¿Cómo beneficia al rock y heavy metal la presentación de Gojira en los Olímpicos de París?

Cuando se anunció que el grupo francés de death metal se presentaría en la ceremonia inaugural de París 2024 todos quedamos más bien sorprendidos, ya que nunca antes un grupo de música extrema había hecho parte de tal evento. Grupos de rock como The Who y Muse habían hecho parte de la ceremonia de clausura de Londres 2012, pero nunca nada de este nivel de agresividad musical, algo inaudito en estos tiempos en los que nadie se le mide a apostar por el rock, al menos no en eventos de alto perfil. Pero, ¿qué significa esto para el género?

Hubo una época en la que el rock y sus diferentes variantes estaban al frente del acontecer musical mundial. Entregas de premios, canales de música, eventos deportivas, todos contaban con la presencia del género. Sin embargo, el paso del tiempo y el cambio en gustos musicales de las nuevas generaciones llevaron a los dueños del rating a apuntar a otro lado. Uno menos orgánico, más prefabricado, predecible, y seguro. En resumen, menos rock. Tomemos el show de medio tiempo del Super Bowl, por ejemplo. A comienzos del presente siglo, artistas como U2, Paul McCartney, los Rolling Stones, The Who, Prince, se supieron colgar sus guitarras para encender el escenario de tan magno evento. De repente, los encargados del espectáculo decidieron irse por otro lado, uno sin guitarras, sin músicos, y lleno de coreografías trilladas. 

Por años se han alzado distintas voces reclamando más oportunidades para el rock en este tipo de eventos, pero nadie hace caso. Los shows del Super Bowl cada vez son más pobres y carentes de emoción. Artistas del corte de Rihanna, The Weeknd, Usher, generan más bostezos que efusividad. Por otra parte, tampoco han sido una buena banda sonora para un deporte lleno de energía y adrenalina. Energía y adrenalina que sí tienen el rock y el metal. ¿Se imaginan lo hermoso que sería si Metallica tuviera la oportunidad de hacer el show de medio tiempo? Quizás Foo Fighters, o tal vez Guns N' Roses. Seguro la sacarían del estadio y sacarían al evento del estado letárgico en el que cayó.

La presencia de Gojira fue apoteósica. Para algunos, el mejor momento de la eterna ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos. La energía, voltaje y, perdonen la palabra, cojones de Joe Duplantier y su combo casi tumban La Conciergerie con esa mezcla exquisita de metal con ópera. 

Es hora de que las guitarras estruendosas recuperen su lugar en el mainstream. Los "músicos" usando pistas rodeados de una docena de bailarinas sacudiendo el trasero ya pasaron de moda. El rock y el heavy metal merecen su medalla de oro. 

 

¿Y Si Vuelve el Rock al Super Bowl? (columna)

 

A comienzos de siglo, el rock dominaba el show de medio tiempo del Super Bowl. Quienes amamos el género esperábamos con ansias cada año que llegara el medio tiempo del partido, pues sabíamos que algún gran artista iba a montarse al escenario a darnos una buena dosis de rock. Infortunadamente, nuestra alegría terminó cuando en 2010 los encargados del espectáculo decidieron dar un giro radical a los artistas que se presentaban. 

De Paul McCartney en 2005, los Rolling Stones en 2006, Prince en 2007 con la mejor presentación de la historia del evento, Tom Petty en 2008, Bruce Springsteen en 2009, y The Who en 2010, pasaron a una fría y aburrida seguidilla de artistas que sencillamente no han tenido la talla ni el voltaje correctos para tan grande escenario. De Black Eyed Peas a Madonna, de Beyonce a Katy Perry, de Coldplay a Lady Gaga, pasando por palidísimas presentaciones de Justin Timberlake, The Weeknd, Maroon 5, hasta llegar al somnífero de Rihanna anoche. Ninguno ha realmente brillado en el escenario, al menos no de la misma forma en que lo hicieron quienes estuvieron en durante la primera década del siglo. Ni hablemos del desastre que fue Bruno Mars en 2014 cuando -para hacer las cosas aún peores- les dio por invitar a los Red Hot Chili Peppers para que estuvieran menos de 3 minutos y sin dejarlos tocar realmente en vivo, razón por la cual salieron a escena con los instrumentos desconectados y haciendo mímica. Una falta de respeto poner de acompañantes de Bruno Mars a unos tipos que para 2014 cumplían tres décadas haciendo música. 

No me entiendan mal. El pop o cualquier otro género merecen su lugar en el show de medio tiempo del Super Bowl, pues la buena música no es exclusiva de ningún estilo o corriente musical específica. Es solo que la fórmula no parece haber tenido los mejores resultados, y ya han pasado 14 años desde la última vez que un artista rock estuvo a cargo del medio tiempo. Se puede llegar a afirmar sin temor a errar que la razón tras el cambio de rock a pop está en el rating. Los organizadores seguro piensan que Rihanna les puede ayudar a subir los números de una forma que ningún artista rock puede. Eso puede o no ser cierto. Lo que sí es cierto es que el rock puede encender el escenario de una forma en que ningún otro género puede. Con músicos sudándola sobre el escenario, en vez de docenas de bailarines  y cero músicos. ¿Cuánto tiempo estuvieron los músicos de Rihanna anoche sobre el escenario? No pudieron haber sido más de 2 minutos. 

Cerremos los ojos un momento e imaginemos que en 2024 Metallica es el escogido para hacer el show de medio tiempo. Se apagan las luces. Suena The Ecstasy of Gold, pieza de Ennio Morricone que siempre suena por los altavoces justo antes de que la banda salga al escenario. El estadio se queda a oscuras. La gente grita. De repente, los inconfundibles acordes de Master of Puppets comienzan a estremecer el estadio. Metallica toca un fragmento de la canción. De este clásico pasan a la parte más pesada de One. Fuego y pólvora hacen su aparición. Se acaba la canción. James Hetfield hace "rechinar" su guitarra contra uno de los amplificadores. Comienza Enter Sandman. Más pólvora. Más fuego. Termina la canción. Los cuatro integrantes de Metallica hacen una venia y se retiran. El público y los jugadores quedan encendidos después de tanto voltaje. La energía de la banda en vivo contagia a los asistentes y jugadores. Se hace historia musical con tan solo cuatro tipos y sus instrumentos. Sin tanto bailarín ni gente flotando por los aires en plataformas. 

El día después del Super Bowl siempre sueño con un mejor mañana para el show de medio tiempo. Un mañana en el que Metallica, o Guns N' Roses, o Foo Fighters, la rompen sobre el escenario, pero hace un rato vi una foto de anoche del organizador del espectáculo junto a Billie Eilish en uno de los palcos del estadio y tuve que despertar. 

In Memoriam: Michael Lang, organizador de Woodstock

 

A los 24 años de edad la mayoría de nosotros está en la universidad o comenzando la vida laboral, entre otras tantas cosas normales. Otros, como Michael Lang, deciden partir la historia de la música en dos, qué digo dos, miles de pedazos, creando el festival contracultural más famoso de la historia.

Junto con Artie Kornfeld, a quien conoció cuando se mudó a Woodstock, Nueva York, tuvo la idea de organizar un festival que celebrara los movimientos artísticos de los 60, además de abrir un estudio de grabación. Dicha idea germinó en agosto de 1969, cuando- en la granja de Max Yasgur- se llevó a cabo el festival de Woodstock, el cual contó con la participación de los más importantes artistas de la época como Joe Cocker, Crosby, Stills & Nash, The Who, Santana, Janis Joplin, Jimi Hendrix, entre otros. 

El festival tendría otras dos ediciones, una en 1994, y una más en 1999, siendo esta un absoluto desastre por cuenta de los graves desórdenes que se presentaron durante los tres días del festival, principalmente durante las presentaciones de Limp Bizkit y los Red Hot Chili Peppers. En 2019 se planeó llevar a cabo una nueva edición del festival, con la cual se celebrarían los 50 años del mismo, pero problemas logísticos y financieros le pusieron fin dichos planes. 

Es cierto que desde el punto de vista logístico, Woodstock -sobre todo en sus ediciones de los años 69 y 99- fueron un verdadero desastre, pero su legado cultural es invaluable, a tal punto que al día de hoy se sigue hablando del festival. Woodstock marcó un hito en la organización de eventos culturales, y Michael Lang pasara a la historia como el hombre que tuvo la visión de crear una vitrina para aquellos que se sentían oprimidos pero que necesitaban una ventana para ventilar sus emociones e ideas. 

Astroworld y otros conciertos trágicos

Ir a un concierto es sinónimo de alegría y de pasar un buen rato. Sin embargo, ha habido ocasiones en las que, por diferentes razones, la felicidad se convierte en caos y descontrol. Tal fue el lamentable caso del festival Astroworld, en el que 8 personas perdieron la vida y hubo más de 300 heridos. Estos son algunos de los conciertos de la historia que terminaron en tragedia.

Pearl Jam en el festival Roskilde, junio de 2000

El grupo de Seattle encabezaba el cartel de artistas que se presentaron en el festival danés. Tras varios días de lluvia, el terreno se encharcó y se llenó de barro, lo cual hizo que este se pusiera peligrosamente resbaloso. Cuando Eddie Vedder y su combo tomaron el escenario, los seguidores del quinteto corrieron hacía el escenario, generando una estampida que dejó 9 personas fallecidas. En los años posteriores a la tragedia, los integrantes del grupo han conocido a algunos de los familiares de las víctimas y, según dicen, se han vuelto cercanos a ellos. 

Colapso del escenario en la Indiana State Fair, agosto de 2011

Una fuerte tormenta con vientos de más de 60 millas por hora soplaron en el lugar donde se llevaba a cabo el evento, haciendo que el escenario colapsara apenas unos minutos después de que los organizadores pidieran a los presentes buscar refugio. Como resultado de las fuertes ráfagas de viento, siete personas perdieron la vida, y 58 fueron heridas. Según las investigaciones posteriores, en el lugar había varias violaciones del código de seguridad, así como un débil plan de emergencias.

Incendio en el club The Station, febrero de 2003

La banda de rock Great White estaba tocando el club de Rhode Island, cuando su mánager encendió fuegos artificiales que causaron que la espuma de insonorización del lugar se prendiera en llamas, las cuales se propagaron rápidamente por el lugar, causándole la muerte a 100 personas e hiriendo a más de 200. Entre las víctimas fatales del suceso estuvo Ty Longley, guitarrista del grupo. El mánager de la banda y los dueños del lugar fueron acusados por homicidio involuntario, y estos últimos fueron a prisión. 

Concierto de The Who en Cincinnati, diciembre de 1979

Cientos de fanáticos del grupo inglés llegaron temprano al sitio del concierto para asegurarse un buen lugar una vez adentro. Cuando las puertas se abrieron, los asistentes corrieron y empujaron, creando una estampida que reclamó la vida de 11 asistentes. The Who había organizado una presentación en la ciudad, en la que no han tocado desde entonces, pero los planes tuvieron que ser aplazados por la pandemia del coronavirus. 

Los Rolling Stones en Altamont, diciembre de 1969

Altamont había sido creado con la intención de que fuera una especie de Woodstock parte 2, pero la paz y el amor no estuvieron presentes. Artistas como Santana y Jefferson Airplane estuvieron en el festival, pero la falta de planeación y la no muy brillante idea de que los Hell Angels, una pandilla de motociclistas, velaran por la seguridad del evento, crearon tensiones entre ellos, los artistas, y asistentes. En medio del set de los Stones y antes los ojos de Mick Jagger, un miembro de "seguridad" apuñaló a un integrante de la audiencia, quien le habría apuntado con un arma de fuego. Para muchos, el caos de este concierto es considerado como el final oficial de la generación de la paz y el amor. 

 

Canciones Olímpicas

Los Juegos Olímpicos no son necesariamente la fuente más grande de momentos musicales, sin embargo, a lo largo de su historia -sobre todo recientemente- nos ha dado algunos sucesos que vale la pena recordar. 

Freddie Mercury y Montserrat Caballé (Barcelona 1992) 

Lejos de ser el mejor momento de Freddie, siempre es un placer oírlo, así sea haciendo un dúo que parece no quedarle del todo bien. Estrenada en 1987, la canción Barcelona cayó como anillo al dedo para los Juegos de Barcelona 1992, siendo su himno oficial, lo cual catapultó a la canción en los listados de popularidad. 

Stevie Wonder- Imagine (Atlanta 1996)

La canción escrita por John Lennon es una de las más sobresaturadas de la historia de la música, es cierto, pero también es verdad que no existe otra que capture mejor la esencia de unidad y armonía, valores que representan los Juegos Olímpicos.

Paul McCartney- Hey Jude (inauguración Londres 2012)

Si bien el clásico de los Beatles no le habla a la unidad, en vivo causa precisamente ese efecto. Las voces del público haciendo el legendario "na na na na na na naaaaa", es la declaración más épica de unión que una canción en vivo puede ofrecer, y eso fue lo que McCartney logró en la ceremonia inaugural de las justas de 2012 en Londres.

Muse- Survival (banda sonora de Londres 2012)

Una de las cosas más lindas de los Olímpicos de 2012 era oír la canción del grupo británico en cada transmisión. Esta, incluida en su álbum The 2nd Law, también sirvió como banda sonora del evento deportivo. Su letra, un canto a la batalla y a nunca rendirse,  y su video seguro inspiraron a más de un deportista a darlo todo en competencia. 

George Michael- Freedom y White Light (ceremonia de clausura Londrés 2012)

En 2011 el famoso cantante británico luchó en secreto contra problemas pulmonares, los cuales lo llevaron a luchar por su vida en el hospital. Su participación en la ceremonia de cierre de Londres 2012 marcó su regreso a los escenarios y, además, fue prácticamente la última vez que se le vio en vivo, al menos de forma masiva, pues su última presentación fue apenas unos meses después. En la ceremonia interpretó su clásico Freedom, y White Light, canción inspirada en su batalla por la vida tras sus problemas pulmonares.

The Who (cierre de los Olímpicos Londres 2012)

Después de lo que fue una noche con varias leyendas de la música británica presentes, la ceremonia de clausura de Londres 2012 llegó a su fin con otra legendaria banda inglesa: The Who, quienes encendieron el escenario con un mosaico de sus canciones Baba O' Riley, See Me/Feel Me, Listening to You, y My Generation, dando así una clara muestra de por qué Reino Unido es la tierra de los próceres del rock. 

 

¿Hizo The Who la primera canción punk?

 

Pensar en punk es pensar en los Ramones, Sex Pistols, The Clash, por no hablar de los Stooges de Iggy Pop, pero los autores de la posible primera canción del movimiento pueden ser insospechados. My Generation, lanzada en 1965 como parte del álbum del mismo nombre,  cuenta con música y letras  que pudieron sentar las bases de lo que una década después estaría en total furor en el mundo de la música.

The Who siempre ha sido considerada como una de las bandas esenciales del rock duro, pero- tal vez sin quererlo- sembraron las semillas de lo que sería el punk a través de la icónica canción. My Generation tiene prácticamente todos los elementos de la típica canción punk: una estructura simple que gira en torno a acordes relativamente básicos, y una actitud rebelde que se ve con gran transparencia en sus letras:

"¿por qué no desaparecen todos?

No intenten que le guste lo que decimos.

No estoy tratando de causar una gran sensación.

Solo estoy hablando de mi generación"

Esta estrofa encapsula en cuatro oraciones de forma perfecta del subgénero : no se metan con nosotros, no queremos ser parte de su grupo. No queremos atención. Filosofía punk al 1000 %. Si bien sus integrantes no tenían piercings en su rostro ni cortes tipo mohawk  con el cabello verde o rojo, sus presentaciones en vivo era rebeldía pura. Pete Townshend, guitarrista, tiene un largo historial de romper guitarras sobre el escenario, de hecho, mucho señalan a The Who como el primer grupo en destrozar instrumentos, lo cual ya hacían a mediados de los 60. Su baterista se desmayó en pleno concierto tras ingerir una mezcla de brandy y sedante para caballos, razón por la cual tuvo que ser reemplazado por un asistente al concierto. ¿Hay algo más punk que eso? 

Cuando Keanu Reeves Apareció en un Video de Anthrax

Era el año 2003, el grupo de thrash estadounidense Anthrax acababa de lanzar We've Come for You All, su noveno álbum de estudio. El disco, que recibió críticas favorables por la prensa mas no tanto por sus fans, tuvo invitados muy especiales como Dimebag Darrell (Pantera) y Roger Daltrey, de The Who. Pero la lista no paró ahí, ya que para el video promocional de la canción Safe Home el grupo contó con la participación de Keanu Reeves. El actor, amigo y gran fanático de la banda, aceptó aparecer en el video sin cobrar un solo centavo. (continúa después de la imagen)

En el clip musical se ve a Keanu caminado por el costado de una autopista sin rumbo fijo, tal vez buscando su hogar, mientras canta algunos fragmentos de la canción. Se trata básicamente de unos fugaces cameos. El video nunca tuvo mayor rotación e incluso hoy no es tan fácil de encontrar, pero tal vez salga a la luz una vez más tras el renovado interés que parece haber por el actor. Esto por su nueva película, John Wick 3: Parabellum, y su participación en el juego de video Cyberpunk 2077, en cuyo anuncio público un hombre de la audiencia lo llamo en tono coqueto "breathtaking" (alucinante/asombroso).