Rituales de músicos antes de salir al escenario

 

Es moneda corriente ver a diferentes integrantes de un grupo hacer un círculo y decir unas palabras, o incluso rezar, antes de salir al escenario, pero, por lo general, los artistas tienen muchas más costumbres y ritos. Estos son algunos de ellos.

Coldplay

Antes de montarse al escenario, los integrantes del grupo británico se funden en un profundo abrazo y se dan aliento para lo que viene. Hablando de aliento, su cantante Chris Martin confeso en entrevista con el Herald Sun que hace unas 18 cosas antes de iniciar un concierto, pero que una de las más importantes es lavarse los dientes, pues de otra forma, como él mismo dice, "me sentiría menos inteligente".

Robert Plant

Uno pensaría que Plant y sus compañeros en Led Zeppelin tenían todo tipo de rituales extraños cuando estaban en la cima, pues las historias de sus andanzas y pilatunas no son pocas, pero el cantante aclaró el tema en una entrevista para BBC diciendo que nunca ha sido una persona con peticiones de diva, pero que le gusta verse bien en el escenario, razón por la cual es de vital importancia para él tener una plancha, ya que "planchar me ayuda a animarme antes de salir al escenario". 

Leonard Cohen

Conocido por ser un artista multifacético, el cantante, poeta, y novelista tenía un muy curioso ritual antes de saltar a escena. 30 minutos antes de comenzar un recital, se juntaba con su banda y equipo para repetir las palabras "pauper sum ego, nihil habeo", un verso en latín que significa "soy pobre, no tengo nada". ¿Quizás un gesto de humildad para recordar las bendiciones de las que gozaban siendo músicos?

Alice Cooper

No sería extraño que en el imaginario colectivo se tuviera a un tipo como Alice Cooper haciendo todo tipo de cosas extrañas y oscuras en su camerino, pero son dos cosas las que el cantante realiza como ritual previo a una presentación: comer dulces y ver películas de kung fu. 

Keith Richards 

Otro al que es difícil imaginar haciendo algo terrenal es al excéntrico guitarrista de los Rolling Stones, pero cuenta la leyenda que antes de tomar el escenario el legendario músico pide algo muy específico para comer: un pastel de pastor, que no es otra cosa que carné picada y cocida cubierta con puré de papa. Pero no todo es tan simple, ya que obligatoriamente debe ser él quien lo corte. Nadie puede hacerlo por él.

Jack White

Al otrora miembro de los White Stripes le gusta tomar un shot de whisky y una lata de Red Bull, pero para encontrar el frenesí adecuado para electrizar a las masas con su música, el cantante y guitarrista toma un bate y rompe cosas. 

Foo Fighters

Según Dave Grohl, "muchas bandas le piden a Dios tener el mejor concierto de sus vidas, otras hacen un grito tipo ´¡vamos, equipo!´, pero nosotros oímos Off the Wall (disco de Michael Jackson) y tomamos Jagger". Ya sabemos por qué se ven tan felices en sus shows.

Red Hot Chili Peppers

Si hay un espectáculo lleno de energía ese es el de los Chili Peppers, pero para llegar a tal nivel voltaje su cantante Anthony Kiedis dice tener que "correr, estirar, y hacer flexiones". Flea, tal vez el más "loco" de todos, parece tener que contener su electricidad y guardarla para la presentación, pues en su menú previo a un concierto están rezar y meditar. Chad Smith es mucho más tranquilo con respecto a sus rituales y hace cosas tan simples como llegar temprano al lugar del concierto, ver al público y a la banda telonera.

Los covers de Chris Cornell

A riesgo de decir lo obvio o repetir algo que seguramente he afirmado en alguna otra publicación de este blog, Chris Cornell tiene que ser uno de los artistas más versátiles que ha pisado la Tierra. Tal vez su faceta más conocida era la del cantante con voz estridente que lideraba Soundgarden, una de las bandas más importantes de la escena del rock alternativo de los 90. Su huella en Temple of the Dog y Audioslave es también indeleble. Pero su arte era como una pintura de Picasso, tenía muchos matices e interpretaciones. Era un trabajador incansable, tanto así que tuvo tiempo hasta para hacer un disco con tintes electrónicos en compañía de Timbaland. Si bien escribió material original de alta calidad como Black Hole Sun, Fell on Black Days y Say Hello to Heaven, también nos dejó una larga lista de covers, la mayoría de ellos acústicos e íntimos, en lo cuales su voz brillaba tanto como lo hacía en su forma más crudo y pesado. 

La siguiente es una lista de algunos de sus mejores covers.

Nothing Compares to You- Prince

Hay que tener muchos pantalones (y talento) para tomar prestada una canción compuesta por uno de los artistas más talentosos de todos los tiempos y hacer una versión memorable que, si me preguntan a mí, está por lo menos al mismo nivel que la versión de Sinead O'Connor o la del mismo Prince. Cornell era gran admirador del hombre que vestía de morado, señalando sobre este cuando cantó esta canción que "él era un artista sin igual que dio mucha inspiración a nuestras vidas e hizo del mundo un lugar mucho más interesante".

Thank You- Led Zeppelin

Muchos cantantes han intentado y fallado fuertemente en cantar la música de Robert Plant. Por supuesto, Chris Cornell no es uno de ellos. En esta relativamente desconocida canción del grupo británico su voz brilla, no podía ser de otra forma. Al respecto de la canción, Cornell afirmó que "Es una canción poco característica de ese álbum (Led Zeppelin II). Con cualquier otra banda, hubiera sido su gran éxito, pero tratándose de Led Zeppelin y de un álbum increíble, casi pasa desapercibida". 

Billie Jean- Michael Jackson

Cuando de hacer covers de trataba, Cornell no le hacía el feo a nada ni mucho menos le temblaba la voz, ni siquiera a la hora de hacer un cover del Rey del Pop. Es muy fácil oír la versión original, perderse en la música y pasar por alto la historia de la canción. En esta versión la letra suena como poesía pura, gracias a la emoción que evoca la interpretación vocal de Chris. "La letra es brillante, y la forma en que está armada. La historia no te la dan fácil de digerir, es poesía". 

One- U2/Metallica

La idea de Cornell era hacer su propia versión del clásico de U2, pero al buscar la letra se encontró con la canción de Metallica del mismo nombre. ¿Qué hizo? un acto de genialidad pura: cantar la letra de Metallica con la melodía de la de U2. Para quienes no podemos masticar chicle y caminar al mismo tiempo, la mezcla de ambas canciones es casi un acto de brujería. "Cuando encontré la letra de Metallica pensé: 'qué demonios, oigamos qué tal suena esto'", dijo el cantante antes de tocar la canción en vivo. 

Patience- Guns N' Roses

En 2016, mientras le enseñaba a su hija a tocar esta canción, decidió grabar su propia versión, la cual fue lanzada el pasado 20 de julio para conmemorar el que sería su cumpleaños 56. En ella, Cornell agrega leves tintes electrónicos y finaliza la canción de una forma diferente a la original, pero ni por un instante sacrifica una gota de la emoción detrás de la misma. Para quienes somos fans de Guns N' Roses y Chris Cornell, este es un regalo del cielo, literalmente. 

35 años de Live Aid

El 13 de julio de 1985 marcó y cambió la historia de la música. Pero más que cambiar la historia de la música, modificó el mundo y cómo lo percibimos. Básicamente todos los artistas más importantes del momento estuvieron sobre alguno de los dos escenarios dispuestos para Live Aid: el estadio de Wembley en Londres, y el JFK Stadium de Filadelfia. Artista que no estuviera incluido en la alineación del concierto, prácticamente no era nadie. El evento liderado por Bob Geldof, líder de los Boomtown Rats y activista, le mostró al mundo a los mejores exponentes de la música del momento, sí, pero lo que realmente hizo fue poner a África en el mapa y ubicar una lupa sobre sus problemas, los cuales -como el hambre- no eran muy conocidos, al menos no por las generaciones más jóvenes. 

El concierto, que tuvo una audiencia aproximada de 1.9 billones de personas a nivel mundial, nos dio presentaciones majestuosas que al día de hoy no solo siguen dando de qué hablar, sino que también marcaron las carreras de sus artífices. ¿Me acompañan a recordar un puñado de las más memorables?

David Bowie- Heroes

No sé si haya un canción más apropiada para un evento en el que se buscaba que las personas fueran héroes e hicieran donaciones para solventar los problemas de África. Bowie dedicó la canción a su hijo, a los hijos de quienes estaban en el público, y a los niños en el continente africano necesitados de ayuda. 

Led Zeppelin- Stairway to Heaven

Cuando se anunció que los integrantes vivos de la legendaria agrupación británica iban a reunirse tras varios años de la última vez que tocaron juntos, los fans de la música no pudieron evitar la emoción. Lastimosamente, la presentación de Jimmy Page, Robert Plant, y John Paul Jones, fue todo menos exitosa. El grupo no tocaba hace mucho y sus talentos estaban claramente oxidados. Además, Phil Collins prestó sus servicios como baterista y, a pesar de su inmenso talento, sonó terriblemente mal, ya que tuvo poco tiempo para ensayar. De hecho, su ensayo fue escuchar las canciones del grupo mientras volaba al lugar del concierto. El mismo Collins afirmó que "si hubiera podido irme del escenario, lo hubiera hecho". 

Elton John y George Michael- Don't let the Sun go Down on Me

Hoy por hoy, ambos cantantes son absolutas leyendas de la música, pero en 1985 solo Elton John tenía ese rótulo. George Michael era un joven y talentoso cantante que pintaba como una futura gran estrella de la música. Se puede decir que este dúo fue el trampolín que lo lanzó a la grandeza. Esta versión del clásico de Elton John es tan aclamado hoy como hace 35 años, incluso más. 

U2- Bad

El grupo irlandés ya era reconocido y respetado en el circuito de conciertos y en la industria, pero aún estaban a unos años de tomar su trono. La versión de 11 minutos que hicieron de esta canción durante su presentación fue posiblemente el inicio de la carrera súper exitosa que conocemos hoy. El manejo del escenario y del público de Bono es digno de todo un maestro en su arte. Sin duda, una actuación consagratoria...ante casi dos billones de personas. 

Queen

Si hay una presentación perfecta en la historia de la música, tiene que ser esta. Nada, absolutamente nada le salió mal a Queen. El sonido, algo que a varios artistas no les funcionó en sus shows, fue impecable. El setlist, inmejorable. El público, totalmente compenetrado con lo que sucedía sobre el escenario. El grupo sacó a relucir toda su magia, destacándose un Freddie Mercury pletórico, en una presentación que todo cantante debería seguir como ejemplo. 

En este video, Bob Geldof habla sobre el significado e importancia de Live Aid:

Greta Van Fleet: ¿La Nueva Joya del Rock?

Cada cierto tiempo alguien, usualmente Gene Simmons (Kiss), hace la controversial y abusada declaración "el rock está muerto". No sé si esté muerto, pero lo que es seguro es que no atraviesa su mejor momento. Hace décadas dejó de ser el género predominante en la escena musical y ha tomado el asiento trasero para volver a un estatus mucho más underground y contracultural, lo cual no es necesariamente algo malo, pues parte del atractivo del rock es que yace en las sombras y reta lo "aceptable". Ahora, en la actualidad la bandera del género la ondean los grupos clásicos. Pero, ¿dónde está la nueva escena del rock? Formado apenas hace seis años en Michigan-Estados Unidos por los hermanos Josh, Jake y Sam Kiszka, Greta Van Fleet parece ser la respuesta a este y otros interrogantes. 

Todo, desde su pinta, actitud y, por supuesto, sonido recuerdan al rock de los 70. Para algunos recuerda demasiado, al puntos que el grupo ha sido tildado de "copia de Led Zeppelin". No sé si el calificativo sea justo, pero sí suenan muy parecido, principalmente en la parte vocal. La comparación con Robert Plant es casi que obligada y hace difícil ser poder apreciar su esencia. Al mismo Plant le han preguntado al respecto, y este -muy respetuoso- ha evadido la pregunta con chistes. Quien ha tenido menos pelos en la lengua es Slash, diciendo que son un buen grupo pero que "preferiría que no sonarán tanto a Led Zeppelin". 

Sí, la influencia de Led Zeppelin es evidente y puede jugar en su contra, pero si tenemos en cuenta que sus integrantes tienen entre 19 y 22 años y que estamos en un mundo en que los jóvenes ya no quieren roquear sino cantar sandeces en pobres canciones de reggaeton, lo que los hermanos Kyszka hagan, suene como suene, es bienvenido. No sé si Greta Van Fleet sea la segunda venida de Dios, pero tienen el sonido y voltaje correctos y -así no resulten ser los salvadores del rock- con que inspiren de nuevo a los jóvenes a levantar una guitarra y roquear, ya es ganancia suficiente en estos tiempos de rap y hip hop. 

Tres Canciones Perfectas

Hace unos días me preguntaba acerca de qué canciones pueden ser consideradas como "canciones perfectas". Después de un rato pensando solo llegaron a mi mente tres canciones que podrían ser catalogadas de dicha manera. ¿Qué considero una canción perfecta? Aquella que no le falta ni le sobra nada, que es impecable desde su interpretación, producción e impacto, así como permanencia a través del tiempo. 

1. Led Zeppelin- Stairway to Heaven

Quien alguna vez haya tenido algún tipo de acercamiento con una guitarra ha tratado de tocar esta canción del grupo británico. Compuesta por Jimmy Page y Robert Plant, esta pieza de ocho minutos es considerada por muchos como una de las mejores en la historia del rock. Desde su comienzo lento y acústico, pasando por una parte eléctrica mid tempo, hasta su orgásmico y potente final con la majestuosa voz de Plant a capella contándonos que "ella va a comprar una escalera al cielo", esta canción no deja absolutamente nada al azar, ni siquierasu oscura y mística letra.

2. Wham! - Careless Whisper

Incluida en un disco de Wham! pero extraoficialmente presentada como el primer sencillo solista de George Michael, esta canción es -sin lugar a la más mínima duda- la canción más romántica de la historia. No hay ninguna melodía más sensual (y sexual) que la melodía de saxofón interpretada por el prácticamente desconocido Steve Gregory. Su letra, lleno de arrepentimiento y dolor amoroso, cuenta la historia de cómo George Michael le fue infiel a una novia con otra mujer con la que siempre había querido tener. Antes de que la versión hoy conocida por todos de esta canción saliera a la luz hubo otra versión en la que el cantante trabajaba con el productor Jerry Weller, quien consideraba que esta ya estaba terminada. Sin embargo, George Michael no estaba de acuerdo y siguió trabajando en ella hasta convertirla en ese perfecto himno romántico. No sé si haya una ejecución vocal más perfecta y con el corazón en la historia de la música. 

3. Eagles- Hotel California

Recuerdo oír esta canción infinidades de veces a mediados de los 90 cuando el grupo estadounidense se reunió después de 14 años para una presentación en formato acústico para MTV. A pesar de que la versión acústica en cuestión es sublime, su versión original -lanzada en 1976- es una de las obras más apoteósicas que se hayan compuesto hasta la fecha. Dejar de oír esta canción una vez comienza es un sacrilegio (alguna vez me negué a bajarme de un carro hasta que esta terminara), casi una falta de respeto con Don Henley, Don Felder, y Glenn Frey. No tengo la menor idea de qué habla la letra y no quiero saber, pues no hacerlo es parte de la mística de esta. Algunos dicen que habla del infierno, otros dicen que habla de las drogas, y hay quienes van más allá y aseguran que la canción la escribió el mismísimo satanás. La haya escrito el que la haya escrito, hable de lo que hable, esta es una de las mejores canciones de la historia con una de los mejores solos de guitarra...ni hablar de ese duelo de guitarras que cierra la canción y de Don Henley tocando batería mientras canta, ¡un genio!.

Mis Discos Favoritos de 2017

Después de oír, analizar y volver a analizar alrededor de 100 discos a lo largo del año, por fin me pude poner de acuerdo conmigo mismo para hacer la tradicional lista de mis 10 discos favoritos del año. Sí, querido oyente de sencillos, aún se hacen discos. La importancia de un álbum no debe ser subestimada, pues es la forma de realmente entender a un artista. si no lo cree, busque una vieja foto familiar, tape una parte y dígame que se ve igual y que nada cambió en esta. Si no quiere comprar copias físicas de un disco, está bien. Su cuenta bancaria se podría esfumar de acuerdo al país en el que esté. Pero lo invito a que nunca se olvide de la magia y placer que es oír un álbum completo, de principio a fin. Si tiene tiempo para deslizar su dedo hacia abajo en la pantalla de su celular fisgoneando en redes (a)sociales, tiene tiempo de oír música. Créame. 

Sin más demoras ni regaños, les presento mis 10 discos favoritos de 2017 en orden alfabético:

ALICE COOPER- PARANORMAL

El álbum de estudio 27 de Alice Cooper, lanzado el 28 de julio, es una muestra concisa de que la edad no es limitante para hacer un disco roquero y con cojones. Admitámoslo, vivimos en un mundo en el que los roqueros se volvieron fríos y aburridos. Pero que no cunda el pánico, para eso aún contamos con leyendas como Alice. Cargado de invitados especiales como los integrantes de la alineación clásica de la banda, Roger Glover (Deep Purple), Billy Gibbons (ZZ Top), y Larry Mullen (U2), las 10 canciones de Paranormal llegaron para pegarle una buena sacudida al mundo del rock. 

BECK- COLORS

En un mundo en el que de a poco en poco nos quedamos sin artistas camaleónicos, aún podemos contar con Beck para que nos sorprenda con sus discos y constantes cambios sonoros. Después del acústico y calmado Morning Phase, el músico estadounidense volvió con Colors, en el que trabajó por cuatro años. Las tonalidades de sus canciones se pasean por el pop de los 80 con un poco de psicodelia y una energía que seguro lo alegrará y le darán ganas de pararse a bailar.

BLACK COUNTRY COMMUNION- BCCIV

Un poco después del lanzamiento de su anterior álbum en 2012, el grupo se separó debido a tensiones entre Glen Hughes (cantante y bajista) y Joe Bonamassa (guitarrista). Al parecer la animosidad duró poco, ya que en 2016 anunciaron su reconciliación y la grabación de un nuevo álbum: BCCIV, o como me gusta llamarlo: "Una patada en el trasero a la aburrida industria del rock". Desde la primera canción , Collide, este disco atrapa y no suelta hasta la última nota de When the Morning Comes. Glen Hughes brilla en la parte vocal. No en vano es conocido en el mundo de la música como "La Voz del Rock".

CHEAP TRICK- WE´RE ALL ALRIGHT

Muchos dirán cosas como "¿Cheap Trick todavía hace música?" o "yo me quedé en I Want you to Want me". Si ese es su caso, le presento We´re All Alright, el álbum 18 de estudio del grupo estadounidense, en el que Rick Nielsen y Robin Zander nos traen una mezcla tan vital de su clásico poder pop y rock pesado, que pareciera como si el álbum, lejos de ser anticuado, hubiera sido grabado a finales de los 70. Ojalá los músicos jóvenes tomen nota de álbumes como este y ayuden a los veteranos a traer de vuelta un sonido más puro y energético al rock. 

CHRIS ROBINSON BROTHERHOOD- BAREFOOT IN THE HEAD

En un mercado en el que el artista le cogió miedo a grabar álbumes y se dedicó a lanzar sencillos como método de supervivencia, Chris Robinson -mejor conocido por su trabajo como líder de los Black Crowes- y su banda han publicado seis en un periodo de 5 años. Rústicos y anticuados para algunos, esta banda está tratando con gran vehemencia de revivir el blues rock setentero con aires de  un hippismo que busca anular las formulas cuadriculadas y matemáticas en las que ha caído la música en la última década. 

DEPECHE MODE -SPIRIT

Si bien el trío británico no saca un conejo del sombrero para su álbum 14 de estudio, Spirit no es un álbum aburrido, por el contrario. Es todo lo que hemos aprendido a amar de Dave Gahan y los suyos a lo largo de las décadas: melodías delicadamente construidas y ese toque de maestría electro-pop que invade los sentidos sin compasión. Quizás la única diferencia radical se encuentra en el tono lírico del disco. En lugar de adentrarnos en asuntos de sufrimiento personal, las letra nos hacen pensar en los agitados momentos políticos y sociales que vivimos en la actualidad. ¡Toma eso, Trump!

FOO FIGHTERS- CONCRETE AND GOLD

El noveno álbum de los liderados por Dave Grohl es uno lleno de polos opuestos. Musicalmente va del pop al hard rock. Vocalmente pasa de lo melódico a los gritos frenéticos. Sus letras transitan por territorios bipolares, comenzando en la esperanza y terminando en la ausencia de la misma. Lo que no varia es su calidad. Desde los acordes iniciales de T Shirt hasta las notas finales de Concrete and Gold, el álbum no pierden constancia y brilla por su solidez. Además, invitados de lujo como Justin Timberlake, Alisson Mosshart, y Paul McCartney (¡tocando batería!) engalanan algunas de sus canciones. En un año en el que perdimos trágicamente a Chris Cornell, es un alivio seguir contando con el enorme ícono Grohl que es Dave Grohl.

MASTODON- EMPEROR OF SAND

Un individuo que anda por el desierto sin rumbo tras recibir una sentencia de muerte es el tema central de este álbum conceptual, el séptimo en el historial de la banda estadounidense. El grupo encontró la oscura inspiración para las letras y música de Emperor of Sand en los diagnósticos de cáncer que recibieron familiares y conocidos, y partieron de dicha base para hacer un disco cargado de riffs potentes, múltiples capas sonoras, un carga letal de metal pero con ese distintivo toque "pop" que el grupo ha adquirido en los últimos años. Por si no lo he dicho antes: el metal tiene un nuevo emperador y se llama Mastodon.

ROBERT PLANT- CARRY FIRE

¿Hay vida más allá de Led Zeppelin? Por su puesto, y el álbum 11 como solista de Robert Plant lo demuestra. Apoyado por los Sensational Space Shifters por segundo disco consecutivo, el cantante se aleja casi que totalmente de los aullidos rocanroleros que lo convirtieron en uno de los mejores vocalistas de la historia y encuentra en los terrenos del folk-rock su nueva zona de confort. Si espera un disco lleno de riffs zeppelinescos, no exponga sus oídos a este disco. Se decepcionará. 

U2- SONGS OF EXPERIENCE

Para su álbum número 14, el grupo irlandés decidió seguir mirando atrás y dar un repaso por su historia, tanto colectiva como personal. Su disco anterior trataba sobre cómo U2 llegó a convertirse en U2, este habla sobre la experiencia de ser U2, además de temas como la mortalidad -el cual aparece en el disco tras el accidente de motocicleta que sufrió Bono en 2014- y el estado de la sociedad actual (sí, más vainazos para el que quiere construir un muro en pleno siglo XXI). Si hay un artista que sabe condensar su música en un álbum es U2. A Songs of Experience no le sobra ni le hace falta nada. Comienza magistralmente con una balada (lo cual la banda nunca había hecho), pasa por canciones mid-tempo y nuevos himnos de estadio como You´re the Best Thing About Me, y concluye -tras uno que otro guiño a su anterior álbum- con otra balada: 13 (There is a Light), cerrando así el giro de 360 grados en el cual Bono y su corte se sumergen por 51 apoteósicos minutos. 

Freddie Mercury: Tan Grande Como Un Asteroide

Hoy, en el que sería el cumpleaños 70 de Freddie Mercury, se anunció que un asteroide llevara su nombre. Lindo y emotivo homenaje, sin duda. Su legado merece eso y mucho más. Entradas de blogs,  artículos de periódico, portadas de revistas, estatuas, nombres de calles, poner su música a todo volumen, disfrazarse de él en Halloween, ¡merece el nombre de un planeta y una galaxia entera! No quiero sonar a cliché y espero equivocarme, pero no sé si algún día veamos a otro como Freddie. Tan completo como artista. Tenía la voz, ¿qué digo? la tremenda voz, el carisma, la pinta, don de gentes, etc, etc, etc. En mi opinión, y que me perdone Robert Plant, el mejor cantante de rock en la historia. Lo ponían a cantar hard rock, lo hacía. Metal, también. Pop, sin problema. Lo hacía todo y todo lo hacía bien. Su influencia es enorme. Axl Rose, Matt Bellamy (Muse), George Michael, Adam Lambert, todos tienen algo de él. ¡Tan influyente era, que Kurt Cobain lo menciona en su carta de suicidio! alabando su increíble puesta en escena y ese dominio majestuoso de las inmensas multitudes ante las que se presentaba. Su muerte dejó una gran enseñanza sobre el sida y las enfermedades de transmisión sexual. Antes de su fallecimiento el tema era tabú, pero -al tratarse de un personaje tan importante para la cultura pop- el asunto se hizo masivo y los jóvenes empezaron a educarse al respecto.

Muchos acuden hoy a frases como: "Freddie debe estar en el cielo sonriendo ante tantos homenajes y haciendo un concierto con otras luminarias de la música". Esas personas se equivocan. Freddie debe estar en la nave espacial que lo recogió en 1991, ¡El tipo era un extraterrestre!