Mis Álbumes Favoritos de 2022

Cada año que pasa se hace más y más difícil hacer esta lista, pues la oferta de sonidos crece y las propuestas se hacen cada vez más variadas y versátiles. Prueba de ello es esta lista de mis discos favoritos de 2022, en la cual predomina el rock duro y sonidos pesados, pero hay espacio para otras cosas más suaves y rítmicas. Esa es la música, un lienzo de miles de colores para todos los gustos. Con ustedes (sin ningún orden especial) mi tradicional lista anual de los mejores discos, al menos para mí, del año que está llegando a su fin.

ALTER BRIGDE- PAWNS & KINGS

Si hay una banda sólida y duradera en el mundo del rock, esa es Alter Bridge. A pesar de los múltiples proyectos paralelos de sus integrantes, siempre se puede contar con que eventualmente regresarán para patearnos el trasero una vez más. Eso es precisamente lo que hacen con su séptimo lanzamiento, Pawns & Kings, 10 canciones que van directo al grano por medio de los contundentes riffs de Mark Tremonti y la versátil voz de Myles Kennedy, probablemente el mejor cantante del rock de la actualidad. Si bien el álbum no propone nada que la banda no haya hecho antes, siempre es una gran alegría saber que con cada disco nos van a regalar una electrizante y estridente descarga musical. 

INTERPOL- THE OTHER SIDE OF MAKE-BELIEVE

Para un álbum que fue concebido parcialmente a distancia debido a la pandemia de COVID-19, Interpol suena como una máquina perfectamente aceitada y engranada. Tal vez no sea el disco con las canciones más "pegajosas" de la banda neoyorquina ni tenga los coros más memorables, pero ofrece algo que ha hecho que los liderados por Paul Banks se hayan convertido en un culto del rock independiente: melodías y letras que le cantan a un alma existencialista y trascendental. En su séptimo álbum, Interpol nos regala la posibilidad de creer en que aún hay magia en la música moderna.

OZZY OSBOURNE- PATIENT NUMBER 9

Hace unos años la carrera del Príncipe de las Tinieblas tenía más cara de estar llegando a su fin que de seguir el camino de prosperidad gracias al cual se convirtió en uno de los más grandes íconos de la historia de la música. Sin embargo, y afortunadamente para todos, Ozzy para ser un mutante de mil vidas, y con Patient Number 9, el segundo álbum de su nueva etapa nos regala una colección de canciones en las que suena absolutamente vital y sin intención alguna de parar. Además de sonar a lo Ozzy, hay fuertes influencias de blues, y -por si fuera poco- tiene a su lado a ilustres invitados como Zakk Wylde, Mike McCready (Pearl Jam), Jeff Beck, Eric Clapton, Josh Homme (Queens of the Stone Age), Robert Trujillo (Metallica), Duff Mckagan (Guns N' Roses), Chad Smith (Red Hot Chili Peppers), Taylor Hawkins (Foo Fighters) y su máximo compinche musical: Toni Iommi. Imposible hacer música mala así. 

EDDIE VEDDER- EARTHLING

No soy muy fan de los discos solistas de cantantes de grandes bandas, pero con Earthling -su tercer álbum en solitario- el cantante de Pearl Jam me volvió a callar la boca. Tras hacer dos álbumes que se desviaron muchísimo de su trabajo con su grupo, se podría caer en la trampa que Vedder lanzaría algo exótico e impredecible, pero en su lugar puso en el mercado una producción que suena bastante a lo que haría con Pearl Jam, lo cual representa una clara señal de que aún puede ser estridente, colgarse su guitarra y darnos una buena despelucada roquera.  

RED HOT CHILI PEPPERS- UNLIMITED LOVE

Para su álbum número 12, los Chili Peppers fueron bendecidos con el regreso de dos piezas claves de su éxito: el productor Rick Rubin y el guitarrista John Frusciante, quien vuelve a las filas del grupo estadounidense después de 10 años y dos discos de ausencia. La presencia de ambos se siente fuerte a lo largo de la producción, con el fuego que caracterizó al cuarteto a lo largo de los 90 y la primera década del presente siglo. La madurez y tonos rock funk de Californication y By the Way vibran en Unlimited Love. 

MEGADETH- THE SICK, THE DYING...AND THE DEAD

Al igual que Ozzy, Dave Mustaine es otro personaje del metal que desafío la adversidad y la venció. Ni la pandemia, ni el cáncer, ni los líos internos de la banda pudieron detener el álbum 16 de Megadeth. Por el contrario, las dificultades parecen haber sido la fuente de inspiración que suena como el Megadeth que siempre hemos amado: letal y sombrío. 

SLASH- 4

El cuarto álbum de Slash junto a Myles Kennedy (quien repite en este conteo) & The Conspirators es el primero en ser lanzado a través del nuevo sello discográfico Gibson Records, y es difícil pensar en un mejor artista que Slash para darle la patadita de la buena suerte al sello de las guitarras que él ha representado tan bien por más de tres décadas. Es posible que no sea un disco que rompa esquemas, pero es uno guitarrero a morir en un mundo en el que, tristemente, las guitarras parecen andar de vacaciones. Músico que se junta con Myles Kennedy no puede fracasar.

JACK WHITE- ENTERING HEAVEN ALIVE

El exlíder de los White Stripes ha tenido un año bastante productivo, lanzando dos álbumes en un periodo de apenas 3 meses: Fear of the Dawn y Entering Heaven Alive. Ambos muestran facetas muy distintas de su talento, el primero es su lado más estridente y guitarrero, mientras que el segundo es más calmado y orientado al folk. Es más fácil conectar una guitarra y sorprender, que desconectarla y asombrar, y esto último es precisamente lo que hace White con este álbum: sorprender con su versatilidad y la sensibilidad lírica y musical de sus composiciones. 

SLIPKNOT- THE END, SO FAR

Cuando se reveló el nombre del séptimo álbum de la banda estadounidense, muchos temieron que era el final del grupo, pero no era nada más que el anuncio del fin de su relación con su sello discográfico. El último disco con Roadrunner Records es uno que sorprende con un al menos un par de canciones que se salen del molde de Slipknot, pues están cargadas de sintetizadores, en lo que es quizás un guiño al futuro. Sin embargo, los seguidores fieles del grupo de Iowa no estarán decepcionados, ya que la producción tiene todo lo que nos gusta de Slipknot: brutalidad y potencia. 

GHOST-IMPERA

Hay quienes dicen que el el rock de guitarras está muerto. Claramente, no han escuchado Ghost. Con su quinto álbum, la banda sueca presenta una colección de canciones que dejan muy claro que las guitarras están más vivas que nunca. La mezcla de sonidos es exquisita. Un poco de heavy metal, mucho de glam, bastante teatralidad y pomposidad, y con influencia de artistas como Boston, Alice Cooper, Bon Jovi y -aquí me pueden tildar de loco, pero los invito a analizar las melodías vocales- ABBA, Ghost llegó para espantar la música ultraprocesada y ficticia que domina el mainstream hoy.

 

Artistas que se han caído en el escenario

 

Cuando un artista está sobre el escenario cantando o tocando un instrumento, una de las últimas cosas que pasan por su cabeza es caerse, pero los accidentes suceden y varios músicos se han pegado sus buenos tramacazos mientras entretienen a su público. Algunos no han sufrido más que un susto y un ego aporreado, mientras que otros han terminado en el hospital, no sin antes dejarnos la tan valiosa enseñanza de levantarnos siempre que nos caemos. 

Dave Grohl se cae del escenario en Suecia

El carismático líder de los Foo Fighters se encontraba en el escenario haciendo de las suyas durante un concierto en 2015 en Suecia, cuando se cayó del escenario. Tal vez por la calentura del momento no sintió mayor dolor y se dio mañas de terminar la presentación, tras la cual fue llevado al hospital, donde -tras exámenes- se determinó que había roto su pierna. Dicho accidente llevó a que el grupo cancelara varias fechas. A su regreso a los escenarios, y aún recuperándose, tuvo que sentarse en un trono diseñado especialmente para él. Este trono has sido utilizado posteriormente por otros músicos como Axl Rose.

Axl Rose saluda al piso en Colombia

Si hay alguien propenso a sufrir caídas sobre el escenario, ese es el líder de los Guns N' Roses. Su forma de correr de un lado al otro durante los conciertos lo ponen siempre en alto riesgo de una caída como la que sufrió en Bogotá en 2010, durante la presentación de la encarnación de los Guns previa al regreso de Slash y Duff Mckagan. Rose se encontraba corriendo hacia un costado del escenario cuando un resbalón lo llevó al piso. El cantante, quien de haberse caído así 20 años atrás seguramente se habría ido del escenario y habría dado por concluido el concierto, se lo tomó muy bien, incluso de río de sí mismo y siguió cantando.

James Hetfield cae en un hueco.

Otro que lastimosamente no es ajeno a los accidentes en el escenario es el cantante y guitarrista de Metallica. Después de quemarse gravemente por pirotecnia a comienzos de los 90, el siempre amable Hetfield se pegó otro susto en el escenario en 2017 en un concierto que Metallica ofrecía en Amsterdam. Mientras recorría el escenario tocando su instrumento, dio un mal paso y fue a dar a un hueco que inexplicablemente había en el piso. Después de permanecer visiblemente enojado por un breve instante, el show continuó. 

Eddie Vedder da un salto mal calculado

En un concierto de Pearl Jam en 2006 en Italia, su cantante, en medio del voltaje de la presentación, quizo saltar unos amplificadores pero se quedó corto en el salto y termino de cara contra el piso. La escena quedó inmortalizada en el DVD Immagine in Cornice. 

Steven Tyler se "desaparece" del escenario

El cantante de Aerosmith es conocido por su inconfundible voz e inmenso despliegue físico en sus conciertos. En una presentación del grupo de Boston en 2009 en Estados Unidos, Tyler estaba haciendo uno de sus típicos bailes sobre el escenario, cuando sorpresivamente desapareció del mismo y al piso fue a dar. El show no pudo seguir, pues el cantante tuvo que ser trasladado al hospital, donde tuvo que ser hospitalizado por heridas en su cabeza y cuello. 

I'll be watching you: Acosadores de músicos

 

La fama suele traer muchas cosas: dinero, mucho dinero, lujos, viajes, entre otras. Sin embargo, en ocasiones, para algunos trae cosas no tan agradables como acosadores. Esas personas que llevan su fanatismo a un nivel enfermizo, que persiguen a sus ídolos y hasta se les meten en las casas. A continuación, algunos de los casos más aberrantes de músicos que han sido víctimas de "fanáticos" locos. 

Eddie Vedder

En el disco No Code de 1996, Pearl Jam incluyó una canción llamada Lukin, la cual escribió Vedder inspirado en una fan que lo acosó en los 90. La mujer, aseguraba que su hijo tenía como padre a Vedder, y que este la violó. En otra ocasión, una persona quiso entrar a la casa del músico tumbando las rejas de su casa con su carro, a lo cual Vedder reaccionó con gran rabia, señalando que pudo haber muerto. 

Bjork

La cantante de Islandia tuvo un acosador que pudo haber acabado con su vida cuando le envió una carta con una bomba, justo antes de grabar su suicidio. Afortunadamente, la policía interceptó la encomienda antes de que llegara a manos de Bjork. Ricardo Lopez, nombre del acosador, se obsesionó con la cantante a mediados de los 90, cuando comenzó a verla como una hija debido a su cara de niña y voz dulce. Grabó varios videos en los que describía detalladamente todo lo que quería hacerle a Bjork.

Lady Gaga

Si alguien estaba casi obligada a tener un stalker esa es la excéntrica interprete de Poker Face. En 2010 la estudiante rusa Anastasia Obukhova escribió una carta a la cantante diciéndole que ella la visitaba en sus sueños y que quería "morir junto a ella", aclarando que no solo Gaga iba a morir, pues ella se iba a "poner una bala en el cerebro también", no sin antes señalar que ella no era como Mark David Chapman, asesino de John Lennon. ¿Qué hizo Lady Gaga? Ponerle una orden de restricción cuando la acosadora trató de ingresar a su camerino en uno de sus conciertos.

Glenn Danzig

En 2005 el exintegrante de los Misfits y su guardaespaldas encontraron afuera de la casa del músico a un fan con una maleta llena de revistas con material pornográfico, lo cual no les pareció nada del otro mundo. Eso cambió cuando revisaron bien las revistas y notaron que el hombre había puesto fotos de su rostro y del de Danzig sobre las caras de los cuerpos desnudos de las publicaciones.

John Lennon y George Harrison 

¿Cómo ser integrante del grupo más importante de la historia y no tener un acosador? Carajo, hasta yo tenía un proyecto de acosadora cuando trabajaba en la radio, pero eso es otra historia. Antes de su muerte en 1980 a manos de Mark David Chapman, Lennon sufrió el acoso de varios individuos en las décadas anteriores. Después de confrontar a uno de ellos, y en un gesto de grandeza enorme, le dio de comer. Por su parte, Harrison tuvo un par de acosadores en los últimos años de su vida. La primera entró a su casa en Maui, donde tuvo tiempo hasta de hacerse una pizza. Unas semanas más tarde, un hombre entró a su casa en Reino Unido y atacó al Beatle y a su esposa. Ambos lograron detenerlo, pero resultaron levemente heridos.

Chris Cornell

En 2014 el FBI arrestó a una mujer llamada Jessica Robbins por acosar por Internet al cantante de Soundgarden. Cornell y su esposa creían que Robbins había entrado a su casa en Miami en 2013, razón por la cual se vieron obligados a reforzar su seguridad, llegando incluso a sacar a sus hijos del colegio, pues temían que la mujer les hiciera daño. Desafortunadamente, la acosadora salió en libertad bajo fianza, logró quitarse el brazalete que las autoridades le habían puesto para rastrearla, y siguió en su misión de molestar a Cornell y a su familia. En 2015, mientras Cornell promocionaba su álbum The Higher Truth, Robbins fue arrestada cuando trataba de ingresar al concierto del artista en Louisville, Kentucky. La acosadora fue reconocida pues Cornell había ordenado que en la entrada de cada recital estuviera una foto de ella.

Axl Rose y Justin Timberlake

Además de ser grandes estrellas de la música, el líder de Guns N' Roses y el antiguo integrante de NSYNC tienen en común Karen McNeill, mujer que persiguió a ambos. En 2009, Timberlake obtuvo una orden de restricción por tres años. Según el cantante, la mujer llegó hasta su lugar de residencia con todas sus pertenencias para vivir con él y gobernar el mundo. Varios años antes, la víctima de McNeill era Axl Rose, quien -al menos según ella creía- estaba casada con él y se comunicaban telepáticamente. En 1997 la corte ordenó a la mujer estar a por lo menos 300 metros del cantante, pero más tarde fue sentenciada a un año en prisión tras intentar entrar en la casa de Rose. En el año 2000, McNeill retomó sus actividades de acosadora y envió cientos de cartas a Axl y -según reportes- entró a su casa, donde la policía la encontró acostada en su cama, motivo por el cual fue arrestada de nuevo. 

Noel Gallagher

Cuando Oasis daba sus primeros pasos, Noel Gallagher hizo una lista de lujos innecesarios que le gustaría tener, entre los cuales se encontraban un mico y un acosador. Infortunadamente para él, este último se convirtió en realidad. En entrevista de 2015 para Talksport, el guitarrista confirmó que tiene su propia acosadora, una mujer alemana que, según sus palabras, "no es muy atractiva". El mayor de los hermanos Gallagher señaló, además, que la mujer ingresa a los hoteles en los que se hospeda y le dice por debajo de las puertas cosas como "sé que estás ahí". 

Peal Jam y el misterio de Yellow Ledbetter

 

Cuando Pearl Jam ponía toques finales a Ten, su álbum debut, por alguna razón decidieron dejar por fuera a Yellow Ledbetter. Sin embargo, el grupo lanzó la canción en 1992 como lado B del sencillo de Jeremy. Hasta el día de hoy, al menos hasta donde sé, no es claro cómo el track se abrió paso en la radio. Hay quienes dicen que sucedió como cuando un villano nace en las películas de superhéroes: por accidente. Dice el mito que un DJ iba a poner Jeremy, pero se equivocó y puso Yellow Ledbetter, la cual recibió una gran acogida por parte de los oyentes. 

Independientemente de cómo haya llegado al canción a oídos públicos, esta se ha convertido en una de las más aclamadas del grupo, llegando incluso a ser la escogida por la banda para cerrar sus conciertos. Pero, ¿dónde yace su éxito? En  parte en su misteriosa y hasta hoy incomprensible letra, la cual Vedder tararea más que cantar, haciendo que muchas de sus palabras sean ininteligibles o carezcan de sentido.  

Hay diversas teorías sobre el significado de la canción -cuyo título es inspirado en Tim Ledbetter (amigo de Vedder)-, pero tal vez la más popular es aquella que dice que la canción habla acerca de una persona que recibe una carta informando de la muerte de su hermano en la guerra. La teoría en cuestión adquiere peso cuando se analizan las letras que el cantante interpreta en vivo, las cuales son algo más claras que en la grabación original. En un concierto de 2003 en el Madison Square Garden de Nueva York, la letra hace referencia a alguien quien no sabe si su hermano volverá a casa "en una caja o en una bolsa". En el bootleg oficial del show del 3 de mayo de 2003 en Pensilvania, la historia es similar: "Mi hermano fue enviado a pelear por la bandera. Espero no vuelva a casa en una caja o en una bolsa". El 11 de julio de 2003, asistí a una presentación de Pearl Jam en cercanías a Boston y en aquella ocasión Vedder cantó "Pienso en él cuando voy a dormir, y ahora vendrá a casa en una caja o en una bolsa". Es muy difícil tener total claridad sobre el tema detrás de las letras, pues estas son constantemente modificadas en los conciertos, pero la teoría de un soldado muerto en guerra parece tener mucha validez.

En 2003, Pearl Jam lanzó el compilado Lost Dogs, en cuyo libro de letras y comentarios el guitarrista Mike McCready afirmó lo siguiente sobre la letra y el riff -muy al estilo Jimi Hendrix, a propósito- de Yellow Ledbetter:

"El riff lo basé en algo que escribí durante las sesiones de grabación de Ten. Eddie comenzó a improvisar las letras y decidimos dejarlas así. Aún no sé de qué se tratan ni quiero saberlo".

En 2008, en una presentación solista, Eddie Vedder recibió la pregunta del millón por parte de un curioso fanático que indagaba por el significado de la letra. El cantante confirmó que esta es sobre un amigo de Seattle quien recibió una carta amarilla informándole que su hermano había fallecido en la guerra. Tras recibir la carta con la trágica noticia, él y su amigo fueron a caminar. En el trayecto se cruzaron con una bandera estadounidense en un pórtico de una casa. Su amigo se detuvo para saludarla, pero los inquilinos de la casa lo miraron con desaprobación. La canción habla claramente de una bandera y de personas que están en un pórtico, pero no saludan.

Yellow Ledbetter alcanzó posiciones muy dignas en los listados de Billboard, y su emocional solo -el cual es precedido por la melancólica voz de Vedder diciendo "make me cry (hazme llorar)"- se ubicó en el puesto 95 de los 100 mejores solos de guitarra de la historia de la revista especializada Guitar World. 

Misterio resuelto.

Canciones rock para el Día del Padre

Hace 5 años grabé un episodio para mi podcast con motivo del Día del Padre. En él conté brevemente la historia de 4 canciones que, si bien no son las más "rosa" y necesariamente felices, en su propia manera representan e ilustran la importancia del padre en la vida de cualquier persona. Eric Clapton, Alice in Chains, Pearl Jam, y Jane's Addiction hacen parte de este especial para celebrar a todos los padres en su día. ¡Levanto mi cerveza por todos ustedes, padres! Salud. 

Mis Discos Favoritos de 2013

Damas y caballeros, niños y niñas, conocidos y extraños, melómanos, curiosos, fans, groupies, aliens, etc, etc, etc…. He aquí mi tradicional lista navideña de los discos que más me gustaron en 2013. No dejen de oír discos, el mercado actual se enfoca casi exclusivamente en los sencillos, los cuales nunca dan un panorama preciso o satisfactorio de lo que es realmente un artista. 

ARCADE FIRE- REFLEKTOR

En la actual escena musical -una en la que nadie compra/oye discos y las bandas han dejado de hacerlos- hay que ser bastante atrevido para lanzar un álbum doble de más de una hora de duración. Más atrevido si se tiene en cuenta que este, el cuarto LP del grupo canadiense, es el sucesor  de The Suburbs, disco con el cual ganaron el Grammy por mejor disco de 2011. Mientras otro grupo hubiera preferido lanzar algo más conservador, Arcade Fire decidió hacer lo completamente opuesto: escribir y lanzar una pieza lo más épica posible. Los dos discos que componen Reflektor –uno muy fiestero, el otro más suave y melancólico- se convertirán, al igual que The Suburbs, en algunos de los discos esenciales del siglo XXI. ¡Ah! Por si acaso, David Bowie –influencia enorme en el sonido de la banda- canta en el sencillo que da nombre al disco.

DAVID BOWIE- THE NEXT DAY

Nadie sabía que el Duque Blanco llevaba un par de años componiendo y grabando un nuevo disco. De hecho, todos lo daban por retirado. Tuvo que hacer miles de triquiñuelas para evitar que el secreto fuera revelado. Acuerdos de confidencialidad, cambio de estudios y trabajar con un staff de no más de dos personas, fueron algunas de las medidas tomadas para evitar que se dañara la sorpresa. El esfuerzo valió la pena. The Next Day – su primer album de estudio desde 2003- es un disco supremamete sólido de principio a fin, lleno de la magia rocanrolera y glam que siempre han caracterizado al cantante. Sus canciones dan ganas de bailar, reír, llorar y cantar a todo pulmón. Una obra maestra digna de uno de los músicos más creativos e innovadores que el mundo haya oído.

DEPECHE MODE- DELTA MACHINE

Apenas un puñado de artistas logran lanzar disco tras disco con una calidad que sea irrefutable. El trío inglés conformado por Martin Gore, Dave Gahan y Andy Fletcher hace parte de tan selecto grupo. Delta Machine tiene todo lo que es y siempre ha hecho de Depeche Mode una de las bandas más aclamadas alrededor del mundo: alegres y adictivas melodías electro-pop combinadas con un exquisito toque gótico, sin olvidar la sensibilidad y profundidad de la voz de David Gahan.  

THE STROKES- COMEDOWN MACHINE

En los últimos años, el grupo liderado por Julian Casablancas ha parecido estar más cerca de la separación que de seguir unido. A pesar de ello y de grabar música nueva casi a regañadientes, el grupo ha encontrado la forma de permanecer junto y encontrar belleza en el caos, concepto que quizás mejor describa su quinto disco. Por momentos, las 11 canciones del álbum parecen no tener conexión alguna. Sin embargo, Casablancas y compañía se dieron mañas de hacer un disco coherente dentro de lo desconexo y bizarro que  es. Prueba de esto es One Way Trigger, canción que coquetea con sonidos ochenteros reminiscentes a A-Ha mientras Casablancas canta desafinado como si no le interesara en absoluto lo que está haciendo. Inexplicáblemente, el álbum funciona a la perfección.

QUEENS OF THE STONE AGE- …LIKE CLOCKWORK

Probablemente el mejor álbum de Queens of the Stone Age desde el aclamado Songs for the Deaf, …Like Clockwork encuentra a Josh Homme y los suyos paseando por territorio familiar, no por ello cuadriculado ni predecible. Quienes conocen el trabajo previo de la banda, van a sentirse absolutamente satisfechos con este disco, ya que cuenta con todos los elementos característicos del grupo estadounidense: melodías misteriosas, guitarras estridentes, tonadas oscuras bañadas por una enigmática sensibilidad pop, y la siempre seductora voz de Homme. Por si fuera poco, el disco cuenta con una serie de invitados especiales de lujo, comenzando por Dave Grohl en la batería, Elton John, Alex Turner, cantante y guitarrista de Arctic Monkeys, Trent Reznor –cerebro de Nine Inch Nails-, y Mark Lanegan y Nick Oliveri, antiguos integrantes de la banda.

BLACK SABBATH- 13

Referirse a un grupo clásico con frases como “todavía conservan la magia de antaño” o “suenan tan vitales como siempre”, probablemente sea caer en un cliché y adentrarse en territorio de una crítica aburrida y carente de creatividad. Sin embargo, al oír el primer álbum de Black Sabbath con Ozzy Osbourne desde 1978, clichés como los ya citados caen a la perfección y sería un pecado no señalar el hecho de que el cuarteto suena increíblemente vital. El bajo de Geezer Butler desborda enorme precisión, Ozzy tiene su talento vocal prácticamente intacto, y Tommy Iommi da una imperdible lección sobre como construir riffs arrolladores, sin dejar de lado el aporte de Brad Wilk (Audioslave, Rage Against the Machine) en la batería, quien tomó el lugar de Bill Ward en las sesiones de grabación. Pensar que alguna vez casi me crucifican en las redes sociales por sugerir un baterista más joven para el grupo.

NEWSTED- HEAVY METAL MUSIC

En enero de 2001, Jason Newsted anunció su salida de Metallica, desde entonces, el bajista ha participado en diferentes proyectos musicales. Voivod, Echobrain, Rock Star Supernova y en la banda de Ozzy Osbourne, por nombrar algunos. Sin embargo, apenas ahora -a casi 14 años de su renuncia a Metallica- es que parece haber encontrado su lugar y su mejor versión. Junto a músicos como Mike Mushok, guitarrista de Staind, formó Newsted y lanzó su disco debut, apropiadamente llamado Heavy Metal Music, una oda absoluta al género. Destapen una cerveza, pongan el disco y alístense para una buena dosis de headbanging.

ALICE IN CHAINS- THE DEVIL PUT DINOSAURS HERE

Después de varios cambios en la fecha de lanzamiento del disco, el grupo de Seattle puso en el mercado su quinto álbum de estudio, segundo después de la muerte de Layne Staley, cantante original.  Con 120 mil copias vendidas en Estados Unidos, el disco ha sido todo un éxito comercial, y es que sus 12 canciones son una muestra clara y contundente de los elementos que hicieron famoso al cuarteto a comienzos de los 90: letras oscuras, melodías evocadoras y la maestría de Jerry Cantrell, quizá uno de los guitarristas más subvalorados de la historia.  

KINGS OF LEON- MECHANICAL BULL

Si bien el nuevo álbum de los hermanos Followill conserva algunos de los elementos nostálgicos de su predecesor (Come Around Sundown), también registra al grupo regresando a un sonido más cercano a sus primeros lanzamientos. Todavía hay espacio para baladas melancólicas, pero el disco encuentra su centro en canciones pegajosas llenas de guitarras sucias y melodías alegres y veraniegas, como Supersoaker, su primer sencillo. Muchos creyeron que Kings of Leon no sobreviviría al enorme éxito de Only by the Night. Mechanical Bull prueba lo contrario.  

PEARL JAM- LIGHTNING BOLT

Por alguna razón, me cuesta mucho trabajo entender los discos de Pearl Jam. Si bien no son complejos ni “retadores” a los oídos, tampoco tienen canciones comerciales con coros ni melodías contagiosas, formula que Eddie Vedder y compañía abandonaron a mediados de los 90.  Sin embargo, después de varias sesiones de escucha, la magia del disco sale a relucir. Lighting Bolt es, a mi juicio, el disco más maduro en la historia del grupo. Producción impecable, la majestuosa voz de Vedder, letras introspectivas y adaptables a la rutina de cualquier ser humano, canciones llenas de la actitud punk grunge que caracterizó a la banda en sus primeros años, así como baladas y uno que otro punto experimental.