Los Fabulosos Cadillaca en Bogotá: ¡qué pedazo de banda y de conciertos en Bogotá!

 

Sobre el papel, los Fabulosos Cadillacs es una banda que no debería gustarme. Siendo lo mío el rock duro y heavy metal, los estilos más folclóricos y rítmicos no son lo mío, pero los Cadillacs hacen que me guste algo más cercano a lo que en Colombia llamamos "chucuchucu". Su mezcla de varios géneros es una poesía. Un poco de salsa, algo de reggae, otro tanto de ska, y una buena dosis de rock en español son una mezcla que desde mis años de colegio logró ganarse un lugar en mis oídos. 

Llevaba años, por no decir décadas, esperando por la oportunidad de ver a Vicentico y su combo en vivo. El momento perfecto nunca parecía llegar. O no estaba en el país, o venían a tocar en festivales, algo que nunca me ha apetecido, pues en estos los grupos suelen tocar menos tiempo. Yo los quería ver haciendo lo suyo por dos horas, no por hora y media y con una lista de canciones reducida. Por eso, cuando hace unos meses se anunció su visita Bogotá, supe que era una oportunidad dorada de lograr el objetivo por fin. Y vaya que se logró el objetivo, pues los tipos se fajaron un concierto sencillamente brutal. 

Por dos horas nos dieron un baile, literalmente, por sus casi 40 años de vida. Asegurándose de que todo el presente en el Movistar Arena se pegara una buena "azotada" de baldosa, brincada, y hasta un lindo pogo en V centenario, al cual tuve que meterme, pues tenía que hacer algo con tanta energía y emoción. Los éxitos no solo no faltaron sino que estuvieron presentes uno tras otro. Manuel Santillan, el león, Demasiada presión, Calaveras y diablitos, Gitana, Siguiendo la luna, Mal bicho, Matador, Vasos vacíos hicieron que las dos noches con los Cadillacs en Bogotá fueran un viaje épico por la nostalgia de los días de gloria del rock en español. 

Dudo que el más "pelado" de la banda tenga menos de 55 años. Bueno, al menos de los integrantes de la vieja guardia, pues Astor Cianciarulo y Florian Fernández Capello -hijos de Flavio y Vicentico respectivamente- no deben llegar ni a los 30. Sin embargo, la energía de cada uno de los músicos que se pararon en el escenario es una total locura. No había más que responderles con voltaje. No había forma de no saltar, gritar, cantar, bailar, poguear. Solo la persona más aburrida del planeta no se pegaría su buena enloquecida con tanto derroche de energía saliendo del escenario. 

Vicentico, un capo total. Los Fabulosos Cadillacs una banda que ,sin temor a equivocarme, está junto a Soda Stereo en la cima de las leyendas más leyendas del rock en español. 

¿Kiss virtual? Paso, gracias (columna)

 

Hace un par de días, Kiss le bajó el telón a su carrera tras presentarse por última vez en su historia en la ciudad de Nueva York. Al final del concierto, el grupo anunció que una nueva era comenzaba y que el grupo continuaría de forma virtual. A través de la pantalla ubicada en el escenario se mostró a los asistentes lo que viene: la banda de Paul Stanley y Gene Simmons en formato virtual. Pero, ¿es esto un intento de la banda de seguir generando ingresos sin hacer nada? o ¿es algo que valga la pena?

Si hay una banda a la cual le viene ven tener una versión virtual es a Kiss. Su puesta en escena y personajes son más que adecuados para esto. Podríamos considerar esto como una nuevo producto del extenso catalogo de la banda. ¡Carajo! Tienen hasta ataúdes y condones, ambos productos útiles, sobre todo los últimos, pero conciertos virtuales para ser querer ordeñar una vaca más allá de lo posible y necesario. Seguramente habrá un grupo de seguidores del cuarteto al que le entusiasme la idea, pero si nos ponemos la mano en el corazón y por más que queramos tener a Kiss aún entre nosotros, esto suena a medio estafa. Personalmente, mi interés en ver un show de una banda virtual y no de músicos en vivo y de carne y hueso me parece una estafa y me genera cero emoción. Es más, me dan ganas de bostezar. Estoy seguro de que los "muñequitos" van a ser de lo mejor y van a montar presentaciones decentes, pero la deshumanización en la música es algo que me tiene un poco angustiado. Mucha inteligencia artificial y cada vez menos humanos. Triste.

Estoy dispuesto a darle el beneficio de la duda a esta nueva encarnación de Kiss, pero no creo que vaya a funcionar. Y cuando no lo haga, Gene Simmons y Paul Stanley desempolvarán sus vestimentas para hacer una nueva gira de despedida...o de reencuentro, y tal vez en esa ocasión si involucren a Ace Frehley y Peter Criss. 

Analizando Cruzando Puertas, de Draco Rosa

 

En 1994, tras terminar su paso por el grupo Maggie's Dream y tras lanzar un par de álbumes en portugués en los 80, el exintegrante de Menudo puso en el mercado el que es considerado como su álbum debut: Frío, una colección de canciones cargadas de melancolía y dolor. El disco, una joya dentro de la discografía de Draco Rosa, abre de una forma contundente con Cruzando Puertas y se asegura de agarrarte para no dejarte ir desde su arranque. 

Cruzando Puertas es, sin duda, una de las canciones más populares del cantante nacido en Nueva York pero de corazón puertorriqueño. Su música y letra son toda una poesía. Una de las mejores canciones compuestas en nuestro idioma, pero ¿de qué se trata?

Su inicio, un profundo y sentido lamento dan pistas claras de su temática. No hay forma de emitir un sonido tal sin que este sea motivado por un enorme dolor. "Voy cruzando puertas tras de ti, amor, porque quiero yo así. Porque sé que nos buscamos. Voy pisando pasos que ya di", dicen las primeras líneas de la canción, las cuales parecen hablar de dos personas que se buscan, siendo el narrador quien busca con mayor intensidad, incluso pasando por lugares en los que ya buscó, pero lo único que encuentra es un lugar vacío, el cual el músico describe como uno de "piedra y silencio", frío, sin nada. Draco Rosa seguramente encontró su fuente de inspiración en el deseo de encontrar a alguien, pero no poder hacerlo, lo cual le causó gran dolor, angustia y la sensación de estar sumido en la oscuridad, la cual él describe como algo que es tanto amiga como enemiga, pues invita a la experiencia, quizás a sentir y saber qué es lo que se busca.

Lo que no queda necesariamente claro es si la persona a quien el protagonista de la canción parece buscar ya la conoce o si busca a alguien nuevo, pues más adelante en la letra habla de una persona cuyo cuerpo acecha tras la sombra y es un laberinto eterno que "encubre peligro y misterio". ¿Ya sabe que esta mujer representa peligro y misterio? o, por el contrario, se refiere al peligro y misterio de los desconocido. 

Cruzando Puertas es una hermosa balada. Un triste relato de un hombre que lamenta su soledad, pero que toma los pasos necesarios para cambiar su realidad. Su letra es una oda a la maestría de la composición. Tal vez Draco Rosa no esté en el mismo escalón que Cerati y Calamaro en popularidad, pero su obra y letras seguro están a la par. 

¿Qué pensamos sobre la nueva canción de los Beatles?

 

Cuando se anunció el lanzamiento de una nueva canción de los Beatles, tuve serias dudas sobre su calidad. Usualmente, estas canciones recicladas y rescatadas del olvido, por no mencionar el hecho de ser grabadas en diferentes periodos, son un desastre. Now and Then es una total excepción de esto.

Era el final de los 70 cuando John Lennon se sentó frente a un piano en su apartamento e hizo una muy casera grabación de la que hoy conocemos como "la última canción de los Beatles". Teniendo en cuenta que para entonces el cuarteto de Liverpool ya no existía, seguramente Lennon planeaba incluirla en algún futuro álbum solista. Lastimosamente, el destino tenía otros planes para él. Casi dos décadas más tarde, en 1994 para ser exactos, Yoko Ono, viuda del músico, le entregó a Paul McCartney un tesoro invaluable: un caset con grabaciones caseras no terminadas o lanzadas de Lennon. Junto a McCartney, Ringo Starr y George Harrison, se pusieron en la tarea de trabajar en dicho material, lanzando Free as a Bird y Real Love en los compilados Anthology. Cuando comenzaron a trabajar en Now and Then, no tardaron en darse cuenta de las múltiples dificultades que la grabación casera representaba, incluyendo mucho ruido y no poder separar la voz de Lennon del piano. 

Según cuenta McCartney, el descontento de George Harrison con la pieza fue una de las principales razones por la cual nunca hicieron nada con la canción. En entrevista con Q Magazine en 1997, Macca confesó que su compañero de banda describió la grabación "puta basura". Now and The acumuló polvo por casi 20 años, hasta que en 2022 McCartney y Ringo Starr decidieron revivir el proyecto y finalizarlo de una vez por todas. En esta ocasión, gracias a los avances tecnológicos y a la inteligencia artificial, pudieron lograr lo que querían con la grabación: darle un toque prístino y agregarle partes frescas, como una muy "Beatlesca" sección de cuerdas. En una reciente entrevista, McCartney aclaró que, ante la controversia por el uso de inteligencia artificial, que esta solo se usó para rescatar y mejorar la voz y piano de Lennon, pero que el aporte de cada Beatle es 100 % real.

El resultado es, al menos en mi opinión, una absoluta belleza de canción. Tenía grandes dudas. Por lo general, estas canciones ensambladas con tantos problemas y en tantas sesiones divididas en tantas décadas son un fiasco, pero McCartney, Starr, y Harrison supieron exactamente qué hacer con la grabación de Lennon, quien les dejó una melodía bastante buena y una letra de amor hermosa. Si la canción salía mal, hubiera sido todo culpa de lo que los otros tres. Hubiera sido como recibir un pase al frente de un arco despejado y mandar el balón a la tribuna. 

Quizás aún más lindo que la misma canción es su video. En este se ven a los cuatro Beatles juntos haciendo música y una que otra pilatuna. Lo más interesante de este son las imágenes de las sesiones de mediados de los 90, en las que se aprecia como los Beatles sobrevivientes trabajan en Now and Then, con un McCartney cantando la canción, mientras Ringo y Harrison hacían lo suyo. 

Dios quiera esta no sea realmente la última canción de los Beatles, y que alguien en algún lugar encuentre alguna otra grabación inédita, pero sí lo es, es una despedida por lo alto, en un año que parece más 1965 que 2023, esto si tenemos en cuenta que los Rolling Stones también nos regalaron música nueva. 

In Memoriam: Teto Ocampo

 

Era el año 2010, yo trabajaba en la Superestación (antigua 88.9). Frente a mí, al otro lado de la mesa de trabajo, estaba Teto Ocampo hablándome de su proyecto Mucho Indio, con el cual, además de hacer música con raíces indígenas, pretendía enaltecer el legado social y cultural de nuestros indios. Para la entrevista, llevó su guitarra y tocó algunas canciones para nosotros y la audiencia. Charlamos un largo rato, se notaba que le apasionaba la música que estaba haciendo y la causa detrás de esta. Después de un rato, el productor me comenzó a hacer desde su cubículo para que hiciera una pausa en la entrevista. Yo, y esto lo confieso 13 años después, era consciente de que llevábamos mucho tiempo hablando y era necesario ir a comerciales, pero hice caso omiso de la orden de mi superior, pues Teto estaba "embalado" y contando todo tipo de cosas bacanas. No podía frenarlo en seco. Sabía que era una entrevista con un invitado ilustre. 

Teto era un todo un aventurero musical. Si tocaba colgarse la guitarra para reivindicar la cultura indígena, se colgaba la guitarra. Si el plan era hacer parte de Jesucristo Superestrella, ahí estaba. Cuando Sidestepper lo invocó para mezclar beats electrónicos con folclor, acudió a la cita. Pero quizás donde más brilló fue en la banda de Carlos Vives, haciendo parte de dos discos esenciales de la carrera del cantante: Clásicos de la provincia y la Tierra del olvido, considerado por muchos como el mejor disco de la historia de la música colombiana. Sin su aporte, esa visión de vallenato rock de Vives no hubiera sido lo mismo. 

Paz en su tumba. Que su legado de riesgos sonoros nunca sean olvidados. 

¿Qué impacto tendrá el nuevo álbum de los Rolling Stones?

Para quienes somos seguidores del rock y, por supuesto, de los Rolling Stones, el hecho de que saquen su primer álbum de material original en casi dos décadas es una bendición épica y un deleite sublime. Pero, ¿Podrá el álbum 24 de Mick Jagger, Keith Richards, y Ron Wood causar algún tipo de impacto por fuera de las esferas del rock y llegar a nuevos oídos?

Hackney Diamonds, el primer álbum de los Stones sin Charlie Watts- bueno, al menos no en todas las canciones- llegará al mercado el 20 de octubre. Las sesiones de grabación comenzaron en 2020, pero fueron detenidas abruptamente por la pandemia. Tras el fin de las restricciones causadas por el covid y el regreso a la normalidad, la producción pudo ser completada. Según se ha dicho, el disco contará con invitados estelares como Lady Gaga, Elton John, Paul McCartney, y el regreso del bajista Bill Wyman, quien prestara sus servicios para la banda por 30 años, en una de sus canciones. 

Suena hermoso, ¿no? Pero me pregunto si el álbum tendrá un impacto masivo. Los últimos lanzamientos del grupo (A Bigger Bang y Blue & Lonesome) fueron bien recibidos, pero no necesariamente causaron locura. Con Hackney Diamonds tengo la sensación de que algo grande va a pasar. Basta tan solo con ver la atención que genero el anuncio del disco y la presentación del primer video, con entrevista con Jimmy Fallon incluida. Por otro parte, como los viejos y sabios zorros que son los Stones, sabían que necesitaban de algún factor de mercadeo que los ayudara a impulsar la música nueva, por ende, consiguieron que Sydney Sweeney, una de las actrices jóvenes más aclamadas del momento, conocida por sus roles en Euphoria y The White Lotus. Siendo ambas series de gran aceptación entre los jóvenes, muy seguramente estos vieron el video del primer sencillo del álbum, Angry, y están teniendo su primer acercamiento a la música de Mick y su corte. 

Pero no solo Sweeney atraerá oídos frescos, seguramente la presencia de Lady Gaga en la canción Sweet Sounds of Heaven hará lo propio. Otro de los grandes atractivos de Hackney Diamonds es la de Jagger, Richards, Wyman, y el fallecido Watts en "Live by the Sword", reuniendo así a 4 de los integrantes del grupo que grabaron el disco debut de 1964. 

Cuando escuché por primera vez Angry, la primera reacción que tuve fue investigar qué tan nueva es realmente la canción. Pensé que tal vez era una pieza inédita de los 70, pues suena increíblemente vital y energética. La canción, como el resto del disco fue escrito y grabado en los últimos años. Independientemente de si el disco logra aclamación masivas o no, debería ser un absoluto honor ser testigos de cómo tres tipos de más de 75 años (el pelado del grupo es Ron Wood y tiene 76 años) se dan mañas de grabar un disco nuevo y sonar con tremendo voltaje...y no se les haga raro que hagan una gira de dos años por todo el mundo. ¡Ah! y no se les olvide que Mick Jagger tuvo una cirugía de corazón en 2019. Creo que todos podemos aprender algo de ellos. Larga vida a los Stones. 

 

La canción de Expedientes X

 

Tu tu tu tu tu tuuuuuu......quien no ha silbado o tarareado (o al menos escuchado) la canción de Expedientes X tal vez ha vivido en una cueva por los últimos 30 años o no tiene un televisor. No existe, y tal vez nunca exista, una canción para un programa de televisión más memorable que la compuesta por Mark Snow para la famosa serie televisiva. Celebremos los 30 años del inicio de X Files recordando su inolvidable canción principal. 

El 10 de septiembre, Mulder y Scully comenzaron sus andanzas revelando conspiraciones, investigando monstruos, y haciéndonos cuestionar los gobiernos. No hay programa de televisión de ciencia ficción que no le deba algo a Expedientes X. Si algún show cuestiona al gobierno, investiga una casa embrujada, muestra una nave espacial o a un extraterrestre, o tiene un hombre y una mujer como protagonistas principales, es gracias al programa de Chris Carter y sus 11 temporadas y dos películas. Pero la influencia de la serie va mucho más allá de su temática y tratamiento. Su música de introducción es, de lejos y sin competencia, la más recordable de toda la historia de la televisión. 

"The X Files" fue escrita por el compositor para películas y televisión Mark Snow, quien -tras varios ensayos, pruebas y errores, dio con el tema de una forma algo accidental. Chris Carter le había encargado la composición de la pieza instrumental a Snow, y en una de las sesiones de escucha de la misma, Carter manifestó no estar del todo conforme con los resultados. Una vez terminó dicha reunión, Snow puso su mano accidentalmente sobre el teclado, creando de casualidad el efecto de eco que terminó por darle forma a la canción. En cuanto a la melodía que suena como un silbido, bueno, se trata ,efectivamente, de dos silbidos. El primero es un efecto de teclado llamado "Whistling Joe (Joe Silbador)". El segundo silbido es el de la esposa del compositor. 

La canción fue tan exitosa en su momento, que incluso llegó a los listados en Reino Unido y Francia, donde alcanzó la posición número 1 por una semana. Además de la versión original, "The X Files" ha sido versionada por algunos DJ, y tiene versiones diferentes que fueron grabadas para la película de la serie de 1998, The X Files: Fight the Future. 

Qué mejor forma de celebrar esta icónica pieza musical que escuchándola, y tengan los oídos abiertos, pues les aseguro que en algún momento van a escucharla en un noticiero o programa en asociación con la investigación de algún fenómeno paranormal. La verdad está allí afuera. 

In Memoriam: Steve Harwell (Smash Mouth)

 

Ser adolescente a finales de los 90 significaba escuchar mucho nü metal y rock industrial. Korn, Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Rage Against the Machine, entre muchos otros, mandaban la parada. Sin embargo, una que otra agrupación sabía abrirse su camino en medio de géneros más extremos. Uno de esos grupos fue Smash Mouth, quienes, a la cabeza de Steve Harwell, encontró el camino a los oídos y ojos de los jóvenes de la época. 

Sus dos primeros álbumes, Fush Yu Mang y Astro Lounge, rotaron con fuerza en emisoras y MTV, por aquel entonces dos vehículos de vital importancia a la hora de llegar a las masas. Con canciones como Walkin' on the Sun, Why Can't we be Friends?, All Star, Then the Morning Comes, y Can't Get Enough of you Baby, y otras canciones con ese muy versátil estilo que mezclaba el rock, pop, ska e incluso algo de psicodelia. Quizás el momento más exitoso del grupo llegó con el cover del clásico de los Monkees "I'm a Believer", el cual tuvo su momento en el sol en la banda sonora de Shrek.

"El tipo de Smash Mouth baila súper chévere", dijo un compañero mío en el colegio a finales de los 90. Éramos adolescentes rockeros, sin duda, pero reconocimos una buena melodía cuando Smash Mouth nos la presentó. Paz en la tumba de Steve Harwell, y gracias por hacernos querer bailar. 

El pasado pop de Alanis Morissette

 

Muchos, por no decir que todos, asociamos el nombre de Alanis Morissette con esa joven rockera y estridente de sus días de Jagged Little Pill, su álbum debut. Pero lo que no muchos saben es que la cantante canadiense tuvo un pasado pop. 

En la serie estadounidense How I Met your Mother, Robin Scherbatsky -uno de sus personajes- tiene un gran secreto: en su pasado fue estrella pop bajo el nombre de Robin Sparkles en su natal Canadá, pero eventualmente su estilo musical y personalidad dieron un giro de 360 grados para transformarse en la oscura y agresiva Robin Daggers. Cualquier parecido con la realidad NO es pura coincidencia. Si bien -al menos hasta donde sé- la conexión con la historia de Alanis nunca ha sido confirmada por los creadores de la serie, resulta evidente que la hay. Tanto así, que una de las canciones de Robin Daggers, P.S. I Love You, tiene cierto aire a You Oughta Know, el éxito que catapultó a Morissette al estrellato. 

Alanis y Now is the Time fueron los dos discos que la versión pop de Morissette lanzó en Canadá. Ambos vendieron alrededor de 250.000 copias y fueron disco de platino y oro. Lastimosamente, dichos álbumes ya no están en circulación y no se encuentran en ninguna aplicación de música. Pero, ¿qué pasó con estas producciones y por qué no sabemos nada de ellas?

La verdad es que no eran muy buenas y, muy probablemente, las disquera detrás de Alanis le puso un disfraz a la pobre para que tratara de emular a artistas que tanto éxito estaban teniendo en la época, en especial a Janet Jackson y Mariah Carey. Solo en muy, muy breves momentos se puede alcanzar a escuchar a la Alanis que unos años después conoceríamos. ¿Qué piensa la cantante sobre su "oscuro" pasado pop? "No me da miedo que la gente escuché esos discos...no hay nada de lo que me arrepienta. Entonces no era yo misma...mi propósito entonces era entretener a la gente y dar mis primeros pasos en la industria". Pasos que se volvieron de gigante cuando llegó 1995 y el súper éxito que fue su disco debut, Jagged Little Pill. 

¿Soda Stereo cantó en inglés? Yes, sir!

 

Creo que se puede decir sin temor a equivocarse que Soda Stereo fue, es y será el grupo de rock en español más importante de todos los tiempos. A mediados de los 90, cuando lanzaron Sueño Stereo, su último disco de estudio, pensé que en algún momento darían el salto y conquistarían el mercado anglo. Infortunadamente, Gustavo Cerati, Zeta Bosio, y Charly Alberti decidieron que ya era hora de dejar así, y en 1997 dieron sus últimos conciertos. No es un secreto que una de las más grandes claves del éxito en la industria de la música es cantar en inglés. Artistas como Shakira lo han hecho, ganando así gran popularidad a nivel mundial. ¿Y si Soda hubiera hecho música en inglés? ¡un momento! Soda hizo música en inglés!

A mediados de los 80, hacia 1986 -para ser algo más exactos- el trío argentino grabó en inglés dos de sus canciones más apetecidas: Juegos de seducción y Cuando pase el temblor, traducidas como Games of Seduction y When the Shake is Past. ¿Por qué lo hicieron? Este interrogante no tiene una respuesta exacta, pues la información sobre estas sesiones de grabación es muy escueta. Sin embargo, se dice que ambas canciones fueron grabadas cuando la banda viajó a Londres para grabar el álbum Doble vida. Otra versión apunta a que Cerati y compañía grabaron en inglés tras petición de un DJ británico, quien les pidió que lo hicieran para poder sonar en discotecas en Reino Unido, con la intención también de algún día lanzar una producción totalmente en inglés, lo cual nunca sucedió.

Ambos temas nunca fueron lanzadas de manera oficial, y hay quienes ni siquiera saben que existen. Gracias a la internet, donde no hay nada oculto, podemos disfrutar de Gustavo Cerati cantando estos clásicos en un muy buen inglés. Una de las cosas más interesantes de estas versiones es lo claras que suenan algunas de las influencias de Soda Stereo, como The Cure y The Police. 

¿Habría funcionado grabar un álbum totalmente en inglés? Juzguen ustedes mismos.

La historia detrás de Cuando pase el temblor, de Soda Stereo

Cada vez que tiembla, alguien comenta en alguna red social "despierten a Cerati, ya pasó el temblor". Esto en alusión al coro de la famosa canción de Soda Stereo Cuando pase el temblor. Pero más allá de los memes y el ahora clásico comentario, ¿qué hay detrás de la letra de la canción?

Este clásico del rock latino hizo parte de Nada Personal, segundo álbum del trío argentino, el cual llegó al mercado en 1985 y catapultó al grupo en la región. Tanto fue el éxito del LP, que les alcanzó incluso para grabar la canción en inglés, pero eso es tema de otro día. Su video, grabado en la ciudad argentina de Tilcara, es uno de los más icónicos en la historia del rock en español, además de ser uno de los primeros del rock latino que encontró un espacio para rotar en MTV. Sobre el significado de Cuando pase el temblor, Gustavo Cerati contó que esta fue "una de las primeras canciones que salieron, sobre una idea que yo ya tenía, inspirada en paisajes que conocía de chico, del noroeste argentina". Con respecto a su particular sonido, el cantante y guitarrista afirmó que "es una fusión de reggae con un aire de carnavalito". 

En cuanto a lo que hay detrás de su título y letra, Cerati señaló que obtuvo inspiración en el terremoto que había ocurrido en México a mediados de los 80: "me impactaba mucho esa noticia y la relacioné con algo totalmente emocional". 

La siguiente vez que tiemble, mientras evacúa el lugar en el que está, puede aliviar un poco las tensiones del momento contándole a la gente con quien esté la historia de esta canción, y si la pone a todo volumen, puntos extra. 

Frisson: cuando la música nos eriza la piel.

Toda persona que tenga una canción que le guste mucho habrá sentido en alguna ocasión ese corrientazo que recorre todo el cuerpo al escucharla. Los pelos se erizan, sobre todo en los brazos, al oír una melodía que llega al alma. Es casi como si la piel tuviera un orgasmo. Este fenómeno conocido como "frisson" puede ocurrir al contemplar un hermoso paisaje, al probar un plato suculento, o al apreciar una obra de arte, pero la música es el principal culpable de ese curioso escalofrío, pero ¿por qué se produce?

Según diferentes estudios, para tener un "frisson" es necesario tener ciertas características de personalidad. Una de ellas es contar con la capacidad de entregarse a una canción. Por otra parte, quien la escucha debe ser una persona de gran imaginación, abierta a experiencias nuevas, y que no tiene temor a expresar sus sentimientos. Si usted es de los que oye, por ejemplo, Stairway to Heaven, de Led Zeppelin, o el solo de guitarra de Slash en November Rain, y puede aislarse del mundo o meterse tan profundo en la canción que llega a soñar despierto con la misma, tal vez imaginándose que está en el concierto o que la canción suena de fondo mientras usted realiza algún tipo de gesta heroica, entonces muy seguramente usted hará parte del selecto grupo que siente estos orgasmos en las piel. 

Según el musicólogo David Huron en su libro Sweet Anticipation, una de las razones por las cuales sentimos esa respuesta fisiológica al escuchar una canción es por el contraste que nos genera la misma y un proceso llamado "evaluación cognitiva", en el que nuestras mentes se reformulan el significado de algo. Si una canción nos produce cierta incomodidad al comienzo, pero después nos comienza a gustar, ese cambio de opinión con respecto a la misma es, al menos en parte, lo que nos produce el "frisson".

Un grupo de científicos se puso en la tarea de crear una lista de 715 canciones que pueden causar escalofríos a las personas. Una de ellas es Master of Puppets, de Metallica, la cual -como explica la teoría de evaluación cognitiva ya analizada- genera un cambio drástico de opinión a medida que avanza. De una introducción que suena amenazante, se pasa a una melódica y reconfortante sección intermedia, en la que el escucha posiblemente alcanzará una gran sensación de confort con la pieza. Asimismo, si una canción grandes cambios de ritmo, pasa de notas bajas a altas, y el cantante hace algún tipo de grito, el "frisson" es casi una certeza. 

Escuche su canción favorita y sumérjase profundamente en su melodía y letra, incluso piense en algo que la canción le haga sentir, algún recuerdo o emoción, y estoy seguro de que su piel lo sentirá. 

 

Dejémonos de Vainas, sí es Luis Miguel.

 

El mundo de la música está lleno, qué digo lleno, repleto de teorías de conspiración. Que Jim Morrison y Elvis Presley fingieron su muerte, que Avril Lavigne se quitó la vida y una doble tomó su lugar, o que Paul McCartney murió en un accidente a mediados de los 60 y fue reemplazado por alguien idéntico a él. Esas son apenas algunas de los teorías locas que hay por ahí. Ahora, el periodista argentino Luis Ventura aseguró en un programa televisivo que el cantante que se presentó en el primer concierto en Buenos Aires no era Luis Miguel, sino un doble.

Según la teoría del periodista, dos dobles del cantante llegaron a Argentina antes que el Sol de México, esto para evitar ser vistos juntos y así ahorrarse sospechas. Pero, ¿de dónde sale esta teoría? Según Ventura, Luis Miguel lució muy extraño y diferente en su regreso a Buenos Aires, más delgado y con rasgos faciales diferentes, señalando también que las diferencias son muy grandes si se comparan imágenes suyas de hace unos años con las actuales. Sí, es cierto que Luis Miguel luce MUY distinto, que en ocasiones parece otra persona o que estuviera enfermo (¡ojo!, no estoy especulando que lo esté), pero que levante la mano a quien los años no lo cambien en algo. Todo se puede explicar también desde su enorme cambio de peso, el cual puede alterar características faciales. ¿Cómo saber que no hay cirugías de por medio? Ahora, ¿por qué habría Luis Miguel de usar un doble? Para hacer más dinero, dirán. ¿Necesita más dinero? Probablemente no. Si no quisiera volver a la luz pública, simplemente no lo haría. ¿Qué necesidad habría de poner un Luismi falso en escena, arriesgar ser descubierto y arruinar una muy ilustre carrera? Creo que el periodista está buscando notoriedad, seguidores en redes sociales, o el programa busca subir números de audiencia y hacer más dinero. 

Estuve analizando varios videos de la presentación de su supuesto doble, y no oigo ni pistas ni señal alguna de que no sea Luis Miguel. Lo único que oigo es un tipo con una voz de puta madre. Un privilegiado. No es un doble, pues canta exacto a Luis Miguel, y el único que canta como Luis Miguel, es Luis Miguel. Compren sus entradas para los conciertos con toda confianza. 

El (ab)uso de las Pistas en los Conciertos

 

En los últimos años, la controversia por el uso de pistas en las presentaciones de los artistas ha aumentado considerablemente. Aparentemente, muchos las usan pero pocos (más bien nadie) lo acepta. Lo peor de todo es que hay múltiples videos por ahí que demuestran el uso de pistas. Cantantes como Paul Stanley, de Kiss, y Vince Neil, de Mötley Crüe, han sido pillados alejándose del micrófono mientras su voz sigue sonando. 

Hace unos meses, el cantante de Falling in Reverse, Danny Radke, se enfrentó vía Twitter a Sebastian Bach, cuando el excantante de Skid Row condenó el uso de computadores portátiles de la banda de su colega en sus conciertos. A lo que Radke respondió diciendo que Bach es un "maldito idiota", añadiendo que artistas como Kiss y Aerosmith usan pistas todo el tiempo. Pero, ¿es el uso de pistas correcto o no?

Hay artistas que están a favor de su uso. Gene Simmons, cantante y bajista de Kiss, señala que el problema del uso de pistas no es necesariamente el uso de las mismas sino el no decir que se usan: "Tengo un problema con artistas que cobran 100 dólares por una presentación en vivo en el que el artista usa pistas. Es como los ingredientes en la comida. El primer ingrediente en la etiqueta es azúcar. Al menos eso es honesto. El uso de pistas debería estar en cada boleta". Por su parte, Nita Strauss -solista y guitarrista de Alice Cooper- admitió el uso de pistas cuando toca Dead Inside, canción que grabó junto a David Drainman, de Disturbed: "no podíamos pagar un cantante para que saliera de gira conmigo. En mi humilde opinión, hay ocasiones en las que es válido usar pistas". 

Recientemente, la cantante Cardi B generó una gran controversia en una de sus presentaciones cuando arrojo violentamente su micrófono a alguien en la audiencia quien lanzó algo hacia ella. Independientemente de si estuvo bien lo que hizo (eso es tema para otro día), algo que también generó una fuerte controversia fue que su voz siguió sonando y, a menos que tenga poderes sobrehumanos y pueda cantar telepáticamente, el uso de pistas en sus conciertos quedó totalmente al descubierto. 

Hay quienes condenan el uso de pistas, como Adrian Smith, guitarrista de Iron Maiden, quien catalogó como "una vergüenza" el uso de pistas. El líder de los Foo Fighters Dave Grohl, también dejó saber su opinión al respecto: "prefiero sonar como una mierda, que sonar como Linkin Park o Mötley Crüe. Ellos se sienten desnudos cuando tocan en vivo". Sebastian Bach, excantante de Skid Row, fue uno de los más abiertos en cuanto a su odio de las pistas diciendo estar "orgulloso de estar en una banda de seres humanos que no usan pistas ni hacen mímica. No somos Mariah Carey en la víspera de Año Nuevo. Estos es rock n' roll puro".

El tema de las pistas está manchando los conciertos en vivo, y lo peor es que no creo que vaya a parar. Es más, no tengo duda de que en un futuro no lejano tendremos más videos controversiales de artistas haciéndose los que cantan o tocan en vivo, mientras nosotros, sus fieles seguidores, metemos la mano a nuestras billeteras para pagarles por nada. 

In Memoriam: Randy Meisner (Eagles)

 

Cada gran banda tiene un integrante que se escapa un poco de los flashes de las cámaras. Que se hace a un costado del escenario dejando que otros se roben el show. Un arma secreta y silenciosa pero efectiva. Que sostiene al grupo y le da cohesión. Los Rolling Stones tenían a Charlie Watts. Los Beatles a George Harrison. Guns N' Roses a Izzy Stradlin. Los Eagles tenían a Randy Meisner. 

El miércoles 26 de julio, Meisner abandonó nuestro mundo, según informaron los mismos Eagles en un comunicado publicado en su página. A comienzos de los 70, conoció a Don Henley y Glenn Frey cuando se unió a la banda de apoyo de Linda Ronstadt, pero en 1971 los tres decidieron abandonar dicha banda y formar Eagles.  Su rol en el grupo era uno más bien calmado y distante de las luces, las cuales buscaban siempre a Henley y Frey, quienes se encargaban de la mayoría de asuntos en los Eagles. "Supongo que me pongo nervioso y tímido al estar expuesto. Ellos están acostumbrados a eso", señalo el bajista y cantante a la revista Rolling Stone en 1975. 

Curiosamente, la canción Take it to the Limit, en la que Meisner demuestra su gran capacidad vocal, lo llevó a tener que dejar la timidez de lado y ubicarse en el centro del escenario, pues esta se convirtió en una de las favoritas de los seguidores de la agrupación, además de una de las más aclamadas en los conciertos. Esto condujo a que Meisner no quisiera cantarla en vivo, lo cual tuvo que hacer practicamente todas las noches en 1977 durante la gira promocional del álbum Hotel California. Esa poco deseada exposición, junto con agotamiento y problemas maritales llevaron a que renunciara a la banda. 

Una vez dicha gira concluyó, Meisner abandonó las filas de los Eagles. "Esos últimos días fueron los peores. Nadie me hablaba. Me convertí en un rechazado en la banda que ayudé a fundar". Su vida después de los Eagles fue relativamente calmada y lejos del mundo de la música. Con apenas tres discos solistas y apariciones esporádicas, Meisner vivió una vida relativamente normal y muy lejos de la fama. 

La historia de la canción de Prince que popularizó Sinead O' Connor

Era el año 1985, cuando Prince formó un proyecto paralelo llamado The Family, con el cual lanzó un solo álbum. Entre las canciones escritas para dicha producción se encontraba Nothing Compares 2 U, la cual recibió muy poco, por no decir ningún, reconocimiento. Sin embargo, en 1990 Sinéad O' Connor la incluyó su propia versión en su álbum I Do Not Want What I Haven't Got, y la convirtió en un éxito masivo.

Cuando O' Connor invadió las ondas radiales y televisivas con su rendición de Nothing Compares 2 U, prácticamente nadie tenía la menor idea de que el compositor de esta era ni más ni menos que Prince. Y es que la cantante irlandesa se adueñó de la pieza y le dio un giro totalmente nuevo, tomando la canción original, quitándole la falta de alma de esta y agregándole, a través de su interpretación vocal, una dosis de dolor y amargura que , en últimas, la catapultó a la cima de los listados alrededor del mundo y la convirtió en una de los himnos de ruptura amorosa más grandes de la historia. 

Lo que para Prince era una canción olvidada en lo más profundo del baúl de sus composiciones, para O' Connor fue la que cambió su vida y carrera, y ahora -tras su fallecimiento- la inmortalizó. Tan poca cosa era Nothing Compares 2 U para Prince, que fue tan solo hasta que Sinéad la hizo famoso que él decidió tocarla en sus presentaciones, y fue apenas hasta 1993 que el Purple One, como se le conocía al cantante, lanzó una versión en vivo de esta para su álbum de éxitos y lados B The Hits/The B Sides, pero ya era muy tarde, Sinéad le había "robado" la canción. 

Por otra parte, O' Connor también le acertó al video de la canción, convirtiéndolo en uno de los más icónicos de los 90, esto por su sutileza y simplicidad. En él, se puede ver a la cantante interpretando la canción en un plano cerrado frente a un fondo negro, además de imágenes de ella caminando por París. El momento más poderoso del video es al final, cuando dos lágrimas bajan por su rostro. En entrevista, O' Connor declaró que las lágrimas fueron reales y que estas llegaron mientras pensaba en su madre, quien falleció en un accidente automovilístico en 1985. El clip ganó 3 estatuillas en los premios MTV de 1990. 

Si bien la versión de Sinéad O' Connor es la más conocida, en 2015, Chris Cornell -otro artista que como Prince y O'Connor- se nos fue muy pronto hizo su propia versión en vivo, esto durante una presentación para SiriusXM. Tal vez su versión no haya tenido la misma atención que la de O' Connor, pero la forma en que "desnudó" la canción y cómo su voz hace brillar letras tan contundentes, es digno de su genio musical. 

¿Quién la hizo mejor? Es irrelevante. Lo relevante es que nos regalaron tres versiones geniales que disfrutaremos por la eternidad. 

 

Canciones para acompañar un duelo

 

LEONARD COHEN-HALLELUJAH

Si bien el cantante canadiense no escribió esta canción pensando en la pérdida de un ser querido o el respectivo duelo, esta se ha convertido en una de las asociadas a estos temas. Cohen describió "Hallelujah" como una pieza de "júbilo", además de señalar que la inspiración para la misma en "un deseo de afirmar mi fe en la vida, no de una manera religiosa formal, pero con entusiasmo, con emoción". 

ERIC CLAPTON -TEARS IN HEAVEN

En 1991, el legendario guitarrista sufrió una terrible pérdida en su vida, cuando su hijo Connor -de apenas 4 años- se cayó de la ventana del piso 53 del apartamento en Nueva York en el que vivía con su padre. La tragedia la supo transformar en una de las baladas más hermosas en la historia de la música y, tal vez, su canción más popular. Según el mismo Clapton, "la música se convirtió en sanadora para mí. Aprendí a escucharla con todo mi ser. Descubrí que podía borrar todas las emociones de miedo y confusión".

THE BEATLES- LET IT BE

A la tierna edad de 14 años, Paul McCartney perdió a su madre. Años más tarde, hacia el final de la carrera del cuarteto de Liverpool, decidió componer esta canción basada en cuando su madre lo visitó en un sueño: "en mi hora más oscura, ella está parada frente a mí. Hablando palabras sabias. Déjalo ser". 

ALTER BRIDGE -IN LOVING MEMORY

El álbum debut de la banda estadounidense contiene una de las grandes joyas ocultas de su carrera en forma de una hermosa balada que el guitarrista Mark Tremonti compuso para su madre tras su fallecimiento. "Definitivamente es una canción triste, pero alentadora", señaló el músico. "Gracias por todo lo que has hecho. Te he extrañado por mucho tiempo. No puedo creer que te hayas ido. Aún vives en mí. Te siento en el viento". 

¿Qué tan cerca estamos de una reunión de Oasis?

Ya casi ha pasado una década y media desde que una pelea entre los hermanos Gallagher resultó ser el clavo que le faltaba al ataúd de Oasis. Desde 2009, Liam y Noel han trabajado por separado, con un nivel de éxito más bien moderado, sobre todo comparado con lo que alcanzaron con la banda en los 90 y 2000. Desde hace unos cinco años, Liam ha lanzado todo tipo de comentarios con respecto a una posible reunión de Oasis. En ocasiones, casi que pareciera estar suplicando para que esto suceda. De la otra esquina del cuadrilátero, la de Noel, no llegaba mucho, salvo uno que otro insulto o burla sobre el tema. Hasta ahora. Recientemente, Noel por fin respondió a su hermana sobre el tema de la reunión de una de las bandas que liderara la ola del britpop a mediados de los 90. 

Hasta el año 2016, cuando Axl Rose y Slash decidieron reconciliarse y volver a hacer música juntos, la reunión más aclamada, esperada, ansiada del mundo del rock era la de Guns N' Roses. Después de que ese milagro musical se diera, al puesto número 1 de las reuniones más apetecidas ascendió Oasis. Sinn embargo, los chances de que sucediera no parecían ser muchos. Hasta hace un par de semanas cuando Noel comenzó a "torear" a su hermano. El tema cada vez está más caliente, y hay quienes dicen que las charlas sobre la reunión parecen estar tan avanzadas que incluso ya habría una fecha para que esta suceda: 2024, posiblemente hacia finales de año.

¿Será posible que los Gallagher terminen con uno de los roces quizás más ridículos de la historia y hagan felices a miles de seguidores alrededor del mundo? Nunca lo sabremos hasta verlos juntos sobre un escenario y frotarnos los ojos unas cuantas veces para cerciorarnos de que realmente se trata de ellos, y no dé un holograma o un par de imitadores. Lo que sí sabemos en el momento es que Noel literalmente retó a Liam a llamarlo, ya sea a él directamente o al menos a alguien de su campamento. Hasta el momento de publicación de este entrada, parece ser que dicha llamada no se ha dado. Tal vez Liam está consultándolo con su ego, o se está haciendo esperar para parecer a cargo de la situación, o de pronto sus nervios le están jugando una mala pasada. ¿No les pasa que desean algo con todo su ser, y cuando ese algo está frente a ustedes los nervios los traicionan y se convencen de que ya no quieren ese algo solo para evadir el miedo enorme que les genera? ¡Liam, póngase la 10 y llame a su hermano! Si Axl pudo levantar la bocina y llamar a Slash, seguro usted puede hacer lo mismo. Si los integrantes de Blur salieron de su encierro y ahora andan de gira y con disco nuevo en camino, ¿por qué Oasis no podría hacer lo mismo?

 

 

¿Veremos Algún Día Nacer a una Nueva Leyenda Musical?

 

No quiero sonar a discurso de viejito, pero en los últimos tiempos me he preguntado constantemente si la industria musical algún día nos mostrará el nacimiento de una nueva leyenda de la música. Alguien quien en unas décadas podamos poner al menos en una mesa cercana , o la misma, de artistas como los Beatles, los Rolling Stones, Michael Jackson, Prince, Black Sabbath, entre muchos otros. 

Lo más cercano que hemos estado de tener una nueva leyenda es Amy Winehouse. no cabe duda de que la cantante tenía una voz de leyenda y una pinta y actitud dignas de alguien especial, pero me cuestiono si su estatus de casi leyenda tiene que ver más con su muerte que con su legado. No me malentiendan. Estoy seguro de que iba en camino a ser una cantante épica, única, inigualable, pero lamentablemente no tuvo mucho tiempo para demostrarlo, ni tampoco nos dejó mucha música. ¿Escuché que dijo Adele? No creo que el rótulo de leyenda se le ajuste. ¿Justin Timberlake? Quizás en un tiempo. 

La industria hoy por hoy no está hecha para crear leyendas ni para dejar que nazcan. Vehículos como MTV y la misma radio ya no son tan importantes como alguna vez lo fueron a la hora de masificar artistas, catapultarlos, y hacerlos grandes. Hoy por hoy tenemos a Spotify, pero no sé qué tan efectiva sea la popular aplicación de streaming a la hora de ayudar a un artista a convertirse en leyenda. La oferta de música es ENORME. Es como un río que nadie puede contener y se termina desbordando. Antes la radio y MTV ofrecían lo mejor de lo mejor, ahora es cada uno quien debe escoger qué es lo que más le gusta...y ahí muchísimo de dónde escoger, y no hay tanto tiempo para escuchar todas las canciones y álbumes que se ofrecen hoy en día. La competencia por la atención es simplemente brutal. 

Lastimosamente, y espero estar equivocado, creo que nunca jamás volveremos a ver el nacimiento de un artista legendario. De una estrella, seguro, pero no de alguien realmente intocable, sublime, heroico. Diga usted, un John Lennon, un Mick Jagger, o un Gustavo Cerati, para acercarlo más a nuestro patio. La industria ya no da para eso, es más ¿Hay una industria aún que todavía pueda darle la patadita de la buena suerte a alguien?

¿Está el rock en español estancado? (Opinión)

Como melómano, oigo música todo el día. Pero quizá uno de los momentos en los que más necesito de la música es cuando salgo a correr. Los kilómetros sin música serían absolutamente tediosos e interminables. Necesito de canciones para oxigenar mis músculos y hacer que mis pies se muevan. Al menos una vez por semana, escojo la música de un artista de rock en español, pero hace poco me vi en apuros, pues no encontraba ninguno que fuera compatible con el tipo de corrida que iba a hacer, o que no hubiera escuchado hace poco. Fue entonces cuando tuve una revelación, el mundo del rock en el idioma de Cervantes es muy pequeño. Inmediatamente después, llegó a mí una oscura teoría: el rock en español está estancado y lleva estancado décadas. 

No es nada en contra de ningún artista que cante en nuestro idioma, es simplemente que son muchos. Es cierto, el idioma del rock es el inglés, e incluso artistas que no son anglosajones cantan en inglés, pero -de igual forma- siento que los artistas, al menos los grandes artistas, las leyendas del rock en español, y ni hablar de los grupos nuevos que estén pegando fuerte son MUY pocos y ya son veteranos. Soda Stereo, Café Tacuba, Caifanes, los Fabulosos Cadillacs, Draco Rosa, Miguel Mateos, Fito Páez, Enanitos Verdes, Charly García, Los Rodríguez, Andrés Calamaro, Aterciopelados, Maná, Los Prisioneros, La Ley, perdón si olvidé a alguno, son los más destacados, y algunos de ellos ya ni hacen música o están cerca de los 60 o ya pasaron por ellos.

¿Cuál es el artista de rock en español que más sensación haya causado en los últimos tiempos? Zoé, tal vez, a comienzos de siglo, pero el grupo palidece al lado de los grandes nombres que listé hace un instante. De ahí para adelante, es muy poco lo que ha salido, al menos a nivel comercial. Es decir, no veo a nadie que esté comenzando su carrera hoy que en un par de décadas podamos poner en el mismo renglón de Charly, Fito, o el maestro Spinetta (¡sabía que me olvidaba de alguien!). Seguro que hay gente haciendo cosas interesantes, pero nada que deje a nadie con la boca abierta. Todo muy normalito. 

La pregunta es: ¿por qué el rock en español parece haberse estancado? Me resulta difícil de creer que con tantos buenos artistas que han producido estas tierras -y si quieren incluimos a los españoles como Héroes del Silencio y Hombres G- no haya quien haya tomado sus influencias y se sienta capaz de ser el abanderado de una nueva generación de monstruos del rock en español. ¿Cómo puede ser posible que el gran momento del rock en nuestro idioma haya sido hace más de 30 años y nadie haya tomado el testigo? Tengo una posible teoría y un posible culpable de todo, pero a quienes me leen entre los 10 y 20 años no les va a gustar.

¡El asqueroso, abominable, monótono y musicalmente pobre reggaeton! Los jóvenes de hoy ya no quieren hacer rock, y es entendible, pues el rock no es lo que escuchan. Yo, por ejemplo, crecí en pleno apogeo del grunge y rock alternativo de los 90, y lo único que quería era colgarme una guitarra y hacer temblar a todo el vecindario. No quería hacer salsa ni vallenato. Lo mismo sucede hoy, los "pelados" quieren hacer el tipo de música que está de moda y que sienten cercana...así sea horrenda. Por otra parte, hacer reggaeton puede resultar más fácil y hasta económico que hacer rock. Una guitarra buena tiene un costo no menor, lo mismo que un bajo y una batería. Si alguien quiere ser el nuevo ídolo del reggaeton, puede comenzar a crear rimas, y solo necesita un cuaderno, un esfero, y conseguir varias palabras que rimen con culo.

Mientras esté panorama favorable a géneros urbanos continúe, es muy poco probable que una nueva gran banda de rock salga a la luz. No solo porque no haya quien quiera rockear, sino porque hay menos público para el rock, menos medios, menos todo. 

 

¿Al fin quién ganó la batalla del britpop, Oasis o Blur?

El 14 de agosto de 1995, mientras Blur y Oasis estaban en la suya promocionando sus nuevos álbumes, a la revista NME se le ocurrió armar oficialmente la guerra entre ambas bandas publicando en la portada de su publicación las caras de Damon Albarn y Liam Gallagher encima del título: Blur vs Oasis. Han pasado casi 30 años de la declaración de guerra musical, pero ¿al fin quién ganó?

Por una lado, teníamos a Blur, banda liderada el más bien introvertido Albarn, quienes lanzaron su primer disco en 1991. Por el otro, estaban los hermanos Liam y Noel Gallagher, cuyo álbum debut vio la luz en 1994. Noel, al igual que su hermano menor, eran dos chicos malos que tenían una boca dada a decir cualquier cosa que se les ocurría y sin ningún tipo de temor. Albarn fue objeto de burlas por parte de los hermanos, e incluso llegó a confesar en alguna ocasión que Noel se burlaba de él constantemente. Por mucho tiempo, quizás años, los integrantes de Blur soportaron muy caballerosamente los ataques que venían del campamento de Oasis, hasta que un buen día tuvieron suficiente y decidieron defenderse. El lunes 14 de agosto de 1995, Oasis lanzaría un nuevo sencillo perteneciente a (What's the Story) Morning Glory, su nueva producción. Cuando Albarn se enteró del plan de su competencia, decidió también lanzar una canción ese mismo día. 

En una esquina, Oasis se ponía los guantes con Roll with It. En la otra esquina del cuadrilátero, Blur hacía lo propio con Country House. Los seguidores de ambas bandas, mientras tanto, hacían lo que fuera para que sus ídolos se quedaran con la primera posición en listados. Para la alegría de Albarn, la canción de su banda ganó la confrontación, pues vendieron 270 mil copias de la misma. Los Gallagher movieron la no despreciable suma de 220 mil. Para defenderse de su derrota en los listados, los integrantes de Oasis señalaron muy diferente y "menos comercial".

Años más tarde, los integrantes de ambas bandas pusieron esta rivalidad a descansar. Graham Coxon, guitarrista de Blur, afirmó que su victoria era una "vacía y sin sentido". Pero quizás el momento en el que quedó claro que no existía rivalidad alguna entre ambas agrupaciones fue cuando Noel Gallagher, Albarn y Coxon se pararon sobre el mismo escenario para tocar juntos en el marco del concierto benéfico para la organización Teenage Cancer Trust, la cual buscaba recaudar fondos para jóvenes enfermos con cáncer. Con respecto a la disputa, Albarn indica que "valoro mucho mi amistad con Noel porque es de las únicas personas que pasaron por lo que yo pasé en los 90". Pelea terminada oficialmente.

Oasis y Blur pelearon musicalmente. Oficialmente, ganó Blur, perdió Oasis, pero ganamos los seguidores de la buena música con este par de bandotas. 

 

Inteligencia Artificial en la Música: ¿Oportunidad o Amenaza?

 

Hace unos años solo escuchábamos sobre la inteligencia artificial o AI (artificial intelligence) en películas de ciencia ficción o en un capítulo visionario de los Expedientes X. Su llegada parecía algo que no estaba ni cerca y que tal vez nuestra generación no alcanzaría a ver. Qué equivocados estábamos. La inteligencia artificial ya está entre nosotros, y -aún cuando apenas está en pañales- ya ha demostrado hacer cosas increíbles en varias áreas de la vida, incluso en la música. Suena interesante, y lo es, pero una pregunta comienza a rondar mi cabeza: ¿es una amenaza o una oportunidad?

La respuesta a este interrogante, al menos en mi opinión, es que es ambas: amenaza y oportunidad. En cuanto a la primera, es una amenaza para quienes trabajan en el ámbito del periodismo musical. Hace unos años, la tecnología parecía ser más bien un complemento de trabajos como el de un crítico musical o un locutor/DJ. Hoy, parece más como si la AI hubiera llegado a reemplazar al ser humano en estas labores. Recientemente, la página de noticias musicales Loudwire hizo el ejercicio de hacerle preguntas de índole musical a ChatGPT, un robot que se especializa en el diálogo. 

Con respecto a la no inclusión de Iron Maiden y Soundgarden al Hall of Fame del Rock N' Roll, el robot tuvo esto que decir: "si bien Iron Maiden es una banda altamente influyente y exitosa en el género del heavy metal, aún no ha sido inducida el Rock N' Roll Hall of Fame. Vale la pena anotar, sin embargo, que la inducción al Hall of Fame no es necesariamente un reflejo del talento del artista, influencia o popularidad, sino una compleja combinación de varios factores, incluyendo las decisiones y opiniones de los miembros votantes del Hall". Con respecto a Soundgarden, la tecnología señaló que "a pesar de haber sido una banda influyente y exitosa del movimiento grunge, aún no está incluida en el Hall por la opinión y votos de sus integrantes". Como pueden ver, el robot la tiene totalmente clara. Incluso sabe que los liderados por Chris Cornell ya no están activos. Tiemblan los periodistas especializados en música.

Pero no solo ellos tiemblan, también los DJ y locutores radiales. Hace unas semanas, Spotify reveló planes para incluir un DJ artificial en su aplicación, e incluso dio una pequeña prueba de cómo sonaría. El resultado previo es absolutamente increíble y MUY humano. La verdad, no tiene nada que envidiarle al trabajo de una persona. No quiero ser alarmista, pero creo que los DJ van a tener que encontrar un nuevo enfoque profesional. Lo digo con gran dolor, pues yo era DJ de radio, pero salté del barco a tiempo. Juzguen al DJ robot por ustedes mismos:

La amenaza es real, no solo para el mundo de la música, pues hay incluso quienes afirman que al menos 80 % de los trabajos se verán eventualmente amenazados por la inteligencia artificial. Tal vez en unos meses esté blog lo escriba un robot. 

Otra cosa que ha hecho al inteligencia artificial en el mundo de la música es crear canciones, muy competitivas, a propósito. No solo canciones nuevas sino de artistas que ya murieron. No sé a ustedes, pero a mí esto me parece que está en un terreno que se ubica entre lo triste y terrorífico. Escuchar a un artista cantando desde el más allá es más bien aterrador, y oír música de grupos "roboticos" me parece algo aburrido y artificial (duh!), lo cual es precisamente lo que más me molesta de la música moderna, lo poco orgánica que es. ¿Qué nos espera? Un concierto frío, opaco, y carente de humanidad en el que solo robots estén sobre el escenario. Hablando de músicos que cantan desde el más allá, hace poco alguien logró el milagro de resucitar a Chester Bennington para que hiciera un cover de Snuff, una melancólica canción de Slipknot. Lo peor, o mejor, de todo es que quedó hermosa. Realmente parece interpretada por el fallecido cantante de Linkin Park, pero me preocupa la cantidad de canciones falsas que van a rondar por ahí. No me sorprendería que algún fan de Guns N' Roses, ante la sequía de material nuevo, le dé por hacer un disco falso y todos quedemos tristes al ver que no es de verdad.