Taylor, se atrevió y le salió muy bien. Canciones como "I'm in Love with my Car" y "Father to Son" son dos en las que el baterista tomo el micrófono y , además de salir bien librado, le dio a Queen un toque de magia extra.
Don Henley (Eagles)
Una cosa es tocar batería y cantar, y otra muy distinta es tocar batería y cantar con una voz particular. Este último era el caso de Don Henley, cuya voz fue sin duda uno de los sellos que catapultó a los Eagles a la cima, especialmente con canciones como Hotel California, en la que su aporte es una de las cosas más lindas que han pasado por mis oídos.
Phil Collins (solista, Genesis)
En 1970 Collins se unió a Genesis como baterista, pero 5 años más tarde se convirtió en su cantante cuando Peter Gabriel se marchó de la banda. Hoy por hoy se le reconoce como un gran baterista y una de las mejores voces de la historia. Sin embargo, en un comienzo no quería convertirse en cantante. De no haberlo hecho, nos hubiera privado de grandes canciones pop como "In the Air Tonight" y "Against All Odds, por no mencionar que llevó a Genesis de ser un grupo interesante pero de bajo perfil a ser un peso pesado.
*Sabiendo que el futuro del grupo no es exactamente lo más importante en este momento y respetando el dolor de sus integrantes, me permito, como seguidor de la banda desde 1995, preguntarme qué pasará con esta.
El pasado viernes 25 de marzo, los Foo Fighters perdieron a Taylor Hawkins, una pieza fundamental en su andamiaje. Creo que no es errado o exagerado afirmar que, después de Dave Grohl, él era el segundo en jerarquía. No solo llevaba un cuarto de siglo en el grupo, sino que buena parte de la electricidad de la música de la banda giraba en torno a él. Ni hablar de sus conciertos, en los que el baterista tenía su propio segmento, en el que tomaba el micrófono para cantar una canción de Queen, su grupo favorito. Al ver conciertos de la agrupación, la química entre todos es innegable, pero Grohl y Hawkins parecían los más conectados. Uno siempre miraba y seguía al otro. Hawkins era algo así como el ancla de Grohl, su referente sobre el escenario.
Lo que comenzó siendo un proyecto para desahogarse de la muerte de Kurt Cobain en 1994, terminó convirtiéndose en una banda titánica, sin duda la más grande del rock en las últimas dos décadas. Donde quiera que uno mirara estaba Foo Fighters. Entregas de premios, festivales, televisión, emisoras, en todos lados. Son la punta de la corona de la realeza del rock moderno. En el año 2000 los vi como teloneros de Red Hot Chili Peppers. No era lo que son hoy, pero ya se veía que no tenían techo. Desde entonces, su química creció y creció, y sus conciertos se hicieron cada vez más masivos. Pasaron de ser teloneros y "el grupo del tipo de Nirvana" a ser un grande del rock por derecho propio. ¿Cómo lograron esto? Con una química brutal, impulsada en muy buena parte por el fuego de la suma de sus partes, sobre todo por el voltaje de la dupla Grohl/Hawkins, almas gemelas arriba y abajo del escenario.
Hoy, es imposible no preguntarse qué pasará con el grupo. Dave Grohl es un adicto al trabajo. Está en todos lados. Cuando no está con los Foo, está haciendo proyectos en solitario, llámense música, videos, libros, películas, documentales, etc. Por ende, no lo veo dejando el grupo atrás ni retirándose de la música, pero tampoco lo veo reemplazando a su gran amigo y compañero de vida. No veo a Foo Fighters continuando, al menos no en un futuro cercano. ¿Cómo se podría volver a parar uno en un escenario o estudio, mirar atrás y ver a una persona distinta en la batería? Antes de que haya la más pequeña posibilidad de que eso suceda, los integrantes del grupo tendrían que sanar, y -dada la conexión que tenían con Hawkins- eso podría tomar muchos años. Tomemos como ejemplo el caso de Linkin Park, cuyo cantante, Chester Bennington, se quitó la vida en 2017. Van a ser 5 años desde aquel trágico suceso, y las señales de que el grupo esté pensando en seguir adelante son practicamente inexistentes. Otro gran ejemplo es el de Led Zeppelin, banda que perdió al baterista John Bonham en 1980 y, sabiendo que era irremplazable, decidieron no continuar. Quizás un caso que pueda dar esperanza es el de Metallica, quienes perdieron a Cliff Burton en un accidente a mediados de los 80. Él, al igual que Hawkins, era pieza fundamental de la banda. Lograron reponerse y construir una muy ilustre carrera llena de éxito.
Quiero pensar en positivo y creer que algún día volveremos a ver a Foo Fighters sobre un escenario, pero, lastimosamente, la posibilidad de que eso no suceda es muy real.
A raíz de la guerra que el gobierno de Putin desató en Ucrania, las sanciones y reproches han llegado desde todas las esquinas del mundo, y la escena musical no se ha quedado callada. Varios artistas se han manifestado abiertamente ante la situación, mientras que otros han cancelado sus presentaciones en dicho país, ya sea por motivos de seguridad o por darle el dedo del medio a Putin y compañía.
El pasado 24 de febrero, tropas rusas ingresaron a territorio ucraniano para llevar a cabo una "operación militar especial", debido a la cual miles de personas se han visto obligadas a escapar de su hogar, dejando atrás su vida y, en muchos casos, a sus familias. El mundo del entretenimiento, siempre tan vocal con respecto a situaciones como la actual, no se ha quedado cayado y ha condenado los ataques a Ucrania.
Brian May, guitarrista de Queen, compartió una foto en redes sociales de cuando la banda tocó tierras ucranianas, señalando que "parece increíble que la vida pacífica en Ucrania pueda verse destrozada sin sentido en pleno siglo 21". David Gilmour, cantante y guitarrista de Pink Floyd, le habló directamente a los protagonistas directos de la guerra: "solados rusos, no asesinen a sus hermanos. No habrá ganadores en esta guerra". Por su parte, Dee Snider -cantante de Twisted Sister- aprobó que la gente de Ucrania use el clásico de la banda "We're not Gonna Take it" (No vamos a aceptarlo) como su grito de batalla, añadiendo que "mi abuelo era ucraniano, antes de que el país fuera 'tragado' por la Unión Soviética después de la Segunda Guerra Mundial. Esto no puede volver a pasar". Otros músicos como David Coverdale (Whitesnake) y Axl Rose y Slash, de Guns N' Roses, han manifestado su apoyo a Ucrania haciendo publicaciones de su bandera.
Además de las múltiples declaraciones en contra de esta guerra, otros tantos artistas han cancelado sus presentaciones en Rusia. Tal vez los primeros en hacerlo fueron Green Day, quienes -a través de una publicación en Instagram- declararon que "sabemos que este no es el momento para conciertos, pero también sabemos que llegará el momento en el que podamos volver". A ellos se han unido artistas como Louis Tomlinson, Yungblud, Bring me the Horizon, Nick Cave, Iggy Pop, The Killers, y Franz Ferdinand, quienes afirmaron que "a pesar de lo trágico de esta situación, todavía prendemos una llama de optimismo en nuestros corazones y esperamos que llegue el día en el que podamos regresar en tiempos de paz para compartir la alegría de la música justo de nuevo".
Es difícil saber cuánto tiempo va a durar esta situación o cómo va a terminar, lo que sí es seguro es que el karma caerá con todo su peso sobre quienes se paren del lado equivocado de la historia, y los errores de hoy estarán grabados en su futuro como un tatuaje. #StandWithUkraine
Tras la muerte de Freddie Mercury, Queen encontró una manera de que el show siguiera adelante, aunque solo con Brian May y Roger Taylor. El bajista de la agrupación, John Deacon, decidió que había tenido suficiente y que sin Mercury, ya nada tenía sentido. "No tiene sentido seguir. Es imposible reemplazar a Freddie", comentó el bajista después de la muerte de su compañero.
Los tres integrantes sobrevivientes de Queen tocaron juntos en apenas dos ocasiones más. El 20 de abril de 1992 en el concierto tributo a Freddie Mercury, en el cual participaron artistas como George Michael, Def Leppard, Metallica, Guns N' Roses, entre otros, y el 17 de enero de 1997 en Paris, en la apertura del Bejart Ballet, ocasión en la que interpretaron The Show Must Go On, con Elton John en la voz. En octubre de ese mismo año, Deacon grabó la última canción de dicha alineación de Queen: No-One but You (Only the Good Die Young).
Deacon se retiró por completo de la música, prefiriendo vivir una vida normal y lejos de las luces junto a su esposa, con quien contrajo matrimonio en 1975 y tuvo seis hijos. Después de colgar el bajo, el antiguo integrante de Queen no da entrevistas ni está involucrado en nada que tenga que ver con la banda, ni siquiera asistió a la inducción de Queen al Rock and Roll Hall of Fame. A pesar de ello, dio su aprobación para que se llevara a cabo Bohemian Rhapsody, película enfocada en la historia del cuarteto.
Lastimosamente para quienes nos gustaría ver a Queen con los tres integrantes, los chances de que eso pase parecen casi nulos, pues según Brian May no existe contacto alguno entre ellos: "No nos mantenemos en contacto. Él no quiere. Quiere ser privado y estar en su propio universo. Él nunca nos contacta".
Si bien John Deacon está totalmente distanciado de la industria del entretenimiento y de cualquier tipo de vida social, en ocasiones se le puede ver caminando por las calles de Londres y amablemente firmando autógrafos.
A la hora de tocar guitarra hay muchas formas de lograr un sonido único y especial: pedales, amplificadores, cuerdas, efectos de producción y -por supuesto- las famosas púas o uñas. Sin embargo, Brian May, guitarrista de Queen y uno de los más aclamados intérpretes de las seis cuerdas, usa algo inusual: una moneda.
Pero no cualquier moneda, una moneda británica de seis peniques. Esta curiosa preferencia no para ahí, pues no solo la moneda es de ese valor específico, sino que debe haber sido fabricada antes de 1956. El músico y astrofísico afirma que tocando así logra un sonido "muy limpio", señalando también que tomándola desde un ángulo específico produce cierto "chisporroteo, el cual -combinado con el talón de la mano- da casi la misma articulación que una voz humana".
En entrevista con la revista especializada Premier Guitar, May afirmó que otra de las cosas que le gusta de las monedas es que no dañan las cuerdas y su durabilidad es enorme: "esta (moneda) es de plata de níquel y duran por siempre. Tengo mil de ellas, y son muy baratas...además, no se enredan con las cuerdas". En varias ocasiones, el guitarrista ha comercializado monedas con su rostro y nombre, y las ha vendido a los fans que asisten a sus presentaciones (continúa después de la foto).....
La primera vez que el músico hizo sus propias monedas fue para su para su gira de 1993, en la cual promocionaba su álbum Back to the Light, su primer esfuerzo solista tras la muerte de Freddie Mercury. Otras monedas fueron producidas de forma limitada para sus giras de 2008 y 2014. Además de May, otros grandes artistas prefieren usar monedas para tocar sus instrumentos, tal es el caso de Billy Gibbons, de ZZ Top, quién usa un peso mexicano. La siguiente vez que oiga Bohemian Rhapsody, We are the Champions, o cualquier otro clásico de Queen, ya sabrá el porqué del peculiar sonido de la guitarra.
Si Maradona no hubiera sido uno de los más grandes futbolistas de la historia, habría sido una gran estrella de rock. De hecho, tenía rasgos de estrella de rock. Tatuajes, rebeldía, cara de chico malo, irreverencia, excesos, etc, hacían del ícono argentino, obvio, un ícono. Lejos de hacer una apología a conductas cuestionables, simplemente pretendo examinar algo más a fondo ese lado rocker del astro del fútbol.
Entre los gustos que definían a Maradona estaba el rock n' roll. Uno de los grupos que le gustaba era Queen, con cuyos integrantes compartió tras bambalinas y en el escenario durante la visita del grupo británico a territorio gaucho en 1981. Cuenta la leyenda que Freddie Mercury y su corte quería visitar el país por varios motivos, uno de ellos era conocer al Pelusa. Y así fue. El 8 de marzo del año en cuestión se dio el encuentro entre las majestades de la música y el fútbol. Previo al concierto, la agrupación y Maradona estuvieron charlando en el camerino. El futbolista le regaló a Mercury una camiseta de la selección, mientras que el cantante le dio una con la bandera británica. Queen invito a Maradona al escenario, donde él fue el encargado de presentar la canción "Another One Bites the Dust". Tras el fallecimiento del ídolo argentino, Queen se tomó el tiempo de recordarlo en redes sociales:
Por su parte, otro ícono de la música británica, Noel Gallagher, exintegrante de Oasis, subió a Twitter una foto junto a su hermano Liam y al deportista tomada en Buenos Aires en 1997, cuando la banda visitaba Argentina por primera vez. En la publicación, el guitarrista y cantante dice: "Buenos Aires 1997. Qué vida. Qué leyenda. (Él estaba bajo arresto domiciliario por aquel entonces)
Slash, guitarrista de los Guns N' Roses, también recordó a Maradona por medio de una foto de él en el terreno de juego, con la leyenda de "RIP #DiegoMaradona"
D10S, como le conocen sus miles y miles de fanáticos, no solo dejó un gran impacto en el mundo del deporte. Goles como el de México 86 frente a Inglaterra nunca serán olvidados, o aquel de tiro libre que parecía imposible de anotar cuando jugaba en Napoli. Sin embargo, la grandeza que mostró detrás de un balón trascendió de la cancha a otro ámbitos, como el del arte. Varios artistas compusieron canciones dedicadas a él. Andrés Calamaro, Charly García, Los Piojos y Mano Negra, son apenas algunos de los artistas que se inspiraron en las proezas deportivas de Maradona para hacer canciones. He aquí una de esas composiciones. Paz en la tumba de Maradona.
Thanksgiving is upon us, and if there is a year to be thankful, 2020 is the one. No matter how tough and, pardon my French, shitty this year has been, I'm pretty sure we all have something to be thankful for. We are still alive and breathing, after all. Here are a few songs to accompany the feeling of gratefulness.
Led Zeppelin- Thank You
Although this British band is more popular for their raw and energetic rock n' roll, they did have slow songs with beautiful lyrics, and this one proves the point. A song about the wonder that is having something by your side who supports you and makes your world a better, warmer place.
Beastie Boys- Gratitude
Underneath the classic mix of rap and rock the Beasties made us fall in love with (sorry, Limp Bizkit) lies a hidden message: let aside the anger within you, feel the gratitude.
Beatles- Thank You Girl
When you are down in the gutter, blue as blue can be and a girl cheer you up, is there anything more appropriate than to thank her?
The Kinks- Days
With this tune, Ray Davies and company take the time to thank a person for the time he or she spent with you, blessing all of your days.
Queen- Your are my Best Friend
Even though this song has no direct "thank yous", it is obvious that the feeling of gratefulness is in every line of it. Written by John Deacon, Queens estranged bassist, to his wife, who has been with him for over 45 years, through the ups and the downs, and through thick and thin.
Nirvana en vivo era un tiro al aire. Si bien sus presentaciones eran llenas de energía cruda y una furia inigualable, también solían ser desordenadas, impredecibles y no necesariamente agradables al oído. Kurt Cobain solía, a propósito, sonar excesivamente estridente y gritón. En esta apreciación no clasifica el MTV Unplugged, concierto que fue sencillamente una perfecta obra de arte.
En enero de 1993, el trío de Seattle se encontraba en Río de Janeiro como parte de la alineación del festival Hollywood Rock, en el cual también participaron Alice in Chains, Simply Red, y los Red Hot Chili Peppers. La presentación de Nirvana es considerada hasta la fecha como la peor en toda la historia de la banda, pues -dicen las malas lenguas- Cobain estaba fuertemente intoxicado y muy nervioso por tocar antes una audiencia tan grande. Además, de un momento a otro decidieron dejar de hacer sus canciones e interpretar una serie de covers de artistas como Queen, Iron Maiden, The Clash, entre otros, que sonaron todo menos bien. El público, unas 110.000 personas, no tuvo más opción que chiflarlos. En entrevista con MTV en 1993, Dave Grohl recuerda dicho concierto como "un desastre".
Para poner más leña al fuego, Cobain y su corte decidieron que sería una gran idea invitar a Flea, bajista de los Red Hot Chili Peppers, al escenario. Lo lógico habría sido invitarlo a que tocara el bajo en alguna de sus canciones, pero como las dos presentaciones que hizo Nirvana en ese festival tenían todo menos lógica, lo llamaron para que tocara trompeta en Smells Like Teen Spirit, un momento tan what the fuck?! como cuando Metallica grabó un álbum junto a Lou Reed (esperen más de esto en una futura publicación).
¿Cómo sonó el clásico de Nirvana con trompeta a bordo? Un desastre, por supuesto, pero juntó a músicos en una presentación que, a pesar de su muy cuestionable calidad, hoy podemos recordar como un momento histórico y -tristemente- irrepetible entre dos fuerzas mayúsculas del rock.
El 13 de julio de 1985 marcó y cambió la historia de la música. Pero más que cambiar la historia de la música, modificó el mundo y cómo lo percibimos. Básicamente todos los artistas más importantes del momento estuvieron sobre alguno de los dos escenarios dispuestos para Live Aid: el estadio de Wembley en Londres, y el JFK Stadium de Filadelfia. Artista que no estuviera incluido en la alineación del concierto, prácticamente no era nadie. El evento liderado por Bob Geldof, líder de los Boomtown Rats y activista, le mostró al mundo a los mejores exponentes de la música del momento, sí, pero lo que realmente hizo fue poner a África en el mapa y ubicar una lupa sobre sus problemas, los cuales -como el hambre- no eran muy conocidos, al menos no por las generaciones más jóvenes.
El concierto, que tuvo una audiencia aproximada de 1.9 billones de personas a nivel mundial, nos dio presentaciones majestuosas que al día de hoy no solo siguen dando de qué hablar, sino que también marcaron las carreras de sus artífices. ¿Me acompañan a recordar un puñado de las más memorables?
David Bowie- Heroes
No sé si haya un canción más apropiada para un evento en el que se buscaba que las personas fueran héroes e hicieran donaciones para solventar los problemas de África. Bowie dedicó la canción a su hijo, a los hijos de quienes estaban en el público, y a los niños en el continente africano necesitados de ayuda.
Led Zeppelin- Stairway to Heaven
Cuando se anunció que los integrantes vivos de la legendaria agrupación británica iban a reunirse tras varios años de la última vez que tocaron juntos, los fans de la música no pudieron evitar la emoción. Lastimosamente, la presentación de Jimmy Page, Robert Plant, y John Paul Jones, fue todo menos exitosa. El grupo no tocaba hace mucho y sus talentos estaban claramente oxidados. Además, Phil Collins prestó sus servicios como baterista y, a pesar de su inmenso talento, sonó terriblemente mal, ya que tuvo poco tiempo para ensayar. De hecho, su ensayo fue escuchar las canciones del grupo mientras volaba al lugar del concierto. El mismo Collins afirmó que "si hubiera podido irme del escenario, lo hubiera hecho".
Elton John y George Michael- Don't let the Sun go Down on Me
Hoy por hoy, ambos cantantes son absolutas leyendas de la música, pero en 1985 solo Elton John tenía ese rótulo. George Michael era un joven y talentoso cantante que pintaba como una futura gran estrella de la música. Se puede decir que este dúo fue el trampolín que lo lanzó a la grandeza. Esta versión del clásico de Elton John es tan aclamado hoy como hace 35 años, incluso más.
U2- Bad
El grupo irlandés ya era reconocido y respetado en el circuito de conciertos y en la industria, pero aún estaban a unos años de tomar su trono. La versión de 11 minutos que hicieron de esta canción durante su presentación fue posiblemente el inicio de la carrera súper exitosa que conocemos hoy. El manejo del escenario y del público de Bono es digno de todo un maestro en su arte. Sin duda, una actuación consagratoria...ante casi dos billones de personas.
Queen
Si hay una presentación perfecta en la historia de la música, tiene que ser esta. Nada, absolutamente nada le salió mal a Queen. El sonido, algo que a varios artistas no les funcionó en sus shows, fue impecable. El setlist, inmejorable. El público, totalmente compenetrado con lo que sucedía sobre el escenario. El grupo sacó a relucir toda su magia, destacándose un Freddie Mercury pletórico, en una presentación que todo cantante debería seguir como ejemplo.
En este video, Bob Geldof habla sobre el significado e importancia de Live Aid:
Tras el estreno de The Dirt, película autobiográfica basada en el libro del mismo nombre y que cuenta las travesuras de Mötley Crüe a lo largo de su carrera, me he preguntado si el grupo de Los Angeles triunfaría si comenzara hoy y, mejor aún, si su comportamiento sería aprobado en la actualidad. Si no ha visto la película y no quiere spoilers mejor deténgase aquí y regrese en cuanto la haya visto.
Para el año en que el libro de The Dirt salió , 2001, las pilatunas de Nikki Sixx, Mick Mars, Tommy Lee y Vince Neil ya eran ampliamente conocidas, pero el detalle y sinvergüencería con la que relataban las historias era, al menos por momentos, demasiado. Tras leerlas daban ganas de lavarse las manos y los ojos. Un examen de enfermedades de transmisión sexual tampoco estaba de más. Si bien la película estaba entre el tintero hace varios años, muy seguramente sus productores pusieron el pie en el acelerado para lanzarla tras ver el rotundo éxito del filme de Queen, Bohemian Rhapsody. Tal vez menos masiva pero más fiel a la realidad de la banda, The Dirt es una celebración al caos que era Mötley Crüe, casi que una apología a ser un perfecto idiota, un jackass dos décadas antes de Jackass.
El sexo, las drogas, las fiestas, todo está ahí, y -cómo no- Ozzy Osbourne inhalando una fila de hormigas y lamiendo orines del piso. Cuando comencé a escuchar al grupo, más o menos a mediados de los 90, sus locuras me parecían divertidas por alguna razón. Culpo a mi mente adolescente. Ver el Behind the Music de VH1 sobre el cuarteto era comedia pura, aunque también algo aterrador. ¿Podrían estos cuarto dementes salirse con la suya en 2019? Musicalmente hablando, lo dudo. La escena musical de hoy está dada para todo menos para el rock estridente de guitarras y letras fiesteras. Si no haces rap pop o reggaeton estás perdido. Por otra parte, ya casi nadie vende discos, y Mötley supo vender unos cuantos en sus días de gloria.
Si Nikki Sixx y compañía hubieran comenzado su carrera hace un puñado de años y adoptaran ese mismo comportamiento que los caracterizó en los 80 lo más seguro es que hoy estuvieran presos o fuertemente señalados dentro del movimiento Me Too. No me malentiendan, su música es excelente. De hecho, sueño con el día en que un grupo vuelva a sonar así. Pero su comportamiento era aberrante y hoy en día pocas personas se tomarían el tiempo de celebrarlo. Estas anécdotas de largas fiestas, sobredosis de drogas y mujeres por doquier básicamente nadie las aplaudiría en estos tiempos. The Dirt es una película que se deja ver, cumple el efecto de entretener un rato, pero fue lanzada en el peor momento posible, cuando ser un chico malo está más pasado de moda que hablar por una línea fija de teléfono. Mötley Crüe tuvo suerte de llegar a escena cuando llegó, pues en esta época probablemente no serían más que un grupo de bar.
El siguiente artículo contiene ese bicho del siglo XXI conocido en inglés como spoiler.
Si bien las películas biográficas no son nada nuevo y se han hecho muchas desde hace décadas, actualmente en el mundo del celuloide parece haber un renovado interés por las películas biográficas de grupos y artistas musicales. La cinta culpable de esto es Bohemian Rhapsody, en la cual se explora la vida de Freddie Mercury y Queen. En el pasado se han llevado exitosamente a la pantalla grande la vida de músicos como Selena, Bob Dylan, Sid Vicious (Sex Pistols), Mozart, The Doors, Elvis Presley, Buddy Holly, entre varios otros, pero parece ser la vida de Mercury la más exitosa de todas. ¿Será por el carisma del cantante?, ¿Será por su música y la vistosa actuación de Rami Malek?
Después de su estreno a finales de octubre y comienzos de noviembre (de acuerdo al país o zona geográfica de la que estemos hablando) el filme ha recaudado más de 850 millones de dólares alrededor del globo, convirtiéndose en la más lucrativa de su género. Por si fuera poco, recibió un par de nominaciones en los premios Oscar y ganó un premio en los Golden Globe. Soy fan de Queen y creo que Freddie Mercury es el mejor cantante de rock de todos los tiempos (lo siento, Robert Plant), pero esperé dos meses para ver la película. Algo me decía que no me perdía de mayor cosa, y la verdad es que mi instinto estaba en lo correcto. A pesar del gran trabajo de Malek encarnando al gran Freddie, la película es entretenida, sí, pero es cualquier película, normal. Ni me toquen el tema de si es o no fiel a la realidad, porque la respuesta es un rotundo y gigantesco "NO". Mucha gente que la ha visto ha salido del teatro tomando como ciertas cosas que no lo fueron. Por ejemplo, la forma en que Mercury entró al grupo, o su final tras la apoteósica presentación en Live Aid en 1985, cuyo tratamiento daba a entender que después de este concierto no pasó nada interesante con el grupo, lo cual está lejos de ser así.
Independientemente de la calidad de la película, esta ha generado un renacer en el interés por la vida de artistas, ni hablar de cómo ha catapultado de nuevo la música de Queen. Lo que antes hacía el libro como vehículo promocional para un artista ahora lo hacen los filmes. En marzo se estrena The Dirt, película sobre Mötley Crüe basada en el libro del mismo nombre. Por su parte, la vida de Elton John llegará a las salas a finales de mayo cuando se estrene Rocketman. Si bien ambas películas llevan varios años siendo producidas, no cabe duda de que el éxito de Bohemian Rhapsody les hizo poner el pie en el acelerador a los productores para lanzarla cuanto antes. Dice el rumor que desde varios años se planea una película sobre Guns N´Roses. Esperemos estas no distorsionen tanto la realidad y, por ende, no engañen al seguidor no habitual de dichos artistas.
Desde hace varias décadas, tal vez valiéndose de la música como un instrumento de comercialización, cada Mundial ha tenido su canción -en algunos caso canciones- oficiales, y sus ceremonias inaugurales han contando en presentaciones en vivo, siendo Shakira una de las que más se ha vinculado con la fiesta máxima del fútbol. Aunque en la apertura de Rusia 2018 es Robbie Williams quien dará el puntapie inicial, al menos en los musical, no se les haga raro que la colombiana aparezca en algún momento.
Estas son algunas de las canciones que han servido de banda sonora para algún Mundial:
DARYL HALL & SOUNDS OF BLACKNESS- GLORYLAND
Para Estados Unidos 94 se lanzó un compilado llamado Soccer Rocks the Globe, en el cual aparecían canciones de diversos artistas como Queen y su We are the Champions, Tears for Fears, Jon Bon Jovi, Scorpions, entre otros. Pero al canción que se robó el show fue Gloryland, la cual era originalmente instrumental, pero se le agregaron letras para la ocasión.
SHAKIRA- WAKA WAKA (this time for Africa)
En su segunda aventura como interprete de la canción oficial de un Mundial, Shakira se inspiró en Africa, sede el torneo en 2010, para darle la pista de sonido oficial al evento. Posiblemente la canción mundialista más popular, esta cuenta con un video lleno de estrellas del fútbol, incluyendo Gerard Piqué, con quien la cantante inició un romance gracias a la grabación del video.
RICKY MARTIN- LA COPA DE LA VIDA
Para Francia 98- último Mundial del siglo XX- el puertorriqueño Ricky Martin fue el encargado de la canción oficial. Llamada en inglés The Cup of Life, su letra es una canto a la lucha y el deseo de vencer al rival para obtener la copa.
GIANNA NANNINI & EDOARDO BENNATO- UN´ESTATE ITALIANA
Sin duda mi canción favorita de los mundiales, tal vez por ese feeling loquero que tiene. Con melodía compuesta por el italiano Giorgio Moroder y letras del estadounidense Tom Whitlock quien ayudó a escribir Take my Breath Away para la película Top Gun, esta canción es un homenaje a las noches de verano italianas y sigue siendo hasta hoy uno de los tracks mundialistas más recordados.
Decir que Martin Luther King tuvo una enorme importancia en el mundo de la política y la vida en general sería tan obvio como decir que el agua moja y el solo sale todos los días (a menos que estemos en Islandia durante su casi interminable invierno). Lo que tal vez no resulta tan evidente es su influencia en la cultura pop, específicamente en la música. Por ende -con motivo del aniversario 50 de su muerte- he aquí 3 canciones que hablan sobre MLK.
U2- Pride (In the Name of Love)
Incluida en su álbum de 1984 The Unforgettable Fire el grupo irlandés creo un clásico con esta canción en la que Chrissie Hynde de The Pretenders apoyó a Bono en los coros. A pesar de girar en torno a un mismo acorde de guitarra con leves variaciones, U2 hizo uno de los tributos más conmovedores a Luther King hasta la fecha. No, MLK no fue asesinado en la mañana del 4 de abril como dice la canción, sino al caer la tarde, pero ni importa. Te perdonamos, Bono.
GUNS N´ROSES- Madagascar
Si bien el tema de la canción no es necesariamente la política o cambios sociales, sino más bien una especie de frustración amorosa, en la mitad de esta joya oculta del álbum Chinese Democracy, Axl Rose y la alineación de la banda de esa época se da licencia para utilizar varios fragmentos del famoso discurso de "I have a dream" de Martin Luther King.
QUEEN- One Vision
Al oír este clásico del álbum A Kind of Magic las referencias a Martin Luther King tal vez no sean muy claras, pero si se analiza la letra minuciosamente se encuentran claras alusiones al discurso de "I have a dream", como por ejemplo "I had a dream when I was young (tuve un sueño cuando era joven)" o "look what they´ve done to my dream (mira lo que han hecho con mi sueño)".
