En 2011 publiqué en este blog un artículo titulado "U2: Al Borde de la Irrelevancia" https://supersonicriot.blogspot.com/2011/11/u2-al-borde-de-la-irrelevancia.html, en el que cuestionaba si Bono y compañía aún eran importantes en la escena de la música. Tres años más tarde, con el lanzamiento de Songs of Innocence, me callaron la boca, pues hicieron tremendo disco, a pesar de haber más o menos obligado a todo el mundo a escucharlo (probablemente recuerden cómo la banda distribuyó de forma gratuita el álbum a través de los dispositivos Apple). Hoy, una vez más debo -con enorme dolor- preguntarme si el cuarteto sigue siendo relevante y si no es un buen momento para retirarse.
Recientemente, por medio de un comercial emitido durante el Super Bowl, U2 anunció una residencia en Las Vegas cuyos conciertos girarán principalmente alrededor del álbum Achtung Baby. Suena hermoso, sin duda, pero hubo un anuncio dentro del anuncio que no me gustó ni un poquito y que, como fan de décadas del grupo, puedo decir que hasta dolió. Semanas antes del anuncio, giraba un fuerte rumor de que el baterista Larry Mullen estaría ausente de las futuras presentaciones de U2, pues había tenido que ser sometido a una cirugía, probablemente de columna, y necesitaba tiempo para recuperarse. El rumor, lamentablemente, resultó ser cierto, y la agrupación tocará sin él. Esto de reemplazar músicos y salir de gira mientras ellos están ausentes, se convirtió en una triste moda que tiene que acabar. Se entiende que los artistas quieren recuperar el tiempo perdido tras la pandemia y, como el mismo comunicado oficial de U2 decía, desean volver a ver los rostros de sus seguidores. Lo que no pensaron es que los seguidores quieren ver sus rostros también, incluyendo el de Larry, no el de Bram van den Berg, su reemplazo.
¿Quién es Bram van den Berg? Es un músico neerlandés que nadie conoce. Tan simple como eso. Si era absolutamente obligatorio reemplazar a Larry, ¿por qué no buscaron a alguien con más peso? Puede que su reemplazo me tape la boca con sus baquetas, pero de momento parece una horrorosa idea. Tomemos el caso de Mötley Crüe, quienes reemplazaron a Mick Mars con John 5, un tipo de gran recorrido y reconocimiento, y de quien se tenía muy poca duda y, efectivamente, la está sacando del estadio. Cómo demonios se les ocurre reemplazar al tipo que les dio su primer y único trabajo. De no ser por Larry, no habría U2, y Bono, The Edge, y Adam Clayton tendrían trabajos de 9 a 5. Dicen que la decisión de este reemplazo, temporal, espero, fue tomada en común acuerdo, pero no habría sido más sensato y respetuoso haber dicho algo así como "Larry, no vamos a salir de gira sin ti. Nunca lo hemos hecho, y no lo haremos ahora". Un poco de respeto con el dueño del letrero habría sido genial. Le están pasando por encima. lo están "ninguneando". ¡Es puto Larry Mullen! Le deben todo.
Hace poco escuchada al productor Rick Beato hablar sobre este asunto, y dijo algo que me sacó más de casillas: "Achtung Baby es un álbum en el que la batería de Larry es fundamental, y ¿van a salir de gira sin él?" Es cierto, analicen la batería de las canciones del disco, la batería es otra cosa. ¡Vamos! ¡Tan importante es, que hasta en una canción se oye como a Larry se le cae una baqueta y sigue tocando!
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El cuestionamiento que hago sobre si U2 debe seguir adelante o colgar la toalla no se debe solo a la lamentable omisión de Larry Mullen de su última gira. Sus tres últimos discos, excepto por el ya mencionado Songs of Innocence, han sido más un desastre que cualquier otra cosa. Los inexpresivos y pálidos No Line on the Horizon y Songs of Experience no lograron cautivar a muchos, creo que ni a ellos mismos. Usualmente, a todas las bandas les llega la hora en la que su música nueva no convoca y pueden lanzar uno que otro disco flojo, pero también llega la época en la que rebotan con algo de calidad y el río retoma su cauce. Lastimosamente, a U2 no lo veo en ese plan. El plan de refrescarse, renovarse, volver a tomar uno que otro riesgo creativo. Los veo en el plan de mirar para atrás, de vivir del pasado, tal vez porque fue mejor. ¿Pruebas? La gira conmemorativa de The Joshua Tree, la recientemente anunciada serie de conciertos enfocados en Achtung Baby, y el lanzamiento de Songs of Surrender, una colección de versiones nuevas de canciones viejas que, por lo que han dejado escuchar hasta ahora, tiene pinta de somnífero. Tres proyectos interesantes, sí, pero ¿dónde está lo nuevo?
U2, te amo, pero lo que están haciendo no es necesariamente emocionante, y una buena sacudida no vendría nada mal, pues la banda se está convirtiendo en un acto de nostalgia, cuando siempre habían sido referentes de avance y riesgo.
Cuando se escucha el nombre de Salman Rushdie lo primero que viene a la mente es su obra como escritor. Sin embargo, hace 22 años se dio el lujo de ser, hasta la fecha, la única persona en escribir una canción para U2.
En 1999, el autor británico estadounidense de origen indio lanzó su novela The Ground Beneath Her Feet, en la cual el personaje Ormus Cama escribe la letra de una canción inspirándose en su amada. Rushdie le propuso a Bono hacer la música para la letra en cuestión. U2 se encontraba ocupado grabando All That You Can't Leave Behind, pero Bono aceptó. En un descanso durante las sesiones de grabación, Bono y el productor Daniel Lanois se pusieron manos a la obra y compusieron la canción. Inicialmente, la idea era incluirla en el nuevo disco, pero el resto del cuarteto irlandés no estaba muy convencido con la misma. En entrevista con Rolling Stone, el guitarrista The Edge señaló que el álbum "ya tiene muy buenas baladas" y una más era demasiado. Tras no llegar a un acuerdo sobre el uso de la canción, Bono decidió incluirla en la banda sonora de la película The Million Dollar Hotel, la cual él estaba produciendo. A pesar de no haber sido incluida All That You Can't Leave Behind, en ediciones posteriores del álbum se decidió incluir la canción.
Según Rushdie, The Ground Beneath Her Feet tiene "unas de las más hermosas melodías que Bono haya escrito". Pese al rechazo inicial que sufrió el track, U2 la lanzó como sencillo en el primer semestre del año 2000, y en su video Salman Rushdie hizo una breve aparición. Si me preguntan, coincido con el escritor, esta es una de las más hermosas melodías en una balada de U2.
Una canción que comienza con las letras "todo está callado en el día de Año Nuevo" tiene que ser una canción que habla sobre el primer día del año, ¿cierto? Después de todo describe exactamente el estado de la mayoría de las ciudades cada primero de enero. Pues, no, esta canción tiene un contenido mucho más amplio y profundo.
Quien conoce algo más a fondo la música de U2, sabe que está fuertemente cargada de crítica social y contenido político, además de religioso. Pero, dada la increíble astucia de Bono y su corte, dichos mensajes han sido bien "camuflados" en medio de melodías pegajosas y simbolismos. New Year's Day, su primer éxito a nivel internacional, es exactamente así. Este sencillo del álbum War tiene un contundente mensaje político acerca del movimiento polaco Solidaridad.
En 1980 el movimiento, el cual estaba bajo el liderazgo del futuro premio Nobel y presidente Lech Waɫesa, tuvo la valentía de retar la opresión del gobierno comunista de Polonia, lo que llevó a que en 1981 Solidaridad fuera proscrito y sus integrantes encarcelados.
Al parecer, originalmente New Year's Day era una canción de amor de Bono para Alison Stewart, su futura esposa (ahora mejor conocida como Ali Hewson), pero el mensaje pronto cambió. En entrevista de 2012 para Rolling Stone, el líder del cuarteto irlandés señaló que, en muchas ocasiones, las letras las crea sobre la marcha: "improvisamos mucho. Debí estar pensando sobre Lech Waɫesa en la cárcel. Luego, mientras grabábamos la canción, anunciaron que la ley marcial sería levantada el día de Año Nuevo".
Letras como "bajo un cielo rojo sangre, una multitud se ha reunido en blanco y negro. Brazos entrelazados, los pocos elegidos. El periódico dice que es verdad, podemos liberarnos. A pesar de estar partidos en dos, podemos ser uno", hablan sobre cómo la gente de Europa del este a comienzos de los 80 clamaba por libertad y justicia.
Si sus oídos se cruzan con esta canción algún primero de enero, ya sabrán de qué se trata realmente. A todos les deseo un muy feliz año.
Todos tenemos que comenzar en algún lugar. Lastimosamente, ese lugar es -al menos en muchas ocasiones- ser rechazado por una persona, lugar, o empresa. Nos pasa a todos los mortales. Incluso a aquellos artistas que hoy consideramos están por encima del bien y del mal.
Dave Grohl
Pensar que uno de los tipos más importantes del rock en las últimas dos décadas, baterista de Nirvana y líder de los Foo Fighters fue rechazado alguna vez parece un total disparate. Pero cuando tenía 14 años, Grohl fue rechazado por Ian MacKaye, fundador de Dischord Records, cuando trataba de irrumpir en la escena con Mission Impossible, su primer grupo. MacKaye no tuvo interés alguno por la canción que Grohl le envió, y le cerró las puertas de su disquera. Tal vez fue la inocente y tierna carta escrita a mano no le no convenció a MacKaye.
Madonna
Si bien la leyenda pop estadounidense no es santo de mi devoción, hay que hacer un gran esfuerzo para no reconocer su talento y carisma. Ese esfuerzo lo hizo exitosamente Jimmy Lenner, a quien Madonna envió sus demos justo antes de firmar con Sire Records. El hombre afirmó que no ver el sentido en la música de la joven cantante, pero como dicen por ahí: quien ríe de último, ríe mejor. Madonna vendió 10 millones de copias de su álbum debut.
U2
Si existe un grupo especializado en hacer grandes éxitos, ese es el liderado por Bono. Canciones como With or Without You, Where the Streets have no Name, y One, lo demuestran y hacen imposible pensar que alguna vez fuera rechazado. Pero lo fueron. En 1979, justo antes de lanzar su primer sencillo, U2 fue rechazado por el gerente general de RSO. En una carta que no tiene más de cinco renglones, el ejecutivo señaló que el cuarteto no era lo que buscaban en ese momento. ¡Lo que debe ser vivir con tan mala decisión!
Oasis
A mediados de los 90, el grupo de los hermanos Gallagher salvó al rock británico del letargo en el que se encontraba. El panorama musical era dominado por el rock alternativo estadounidense y por grupos como Nirvana, Soundgarden, y Pearl Jam, hasta que apareció Oasis. Noel Gallagher era gran fan de bandas firmadas por Factory Records, como New Order y los Happy Mondays, por ende, decidió que su grupo debería audicionar para ellos. ¿La respuesta del sello? un rotundo "no", con el que no solo le cerraron la puerta a los Gallagher, sino también a toneladas de dinero.
Beatles (¡Sí! ¡Los putos Beatles!)
Si hasta el cuarteto de Liverpool fue rechazado, ¿qué nos queda a los ciudadanos de a pie? Después de volverse maestros de tocar en vivo tanto en Liverpool como en Hamburgo, los Beatles decidieron comenzar a tocar puertas. La primera fue la de Decca Records, donde trabajaba quien fuera vital en su carrera: George Martin, quien incluso llegó a calificar su audición para el sello como "basura". Pero fue Dick Rowe quien los rechazó, todo en favor de Brian Pool and the Tremeloes, argumentando su decisión en el hecho de que este grupo vivía más cerca al estudio de grabación. Rowe pasó a la historia por ser "el hombre que rechazó a los Beatles".
Inmersa en el mar de éxitos que es All That You Can't Leave Behind, aclamado álbum de U2, yace una joya que Joey Ramone, cantante de los Ramones, escuchó en su lecho de muerte.
Bono -cantante de U2- escribió In a Little While pensando en su esposa, además de tomar inspiración en acontecimientos sociopolíticos. Al parecer, el vocalista del cuarteto grabó la voz de forma improvisada y justo después de una noche de fiesta. A pesar de la resaca, logró un resultado bastante especial. Lo que inició como una canción de amor, terminó tomando un significado absolutamente distinto cuando la canción llegó a oídos de Joey Ramone, quien se encontraba hospitalizado en Nueva York, luchando por su vida.
El hermano de Joey -Mickey- y su madre fueron llamados al hospital para que se despidieran del músico. Mickey llevó consigo una copia de All That You Can't Leave Behind y puso la canción en cuestión. Posiblemente, buscando, a través de la letra, que su hermano consiguiera algo de comodidad en sus últimos momentos:
"En un rato más este dolor no dolerá más".
Días más tarde Bono, al enterarse de esto, presentó la canción en un concierto de U2 como una canción que trataba de un guayabo pero que a raíz de lo sucedido con Joey Ramone había tomado un sentido distinto:
"Esta es una canción que Joey Ramone amaba. Fue la última canción que él escuchó, y eso es asombroso cuando creciste siendo fan de su música. Joey convirtió una canción sobre un guayabo en una canción gospel, así es que la oigo ahora", señaló Bono antes de interpretar la canción.
Si bien U2 pasó la década de los 90 probando fórmulas exóticas y extravagantes, tal vez su proyecto Passengers sea la cúspide de su locura musical.
Cuando los 80 finalizaron, la banda irlandesa señaló ante un público confundido que tenían que "soñarlo todo de nuevo". Muchos temieron que Bono se estaba refiriendo al final del grupo, pero afortunadamente hacía alusión a la dirección musical del cuarteto. La primera prueba de que todo estaba cambiando fue Achtung Baby, álbum que fue grabado en Alemania y bajo una crisis interna que amenazó con acabar su carrera. En 1993, llegó Zooropa, el cual ahondó más en la experimentación y trajo consigo más intensos tintes electrónicos. La década concluyó con Pop, la entrega total a la música electrónica. Pero quizás el lanzamiento más extraño de lo 90, ocurrió justo en el ombligo del decenio: Original Soundtracks 1, lanzado en 1995 bajo el pseudónimo Passengers.
El álbum, hecho con la ayuda de Brian Eno como el quinto integrante de la banda y con invitados especiales como Luciano Pavarotti y el DJ Howie B, es una colección de 14 canciones escritas en su mayoría para películas imaginarias (¿hay algo más experimental que esto?). Debido a la participación de Eno y la extraña naturaleza de la música, los integrantes de U2 decidieron lanzaron bajo otro nombre, lo cual hizo que el recibimiento del mismo por parte de fans y críticos fuera aún más frío.
Una vez finalizada la gira Zoo TV en diciembre de 1993, el grupo comenzó a componer para un nuevo álbum, pero las ideas no fluían y según Eno "tocaron un muro" creativo. La idea inicial era componer la banda sonora para una película llama The Pillow Book, del director Peter Greenaway, pero eso no funcionó, razón por la cual la banda decidió seguir por la onda de escribir música para películas y, casi que burlándose de ellos mismos, crearon varias imaginarias. Lo más curioso de todo es que en el librillo del CD incluyeron explicaciones de las películas para las cuales fueron escritas los temas.
Las canciones de la producción pasaron por fuera del radar, excepto por Miss Sarajevo, primer sencillo y una de las pocas canciones que sí fue hecha para una película real. Your Blue Room, canción que sonaba muy parecido a lo que U2 hacía habitualmente, iba a ser el segundo sencillo, pero dicho plan fue cancelado debido al poco éxito comercial del proyecto. Al parecer, ni a los propios miembros del grupo pareció gustarles el álbum. Larry Mullen, baterista, ha señalado en varias ocasiones su desprecio por el mismo, afirmando que "hay una línea delgada entre música interesante y autocomplacencia. La cruzamos con Passengers".
Cada final de década parecía traer una especie de crisis de identidad musical a U2. A finales de los 80, en un concierto en vísperas de Año Nuevo, Bono señalaba que el grupo debería alejarse para soñar todo de nuevo. El extraño mensaje fue tomado por muchos como un anuncio de separación del cuarteto irlandés. Pero fue solo un susto, pues realmente el mensaje hablaba de buscar un nuevo sueño musical, en el cual la banda estuvo sumergida durante toda la década de los 90. Experimentando fuertemente con sonidos electrónicos y haciendo giras masivas con espectáculos extravagantes a la vista. Una vez llegó 1999, el grupo se encontraba de nuevo en esa rara encrucijada musical. La época de coquetear con otras tendencias musicales parecía haber pasada y, de hecho, no haber funcionado del todo bien. Sobre todo con el álbum Pop, en el que, para muchos, U2 exageró en todo sentido, haciendo de este uno de los menos aclamados de su catalogo.
All That You Can't Leave Behind, décima producción del grupo, fue un regreso relativamente cercano a sus raíces y todo un acierto a nivel comercial. Canciones como Beautiful Day, Walk On y Elevation fueron grandes éxitos radiales y ayudaron a impulsar al álbum al número 1 en más de 30 países y a vender alrededor de 12 millones de copias a nivel mundial. Su gira promocional fue a mucho menor escala y bastante más íntima que Popmart, tour con el que promocionaron Pop.
Dos décadas después de su lanzamiento, es fácil ver (y oír) la importancia de este disco en el repertorio de U2. Temas como Beautiful Day, primer sencillo del álbum, y Stuck in a Moment you Can't Get out of se han convertido en insignias de la banda y favoritas de los fans. Para muchos, All That You Can't Leave Behind es la tercera obra maestra del grupo, solo por detrás de los legendarios Achtung Baby y The Joshua Tree. ¿Cómo llegó a ganarse un lugar en el podio de álbumes de un grupo que tiene ya una carrera de más 40 años? Fácil: es un lanzamiento tremendamente bien condensado. Al que no le hace falta nada ni mucho menos le sobra. Por otra parte, está cargado de canciones pegajosas que van directo al grano, sin importar tanto los adornos ni arreglos. Siendo un fan de la época experimental de U2, las canciones de este álbum tienen todo lo que nos hizo amar al cuarteto en primer lugar. Es fresco, es puro, es U2 sin disfraces.
Para conmemorar los 20 años de esta obra maestra, el grupo lanzó una edición especial con canciones en vivo, versiones, alternas y varias canciones grabadas en la época pero que no tuvieron lugar en el listado final de canciones. Siendo la más destacada de esta The Ground Beneath Her Feet, la única canción en la historia de U2 que no fue escrita por ninguno de sus integrantes, sino por el escritor Salman Rushdie. ¡Tan bueno es este disco que una señora canción como esta no tuvo espacio!
En una encuesta realizada por BBC Radio, los oyentes escogieron a The Joshua Tree como el mejor álbum de los 80, derrotando a pesos pesados de la década como Thriller, de Michael Jackson, al legendario Appetite for Destruction, de Guns N' Roses, a Prince y su Purple Rain, por nombrar algunos. El álbum, lanzado en marzo de 1987, ha vendido alrededor de 25 millones de copias a nivel mundial, pero ¿es el mejor álbum lanzado en la década de la laca y el copete Alf?
Sin duda, es uno de los mejores. Con canciones como Where the Streets Have No Name, I Still Haven't Found What I'm Looking For, y la conflictivamente romántica With or Without You, no hay forma de no hablar de un disco destacado, pero más allá de los éxitos y de su innegable impacto radial, además de los números en ventas y listados, debemos tener en cuenta su impacto cultural. ¿Es el mejor disco de U2? Tal vez. ¿Es el álbum que los terminó de consagrar? Sin duda. ¿Es el lanzamiento que más revolucionó los 80? No sé. Sí, su impacto en Estados Unidos fue enorme, llevándolos a hacerse gigantes en el país del Tío Sam e incluso a alcanzar la codiciada portada de la revista Time en su edición de abril de 1987, la cual los rotuló como "la boleta más apetecida del rock". continúa después de la foto...
Su impacto para el grupo, innegable. Para la cultura pop, también. Pero ¿fue realmente más contundente como muestra cultural que Thriller, Purple Rain, o Appetite for Destruction?. No lo sé, y con esto no pretendo robarle nada a The Joshua Tree, disco que tiene todo el derecho de estar en el pedestal en el que se encuentra. Tanto Michael Jackson, como Prince y Guns N' Roses tuvieron en los tres álbumes ya mencionados sus más emblemáticos logros. El Rey del Pop cambió para siempre la forma de ver videos gracias a cortometrajes como Thriller, y a la forma de contar historias de Beat It y Billie Jean, esto sin mencionar como invadió las frecuencias radiales. Por su parte, Prince creó una obra maestra con Purple Rain, además de una película. La canción que le da nombre a la producción tiene que ser una de las mejores de la historia, además de contar con uno de los solos de guitarra más majestuosos jamás interpretados. Guns N' Roses apareció en la escena como un trueno furioso para meterse en medio de tanto grupo glam prefabricado y recordar al mundo que el rock es frenético y estridente, dejándonos en dicho proceso el mejor álbum debut de la historia con Appetite for Destruction, el cual- dicho sea de paso- ha vendido más que el disco de U2, esto es relevante si el creemos a las cifras como señal de calidad, lo cual no siempre es así, pero ¿pueden 35 millones de copias estar equivocadas?
The Joshua Tree es y será siempre uno de los discos más importantes de los 80, ¿pero el mejor? Aún tengo mis dudas. Es muy difícil escoger el mejor en una década con tanta calidad y en la que todo estilo musical parecía funcionar.
El 13 de julio de 1985 marcó y cambió la historia de la música. Pero más que cambiar la historia de la música, modificó el mundo y cómo lo percibimos. Básicamente todos los artistas más importantes del momento estuvieron sobre alguno de los dos escenarios dispuestos para Live Aid: el estadio de Wembley en Londres, y el JFK Stadium de Filadelfia. Artista que no estuviera incluido en la alineación del concierto, prácticamente no era nadie. El evento liderado por Bob Geldof, líder de los Boomtown Rats y activista, le mostró al mundo a los mejores exponentes de la música del momento, sí, pero lo que realmente hizo fue poner a África en el mapa y ubicar una lupa sobre sus problemas, los cuales -como el hambre- no eran muy conocidos, al menos no por las generaciones más jóvenes.
El concierto, que tuvo una audiencia aproximada de 1.9 billones de personas a nivel mundial, nos dio presentaciones majestuosas que al día de hoy no solo siguen dando de qué hablar, sino que también marcaron las carreras de sus artífices. ¿Me acompañan a recordar un puñado de las más memorables?
David Bowie- Heroes
No sé si haya un canción más apropiada para un evento en el que se buscaba que las personas fueran héroes e hicieran donaciones para solventar los problemas de África. Bowie dedicó la canción a su hijo, a los hijos de quienes estaban en el público, y a los niños en el continente africano necesitados de ayuda.
Led Zeppelin- Stairway to Heaven
Cuando se anunció que los integrantes vivos de la legendaria agrupación británica iban a reunirse tras varios años de la última vez que tocaron juntos, los fans de la música no pudieron evitar la emoción. Lastimosamente, la presentación de Jimmy Page, Robert Plant, y John Paul Jones, fue todo menos exitosa. El grupo no tocaba hace mucho y sus talentos estaban claramente oxidados. Además, Phil Collins prestó sus servicios como baterista y, a pesar de su inmenso talento, sonó terriblemente mal, ya que tuvo poco tiempo para ensayar. De hecho, su ensayo fue escuchar las canciones del grupo mientras volaba al lugar del concierto. El mismo Collins afirmó que "si hubiera podido irme del escenario, lo hubiera hecho".
Elton John y George Michael- Don't let the Sun go Down on Me
Hoy por hoy, ambos cantantes son absolutas leyendas de la música, pero en 1985 solo Elton John tenía ese rótulo. George Michael era un joven y talentoso cantante que pintaba como una futura gran estrella de la música. Se puede decir que este dúo fue el trampolín que lo lanzó a la grandeza. Esta versión del clásico de Elton John es tan aclamado hoy como hace 35 años, incluso más.
U2- Bad
El grupo irlandés ya era reconocido y respetado en el circuito de conciertos y en la industria, pero aún estaban a unos años de tomar su trono. La versión de 11 minutos que hicieron de esta canción durante su presentación fue posiblemente el inicio de la carrera súper exitosa que conocemos hoy. El manejo del escenario y del público de Bono es digno de todo un maestro en su arte. Sin duda, una actuación consagratoria...ante casi dos billones de personas.
Queen
Si hay una presentación perfecta en la historia de la música, tiene que ser esta. Nada, absolutamente nada le salió mal a Queen. El sonido, algo que a varios artistas no les funcionó en sus shows, fue impecable. El setlist, inmejorable. El público, totalmente compenetrado con lo que sucedía sobre el escenario. El grupo sacó a relucir toda su magia, destacándose un Freddie Mercury pletórico, en una presentación que todo cantante debería seguir como ejemplo.
En este video, Bob Geldof habla sobre el significado e importancia de Live Aid:
Una vez llega octubre muchos comienzan a pensar en sus disfraces de Halloween, pero no muchos piensan acerca de la música que ha sido inspirada por este mes, uno de los más cool del año...no porque cumpla años en este sino por su escabrosa mística "jalogüinera".
Estas son algunas de las canciones cuya inspiración es octubre.
AMY WINEHOUSE- OCTOBER SONG
Si bien la cantante británica nos tenía acostumbrados a ritmos bañados en jazz y blues, para esta canción escrita sobre su mascota muerta se aleja un poco de estos géneros y nos acerca a algo más "buena vibra" y relajado, y de paso nos recuerda porque estaba destinada a ser la voz del milenio.
YELLOWCARD -OCTOBER NIGHTS
En esta canción llena de melodías pop/punk el grupo estadounidense nos narra la historia de dos jóvenes que encontraron el amor en una noche caliente de octubre (lo cual es un poco raro considerando que octubre es todo menos caliente en Estados Unidos). "Viniste y te acostaste junto a mí, nuestras narices se rozaban, quisiera que fueran nuestras almas", más tierno no se puede.
JAMES TAYLOR- OCTOBER ROAD
Esta canción, incluida en el álbum 15 del cantautor, habla sobre una travesía de regreso a casa, dejando de lado todos los problemas y adversidades de la vida.
THE HELIO SEQUENCE- OCTOBER
Mucha gente suele deprimirse una vez llega el otoño y la caída de las hojas de los arboles le roban al verano su calor y alegría, pero en este himno de fe y esperanza la banda de Portland, Oregon nos recuerdo que las buenas cosas algún día volverán.
U2- OCTOBER
¿Cómo iba a dejar por fuera de este conteo a quizá la más hermosa canción que se ha escrito sobre el mes de octubre? Este tema, que además le da nombre al segundo disco de la banda irlandesa, brilla por su simpleza. Bono canta en forma poética sobre cómo lo árboles son despojados de sus vestimentas, mientras The Edge le ayuda a pintar cuadros otoñales con su piano.
Cada cierto tiempo aparece un grupo que me saca de mi roquera zona de comodidad. The Prodigy ha sido uno de esos grupos. Era el año 1997 cuando la banda británica lanzó su tercer álbum: The Fat of the Land. Por esa época estaba muy ocupado con lo que acontecía en el mundo del rock. Metallica, Marilyn Manson, U2, entre otros, tenían mis oídos llenos, pero de repente MTV empezó a rotar los videos de Firestarter y Breathe. Algo en estos me llamó la atención, a pesar de que no se tratará de rock o metal. Sí, era música electrónica, pero con una actitud muy rock. Keith Flint parecía un cantante de un grupo punk, lleno de piercings y pelo pintado, casi como si Johnny Rotten de los Sex Pistols hubiera rejuvenecido para ser el frontman de un grupo de electrónica.
Tras caer en lar redes del grupo terminé comprando un par de sus álbumes. Uno que no me gustó -Experience, su álbum debut- pues era electrónica al 1000 %, y The Fat of the Land, el cual, a propósito, empezó a pegar fuerte dentro de mi círculo de amigos. Supongo que todos entendimos la energía rock detrás de los beats. Además, fue un disco lanzado en el momento perfecto, pues había un apetito e interés grandes por sonidos electrónicos, si no pregúntele a Bono, quien con U2 sacó ese mismo año un disco (Pop) que era prácticamente uno de música electrónica.
La puesta en escena de Flint, al igual que su voz e imagen, era muy punk: peligrosa e impredecible. En 2015 en entrevista con The Guardian señaló: " Éramos peligrosos y excitantes. Ahora nadie quiere serlo". Su aura de peligrosidad era tan grande que la BBC sacó de rotación el video de Firestarter, pues más de un padre se quejó de este diciendo que los movimientos y gestos del cantante asustaban a sus niños.
Una de las misiones del rock y de sonidos extremos que navegan en las aguas de la contracultura es asustar a los padres. Lo hiciste bien, Keith.
Decir que Martin Luther King tuvo una enorme importancia en el mundo de la política y la vida en general sería tan obvio como decir que el agua moja y el solo sale todos los días (a menos que estemos en Islandia durante su casi interminable invierno). Lo que tal vez no resulta tan evidente es su influencia en la cultura pop, específicamente en la música. Por ende -con motivo del aniversario 50 de su muerte- he aquí 3 canciones que hablan sobre MLK.
U2- Pride (In the Name of Love)
Incluida en su álbum de 1984 The Unforgettable Fire el grupo irlandés creo un clásico con esta canción en la que Chrissie Hynde de The Pretenders apoyó a Bono en los coros. A pesar de girar en torno a un mismo acorde de guitarra con leves variaciones, U2 hizo uno de los tributos más conmovedores a Luther King hasta la fecha. No, MLK no fue asesinado en la mañana del 4 de abril como dice la canción, sino al caer la tarde, pero ni importa. Te perdonamos, Bono.
GUNS N´ROSES- Madagascar
Si bien el tema de la canción no es necesariamente la política o cambios sociales, sino más bien una especie de frustración amorosa, en la mitad de esta joya oculta del álbum Chinese Democracy, Axl Rose y la alineación de la banda de esa época se da licencia para utilizar varios fragmentos del famoso discurso de "I have a dream" de Martin Luther King.
QUEEN- One Vision
Al oír este clásico del álbum A Kind of Magic las referencias a Martin Luther King tal vez no sean muy claras, pero si se analiza la letra minuciosamente se encuentran claras alusiones al discurso de "I have a dream", como por ejemplo "I had a dream when I was young (tuve un sueño cuando era joven)" o "look what they´ve done to my dream (mira lo que han hecho con mi sueño)".
Since it´s election day in the United States and this joke of a man called Donald Trump has (sadly) real chances of being the next President, I thought I´d do something anti-Trump related (guess who I would vote for if I could?).
Here are 2 songs that could easily be dedicated to the man with the funny hair and orange skin:
1. GREEN DAY- AMERICAN IDIOT
On Sunday´s MTV´s European Music Awards, Green Day dedicated their 2004 song to Mr. Trump, changing a part of the lyrics to include Trumps name in it. Pretty clear who, according to the band´s opinion (and mine), is the american idiot.
2. U2- BULLET THE BLUE SKY
Bono has never has been a quiet guy when it comes to politics, but a about a month ago while playing Bullet the Blue Sky, he made it abundantly clear that him and the band were not supporting Donald Trump. I´ve never seen Bono so hateful toward a human being.
*Esta entrada, inspirada por el tema del plebiscito de paz en Colombia, no pretende tomar posiciones ni favoritismos, así como tampoco pretende apoyar a los del "sí" o a los del "no".
La paz, tema tan de moda en los últimos meses en Colombia. Tema que también ha inspirado muchas y muy buenas canciones en el mundo de la música. A continuación, algunas de esas canciones que le cantan a la paz. Peace, love, rock n´roll!!!
1. George Harrison- Give Me Love (Give Me Peace on Earth)
Incluida en su disco Living in the Material World (1973), fue escrita en un periodo en el que el exBeatle estaba dedicado a múltiples labores humanitarias y muy en contacto son su espiritualidad, específicamente con el hinduismo.
2. Depeche Mode- Peace
De su álbum Sounds of the Universe, Peace narra la historia de un hombre que busca conseguir la paz, dejando de lado su amargura y limpiando su mente.
3. Michael Jackson- Heal the World
Posiblemente uno de los himnos más grandes de la paz y -según el mismo Jackson- una de las canciones que más orgullo le generó componer, Heal the World se convirtió en una especie de manual acerca de cómo ayudar a otros.
4. Lenny Kravitz- We Want Peace
En 2003, cuando comenzaba la invasión de Estado Unidos a Irak, Kravitz -quien vio desde su apartamento en Nueva York como las torres del World Trade Center se desplomaban- decidió grabar esta canción en la que se pregunta por qué no hemos aprendido de nuestro pasado y "pateamos nuestro propio trasero".
5. U2- Peace on Earth
Ningún conteo sobre canciones de paz estaría completo sin una canción de U2. Compuesta para el álbum All That You Can´t Leave Behind, en ella Bono hace un hermoso homenaje con nombre propio a las víctimas de un ataque terrorista perpetuado por IRA en Irlanda del Norte en 1998, mientras afirma estar cansado del dolor y sufrimiento y de la eterna promesa de que la paz llegará a la Tierra.
Hace 15 años el mundo entero cambió. Diferentes áreas de la vida se vieron afectadas por los actos terroristas del 11 de septiembre. Viajar e ir a eventos masivos fueron apenas un par de actividades que nunca volvieron a ser iguales.Me tocó vivir este día en Boston (de donde salió uno de los aviones usados por los terroristas) y el ámbito de auténtico pánico era dantesco. El mundo del entretenimiento sufrió mucho. A la gente le daba miedo ir a conciertos. Lo artistas no querían arriesgar su integridad ni la de sus fans. La radio comenzó un exhaustivo proceso de censura a una larga lista de canciones cuyas letras pudieran asociarse de alguna forma a lo sucedido en Nueva York.
Highway to Hell de AC/DC, War Pigs de Black Sabbath, Speed Kills de Bush, Break Stuff de Limp Bizkit, Fly Away de Lenny Kravitz, fueron apenas algunas de las canciones que hacían parte de la extensa lista de canciones censuradas. Tal vez dos de los grupos que más sufrieron con el 11 de septiembre fueron Rage Against The Machine y Anthrax. Al primero, le fueron censuradas absolutamente todas sus canciones, mientras que a Anthrax se le exigía que -por aquello de la amenaza de los ataques con ántrax- cambiaran su nombre, a lo cual ellos se negaron vehementemente durante un concierto tributo a las víctimas en el cual vistieron overoles con las palabras "We´re not changing our name" (No cambiaremos nuestro nombre).
Varios conciertos benéficos se organizaron. Tal vez el más importante se llevó a cabo el 21 de septiembre en un lugar que, por razones de seguridad, nunca fue revelado. En este participaron artistas como Bruce Springsteen, Billy Joel, Sting, Fred Durst y Wes Borland (Limp Bizkit), U2 -quienes tocaron vía satélite desde Inglaterra- y Neil Young, entre otros. Precisamente, Young lanzó un par de meses después una canción llamada Let's Roll, inspirada en las últimas palabras de Todd Beamer, pasajero del vuelo 93 de United Airlines, quien -junto con otro grupo de pasajeros- intentó retomar control del avión.
El 11 de septiembre dejó una cicatriz indeleble en el mundo y la forma en que vivimos, pero también se convirtió en un símbolo de unidad, fortaleza y de salir adelante, así como una fuente -aunque oscura- de música hermosa. Como esta canción de U2, en la que Bono hace alusión a aquella tristemente inolvidable mañana con la frase "It's early fall, there's a cloud in the New York skyline. Innocence dragged across a yellow line". (Es principios de otoño. Hay una nube en el horizonte de Nueva York. La inocencia arrastrada a través de una línea amarilla).
Decir que mi disco favorito de U2 es The Joshua Tree o Achtung Baby sería muy facilista. Sin embargo, entiendo por qué dichos álbumes figuran al tope de la listas de los fans del cuarteto irlandés. Canciones como With or Without You, Where the Streets Have No Name, One, entre otras, hacen de estos dos lanzamientos parte esencial de su historia. Consciente de eso (y sin querer ser el chico rebelde) un buen día decidí dar una mirada -o una oída, mejor- más profunda al catálogo del grupo. El comienzo de mi estrecho vínculo con U2 se dio más con Zooropa que con cualquier otro álbum. Stay sigue siendo una de mis canciones favoritas de la banda, tal vez mi favorita. Mi fijación por Zooropa se dio de forma natural, pues era lo que estaba sonando del grupo por esas épocas, ya que era su producción más reciente. Lo más lógico habría sido dirigirme a discos más recientes. Achtung Baby, por ejemplo. Sí, escuché One y Misterious Ways hasta el cansancio, pero no me detuve ahí.
Mi entonces curiosidad adolescente me llevó a los ochenta. Comencé por orden cronológico: Boy, October y War. Todos me deslumbraron, pero no como lo hizo The Unforgettable Fire. Había una magia diferente en este. Un misticismo y sonoridad especial. Desde los acordes iniciales de A Sort of Homecoming, pasando el coro épico de Pride, la sensibilidad de Promenade y Bad, hasta la hipnótica MLK, este disco es diferente, único. La canción que da nombre al disco es de las más raras que Bono y los suyos han escrito. No tiene un orden tradicional ni una estructura concreta, y su letra es prácticamente indescifrable. ¿Habla de prostitución? ¿Drogas?. Este disco no puede compararse ni ubicarse en el mismo nivel de otros de la banda. Por ejemplo, Zooropa y Achtung Baby son uno producto de otro. Rattle and Hum es el hijo de The Joshua Tree. Boy, October y War son la Sagrada Trinidad new wave y post-punk. Todos los álbumes lanzados en el nuevo milenio tiene hilos conductores similares. The Unforgettable Fire no se parece a nada. Es como la oveja rebelde que escapó al rebaño.
Tal vez dichas diferencias radican en que fue el primer lanzamiento con la colaboración de Brian Eno, o en el hecho de haber sido grabado en un castillo aislado y embrujado en Irlanda, pero el producto final es único. Por alguna razón, no logró cautivar a los fans, ni a los de siempre ni a los ocasionales. Si uno sale a la calle a preguntar a extraños cuál es su disco favorito de U2, dificilmente alguien le va a decir: "The Unforgettable Fire". Es más, habrá personas que ni siquiera lo conocerán.
Han pasado cerca de 20 años desde que escuché por primera vez The Unforgettable Fire. Lo estoy oyendo en este momento, de hecho. Su química conmigo es indeleble. Ni el paso del tiempo ni las miles de canciones que he oído en mi vida lo han sacado de mi lista de álbumes más preciados. Me ha acompañado en múltiples momentos de mi vida. Aún recuerdo una mañana antes de ir al colegio. Tendría unos 14 años. Ya conocía el disco pero no lo tenía. Así que llamé a un amigo (quien -junto con su hermano -me iniciaron en mi amor por U2) y le pedí el favor de que grabará The Unforgettable Fire (la canción). La escuché en mi walkman todo el camino al colegio, es decir, por algo más de una hora. Sin parar. Sus tonadas oscuras y melancólicas suenan tan frescas hoy como en aquella mañana. Es, definitivamente, un fuego inolvidable que no ha dejado de arder en los espesos bosques de mi melomanía.
Cuando se piensa en rock, ciudades como Los Ángeles
y Seattle son las primeras que vienen a la mente. No es para menos. Ambas
fueron cuna de bandas y artistas como Jimi Hendrix, The Doors, Eagles, Guns N´
Roses, Jane´s Addiction, Nirvana, Alice In Chains, Mötley Crüe, Red Hot Chili
Peppers, Van Halen, Soundgarden, entre otras. Sin embargo, hay una ciudad a la
cual el género le debe mucho: Boston.
A raíz de los atentados que sufrió la ciudad la
semana pasada durante su tradicional maratón, tuve la idea de hacer un Top 16 de los mejores y más importantes grupos/músicos que han emergido de la capital
histórica de Estados Unidos y sus alrededores, muchos de los cuales tuve la
oportunidad de ver en vivo en los años que viví en Boston. Algunos legendarios
y reconocidos a nivel mundial. Otros héroes locales. Algunos veteranos. Otros
más recientes. Todos con un legado indeleble en la historia del rock.
*El orden de los
grupos no necesariamente refleja su nivel de relevancia o mi gusto por ellos.
16. Passion Pit
Formado en 2007 en Cambridge-Massachusetts, zona
en la que queda la prestigiosa Harvard University. Su mezcla de rock,
electrónica, synthpop y new wave ha puesto a bailar a más de uno alrededor del
mundo con canciones como The Reeling
y Take a Walk.
15. The Cars
¿Cómo hablar de new wave y synthpop sin
mencionar a The Cars? Tal vez su sonido pueda percibirse como anticuado en la
actualidad, pero entre 1980 y 1985 estuvieron al frente del movimiento sonoro
al cual representaban. Canciones como Drive
y You Might Think le garantizaron un
lugar al grupo de Rick Ocasek y Benjamin Orr en la banda Sonora official de los
80.
14. Killswitch Engage
Si lo suyo es el metalcore, seguramente esta
banda originaria de Westfield-Massachusetts está en su lista de favoritas. En
sus 13 años de carrera, han logrado tocar en importantes festivales a nivel
mundial como Reading, Leeds, Ozzfest y Rock Am Ring, además de ser nominados a
un Grammy en 2005.
13. Morphine
Una de esas bandas rechazadas por el mainstream
pero adorada en los sectores underground
como la radio universitaria y pública, además de ser ídolos de la comunidad indie. Entre 1989 y 1999, lanzaron 5
discos llenos de rock, blues y jazz, siendo Like
Swimming el más aclamado. El grupo se disolvió en 1999 cuando su cantante y
bajista, Mark Sandman, colapsara víctima de un infarto en un concierto en
Italia.
12. The Lemonheads
Otra de esos grupos amados en la escena indie estadounidense, con Evan Dando
como uno de los máximos ídolos de la comunidad underground de Boston. Si bien su primer disco fue lanzado en 1987,
su momento de gloria llegó en 1992 cuando editaron el album It´s a Shame About Ray, cuya reedición
incluyó una version de Mrs. Robinson,
originalmente interpretada por Simon & Garfunkel. Actualmente, el grupo continúa
tocando en vivo con una alineación cuyo único integrante original es Dando.
11. Dinosaur Jr
Siguiendo con héroes de la escena independiente,
tenemos a Dinosaur Jr. Trío de Amherst-Massachusetts cuya importancia y aporte
fue tal, que en 1991 se dieron el lujo de salir de gira con Nirvana como su
banda telonera, además de hacer parte del lineup de Lollapalooza 1992. Entre
1985 y 1988 lanzaron 3 discos de forma independiente. En 1991 lanzaron Green Mind, el primero de cuatro álbumes
con un sello discográfico importante. Después de supercar innumerables tensiones
internas y cambios en su formación, los integrantes originales del grupo se
reunieron en 2005 para grabar música nueva y salir de gira.
10. Extreme
Entre 1985 y 1996, la mezcla explosiva de funk y
metal de esta banda de Malden-Massachusetts los puso en el mapa musical a nivel
mundial, específicamente con su Segundo disco: Extreme II: Pornograffitti. Si bien su sello característico musical
se pasea por los sonidos del rock alternativo y el metal, su mayor éxito fue la
balada acústica More Than Words, la
cual los llevó a la cima de los listados en países como Estados Unidos, Canadá
y Alemania. La banda se separó en 1996, pero se reunió en 2004 para volver a
grabar y tocar en vivo. En medio de su separación, Gary Cherone tuvo un intento
fallido como cantante de Van Halen. Por su parte, el guitarrista Nuno
Bettencourt lanzó unos cuantos álbumes solistas y formó el grupo Mourning
Widows. Hoy en día, además de estar con Extreme, es el guitarrista en vivo de
Rihanna.
9. The Mighty Mighty
Bosstones
Formado en 1983, es tal vez uno de los grupos
más emblemáticos del estado de Massachusetts. Para muchos, los Bosstones fueron
los creadores del ska punk y el ska core. Su mayor éxito, The Impression That I Get, llegó hasta
1997 con el album Let´s Face It, el
cual es –según la prensa especializada- uno de los mejores discos en la
historia del ska punk.
8. Powerman 5000
En 1991, Michael David Cummings, mejor conocido
como Spider One –cantante de la banda- decidió abandonar la universidad para
armar su propio estudio musical en el lugar donde vivía. Comenzó a grabar y a
tocar en vivo en cuanto lugar de Boston pudiera. De esta forma, su éxito local
comenzó a crecer. En 1996, ya con dos discos lanzados, el grupo hizo su debut
en el popular festival Ozzfest, en el cual volverían a participar en 1997. Su
salto a la fama llegó en 1999, cuando sale al mercado el disco Tonight the
Stars Revolt!, el cual llegó al puesto 29 del Billboard 200. Actualmente, el
grupo se encuentra preparando el que será su décimo disco. Spider One es el
hermano menor de Rob Zombie.
7. Rob Zombie
Continuando con la familia Cummings, es hora de
hablar de Robert, mejor conocido como Rob Zombie, quien saltó a la fama a
mediados de los 80 como cantante y líder de la banda de metal White Zombie, con
la cual lanzó 4 discos, siendo Astro-Creep: 2000 – Songs of Love, Destruction
and Other Synthetic Delusions of the Electric Head el
más exitoso. Desde 1998, cuando White Zombie anunció su separación, Rob ha
lanzado varios discos como solista y ha incursionado en el mundo del cine,
dirigiendo varias películas de terror.
6. Staind
En
sus 17 años de carrera, esta banda de Springfield-Massachusetts ha lanzado 7
discos, con los cuales ha logrado la no despreciable suma de 15 millones de copias
vendidas a nivel mundial. Su ascenso a la fama fue relativamente rápido. Tras
apenas 4 años de haberse formado y con apenas un disco, Staind lanzó en 1999 su
primer trabajo con un gran sello discográfico, además de ser telonero de Limp
Bizkit y KoRn, con quienes lideraron el movimiento del nü metal a
finales de los 90. A lo largo de los años, el grupo ha sido comparado con
artistas del calibre de Tool y KoRn, y Aaron Lewis –cantante-ha sido ubicado al
nivel de Eddie Vedder (Pearl Jam).
5. Godsmack
Liderados por el cantante Sully Erna y con una
clara influencia de bandas como Alice In Chains, Black Sabbath y Metallica,
este grupo ha estado pisando fuerte en la escena del rock estadounidense desde
el lanzamiento de su exitoso autotitulado álbum debut. Entre sus grandes logros
se encuentran haber tocado en Ozzfest en más de una ocasión, ser teloneros de
Metallica, tocar en Woodstock 99, y poner 3 de sus discos en el puesto número 1
de Billboard. En este momento, Godsmack se encuentra tomándose un descanso,
pero –según su cantante- es posible que a finales de 2013 comience el trabajo
para su nuevo álbum.
4. Dropkick Murphys
Dificilmente exista algún grupo que le haya
cantado más a Boston y al estado de Massachusetts. Con canciones como I´m
Shipping Up to Boston, The State of Massachusetts y For Boston, el grupo de
Quincy-Massachusetts ha hecho claro su amor por la ciudad. Por si esto fuera
poco, han participado en varios eventos deportivos organizados por o para los
equipos deportivos de Boston, incluyendo los Red Sox y los Celtics. Asimismo,
varias de sus canciones han sido usadas en los diferentes escenarios deportivos
de la ciudad como canción de calentamiento por los integrantes de dichos
equipos. A raíz del atentado en la maratón de Boston, el grupo puso a la venta
una camiseta con el fin de recaudar dinero para las víctimas del trágico
evento. Hasta el momento, han conseguido cerca de 100 mil dólares.
3. The Pixies Este grupo de Boston fue uno de los principales responsables del sonido grunge que se popularizó a comienzos de los 90. Su influencia es tal, que Kurt Cobain admitió haber escrito Smells Like Teen Spirit tratando de "copiar a los Pixies". Otros artistas como David Bowie, Thom Yorke (Radiohead) y Bono (U2), quien dijo que el grupo es "uno de los mejores de la historia de Estados Unidos", han profesado abiertamente su gusto y respeto por el grupo.
2. Boston
Era 1969. Tres de los integrantes del grupo se
conocieron mientras asistían a MIT, Universidad que –para hacer la historia
corta- es el lugar al que, junto con Harvard, asisten las personas más
inteligentes con las que uno pueda cruzarse. Para que se dé una idea, personas
del calibre de Kofi Anan, antiguo secretario general de Naciones Unidas, han
pasado por sus aulas. Fue en MIT donde se fundó el grupo. Allí nacieron varias
de sus primeras composiciones. Con canciones como Foreplay/Long Time, Amanda,
y More Than a Feeling, entre muchas
otras, Boston se convirtió en una de las bandas esenciales de la historia del hard rock. Infortunadamente, Brad Delp
–cantante- se quitó la vida en 2007. Sin embargo, el grupo ha seguido tocando
en vivo con cantantes invitados.
1. Aerosmith
Con 150 millones de discos vendidos a nivel
mundial, Aerosmith es la banda más exitosa en la historia del rock
estadounidense. ¿Alguna duda de que “Los
Chicos Malos de Boston”, como se les conoce, son el principal producto de
exportación de la ciudad? Caminar por Commonwealth
es caminar por un sitio histórico para el rock, ya que allí nació el grupo. La
ciudad, así como sus bares y discotiendas, está llena de recuerdos de
Aerosmith. Si algún día va a Boston, no deje de pasar por la siguiente
dirección: 1325 Commonwealth, allí
queda el apartamento donde el grupo dio sus primeros pasos y compuso sus
primeras canciones. Tampoco deje de ir a la tienda de discos Newbury Comics, tal vez se encuentre con
alguno de integrantes de Aerosmith, como me sucedió a mí en aquella tarde de 2003
cuando me crucé con Joe Perry.
PS:a countdown put together for Boston, my second home, and for the memory of those who lost their lives or got injured during the Boston Marathon bombings.
