¿Cómo beneficia al rock y heavy metal la presentación de Gojira en los Olímpicos de París?

Cuando se anunció que el grupo francés de death metal se presentaría en la ceremonia inaugural de París 2024 todos quedamos más bien sorprendidos, ya que nunca antes un grupo de música extrema había hecho parte de tal evento. Grupos de rock como The Who y Muse habían hecho parte de la ceremonia de clausura de Londres 2012, pero nunca nada de este nivel de agresividad musical, algo inaudito en estos tiempos en los que nadie se le mide a apostar por el rock, al menos no en eventos de alto perfil. Pero, ¿qué significa esto para el género?

Hubo una época en la que el rock y sus diferentes variantes estaban al frente del acontecer musical mundial. Entregas de premios, canales de música, eventos deportivas, todos contaban con la presencia del género. Sin embargo, el paso del tiempo y el cambio en gustos musicales de las nuevas generaciones llevaron a los dueños del rating a apuntar a otro lado. Uno menos orgánico, más prefabricado, predecible, y seguro. En resumen, menos rock. Tomemos el show de medio tiempo del Super Bowl, por ejemplo. A comienzos del presente siglo, artistas como U2, Paul McCartney, los Rolling Stones, The Who, Prince, se supieron colgar sus guitarras para encender el escenario de tan magno evento. De repente, los encargados del espectáculo decidieron irse por otro lado, uno sin guitarras, sin músicos, y lleno de coreografías trilladas. 

Por años se han alzado distintas voces reclamando más oportunidades para el rock en este tipo de eventos, pero nadie hace caso. Los shows del Super Bowl cada vez son más pobres y carentes de emoción. Artistas del corte de Rihanna, The Weeknd, Usher, generan más bostezos que efusividad. Por otra parte, tampoco han sido una buena banda sonora para un deporte lleno de energía y adrenalina. Energía y adrenalina que sí tienen el rock y el metal. ¿Se imaginan lo hermoso que sería si Metallica tuviera la oportunidad de hacer el show de medio tiempo? Quizás Foo Fighters, o tal vez Guns N' Roses. Seguro la sacarían del estadio y sacarían al evento del estado letárgico en el que cayó.

La presencia de Gojira fue apoteósica. Para algunos, el mejor momento de la eterna ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos. La energía, voltaje y, perdonen la palabra, cojones de Joe Duplantier y su combo casi tumban La Conciergerie con esa mezcla exquisita de metal con ópera. 

Es hora de que las guitarras estruendosas recuperen su lugar en el mainstream. Los "músicos" usando pistas rodeados de una docena de bailarinas sacudiendo el trasero ya pasaron de moda. El rock y el heavy metal merecen su medalla de oro. 

 

¿Y si U2 se retira? (opinión)

 

En 2011 publiqué en este blog un artículo titulado "U2: Al Borde de la Irrelevancia" https://supersonicriot.blogspot.com/2011/11/u2-al-borde-de-la-irrelevancia.html, en el que cuestionaba si Bono y compañía aún eran importantes en la escena de la música. Tres años más tarde, con el lanzamiento de Songs of Innocence, me callaron la boca, pues hicieron tremendo disco, a pesar de haber más o menos obligado a todo el mundo a escucharlo (probablemente recuerden cómo la banda distribuyó de forma gratuita el álbum a través de los dispositivos Apple). Hoy, una vez más debo -con enorme dolor- preguntarme si el cuarteto sigue siendo relevante y si no es un buen momento para retirarse. 

Recientemente, por medio de un comercial emitido durante el Super Bowl, U2 anunció una residencia en Las Vegas cuyos conciertos girarán principalmente alrededor del álbum Achtung Baby. Suena hermoso, sin duda, pero hubo un anuncio dentro del anuncio que no me gustó ni un poquito y que, como fan de décadas del grupo, puedo decir que hasta dolió. Semanas antes del anuncio, giraba un fuerte rumor de que el baterista Larry Mullen estaría ausente de las futuras presentaciones de U2, pues había tenido que ser sometido a una cirugía, probablemente de columna, y necesitaba tiempo para recuperarse. El rumor, lamentablemente, resultó ser cierto, y la agrupación tocará sin él. Esto de reemplazar músicos y salir de gira mientras ellos están ausentes, se convirtió en una triste moda que tiene que acabar. Se entiende que los artistas quieren recuperar el tiempo perdido tras la pandemia y, como el mismo comunicado oficial de U2 decía, desean volver a ver los rostros de sus seguidores. Lo que no pensaron es que los seguidores quieren ver sus rostros también, incluyendo el de Larry, no el de Bram van den Berg, su reemplazo. 

¿Quién es Bram van den Berg? Es un músico neerlandés que nadie conoce. Tan simple como eso. Si era absolutamente obligatorio reemplazar a Larry, ¿por qué no buscaron a alguien con más peso? Puede que su reemplazo me tape la boca con sus baquetas, pero de momento parece una horrorosa idea. Tomemos el caso de Mötley Crüe, quienes reemplazaron a Mick Mars con John 5, un tipo de gran recorrido y reconocimiento, y de quien se tenía muy poca duda y, efectivamente, la está sacando del estadio. Cómo demonios se les ocurre reemplazar al tipo que les dio su primer y único trabajo. De no ser por Larry, no habría U2, y Bono, The Edge, y Adam Clayton tendrían trabajos de 9 a 5. Dicen que la decisión de este reemplazo, temporal, espero, fue tomada en común acuerdo, pero no habría sido más sensato y respetuoso haber dicho algo así como "Larry, no vamos a salir de gira sin ti. Nunca lo hemos hecho, y no lo haremos ahora". Un poco de respeto con el dueño del letrero habría sido genial. Le están pasando por encima. lo están "ninguneando". ¡Es puto Larry Mullen! Le deben todo. 

Hace poco escuchada al productor Rick Beato hablar sobre este asunto, y dijo algo que me sacó más de casillas: "Achtung Baby es un álbum en el que la batería de Larry es fundamental, y ¿van a salir de gira sin él?" Es cierto, analicen la batería de las canciones del disco, la batería es otra cosa. ¡Vamos! ¡Tan importante es, que hasta en una canción se oye como a Larry se le cae una baqueta y sigue tocando! 

CONTINÚA DESPUÉS DE LA FOTO

El cuestionamiento que hago sobre si U2 debe seguir adelante o colgar la toalla no se debe solo a la lamentable omisión de Larry Mullen de su última gira. Sus tres últimos discos, excepto por el ya mencionado Songs of Innocence, han sido más un desastre que cualquier otra cosa. Los inexpresivos y pálidos No Line on the Horizon y Songs of Experience no lograron cautivar a muchos, creo que ni a ellos mismos. Usualmente, a todas las bandas les llega la hora en la que su música nueva no convoca y pueden lanzar uno que otro disco flojo, pero también llega la época en la que rebotan con algo de calidad y el río retoma su cauce. Lastimosamente, a U2 no lo veo en ese plan. El plan de refrescarse, renovarse, volver a tomar uno que otro riesgo creativo. Los veo en el plan de mirar para atrás, de vivir del pasado, tal vez porque fue mejor. ¿Pruebas? La gira conmemorativa de The Joshua Tree, la recientemente anunciada serie de conciertos enfocados en Achtung Baby, y el lanzamiento de Songs of Surrender, una colección de versiones nuevas de canciones viejas que, por lo que han dejado escuchar hasta ahora, tiene pinta de somnífero. Tres proyectos interesantes, sí, pero ¿dónde está lo nuevo? 

U2, te amo, pero lo que están haciendo no es necesariamente emocionante, y una buena sacudida no vendría nada mal, pues la banda se está convirtiendo en un acto de nostalgia, cuando siempre habían sido referentes de avance y riesgo. 

¿Es Queen el mejor grupo de rock clásico?

 

Liberty Games, empresa británica vendedora de juegos como billar, ping pong, futbolín, dardos, entre otros, se salió -por alguna extraña razón- de su zona de confort para realizar un estudio de los artistas más escuchados alrededor del mundo. Tomando estadísticas de reproducción de YouTube, se pusieron en la tarea de encontrar los artistas y canciones más populares en el planeta. Mientras que en el presente, personajes como Ed Sheeran y Bad Bunny dominan el gusto de las personas, el estudio también analizó cuáles son los grupos de rock clásico que más se oyen en el mundo.

En varios países de América Latina, Guns N' Roses goza de gran popularidad, sobre todo en Colombia y Brasil, donde el grupo recientemente llevó a cabo una serie de exitosos conciertos. Por su parte, AC/DC es el líder en reproducciones en Estados Unidos y Canadá siendo también profetas en su tierra Australia. Pero un artista parece ser el dueño del mundo: Queen, como lo muestra la siguiente gráfica:

En buen parte de Suramérica y prácticamente toda Europa Queen reina. Y es que, según los datos que arrojó el estudio, en los últimos 12 meses los de Freddie Mercury fueron el artista más escuchado en 63 países, más que cualquier otro artista en todos los géneros, y tuvo la no menor suma de 1.86 billones de reproducciones en total. El top 10 lo completan Guns N' Roses con 1.33, AC/DC con 1.33, Bon Jovi con 1.05, Metallica con 1.05, Nirvana con 1.05, los Beatles con 1.01, los Rolling Stones, 571 millones, Creedence Clearwater Revival con 561 millones, y Pink Floyd con 494 millones. Una de las más grandes sorpresas del estudio es la casi total ausencia de U2, quienes -a pesar de ser inmensamente populares- solo lideraron en Angola. 

Esto abre el debate de si Queen es el mejor grupo de rock clásico por encima de otros como los Beatles, los Stones, Led Zeppelin, y Black Sabbath. ¿Pueden estar 63 países y 1.86 billones de reproducciones equivocadas? Probablemente no. 

Salman Rushdie y su conexión con U2

Cuando se escucha el nombre de Salman Rushdie lo primero que viene a la mente es su obra como escritor. Sin embargo, hace 22 años se dio el lujo de ser, hasta la fecha, la única persona en escribir una canción para U2.

En 1999, el autor británico estadounidense de origen indio lanzó su novela The Ground Beneath Her Feet, en la cual el personaje Ormus Cama escribe la letra de una canción inspirándose en su amada. Rushdie le propuso a Bono hacer la música para la letra en cuestión. U2 se encontraba ocupado grabando All That You Can't Leave Behind, pero Bono aceptó. En un descanso durante las sesiones de grabación, Bono y el productor Daniel Lanois se pusieron manos a la obra y compusieron la canción. Inicialmente, la idea era incluirla en el nuevo disco, pero el resto del cuarteto irlandés no estaba muy convencido con la misma. En entrevista con Rolling Stone, el guitarrista The Edge señaló que el álbum "ya tiene muy buenas baladas" y una más era demasiado. Tras no llegar a un acuerdo sobre el uso de la canción, Bono decidió incluirla en la banda sonora de la película The Million Dollar Hotel, la cual él estaba produciendo. A pesar de no haber sido incluida All That You Can't Leave Behind, en ediciones posteriores del álbum se decidió incluir la canción. 

Según Rushdie, The Ground Beneath Her Feet tiene "unas de las más hermosas melodías que Bono haya escrito". Pese al rechazo inicial que sufrió el track, U2 la lanzó como sencillo en el primer semestre del año 2000, y en su video Salman Rushdie hizo una breve aparición. Si me preguntan, coincido con el escritor, esta es una de las más hermosas melodías en una balada de U2. 

 

Momentos Spinal Tap en la vida real

Todo seguidor del rock ha visto la película de Spinal Tap, pero si por alguna razón ese no es su caso, he aquí una breve descripción de la misma: esta relata la historia de un grupo de rock, Spinal Tap, y lo que gira entorno a él, todo de una forma caricaturesca y mofándose del género y sus intérpretes. Durante el filme, ocurrencias como quedarse atrapado en la utilería del escenario, no encontrar cómo llegar a este, y mandar a hacer utilería en el tamaño equivocado dan forma a la trama. Por más inverosímil que suene, cosas como estas han sucedido en la vida real. Aquí algunas de ellas:

-Guns N' Roses saluda a la ciudad equivocada

Pregúntele a un artista dónde está y de dónde viene. Es muy probable que, con tantos viajes por el mundo, tengan que pensar la respuesta por un momento. No es anormal que un músico se dirija a la ciudad equivocada. Eso le pasó a Guns N' Roses en 2017 en su parada en Sydney, Australia. McBob, técnico de guitarras y encargado de presentar a la banda cada noche, saludo al público diciendo "Hello, Sydney", pero el grupo estaba en Melbourne. Después de unos cuantos chiflidos, el grupo saltó al escenario e hizo olvidar el error con una buena descarga de rock n' roll.

U2 queda atrapado en su propia utilería

En 1997, en el marco de la gira Popmart, el grupo irlandés fue protagonista de su propio momento Spinal Tap al quedar atrapado dentro de un limón gigante del cual deberían salir para tocar en un escenario alterno y más cercano al público. El problema fue que una vez llegó la hora de hacer su magistral salida y descender por una escalera cual dioses, el limón no abrió y tuvieron que ser rescatados antes de poder continuar con su presentación. 

Black Sabbath mandó a hacer utilería del tamaño equivocado

En una movida que inspiró una de las escenas más famosas de la película, los pioneros del metal ordenaron la fabricación de las piedras de Stonehenge en un tamaño que impedía su entrada a los lugares en los que tocaban. El cuarteto británico ordenó la estructura de un tamaño de 15 metros, pero realmente querían una de 15 pies. En la película, los integrantes de Spinal Tap pidieron un Stonehenge de 18 pulgadas, pero querían uno de 18 pies. 

Problemas con las exigencias para el camerino

En la película, el guitarrista de Spinal Tap hace un ridículo reclamo sobre el tamaño del pan, cuyas tajadas son muy pequeñas para el tamaño del jamón. La cantante Cristina Aguilera ordena sus bebidas calientes a una temperatura no menos 175 Fahrenheit y sus pastillas de vitamina C deben tener la forma de los personajes de los Picapiedra. 

Amplificadores que tienen hasta 11 de volumen 

Si alguna vez ha visto un amplificador, sabe que estos solo llegan (o llegaban) hasta 10. En la película, el guitarrista de la banda quiere que su amplificador llegue hasta 11 y no pueden entender por qué esto no es posible. A raíz de la película, muchas compañías comenzaron a fabricar amplificadores que van hasta 11. 

Blink 182 se pierde antes de salir al escenario

En una de las escenas más divertidas de la película, la banda se pierde en su camino del camerino al escenario. Eso mismo le ha pasado a Blink 182, quienes, según su cantante y bajista Mark Hoppus "nos hemos perdido en varias ocasiones por unos 10 minutos tratando de encontrar el escenario". Stuart Murdoch, de la banda Belle & Sebastian, cuenta una historia similar y aún más jocosa: "en uno de los pasaje de nuestros conciertos suelo desaparecer del escenario. Una noche en la Sydney Opera House quería aparecer en otro lugar del auditorio, en un balcón o algo, y sorprender a los seguidores, pero tomé una salida equivocada y terminé en un centro comercial". 

 

Batman, Nirvana, y la Importancia de la Banda Sonora

 

Hubo una época hacia mediados de los 90 en la que las bandas sonoras eran de gran importancia tanto para el artista como para la película. Eran un vehículo de promoción en ambas vías. Recuerdo haber comprado varios discos compactos de bandas sonoras solo por una o dos canciones, para terminar conociendo muchos otros grupos presentes en las mismas. Si una banda quería tener una gran cobertura, poner una de sus canciones en una banda sonora era vital. Tan importante eran las bandas sonoras, que artistas de gran talla escribían música exclusivamente para estas. Los filmes de Batman, junto con los de James Bond, siempre han sido apetecidos por músicos. Para la película de 1989 de Batman, Prince compuso un álbum exclusivamente para acompañar la producción cinematográfica protagonizada por Jack Nicholson y Michael Keaton. Los Smashing Pumpkins y U2 compusieron también temas para película del superhéroe. La de U2- Hold me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me- generó tal obsesión en mí, que la grabé varias veces en un casete de 60 minutos, así podía escucharla sin parar. 

Con el paso del tiempo, las bandas sonoras perdieron importancia. Los grupos, por alguna razón, dejaron de tener interés en ellas. Con la nueva película de Batman, protagonizada por Robert Pattinson, la importancia de una banda sonora vuelve a tomar vuelo. Mientras su director, Matt Reeves, escribía la historia, escuchaba Nirvana, inspirándose en Kurt Cobain para crear a Bruce Wayne, señalando que dicho personaje "tiene algo de Kurt Cobain, parece una estrella de rock, pero notas que también puede ser un ermitaño".

Una de las canciones que escuchaba Reeves mientras trabajaba en la película es "Something in the Way". Si bien esta no es una de las más populares del súper exitoso Nevermind, de hecho, es la última del disco, crea un ambiente perfecto para acompañar la frialdad y oscuridad de la película y sus personajes. La canción, escrita por Cobain, habla sobre vivir debajo de un puente y tuvo como inspiración una época en la que el líder de Nirvana no tenía dónde dormir. La leyenda señala que Cobain dormía debajo de un puente, pero eso nunca ha sido corroborado. Cuando se piensa en Nevermind, se piensa en canciones como Come as you Are y Smells Like Teen Spirit. Sin embargo, 31 años después de su lanzamiento, Batman logró hacer de Something in the Way todo un éxito, llevándola a pasar de 72.000 reproducciones antes del estreno de la película (que no es que sea poca cosa) a 3.1 millones. Lo mejor de todo, nuevas generaciones comienzan a descubrir lo hermoso que es un álbum como Nevermind. 

La historia de New Year's Day, de U2

 

Una canción que comienza con las letras "todo está callado en el día de Año Nuevo" tiene que ser una canción que habla sobre el primer día del año, ¿cierto? Después de todo describe exactamente el estado de la mayoría de las ciudades cada primero de enero. Pues, no, esta canción tiene un contenido mucho más amplio y profundo.

Quien conoce algo más a fondo la música de U2, sabe que está fuertemente cargada de crítica social y contenido político, además de religioso. Pero, dada la increíble astucia de Bono y su corte, dichos mensajes han sido bien "camuflados" en medio de melodías pegajosas y simbolismos. New Year's Day, su primer éxito a nivel internacional, es exactamente así. Este sencillo del álbum War tiene un contundente mensaje político acerca del movimiento polaco Solidaridad. 

En 1980 el movimiento, el cual estaba bajo el liderazgo del futuro premio Nobel y presidente Lech Waɫesa, tuvo la valentía de retar la opresión del gobierno comunista de Polonia, lo que llevó a que en 1981 Solidaridad fuera proscrito y sus integrantes encarcelados. 

Al parecer, originalmente New Year's Day era una canción de amor de Bono para Alison Stewart, su futura esposa (ahora mejor conocida como Ali Hewson), pero el mensaje pronto cambió. En entrevista de 2012 para Rolling Stone, el líder del cuarteto irlandés señaló que, en muchas ocasiones, las letras las crea sobre la marcha: "improvisamos mucho. Debí estar pensando sobre Lech Waɫesa en la cárcel. Luego, mientras grabábamos la canción, anunciaron que la ley marcial sería levantada el día de Año Nuevo". 

Letras como "bajo un cielo rojo sangre, una multitud se ha reunido en blanco y negro. Brazos entrelazados, los pocos elegidos. El periódico dice que es verdad, podemos liberarnos. A pesar de estar partidos en dos, podemos ser uno", hablan sobre cómo la gente de Europa del este a comienzos de los 80 clamaba por libertad y justicia. 

Si sus oídos se cruzan con esta canción algún primero de enero, ya sabrán de qué se trata realmente. A todos les deseo un muy feliz año.

La agonía de las ceremonias de premios

 

Cuando era adolescente, la noche en que se llevan a acabo los premios MTV era supremamente especial, pues podía ver a mis artistas favoritas ser reconocidos y sentirme parte de sus triunfos, además de, en algunas ocasiones, verlos tocar en vivo, algo que por aquel entonces parecía un sueño distante. Tan especial como la ceremonia de entrega de premios, era el día después. Recuerdo llegar al colegio a debatir intensamente con mis amigos sobre la presentación de Metallica en 1996, el desenfado absoluto de Marilyn Manson en 1997, el "mal genio" de Liam Gallagher sobre el escenario en el 96, y la apertura de la ceremonia de ese mismo año a cargo de los Smashing Pumpkins. Pero esa euforia anual de repente se acabó, y ahora los premios son tan importantes como un cero a la izquierda. 

Los Oscar, premios que solían ser vistos por alrededor de 40 millones de personas, en los últimos años ya no llegan ni a 30. Aún es una cantidad importante de televidentes, pero el declive en el interés en este tipo de eventos ha aumentado considerablemente, pero ¿por qué? Aquí analizo posibles causas.

1. Nos vamos volviendo viejos

Seamos realistas. El tiempo nos alcanza a todos y hace que nuestros intereses cambien. Algunos están muy ocupados trabajando o cambiando pañales como para aguantarse 4 horas de televisión. Otros prefieren leer un libro mientras toman un vaso caliente de té verde. Lo que nos atraía como adolescentes no necesariamente nos atrae en otras etapas de la vida. Los canales, al tanto de esto, diseñan las entregas de premios con un target joven en mente. Aquellos que gritan al ver a sus artistas predilectos caminar por la alfombra roja, los que aún invierten grandes sumas de dinero en discos, conciertos, camisetas, esos son los importantes. Nosotros, los canosos, no. 

2. ¡Hay demasiados premios!

Hace dos décadas (quizás algo más) los premios que "tocaba ver" eran los Oscar, los Grammy, los Billboard, los MTV, y los Emmy. De un momento a otro comenzaron a aparecer eventos de galardones al por mayor, más de los necesarios. Por más que amemos a algunos artistas, verlos cada dos semanas (o menos) pierde sorpresa y magia. Más cuando podemos verlos con mucha frecuencia en sus redes sociales, ya no necesitamos verlos por 5 minutos en una entrega de premios.

3. Los mismos besando el trasero de los mismos.

Las entregas de premios se convirtieron en eventos predecibles y monótonos. Cada temporada de premios llega con los mismos actores, grupos, músicos nominados. Así como las mismas películas, canciones y álbumes, lo cual lleva a que todas los premios sean básicamente una copia de los otros. Los mismos presentadores adulando a los mismos actores y músicos, diciéndose que son los mejores y que sin ellos nada sería igual. Los mismos artistas tomando el escenario para cantar las mismas canciones y luego recibir un premio que probablemente ni merecían. 

4. ¿Se premia realmente lo mejor?

La industria del entretenimiento quiero meternos los dedos en la boca y hacernos creer que no sabemos nada y que ella lo sabe todo. ¿Cómo puede uno creer que los cuatro gatos que nominan a determinada categoría son realmente lo mejor que hay? No hay forma de saber eso, a menos que quienes escogen a los nominados hayan hecho la perfectamente imposible tarea de oír toda la música del mundo y ver todas las películas. Usualmente se equivocan, por ejemplo: en 1989 Metallica perdió a manos de Jethro Tull el premio en la categoría de Mejor artista de hard rock/heavy metal. ¿Es Jethro Tull hard rock o heavy metal? NO. Duff McKagan, bajista de Guns N' Roses, alguna vez dijo no entender los premios en la música, pues el arte no es un deporte, por ende, no debería haber competencia.

5. Ya no nos importa aquello que no podemos controlar

Con la llegada de nuevas tecnologías cada vez estamos más en control del contenido que consumimos. En los 90 nos tocaba recibir lo que la industria del entretenimiento nos quería dar. Si teníamos tres canales de televisión y no daban sino 3 películas a la misma hora y ninguna nos gustaba, nos tocaba ver alguna o apagar el televisor. Simple. Hoy, podemos escoger qué ver, qué oír. Incluso, podemos esperar al día siguiente y buscar en Youtube algún momento específico de una ceremonia, y sin tener que aguantarnos hasta que dicho momento suceda, casi de la misma manera en la que ya no tenemos que llamar a una emisora a pedir una canción. Ya no queremos que un grupo de ejecutivos aburridos nos digan que la mejor película es esta o aquella, que la mejor canción del año es la de Pepito o Fulanito. Lo mejor es lo que a nosotros nos gusta. Punto. Es por esto que una vez llega diciembre, millones de personas en todo el mundo, me incluyo, esperamos con ansias el Spotify Wrapped, algo así como nuestra propia entrega de premios en la que la famosa aplicación de música y podcasts nos cuenta qué fue lo que más escuchamos. Lo amamos porque lo controlamos. 

Los 20 años del iPod

 

Hubo una época en la que no se podía llevar la música en el bolsillo, a menos que vistiéramos pantalones talla XXXXL y sus bolsillos fueron lo suficientemente grandes como para que cupiera un reproductor de CD portátil, mejor conocido como discman, o que lleváramos una grabadora en el hombro. Todas situaciones supremamente engorrosas. Pero el iPod llegó a nuestras vidas en 2001 para cambiarlas para siempre.

Este curioso y, al menos por aquel entonces, casi inexplicable aparatito no solo cambió nuestras existencias (especialmente la de los melómanos) sino la de Apple. La compañía no eran gran cosa por aquel entonces, y andaba buscando algo que la salvara. Para su fortuna, un buen día de octubre de 2001, el gran Steve Jobs se montó al escenario para presentar el primer iPod. La reacción de la industria y el público general fue de gran confusión. No se entendía por qué la empresa de la manzana mordida lanzaba un reproductor de MP3, cuando lo suyo eran los computadores. Por otra parte, hace dos décadas el ya mencionado discman, e incluso el walkman, seguía gozando de bastante popularidad. 

El éxito del iPod no fue inmediato. Tuvieron que pasar varios años para que cogiera vuelo, pero eventualmente se convirtió en la gallina de los huevos de oro de Apple. No solo todo el mundo tenía uno, sino que otras compañías de tecnología empezaron a lanzar los suyo, y -por supuesto-las imitaciones tampoco se hicieron esperar. El precio de la codiciada pieza tecnológica salió al mercado en casi 400 dólares, así que solo la gente con billeteras gordas pudo tener una en sus manos. 

Con el paso del tiempo, Apple comenzó a lanzar diferentes modelos del iPod. A la edición Classic, llegaron a hacerle compañía el Mini y el Shuffle, estos últimos muy populares por sus vivos colores, pequeño tamaño y un precio más cómodo. Además, otros modelos no solo reproducían audio sino también video. Por si fuera poco, se conectaban al computador y se sincronizaba con la colección musical que las personas tuvieran en iTunes. El iPod era tan popular, que incluso U2 tuvo una edición especial. Toda una fórmula explosiva. (continúa después de la foto)

20 años después de su llegada, el iPod ha sido descontinuado por Apple, y conseguir uno es toda una odisea. Los teléfonos inteligentes o smartphones lo han desplazado, por no hablar de las aplicaciones de música como Spotify, Deezer, o Apple Music. Y es que la música ya no es para comprar, sino para arrendar, y las nuevas tecnologías así lo saben. A pesar de la desaparición del hermoso y útil iPod, no es de descartar que este pueda hacer un regreso. Basta con mirar al vinilo y el casete, tecnologías que se creían muertas, pero hoy tienen una nueva oportunidad. Así que no vendan ni pierdan sus iPods, en unos años los podrán necesitar. El mío, un iPod Classic en el que tenía toda mi colección musical, se me cayó en el inodoro y no funciona muy bien. De ese tamaño era mi adicción a este dispositivo. 

Artistas que fueron rechazados por sellos discográficos

Todos tenemos que comenzar en algún lugar. Lastimosamente, ese lugar es -al menos en muchas ocasiones- ser rechazado por una persona, lugar, o empresa. Nos pasa a todos los mortales. Incluso a aquellos artistas que hoy consideramos están por encima del bien y del mal. 

Dave Grohl

Pensar que uno de los tipos más importantes del rock en las últimas dos décadas, baterista de Nirvana y líder de los Foo Fighters fue rechazado alguna vez parece un total disparate. Pero cuando tenía 14 años, Grohl fue rechazado por Ian MacKaye, fundador de Dischord Records, cuando trataba de irrumpir en la escena con Mission Impossible, su primer grupo. MacKaye no tuvo interés alguno por la canción que Grohl le envió, y le cerró las puertas de su disquera. Tal vez fue la inocente y tierna carta escrita a mano no le no convenció a MacKaye. 

Madonna

Si bien la leyenda pop estadounidense no es santo de mi devoción, hay que hacer un gran esfuerzo para no reconocer su talento y carisma. Ese esfuerzo lo hizo exitosamente Jimmy Lenner, a quien Madonna envió sus demos justo antes de firmar con Sire Records. El hombre afirmó que no ver el sentido en la música de la joven cantante, pero como dicen por ahí: quien ríe de último, ríe mejor. Madonna vendió 10 millones de copias de su álbum debut. 

U2

Si existe un grupo especializado en hacer grandes éxitos, ese es el liderado por Bono. Canciones como With or Without You, Where the Streets have no Name, y One, lo demuestran y hacen imposible pensar que alguna vez fuera rechazado. Pero lo fueron. En 1979, justo antes de lanzar su primer sencillo, U2 fue rechazado por el gerente general de RSO. En una carta que no tiene más de cinco renglones, el ejecutivo señaló que el cuarteto no era lo que buscaban en ese momento. ¡Lo que debe ser vivir con tan mala decisión!

Oasis

A mediados de los 90, el grupo de los hermanos Gallagher salvó al rock británico del letargo en el que se encontraba. El panorama musical era dominado por el rock alternativo estadounidense y por grupos como Nirvana, Soundgarden, y Pearl Jam, hasta que apareció Oasis. Noel Gallagher era gran fan de bandas firmadas por Factory Records, como New Order y los Happy Mondays, por ende, decidió que su grupo debería audicionar para ellos. ¿La respuesta del sello? un rotundo "no", con el que no solo le cerraron la puerta a los Gallagher, sino también a toneladas de dinero. 

Beatles (¡Sí! ¡Los putos Beatles!) 

Si hasta el cuarteto de Liverpool fue rechazado, ¿qué nos queda a los ciudadanos de a pie? Después de volverse maestros de tocar en vivo tanto en Liverpool como en Hamburgo, los Beatles decidieron comenzar a tocar puertas. La primera fue la de Decca Records, donde trabajaba quien fuera vital en su carrera: George Martin, quien incluso llegó a calificar su audición para el sello como "basura". Pero fue Dick Rowe quien los rechazó, todo en favor de Brian Pool and the Tremeloes, argumentando su decisión en el hecho de que este grupo vivía más cerca al estudio de grabación. Rowe pasó a la historia por ser "el hombre que rechazó a los Beatles". 

 

Las frases más célebres de Noel Gallagher

 

Si por algo caracteriza a Noel Gallagher, además de ser un gran músico, es por tener una boca que no tiene temor a decir cualquier cosa. A lo largo de los años, el exguitarrista de Oasis ha dicho varias frases célebres sobre la vida, su música, y otras celebridades que vale la pena recordar...y reír al leerlas. 

Sobre sí mismo.

"Por mucho, soy un guitarrista promedio".

Sobre hacer un álbum en vivo de Oasis.

En 1997, antes de que en el mercado hubiera un disco en directo del grupo británico, Noel habló sobre el tema, aprovechando, por supuesto, para lanzarle un dardo a las habilidades musicales de su hermano Liam: "Vamos a hacer un álbum en vivo cuando se me acaben las ideas para canciones, o cuando Liam comience a componer". 

Sobre el consumo de drogas.

-"Si hubiera medallas en Inglaterra por consumir drogas, habría ganado montones".

-"No fui a rehabilitación como todos mis amigos hicieron. Malditos blanditos".

Sobre Keane.

En extrañas ocasiones se le oye a Noel hablando bien de un colega, desafortunadamente para el grupo británico Keane, ellos no hicieron parte de esas extrañas ocasiones, pues el mayor de los Gallagher afirmó sentirse mal por ellos, ya que "siempre serán aburridos, no importa lo que hagan, incluso si alguno de ellos empezara a inyectarse heroína en su pene". 

Sobre su hermano Liam.

-"Es grosero, arrogante, intimidante y perezoso. Es el hombre más bravo que conocerás. Es una persona con un tenedor en un mundo de sopas".

-"Leo las entrevistas con él y no lo reconozco, parece muy buena onda. El tipo con el que he estado en la banda es un puto idiota".

Sobre Victoria Beckham.

"¿Por qué está escribiendo un puto libro? No puede masticar chicle y caminar en línea recta al mismo tiempo, menos va a poder escribir un libro".

Sobre integrantes de Blur.

-"Una de las peores cosas que me pasó fue cuando dije que a Damon Albarn y a Alex James les daría sida. Mi mamá me llamó realmente enojada y me dijo que no me había criado para hablar así".

-"Damon Albarn es un puto idiota. Y su guitarrista, quien pensé estaba bien, parece creer que es un superhumano".

Sobre Jack White.

2Acaba de hacer una canción para Coca Cola. Se supone que debe ser un modelo a seguir de la forma alternativa de pensar. Eso está putamente mal. Particularmente con Coca Cola. Es como hacer un puto concierto para McDonald's".

Sobre U2.

"Toquen 'One' y dejen de hablar de África.

Sobre Dios.

"No creo en la religión, aunque me parece fascinante que se haya convertido en algo tan poderoso en el mundo y ha dictado los valores de las sociedades por cientos de años, pero no veo la mano de Dios trabajando en ningún lugar del mundo".

Sobre tocar Wonderwall en vivo.

"La gente me pregunta si me aburro de tocarla. Cómo puede uno aburrirse de escuchar a 15.000 personas cantando la canción. Es mejor que las drogas. Te pones erecto cada vez que oyes eso". 

La última canción que escuchó Joey Ramone

 

Inmersa en el mar de éxitos que es All That You Can't Leave Behind, aclamado álbum de U2, yace una joya que Joey Ramone, cantante de los Ramones, escuchó en su lecho de muerte. 

Bono -cantante de U2- escribió In a Little While pensando en su esposa, además de tomar inspiración en acontecimientos sociopolíticos. Al parecer, el vocalista del cuarteto grabó la voz de forma improvisada y justo después de una noche de fiesta. A pesar de la resaca, logró un resultado bastante especial. Lo que inició como una canción de amor, terminó tomando un significado absolutamente distinto cuando la canción llegó a oídos de Joey Ramone, quien se encontraba hospitalizado en Nueva York, luchando por su vida.

El hermano de Joey -Mickey- y su madre fueron llamados al hospital para que se despidieran del músico. Mickey llevó consigo una copia de All That You Can't Leave Behind y puso la canción en cuestión. Posiblemente, buscando, a través de la letra, que su hermano consiguiera algo de comodidad en sus últimos momentos:

"En un rato más este dolor no dolerá más".

Días más tarde Bono, al enterarse de esto, presentó la canción en un concierto de U2 como una canción que trataba de un guayabo pero que a raíz de lo sucedido con Joey Ramone había tomado un sentido distinto:

"Esta es una canción que Joey Ramone amaba. Fue la última canción que él escuchó, y eso es asombroso cuando creciste siendo fan de su música. Joey convirtió una canción sobre un guayabo en una canción gospel, así es que la oigo ahora", señaló Bono antes de interpretar la canción. 

Jesus Rocks!

 

Let's face it: Jesus and rock n' roll rarely read properly in the same sentence, not to mention that anything that's related to religion is not exactly deemed as cool when it comes to heavier music genres, unless, of course, that red dude with horns is involved or the lyrics are full of anger toward the man. Very few bands have gotten away with being devoted to the Lord. U2 is the first name that comes to mind. However, others acts have pulled it off as well and gave us some awesome rockin' tunes about Jesus. 

Soundgarden- Jesus Christ Pose.

The song doesn't explicitly talk about Jesus, but its lyrics are a direct hit at the culture of idolizing characters in popular culture, and treating them like deities and martyrs. One of Soundgarden's best and heaviest songs, Chris Cornell (by the way, didn't he look like Jesus in the early days of the band?) reaches some of the highest notes ever. 

Bon Jovi- Hey God.

We have all been mad at God at some point or another. Well, Jon Bon Jovi was pissed as hell (no pun intended) at him. Complaining about why is the Lord not present in the lives of all us, and telling us about people who were seemingly abandoned by the divine powers of Jesus. A man who's about to lose his house and has no money, and a woman whose son just got convicted are just some of the people Jon is fighting for, all while ironically telling God about how busy he must be. 

Depeche Mode- Personal Jesus.

Inspired by Priscilla Presley's book Elvis and Me- a tribute to none other that Elvis himself- Martin Gore wrote the song about how all of us have the choice to find our own Jesus in those we adore. It could be as easy as deifying the object of your affection. It could be your significant other, your mother, father, brother, it could even be yourself. 

Cuando U2 enloqueció con su proyecto Passengers

 

Si bien U2 pasó la década de los 90 probando fórmulas exóticas y extravagantes, tal vez su proyecto Passengers sea la cúspide de su locura musical. 

Cuando los 80 finalizaron, la banda irlandesa señaló ante un público confundido que tenían que "soñarlo todo de nuevo". Muchos temieron que Bono se estaba refiriendo al final del grupo, pero afortunadamente hacía alusión a la dirección musical del cuarteto. La primera prueba de que todo estaba cambiando fue Achtung Baby, álbum que fue grabado en Alemania y bajo una crisis interna que amenazó con acabar su carrera. En 1993, llegó Zooropa, el cual ahondó más en la experimentación y trajo consigo más intensos tintes electrónicos. La década concluyó con Pop, la entrega total a la música electrónica. Pero quizás el lanzamiento más extraño de lo 90, ocurrió justo en el ombligo del decenio: Original Soundtracks 1, lanzado en 1995 bajo el pseudónimo Passengers.  

El álbum, hecho con la ayuda de Brian Eno como el quinto integrante de la banda y con invitados especiales como Luciano Pavarotti y el DJ Howie B, es una colección de 14 canciones escritas en su mayoría para películas imaginarias (¿hay algo más experimental que esto?). Debido a la participación de Eno y la extraña naturaleza de la música, los integrantes de U2 decidieron lanzaron bajo otro nombre, lo cual hizo que el recibimiento del mismo por parte de fans y críticos fuera aún más frío. 

Una vez finalizada la gira Zoo TV en diciembre de 1993, el grupo comenzó a componer para un nuevo álbum, pero las ideas no fluían y según Eno "tocaron un muro" creativo. La idea inicial era componer la banda sonora para una película llama The Pillow Book, del director Peter Greenaway, pero eso no funcionó, razón por la cual la banda decidió seguir por la onda de escribir música para películas y, casi que burlándose de ellos mismos, crearon varias imaginarias. Lo más curioso de todo es que en el librillo del CD incluyeron explicaciones de las películas para las cuales fueron escritas los temas. 

Las canciones de la producción pasaron por fuera del radar, excepto por Miss Sarajevo, primer sencillo y una de las pocas canciones que sí fue hecha para una película real. Your Blue Room, canción que sonaba muy parecido a lo que U2 hacía habitualmente, iba a ser el segundo sencillo, pero dicho plan fue cancelado debido al poco éxito comercial del proyecto. Al parecer, ni a los propios miembros del grupo pareció gustarles el álbum. Larry Mullen, baterista, ha señalado en varias ocasiones su desprecio por el mismo, afirmando que "hay una línea delgada entre música interesante y autocomplacencia. La cruzamos con Passengers". 

U2 celebra los 20 años de All That You Can't Leave Behind

 

Cada final de década parecía traer una especie de crisis de identidad musical a U2. A finales de los 80, en un concierto en vísperas de Año Nuevo, Bono señalaba que el grupo debería alejarse para soñar todo de nuevo. El extraño mensaje fue tomado por muchos como un anuncio de separación del cuarteto irlandés. Pero fue solo un susto, pues realmente el mensaje hablaba de buscar un nuevo sueño musical, en el cual la banda estuvo sumergida durante toda la década de los 90. Experimentando fuertemente con sonidos electrónicos y haciendo giras masivas con espectáculos extravagantes a la vista. Una vez llegó 1999, el grupo se encontraba de nuevo en esa rara encrucijada musical. La época de coquetear con otras tendencias musicales parecía haber pasada y, de hecho, no haber funcionado del todo bien. Sobre todo con el álbum Pop, en el que, para muchos, U2 exageró en todo sentido, haciendo de este uno de los menos aclamados de su catalogo. 

All That You Can't Leave Behind, décima producción del grupo, fue un regreso relativamente cercano a sus raíces y todo un acierto a nivel comercial. Canciones como Beautiful Day, Walk On y Elevation fueron grandes éxitos radiales y ayudaron a impulsar al álbum al número 1 en más de 30 países y a vender alrededor de 12 millones de copias a nivel mundial. Su gira promocional fue a mucho menor escala y bastante más íntima que Popmart, tour con el que promocionaron Pop. 

Dos décadas después de su lanzamiento, es fácil ver (y oír) la importancia de este disco en el repertorio de U2. Temas como Beautiful Day, primer sencillo del álbum, y Stuck in a Moment you Can't Get out of se han convertido en insignias de la banda y favoritas de los fans. Para muchos, All That You Can't Leave Behind es la tercera obra maestra del grupo, solo por detrás de los legendarios Achtung Baby y The Joshua Tree. ¿Cómo llegó a ganarse un lugar en el podio de álbumes de un grupo que tiene ya una carrera de más 40 años? Fácil: es un lanzamiento tremendamente bien condensado. Al que no le hace falta nada ni mucho menos le sobra. Por otra parte, está cargado de canciones pegajosas que van directo al grano, sin importar tanto los adornos ni arreglos. Siendo un fan de la época experimental de U2, las canciones de este álbum tienen todo lo que nos hizo amar al cuarteto en primer lugar. Es fresco, es puro, es U2 sin disfraces. 

Para conmemorar los 20 años de esta obra maestra, el grupo lanzó una edición especial con canciones en vivo, versiones, alternas y varias canciones grabadas en la época pero que no tuvieron lugar en el listado final de canciones. Siendo la más destacada de esta The Ground Beneath Her Feet, la única canción en la historia de U2 que no fue escrita por ninguno de sus integrantes, sino por el escritor Salman Rushdie. ¡Tan bueno es este disco que una señora canción como esta no tuvo espacio!

¿Es The Joshua Tree de U2 el mejor álbum de los 80?

En una encuesta realizada por BBC Radio, los oyentes escogieron a The Joshua Tree como el mejor álbum de los 80, derrotando a pesos pesados de la década como Thriller, de Michael Jackson, al legendario Appetite for Destruction, de Guns N' Roses, a Prince y su Purple Rain, por nombrar algunos. El álbum, lanzado en marzo de 1987, ha vendido alrededor de 25 millones de copias a nivel mundial, pero ¿es el mejor álbum lanzado en la década de la laca y el copete Alf?

Sin duda, es uno de los mejores. Con canciones como Where the Streets Have No Name, I Still Haven't Found What I'm Looking For, y la conflictivamente romántica With or Without You, no hay forma de no hablar de un disco destacado, pero más allá de los éxitos y de su innegable impacto radial, además de los números en ventas y listados, debemos tener en cuenta su impacto cultural. ¿Es el mejor disco de U2? Tal vez. ¿Es el álbum que los terminó de consagrar? Sin duda. ¿Es el lanzamiento que más revolucionó los 80? No sé. Sí, su impacto en Estados Unidos fue enorme, llevándolos a hacerse gigantes en el país del Tío Sam e incluso a alcanzar la codiciada portada de la revista Time en su edición de abril de 1987, la cual los rotuló como "la boleta más apetecida del rock". continúa después de la foto...

Su impacto para el grupo, innegable. Para la cultura pop, también. Pero ¿fue realmente más contundente como muestra cultural que Thriller, Purple Rain, o Appetite for Destruction?. No lo sé, y con esto no pretendo robarle nada a The Joshua Tree, disco que tiene todo el derecho de estar en el pedestal en el que se encuentra. Tanto Michael Jackson, como Prince y Guns N' Roses tuvieron en los tres álbumes ya mencionados sus más emblemáticos logros. El Rey del Pop cambió para siempre la forma de ver videos gracias a cortometrajes como Thriller, y a la forma de contar historias de Beat It y Billie Jean, esto sin mencionar como invadió las frecuencias radiales. Por su parte, Prince creó una obra maestra con Purple Rain, además de una película. La canción que le da nombre a la producción tiene que ser una de las mejores de la historia, además de contar con uno de los solos de guitarra más majestuosos jamás interpretados. Guns N' Roses apareció en la escena como un trueno furioso para meterse en medio de tanto grupo glam prefabricado y recordar al mundo que el rock es frenético y estridente, dejándonos en dicho proceso el mejor álbum debut de la historia con Appetite for Destruction, el cual- dicho sea de paso- ha vendido más que el disco de U2, esto es relevante si el creemos a las cifras como señal de calidad, lo cual no siempre es así, pero ¿pueden 35 millones de copias estar equivocadas?

The Joshua Tree es y será siempre uno de los discos más importantes de los 80, ¿pero el mejor? Aún tengo mis dudas. Es muy difícil escoger el mejor en una década con tanta calidad y en la que todo estilo musical parecía funcionar.