Careless Whisper: La Historia de la canción más Romántica de la Historia

 

Sin duda uno puede armar una larga lista de canciones románticas para celebrar San Valentín, pero Careless Whisper es la canción más romántica de la historia de las canciones románticas. No tengo cómo probarlo, pero quienes han escuchado su seductor saxofón, la sentida letra, y la intensa interpretación de George Michael saben que tengo razón. Esta es la historia de este himno inigualable del amor. 

Si bien la canción se le acredita exclusivamente a George Michael y fue lanzada como su sencillo, lo cierto es que Careless Whisper fue un esfuerzo en conjunto al lado de Andrew Ridgeley, su compañero en Wham, cuando ambos eran dos adolescentes en busca de un sueño. No sabían realmente qué era el amor, pero supieron canalizar dicho sentimiento de una forma tan real que la canción, a casi 4 décadas de su lanzamiento, sigue sonando por doquier y logra lo que muchas canciones ochenteras no: haber sobrevivido a la década y no quedar encapsulada. Tomemos el caso de Material Girl, de Madonna, pieza que no sobrevivió al final de los ochenta. 

Lo que muchos no saben es que Careless Whisper no siempre sonó tal como la conocemos hoy. Su versión original, producida por Jerry Wexler carecía de la emoción arrolladora plasmada en el resultado final. (continúa después del video)

Según Wexler, la canción estaba terminada, pero George Michael siendo el genio que era dijo que aún se podía trabajar en ella. En una jugada arriesgada, pues no tenía ningún tipo de experiencia en la producción y era básicamente un novato en el mundo de la música, decidió correrle el butaco a Wexler y producirla él mismo. 

En 1981, cuando Michael trabajaba como DJ en un restaurante, puso la canción por los parlantes del lugar. Para su sorpresa, la gente empezó a bailar románticamente una versión muy preliminar de Careless Whisper. Las señales eran buenas. A la gente parecía gustarle la canción. El éxito de la misma se veía como algo muy real. Pero, ¿qué inspiró la composición de este clásico? Cuando George Michael iba camino a su trabajo como DJ, parte importante de la canción vino a su mente. Según el mismo escribió en su autobiografía Bare "recuerdo exactamente cuando Careless Whisper vino a mí. Recuerdo que le está dando el dinero al tipo del bus y se me ocurrió la linea de saxo. La compuse toda en mi cabeza. Trabajé en ella por alrededor de tres meses en mi cabeza". 

¿Y qué hay detrás de la letra? Su hermana tenía una amiga de la cual George Michael gustaba enormemente, pero había un problema: era dos años mayor y no le daba la hora del día al entonces adolescente. Para completar, según contaba el mismo Michael, tenía gafas, un pésimo peinado, y estaba algo pasado de peso. Un buen día decidió quitarse las gafas y notó que las mujeres comenzaban a notarlo más. Tanto así que consiguió una novia más acorde a su edad y estilo. Alguien que sí le prestó atención. Estando con su novia, la amiga de su hermana comenzó a prestarle atención, y George Michael cayó ante la tentación, siéndole infiel a la persona que sí sea había fijado en él incluso cuando no era muy atractivo.

Careless Whisper es el himno absoluto del romance, del amor, del enamoramiento, y estoy seguro de que hoy 14 de febrero, Día de San Valentín, y en todos los 14 de febrero que vengan, esta canción será la banda sonora del romance para miles de personas alrededor del mundo. Cortesía de un genio llamado George Michael. 

¿Y Si Vuelve el Rock al Super Bowl? (columna)

 

A comienzos de siglo, el rock dominaba el show de medio tiempo del Super Bowl. Quienes amamos el género esperábamos con ansias cada año que llegara el medio tiempo del partido, pues sabíamos que algún gran artista iba a montarse al escenario a darnos una buena dosis de rock. Infortunadamente, nuestra alegría terminó cuando en 2010 los encargados del espectáculo decidieron dar un giro radical a los artistas que se presentaban. 

De Paul McCartney en 2005, los Rolling Stones en 2006, Prince en 2007 con la mejor presentación de la historia del evento, Tom Petty en 2008, Bruce Springsteen en 2009, y The Who en 2010, pasaron a una fría y aburrida seguidilla de artistas que sencillamente no han tenido la talla ni el voltaje correctos para tan grande escenario. De Black Eyed Peas a Madonna, de Beyonce a Katy Perry, de Coldplay a Lady Gaga, pasando por palidísimas presentaciones de Justin Timberlake, The Weeknd, Maroon 5, hasta llegar al somnífero de Rihanna anoche. Ninguno ha realmente brillado en el escenario, al menos no de la misma forma en que lo hicieron quienes estuvieron en durante la primera década del siglo. Ni hablemos del desastre que fue Bruno Mars en 2014 cuando -para hacer las cosas aún peores- les dio por invitar a los Red Hot Chili Peppers para que estuvieran menos de 3 minutos y sin dejarlos tocar realmente en vivo, razón por la cual salieron a escena con los instrumentos desconectados y haciendo mímica. Una falta de respeto poner de acompañantes de Bruno Mars a unos tipos que para 2014 cumplían tres décadas haciendo música. 

No me entiendan mal. El pop o cualquier otro género merecen su lugar en el show de medio tiempo del Super Bowl, pues la buena música no es exclusiva de ningún estilo o corriente musical específica. Es solo que la fórmula no parece haber tenido los mejores resultados, y ya han pasado 14 años desde la última vez que un artista rock estuvo a cargo del medio tiempo. Se puede llegar a afirmar sin temor a errar que la razón tras el cambio de rock a pop está en el rating. Los organizadores seguro piensan que Rihanna les puede ayudar a subir los números de una forma que ningún artista rock puede. Eso puede o no ser cierto. Lo que sí es cierto es que el rock puede encender el escenario de una forma en que ningún otro género puede. Con músicos sudándola sobre el escenario, en vez de docenas de bailarines  y cero músicos. ¿Cuánto tiempo estuvieron los músicos de Rihanna anoche sobre el escenario? No pudieron haber sido más de 2 minutos. 

Cerremos los ojos un momento e imaginemos que en 2024 Metallica es el escogido para hacer el show de medio tiempo. Se apagan las luces. Suena The Ecstasy of Gold, pieza de Ennio Morricone que siempre suena por los altavoces justo antes de que la banda salga al escenario. El estadio se queda a oscuras. La gente grita. De repente, los inconfundibles acordes de Master of Puppets comienzan a estremecer el estadio. Metallica toca un fragmento de la canción. De este clásico pasan a la parte más pesada de One. Fuego y pólvora hacen su aparición. Se acaba la canción. James Hetfield hace "rechinar" su guitarra contra uno de los amplificadores. Comienza Enter Sandman. Más pólvora. Más fuego. Termina la canción. Los cuatro integrantes de Metallica hacen una venia y se retiran. El público y los jugadores quedan encendidos después de tanto voltaje. La energía de la banda en vivo contagia a los asistentes y jugadores. Se hace historia musical con tan solo cuatro tipos y sus instrumentos. Sin tanto bailarín ni gente flotando por los aires en plataformas. 

El día después del Super Bowl siempre sueño con un mejor mañana para el show de medio tiempo. Un mañana en el que Metallica, o Guns N' Roses, o Foo Fighters, la rompen sobre el escenario, pero hace un rato vi una foto de anoche del organizador del espectáculo junto a Billie Eilish en uno de los palcos del estadio y tuve que despertar. 

¿Y si dejan de hacer entregas de premios? (columna)

 

Hasta el momento en el que escribo esta columna, los números de la audiencia que vio la entrega 65 de los Grammy anoche no han sido publicados, pero estoy dispuesto a apostar a que es menor que la del año pasado, y que la del año anterior a ese, y que la de hace tres años, y así sucesivamente. Cada vez más las entregas de premios fracasan en captar audiencia nueva y en retener la que ya tenían. Las razones podrían ser varias: a las generaciones jóvenes no les interesan estas ceremonias como sí les interesaban a otras, los premios no les muestran a sus artistas favoritos, hay mucha competencia por audiencia que no había antes, las ceremonias son increíblemente largas (anoche los Grammy duraron más de tres horas). Analicemos.

Cuando era adolescente, las entregas de premios, sobre todo las de música y las de MTV, eran lo más cool del mundo. Era obligación ver los MTV Video Music Awards para tener de que hablar al día siguiente en el colegio. Por otra parte, la otrora cadena musical nos daba lo que queríamos: presentaciones en vivo de los artistas que nos gustaban, o apariciones de músicos que nos interesaban. Además, si queríamos ver a nuestros ídolos, los premios eran nuestra oportunidad. Hoy en día, los jóvenes tienen mil y un formas de ver a los artistas de sus amores. Redes sociales, YouTube, páginas web, etc, etc, etc...Hablando de redes sociales e Internet, ¿qué necesidad hay de aguantarse tres horas o más de una ceremonia si al día siguiente puedo ver en estas solo los momentos y presentaciones que me interesan? Por ejemplo, si hubiera querido ver a Madonna como un muñeco de cera andrógino, no hubiera tenido que esperar hasta que saltara al escenario. Una breve búsqueda en Twitter me hubiera ahorrado el sufrimiento. Las entregas de premios están agonizando, y no parece haber nada que realmente se pueda hacer para salvarlas, así que ¿por qué no pensar en cancelarlas del todo, y simplemente notificar a los artistas ganadores de su triunfo y enviarles la respectiva estatuilla por DHL? 

Si uno observa las caras de los artistas que asisten a las entregas de premios, se pueden detectar varias largas y aburridas...y hasta uno que otro bostezo. Creo que ni siquiera ellos quieren estar ahí y -siendo la mayoría de ceremonias en domingo- diría que prefieren estar viendo Netflix entre sus cobijas. Si yo fuera un ejecutivo encargado de las entregas de premios de MTV, los Oscar, los Grammy, los Billboard, o cualquier otra de las miles de entregas que hay, pasaría la propuesta de cancelar las ceremonias, enviar las estatuillas por correo, e invertir el tiempo y dinero en cualquier otra cosa. Nada pasaría, muy pocos las extrañarían, y el mundo seguiría su curso. ¿Cuánta gente solo se enteró hasta hoy que los Grammy era ayer? Yo me enteré ayer que eran ayer en la noche, y no sentí ni el más mínimo asomo de interés o emoción por esto. Estoy seguro de que mis sentimientos son compartidos por millones de personas. 

Si quieren seguir haciendo entregas de premios, al menos háganlas una hora y media más cortas, arriesguen más con los artistas (siempre Taylor Swift, siempre alguna estrella K pop, siempre los de siempre), y sean más incluyentes, pues hay géneros como el rock que tienen cero participación. Ah! y el horario de domingo por la noche puede ser absolutamente aburrido, a esa hora solo queremos ver una película mala y dormir. 

Artistas que fueron rechazados por sellos discográficos

Todos tenemos que comenzar en algún lugar. Lastimosamente, ese lugar es -al menos en muchas ocasiones- ser rechazado por una persona, lugar, o empresa. Nos pasa a todos los mortales. Incluso a aquellos artistas que hoy consideramos están por encima del bien y del mal. 

Dave Grohl

Pensar que uno de los tipos más importantes del rock en las últimas dos décadas, baterista de Nirvana y líder de los Foo Fighters fue rechazado alguna vez parece un total disparate. Pero cuando tenía 14 años, Grohl fue rechazado por Ian MacKaye, fundador de Dischord Records, cuando trataba de irrumpir en la escena con Mission Impossible, su primer grupo. MacKaye no tuvo interés alguno por la canción que Grohl le envió, y le cerró las puertas de su disquera. Tal vez fue la inocente y tierna carta escrita a mano no le no convenció a MacKaye. 

Madonna

Si bien la leyenda pop estadounidense no es santo de mi devoción, hay que hacer un gran esfuerzo para no reconocer su talento y carisma. Ese esfuerzo lo hizo exitosamente Jimmy Lenner, a quien Madonna envió sus demos justo antes de firmar con Sire Records. El hombre afirmó que no ver el sentido en la música de la joven cantante, pero como dicen por ahí: quien ríe de último, ríe mejor. Madonna vendió 10 millones de copias de su álbum debut. 

U2

Si existe un grupo especializado en hacer grandes éxitos, ese es el liderado por Bono. Canciones como With or Without You, Where the Streets have no Name, y One, lo demuestran y hacen imposible pensar que alguna vez fuera rechazado. Pero lo fueron. En 1979, justo antes de lanzar su primer sencillo, U2 fue rechazado por el gerente general de RSO. En una carta que no tiene más de cinco renglones, el ejecutivo señaló que el cuarteto no era lo que buscaban en ese momento. ¡Lo que debe ser vivir con tan mala decisión!

Oasis

A mediados de los 90, el grupo de los hermanos Gallagher salvó al rock británico del letargo en el que se encontraba. El panorama musical era dominado por el rock alternativo estadounidense y por grupos como Nirvana, Soundgarden, y Pearl Jam, hasta que apareció Oasis. Noel Gallagher era gran fan de bandas firmadas por Factory Records, como New Order y los Happy Mondays, por ende, decidió que su grupo debería audicionar para ellos. ¿La respuesta del sello? un rotundo "no", con el que no solo le cerraron la puerta a los Gallagher, sino también a toneladas de dinero. 

Beatles (¡Sí! ¡Los putos Beatles!) 

Si hasta el cuarteto de Liverpool fue rechazado, ¿qué nos queda a los ciudadanos de a pie? Después de volverse maestros de tocar en vivo tanto en Liverpool como en Hamburgo, los Beatles decidieron comenzar a tocar puertas. La primera fue la de Decca Records, donde trabajaba quien fuera vital en su carrera: George Martin, quien incluso llegó a calificar su audición para el sello como "basura". Pero fue Dick Rowe quien los rechazó, todo en favor de Brian Pool and the Tremeloes, argumentando su decisión en el hecho de que este grupo vivía más cerca al estudio de grabación. Rowe pasó a la historia por ser "el hombre que rechazó a los Beatles". 

 

Artistas que Deberían Retirarse

Dejar de hacer algo debe ser muy difícil. Retirarse de una actividad que uno lleva haciendo toda la vida ha de ser psicológicamente impactante, pero la realidad es que a todos nos llegará la hora de dejar de hacer algo, ya sea por que no nos gusta más, ya no somos buenos en ello, por quebrantos de salud, o nadie aclama nuestra labor. A los músicos les pasa igual, a pesar de que tendemos a verlos como seres intocables e inmortales. Mucha culpa la tenemos nosotros, pues pedimos más y más de ellos como si fueran robots. 

Con ustedes un forzoso top 5 de artistas que, al menos en mi concepto ya dieron todo lo que tenían para dar y deberían colgar la toalla. 

1. Rolling Stones

Como roquero que soy y gran admirador de los "Dinosaurios del Rock", creo que es hora de que los Stones digan adiós. Respeto su longevidad y entereza, pero a Charlie Watts (baterista) se le notan los brazos cansados, y -por si fuera poco- Mick Jagger acaba de ser sometido a un delicado procedimiento cardiaco. Seguro lo veremos volver a los escenarios, pero ya su cuerpo le dio una serie advertencia, y no queremos que se nos desplome en medio de una presentación, ¿o sí? Keith Richards debería armar toldo aparte y salir de gira otros 50 años. 

2. Charly García

El rock en español le debe mucho, si no todo, a Charly García. No creo que sea posible que exista un músico latino que no tenga algo de él en su música. Si bien sus quebrantos de salud son materia pública desde hace muchos años, personalmente no sabía que estaba tan mal hasta que vi su biografía en Natgeo. Es casi doloroso ver lo que le cuesta montarse a un escenario hoy por hoy. Casi que ni la boca puede abrir para cantar y la agilidad para tocar piano lo ha ido abandonando. Te queremos, Charly, pero duele verte así. 

3. Madonna

No tengo absolutamente nada en contra de la gente mayor. ¡Carajo! Después de todo yo no es que sea muy niño que digamos, pero sé que hay un punto en la vida en el que hay cosas que ya no se ven bien. Por ejemplo, yo dejé de ser un ave de la noche y bares hace casi una década, pues me veía ridículo y me sentía igual. En el caso de Madonna, al bailar se le ve pesada y carente de la agilidad de antaño. Y es normal, ya no tiene 21 años, tiene 60. Por si fuera poco, su música clásica ha envejecido terriblemente mal (no sé si haya una canción más anticuada que Material Girl) y cuando ya hasta te toca hacer dúos con Maluma creo que es mejor irse a tejer sacos. 

4. Limp Bizkit

La época en la que los liderados por Fred Durst mandaban en el mundo de la música pasó hace dos décadas. Sus canciones eran himnos de rebeldía para la juventud, pero esa juventud ya envejeció y ellos también. Una cosa es cantar a la locura adolescente a los 23 años y otra cosa muy distinta es hacer lo mismo a los casi 50. Si bien el grupo sigue tocando con regularidad en vivo, su público se ha reducido gradualmente y no ha rejuvenecido. Hace varios años Limp Bizkit lleva amenazando con un nuevo álbum, pero ¿a quién le interesa? Parece que ni a ellos.

5. Ozzy Osbourne

A sus casi 70 años el padre del metal está en una etapa en la que la más leve brisa se lo lleva volando. Si hay algo que nunca hago es burlarme de los problema de salud de las personas y aquí no lo estoy haciendo, pero a Ozzy se le ve muy sensible. Le da gripa y termina hospitalizado por neumonía y aplazando su gira hasta el otro años. Hace unas pocas semanas sufrió una lesión cuando iba a acostarse y se tropezó con un zapato. Cuando hasta acostarse a dormir se vuelve un deporte extremo es hora de parar. Ozzy, creo que tus días de morder palomas terminaron. 

Artistas que se salvaron por un pelo de estar en este top: Backstreet Boys (ya ni boys son), Kiss (porque ya se están retirando), Bon Jovi (a sus conciertos solo van soccer moms), Stone Temple Pilots (sin Scott Weiland nunca lo van a a lograr).

¡Qué Vuelva el Rock al Super Bowl!

Ni el Super Bowl ni el football gringo son lo mío. Sin embargo siempre me había llamado mucho la atención el espectáculo de medio tiempo. Lastimosamente este se convirtió en una especie de burla de lo que alguna vez fue, más o menos como los premios MTV. 

En la década pasada desfilaron por el escenario del aclamado show de intermedio artistas como Aerosmith, U2, los Rolling Stones, Paul McCartney, Bruce Springsteen, The Who, Tom Petty, y Prince, cuya presentación es considerada por muchos -incluyendo a su servidor- como la mejor de todos los tiempos en el Super Tazón. Con la llegada de la nueva década la NFL decidió cambiar el tono de los artistas y respectivas presentaciones, pasando de leyendas del rock a actos pop de medio pelo. Todo comenzó a irse abajo con la presentación de los Blacked Eyed Peas en 2011, en la cual apareció Slash por alrededor de 1 minuto (no les miento, vean en YouTube y hagan la cuenta). El año siguiente nos dieron a una Madonna que daba pesar. En 2013 al sobrevalorado Bruno Mars con unos dos minutos sobre el escenario de los "invitados especiales" de unos tales Red Hot Chili Peppers, quienes ya hacían música cuando el señor Mars aún tomaba tetero. Cómo olvidar la actuación de Katy Perry con el medio minuto de Lenny Kravitz tocando junto a ella y a ese vergonzoso tiburón que de bailar no sabía nada. Ni me menciones la pálida presentación de Coldplay en 2016 con , otra vez, Bruno Mars.

Anoche, en el Super Bowl LII, se presentó Justin Timberlake. Siempre he sido y seré un roquero devoto, pero sé admirar y reconocer cuando hay calidad en otros géneros, y Timberlake me parece un buen artista. Algunas de sus canciones solistas como con NSYNC hacen parte de mi lista de placeres culposos en Spotify (no mientan, ustedes también han cantado Cry me a River con ojos cerrados). Lo de anoche fue una vergüenza absoluta. No sé si Justin se levantó con el pie izquierdo o tenía los zapatos al revés, pero el cantante tuvo un pésimo día en la oficina. A los 3 minutos de su presentación ya me encontré distraído y pensando en todo menos en lo que estaba viendo. un mosaico de sus mejores canciones hicieron parte de los aproximadamente 12 minutos que duro este castigo musical. Un pedazo de una canción por aquí, un pedazo de otra canción por allá, todo juntado de forma desordenada e incoherente. Lo más interesante de su actuación fue la proyección de Prince sobre lo que parecía ser una sábana, lo cual pudo haber también jugado en su contra, pues pareció oportunista (Prince y Timberlake no se llevaban bien) y solo sirvió para recordarnos de lo que fue esa mágica y sublime presentación de Prince en el Super Bowl de 2007. 

Eat. Pray. Rock: Música Para Rezar

Semana Santa ha llegado. Muchos de ustedes saldrán de viaje. Otros tantos irán de fiesta. Algunos rezarán y verán las mismas películas de Jesús que se transmiten año tras año. Yo, por mi parte, me daré látigo mientras oigo la música de mi segunda religión: rock N´roll!!!

El siguiente es un listado de algunas canciones acordes a la época de la Semana Mayor. Feliz semana para todos.

“Music is my religion” Jimi Hendrix.

Bon Jovi- Livin´on a Prayer (1986)

Álbum: Slippery When Wet

La historia de dos amantes, Tommy y Gina, quienes atraviesan por una crisis económica y luchan por mantener su relación a toda costa, incluso trabajando en lugares de muy bajo perfil.

Madonna- Like a Prayer (1989)

Álbum: Like a Prayer

Para algunos, una canción llena de referencias sexuales. Para otros, una súplica a Dios en forma de pop/rock y gospel, inspirada en los cimientos católicos de Madonna. Juzguen ustedes. 

R.E.M.- Losing My Religion (1991)

Álbum: Out of Time

A pesar de la gran cantidad de simbolismos religiosos presentes en su video, Losing My Religion hace referencia a todo menos a religión. Según Michael Stipe –cantante- el título de la canción hace referencia a una popular expresión del sur de Estados Unidos que significa “perder la cordura”.

Duran Duran- Save a Prayer (1982)

Álbum: Rio

Quizá una de las melodías más hermosas compuestas por el grupo inglés, aunque no de las más exitosas a nivel comercial. Su significado es todo un misterio, pues por debajo de su romántica melodía yacen letras que parecen hablarle a los romances de una noche e incluso a la prostitución.

Alice in Chains- God Am (1995)

Álbum: Alice In Chains

En algún momento de nuestras vidas todos nos hemos preguntado por qué Dios nos pone en ciertos lugares o situaciones. Pues bien, eso es exactamente lo que hace Layne Stayley en esta canción: preguntarle al Señor por qué le pasa lo que le pasa, y le lanza una dolorosa súplica por calmar su sufrimiento.

Depeche Mode- Personal Jesus (1989)

Álbum: Violator

Inspirada en la relación entre Elvis y Priscilla Presley, la temática de la canción gira en torno a la idea de que todos somos Jesús para alguien más, y cómo cuidamos y damos esperanza a ciertas personas.

Creed – My Own Prison (1998)

Álbum: My Own Prison

Incluida en el aclamado disco debut de la banda post-grunge estadounidense, My Own Prison está llena de alusiones religiosas. Fin del mundo, arrepentimiento, pecados, infierno, perdón divino, Dios, entre otros temas claves para nuestra religión, engalanan cada estrofa de este clásico de finales de los 90.

George Michael- Jesus to a Child (1995)

Álbum: Older

Para cuando esta canción fue presentada por primera vez en 1994, muchas fueron las interpretaciones que se le dieron. Algunos críticos alabaron el contenido espiritual de su música y letras. Sin embargo, cuando George Michael confirmó su homosexualidad, el cantante reveló que la canción es un homenaje a Anselmo Feleppa, quien fue su pareja hasta 1993, cuando falleció debido a una hemorragia cerebral.

Zwan- Jesus I/Mary Star of the Sea

Álbum: Mary Star of the Sea

Muchas de las letras de Billy Corgan- tanto para Smashing Pumpkins como para Zwan- tienen un fuerte (y a veces ignorado) contenido religioso. Esta pieza épica de 14 minutos es una demostración de ello. Dios, sacrificio, cargar la cruz y seguir a Jesús, son algunos de los temas que Corgan toca en esta joya subvalorada del siglo XXI.