David Bowie: un viejito cool (columna)

 

La adolescencia es la época en la que la gran mayoría de personas encuentran un gran aliado en la música. Hay artistas que uno escoge, mientras que otros lo escogen a uno. En mi caso, muchos me escogieron debido a influencia familiar (mi tío me presentó a Guns N' Roses) o al enorme rol que las emisoras y MTV jugaban a mediado de los 90. Llegar del colegio era sinónimo de sentarse frente al televisor a ver videos musicales, tan importantes en aquel entonces. Que las bandas favoritas de uno salgan en la tele era algo casi celestial. Metallica, Red Hot Chili Peppers, Soundgarden, Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Smashing Pumpkins, Nirvana, por nombrar solo algunos, eran los autores de los sonidos que nos enloquecían a los adolescentes de los 90. 

Sin embargo, en medio de la marea de videos y canciones de los artistas en cuestión, se colaban otros que, casi como extraterrestres, llegaban de otras épocas en su respectiva nave espacial. Eran músicos que no tenían que ver con lo que estaba de moda. Eran más bien ese bicho raro que llamamos "la música de nuestros padres". Rolling Stones, Beatles, Hendrix, y un tal David Bowie. 

"Ese man es como bueno", pensaba sobre Bowie. Había algo muy cautivante en su arte, que - a pesar de no ser de mi generación- llamaba mucho la atención. Para mí, y seguro para muchos otros, era un viejito cuarentón que estaba quemando sus últimos cartuchos musicales antes de retirarse a su ancianato. Al verme de cierta forma obligado por MTV  a consumir su música, empezó a interesarme algo más. No sabía por qué me gustaba lo que hacía, que sonaba tan diferente a "lo mío", hasta que un día di con la razón: el tipo era un genio visionario que se estaba adaptando perfectamente a los tiempos sonoros en los que vivíamos. 

A mediados de los 90, el rock duro y alternativo estaba comenzando a ceder su trono a otras tendencias como el nü metal y el rock/metal industrial, que no es otra cosa que la incorporación de elementos de música electrónica a la música. Bandas como Ministry, Marilyn Manson, White Zombie y Nine Inch Nails comenzaban a desfilar por la escena como los grandes abanderados de esta causa. Bowie lanzó dos discos que sonaban como estos grupos: Outside (1995) y Earthling (1997). Me encantaba como un "viejito" podía sonar tan actual y codearse con los jóvenes de la época con tanta gracia y sutileza. Es más, esos jóvenes morían por trabajar con él. Trent Reznor y su Nine Inch Nails llegaron a hacerlo en la canción I'm Afraid of Americans. 

Ayer, 10 de enero, cuando se cumplía el aniversario seis de su temprana partida, me puse en la tarea -como lo hago cada año- de rendirle homenaje musical oyendo su música. Tarea muy difícil, por cierto, pues el Camaleón del Rock, como el apodo lo indica, tiene mil encarnaciones sónicas diferentes y -por ende- muchísima música por consumir. Escuché alrededor de 40 canciones, y siento que no fue suficiente tributo. Perdón, señor Bowie, su talento era infinitamente más grande que el tiempo que se puede tener para disfrutarlo. El siguiente año trataré de hacerlo mejor. 

 

Def Leppard y su récord Guinness

 

Para entrar al selecto (y extraño) grupo de quienes tienen un récord Guinness hay que hacer algo supremamente exótico o tener una característica física inusual. Las uñas más largas del mundo, la piel que más se estira, o tener la lengua más larga (no, no es la de Gene Simmons), le han abierto las puertas de la historia a unos cuantos. En 1995, Def Leppard se preparaba para lanzar su disco de grandes éxitos, y para celebrar su lanzamiento decidieron hacer algo muy especial: hacer tres conciertos acústicos en tres continentes diferentes en 24 horas. 

Su primera parada fue en Marruecos, donde se presentaron en una cueva en la ciudad de Tangier. El segundo concierto del quinteto británico tuvo lugar en un club en Londres, para el cual no solo tocaron varios de sus éxitos sino que hicieron covers de David Bowie y los Rolling Stones. El tercer y último show fue en Vancouver, Canadá. 

Según Joe Elliott, cantante del grupo, el público en las tres presentaciones fue bastante especial, pero quizás el que más lo sorprendió fue el canadiense, del cual señaló que "fue asombroso. Era como la Beatlemanía. La gente estaba pogueando, ¡pogueando! En un concierto acústico". Con respecto a la posibilidad de volver a hacerlo, el vocalista dijo que no habría opción alguna, pues -entre otras cosas- no durmió en 24 horas: "¿Lo haríamos otra vez? Por supuesto que no".

El mantra en un clásico de los Beatles

 

En 1968 tras un viaje a la India, el cuarteto de Liverpool conoció a Maharishi Mahesh Yogi, un gurú de quien aprendieron varias cosas del país como la meditación trascendental. Incluida originalmente en el álbum benéfico No One's Gonna Change my World (título tomado de una línea de la canción), Across the Universe fue escrita por John Lennon después de una pelea con Cynthia Powell, su entonces pareja, o al menos esa es la teoría más popular, pues el mismo Lennon aseguró en entrevista con Rolling Stone con la letra no tiene nada que ver con eso. 

Lo que sí es seguro es que en su coro hay un mantra que el músico aprendió en su estadía en India: Jai guru Deva om, el cual traduce "doy gracias al maestro espiritual", seguido de la palabra "om", la cual es un llamado a la energía del universo. Dicho mantra era repetido por Lennon mientras meditaba. Across the Universe, sin ser la canción más aclamada de los Beatles, ha sido versionada por artistas como David Bowie, Roger Waters, Fiona Apple, y Scorpions, además de inspirar una película del año 2007. 

En febrero de 2008, la NASA conmemoró los 40 años de la grabación de la canción transmitiendo la misma en dirección de la estrella Polaris usando una antena de 70 metros. 

Las groupies del rock

 

*Este texto NO pretende ofender a la mujer ni ser una apología a comportamientos indebidos, es tan solo un relato sobre sucesos reales en la historia del rock. 

Hubo una época en la que tener varias mujeres dispuestas a perseguir a las estrellas de rock era tan importante como tener los instrumentos afinados y una buena lista de canciones para tocar cada noche. Antes de entrar en materia, definamos groupie: dícese de aquella persona, usualmente mujer, que persigue a una celebridad con fines de conocerla y tener sexo con esta. Se caracterizaban por perseguir a los artistas por doquier, por esperarlos por horas a las afueras de hoteles, y por asistir a sus conciertos para tratar de acceder a sus camerinos. Aclarado esto, ellas son algunas de las groupies más famosas de la historia:

Marianne Faithfull

Cuenta la leyenda que antes de ser la respetada (y recatada) cantante, escritora, y actriz que es hoy, Marianne Faithfull abandonó a su marido para irse con Mick Jagger, cantante de los Rolling Stones, con quien tuvo una relación. Sin embargo, dicha leyenda también dice que Jagger no fue el único de los Stones con quien estuvo vinculada, pues Keith Richards también habría estado en su lista de amoríos. Curiosamente, su canción más conocida, As Tears Go By, fue escrita por Jagger y Richards. Generaciones más recientes probablemente la conozcan por su tenebroso aporte vocal a la canción The Memory Remains, de Metallica. 

Pattie Boyd

Fotógrafa y modelo, Boyd también es conocida por haber sido esposa de George Harrison, pero quizás más conocida por dejar al integrante de los Beatles por Eric Clapton, con quien también se casó. La canción Layla, escrita por Clapton para el grupo Derek and the Dominos, la tuvo a ella como inspiración. Además de tener romances con Harrison y Clapton, Mick Jagger y Ronnie Wood -de los Rolling Stones- también hicieron parte de sus intereses amorosos. 

Lori Maddox

Con apenas 13 años de edad, Maddox se adentró en el mundo de las groupies, perdiendo la virginidad con David Bowie y sosteniendo y una relación con Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, con quien tuvo que estar en secreto debido a ser menor de edad. La relación con Page terminó cuando el guitarrista la engañó con otra. Adivinen con quién más estuvo involucrada Maddox: Mick Jagger. En años recientes, este caso ha llamado la atención de las autoridades a raíz del movimiento #MeToo, teniendo en cuenta que las relaciones que sostuvo con estos músicos sucedieron cuando ellos estaban en sus 20 y ella era menos de edad. 

Sable Starr

Conocida como la "reina de la escena groupie" de Los Angeles durante el comienzo de la década de los 70, Starr comenzó a "cazar" estrellas de rock a la tierna edad de 14 años. Iggy Pop, Rod Stewart, Alice Cooper, y David Bowie fueron sus romances más famosos, pero la relación más "estable" la tuvo con Johnny Thunders, guitarrista de los New York Dolls, con quien vivió en Nueva York e incluso quedó embarazada, decidiendo abortar, ya que -según ella- Thunders la maltrataba física y psicológicamente. 

Pamela Des Barres

Sin duda la groupie más famosa de todas. Sostuvo relaciones Keith Moon, baterista de The Who, Jim Morrison, y -cómo no- Mick Jagger. Además de ser famosa por sus andanzas como groupie, Des Barres por su carrera en la actuación, música, y por ser la autora del libro "I'm with the band", en el cual cuenta intimidades de la escena del rock de Los Angeles en los 60 y 70. 

 

¿Es el fin para Marilyn Manson?

En la época del #MeToo otro presunto abusador sale a la luz: Brian Warner, mejor conocido como Marilyn Manson. Así lo señaló su exnovia y actriz Evan Rachel Wood, quien en una publicación en redes sociales confirmó que el músico había abusado de ella sexual y psicológicamente. A sus afirmaciones se unieron otras mujeres, quienes también aseguran haber sido víctimas de Manson. Las reacciones en el mundo fueron inmediatas, incluso él mismo cantante se defendió diciendo que todo lo que pasó con Wood había sido bajo el consenso de dos adultos. Sin embargo, las represalias no se tardaron en llegar. El sello discográfico con el que Manson lanzó sus últimos álbumes tomó la decisión de despedirlo, como también lo hizo la agencia que lo representaba. Por otra parte, dos roles televisivos que el también actor tenía programados fueron cancelados. Y, por si fuera poco, una senadora de Estados Unidos quiere que Manson sea investigado formalmente por el FBI. La situación no puede ser más adversa. ¿Podrán su música y carrera sobrevivir?

En los últimos años han sido varias las celebridades que han sido señaladas como abusadores, la gran mayoría de ellos han recibido el absoluto rechazo de la sociedad y colegas, a tal punto que ya nada o poco se sabe de ellos, algunos, como el cantante de Lost Prophets Ian Watkins, están en prisión. Cuando acusaciones como estas salen a la luz, la gente decide "cancelar al artista", es decir, dejar de oír su música, comprar sus productos, o ver sus programas. En este momento, todo parece apuntar a que con Manson puede suceder exactamente eso. Dicen por ahí que todo el mundo es inocente hasta que se demuestre lo contrario, y estoy de acuerdo, pero esto, sin duda, pone un gran asterisco en su carrera. 

Es fácil juzgar al libro por su portada y decir que Manson es culpable de las acusaciones en cuestión basándose en su imagen o en el hecho de ser un músico extravagante. En mi caso, antes de tomar partido, me gustaría tener pruebas contundentes, pues en este momento es la palabra de la supuesta víctima contra la del supuesto victimario. Ahora, si se prueba la veracidad de las acusaciones, Manson debe pagar. La música de Marilyn Manson fue parte de la banda sonora de mis años dorados en el colegio, Antichrist Superstar  y Mechanical Animals fueron dos de los discos esenciales en mi vida adolescente. Siempre he admirado a Manson como músico. Su puesta en escena, videos, gallardía artística, han sido algo que aprecio en él y en cualquier artista. Es un digno heredero del factor shock y teatral de Alice Cooper y de la capacidad de reinvención camaleónica de David Bowie. En resumen, un artista muy interesante.

¿Podremos separar su arte de su vida privada?

 

Recordando a Scott Weiland

Hace un par de semanas, quizás algo más, me dio por ver videos de Stone Temple Pilots en vivo, y me encontré con una presentación en 2001 de Plush y Trippin on a Hole in a Paper Heart. En cuanto terminó, puse en los comentarios del video que si fuera profesor de música, aquella sería una de las cosas que le mostraría a mis estudiantes en la materia de Manejo del Escenario y del Público 101. La puesta en escena de Weiland era tan impecable como arrolladora. El tipo parecía un huracán, un demonio. Entendía todo. Hacía todo bien. Muy afinado, algo que falla en la gran mayoría de cantantes cuando se presentan en vivo. Tenía la pinta, las movidas de Mick Jagger con el mojo de Jim Morrison y la voz de David Bowie. Se acercaba al público. Hacía sentir a los asistentes al concierto como parte vital del mismo. Si Weiland fuera clavadista, y yo juez, el cartel que sacaría 10. 

Se preguntará, ¿por qué carajos este tipo habla de Scott Weiland así como de la nada? Pues bien, no es tan fortuito este texto, ya que quien fuera cantante de los Stone Temple Pilots y Velvet Revolver dejó el plano físico un día como hoy hace 5 años. Me pareció un número redondo para celebrar su legado. No quisiera sonar como un viejito de mediana edad (aunque efectivamente soy un viejito de mediana edad), al que todo lo pasado le parece mejor, pero vocalistas e interpretes como él ya no se dan. Los reto a que piensen en alguien como él que haya salido a escena en los últimos 10 años. Si lo encuentran, con gusto debatimos. Weiland fue parte crucial del éxito de Stone Temple Pilots. Éxito que lo puso en el radar de Slash, Matt Sorum y Duff Mckagan, exintegrantes de Guns N' Roses quienes vieron en él al frontman perfecto para Velvet Revolver, por no hablar de otro súpergrupo para el cual prestó sus servicios: Art of Anarchy. Tan bueno y camaleónico era, algo que le heredo a Bowie, que le alcanzó la voz para grabar un álbum de canciones de Navidad. 

Era, además, muy respetado por sus colegas, tanto así que artistas como Sheryl Crow, Deftones, Limp Bizkit, entre otros, colaboraron con él. Lastimosamente, su talento es otro de los tantos que se vieron cortados por el monstruo de las drogas, pero su legado es tan grande que hoy, un lustro después de su partida, seguimos recordando y cantando sus canciones. 

 

¡Hasta Siempre, George!

2016 parece no querer parar de llevarse iconos: David Bowie, Glenn Frey, Prince, entre muchos otros. Ahora se nos lleva a George Michael, una voz increíble.

El año era 1996. Tenía apenas 15 años y estaba en mis años de formación musical. Era una época en la que, si bien la escena grunge del primer lustro de los 90 estaba de salida, rock era lo único que escuchaba. Un día de comienzos de enero de dicho año, vi en MTV el video de Jesus to a Child, el primer sencillo del nuevo disco de George Michael: Fastlove. Algo me gustó mucho de la canción, pero no sabía qué era, y aún hoy no lo sé. Tal vez era el video. Tal vez la letra (un homenaje a Anselmo Feleppa, pareja de Michael que falleció por complicaciones causadas por el sida). Quizá era su música y la melancolía de su voz. Quizá eran todas las anteriores. Pasaba largos ratos frente al televisor esperando a que votara el video. Hasta que un día lo logré grabar en una cinta de VHS y lo veía varias veces seguidas.

Semanas después, aún con la canción en mi cabeza, pasé por la vitrina de una tienda de discos cerca a mi casa y vi el sencillo de Jesus to a Child. Quise comprarlo, pero mi ego rockero no me lo permitía. Lo pensé y lo pensé y dije "¡qué demonios! Tengo que tenerlo", así que fui a la discotienda y dije que quería comprarlo, pero -para no herir ese ego grunge y ocultar mi gusto por la canción- pedí que lo empacaran en papel regalo, pues era para otra persona. Llegué a mi apartamento y lo escuché infinidades de veces. Es un canción supremamente extraña, muy lenta y hasta aburrida, pero su sentimiento es único. Eso fue lo que me atrajo de George Michael: su sentimiento y cómo convertía sus emociones en melodías inolvidables. Baladas como Kissing a Fool, One More Try, Father Figure, y Careless Whisper (en mi opinión, la canción más romántica de la historia) son prueba de ello. 

Nuestros íconos se están yendo. Lo más triste es que ninguno de ellos se está poniendo más joven y en los próximos años, lastimosamente, se nos seguirán yendo. Así que aprovechemos a los Gilmour, Waters, McCartney, Starr, Steven Tyler, Jagger, Richards, entre otros. 

Mis Discos Favoritos de 2016

Es esa época del año otra vez. Época en la que mis oídos pitan más de lo habitual por tanto oír música. Gracias a la facilidad que hay a la hora de acceder a nuevos contenidos musicales, la competencia por un lugar en mi tradicional lista de diez discos favoritos del año estuvo más reñida que nunca, con algo más de 40 álbumes en contienda e interminables horas analizando y digiriendo cada uno de estos.  ¿"Cuál es su requisito para que un disco entre en sus favoritos del año?", me preguntaban hace poco. Lo que busco es lo que yo llamo "poder de permanencia", es decir, que los discos tengan algo que permanezca en mi memoria y alma, un algo que me haga volver a ellos a pesar de que hayan pasado años, décadas de ser lanzados. Los álbumes de este año que me dieron ese "algo" son los siguientes (sin ningún orden particular de preferencia):

Alter Bridge- The Last Hero

Sin ser un álbum de grandes éxitos, el quinto disco del grupo suena como un repaso por toda su carrera, desde sus sonidos más comerciales del álbum debut One Day Remains, pasando por el lado más pesado y oscuro de lanzamientos como Blackbird, creando así -y tal vez sin buscarlo- un sonido nuevo para la banda. La dinámica entre Myles Kennedy, cuya voz brilla en el disco, y Mark Tremonti y su talento subvalorado son una de las fuerzas más contundentes del rock comercial hoy. 

Fiona Brice- Postcards From

Tal vez la entrada más extraña en la historia de este top 10. El primer álbum solista de Fiona Brice -conocida por su trabajo en estudio y en vivo con diferentes artistas, principalmente  con la banda inglesa Placebo- es una colección de 10 canciones, cada una inspirada y llamada por una ciudad. Compuesto en un periodo de cinco años, Postcards From es una especie de registro de los viajes de Brice y los paisajes mentales y emocionales que cada ciudad le genera, todo plasmado a través de hermosas melodías de violín, piano, y -ocasionalmente- su propia voz. 

The Cult- Hidden City

Pasaron varios años para que un disco de los liderados por Ian Astbury llamara mi atención. Tal vez este no sea un álbum innovador ni arriesgado, pero deja oír a Astbury y al guitarrista Billy Duffy-acompañados por John Tempesta en la batería- capturando algo de esa magia que habían perdido con la llegada del nuevo milenio. Las letras místicas de Astbury, así como su voz profunda y oscura, engalanan las 12 canciones del álbum, en especial Birds of Paradise, en la que se hace las veces de crooner al estilo Sinatra o Bennett. 

David Bowie- Blackstar

Grabado en total secreto en Nueva York junto al co-productor Tony Visconti y con un grupo de  músicos de jazz de la ciudad, el álbum 25 en la carrera del Duque Blanco salió el 8 de enero para coincidir con su cumpleaños. Apenas un par de días después, el cantante murió de cáncer, y los tonos, letras lúgubres, y videos del disco tuvieron sentido. Bowie sabía que su muerte estaba cerca y nos dejó un último y brillante lanzamiento, por no hablar de su carácter innovador, pues este -lejos de ser un álbum rock- experimenta con los sonidos del jazz y el hip hop. 

Gojira-Magma

Antes de este año no conocía nada de este grupo francés más que su nombre y procedencia. Sin embargo, Kirk Hammett (Metallica) no ahorró elogios al hablar del sexto disco de la banda, lo cual despertó mi curiosidad. Lo que encontré fue una colección de canciones pesadas pero melódicas, letras oscuras inspiradas en la muerte de la madre de los hermanos Duplantier, y una serie de riffs los cuales deberían enseñar en institutos de música en la clase de Cómo Hacer Riffs 101. Una joya del metal moderno.

Iggy Pop- Post Pop Depression

En un año en el que hemos perdido a tantos íconos del rock, es un alivio tener aún entre nosotros a Iggy Pop. A comienzos de 2015, Pop contactó a Josh Homme (Queens of the Stone Age) para escribir música juntos. Después de varias semanas intercambiando letras e ideas, el dúo entró a estudio junto a Dean Fertita (Queens of the Stone Age, The Dead Weather) y Matt Helders (Arctic Monkeys), y grabaron el álbum 17 en la historia de Pop. Un álbum en el que la leyenda punk suena como cuando era joven: vital, energético y lleno de rabia. Si este disco, como se ha rumorado, es el último de su carrera, también sería uno de sus mejores. 

Kings of Leon- WALLS

Es oficial: los Followill se cansaron de intentar gustarle de nuevo a sus fans que dicen que ya no suenan como en sus primeros discos y que les recriminan  que ahora son un grupo grande que toca en gigantescos festivales y recintos alrededor del mundo. El séptimo disco del cuarteto estadounidense está lleno de canciones con coros hechos para ser cantados por miles, así como de letras melancólicas y nostálgicas que -con la voz de Caleb Followill- siempre encuentran una forma de mover mis sentimientos. 

Metallica- Hardwired...to Self-Destruct

Ocho años pasaron para que el grupo de San Francisco lanzara el sucesor de Death Magnetic. La recompensa por la paciencia es un álbum doble de una hora y 18 minutos, uno de los más largos en la historia del grupo. Los sonidos de este se pasean básicamente por toda la discografía de Metallica, con canciones que recuerdan al thrash violento de sus primeros discos, pasando por su etapa más comercial y experimental de los 90. Es un álbum que, si bien puede resultar un poco extenso y se beneficiaría de tener un par de canciones menos, está diseñado para complacer a los fans de las diferentes etapas del cuarteto. Los integrantes del grupo- todos entrados en los cincuenta- no tuvieron miedo de lanzar un disco doble en una época en la que los discos parecen extinguirse, así como tampoco temieron a tocar tan rápido y duro como en sus años formativos. Me pregunto si se han preguntado cómo van a hacer para tocar estas canciones dentro de un par de décadas. 

Radiohead- A Moon Shaped Pool

Llevaba años pidiendo a gritos que Radiohead dejara de lado tanta experimentación electrónica e hiciera algo diferente. Mis plegarías fueron escuchadas. Tal vez no es el disco convencional de guitarras distorsionadas al estilo de su discografía de los 90 que quisiera oír del grupo británico, pero al menos se desconectaron de los efectos y experimentación electrónica para dar paso a un álbum más orgánico. El noveno disco de Thom Yorke y su combo puede parecer aburrido y dormilón, sin canciones radiales y grandes coros (¿acaso Radiohead se ha caracterizado alguna vez por grandes coros y canciones pegajosas?), pero su belleza está en los meticulosos y hermosos arreglos orquestales. Un disco impecable. 

Suede- Night Thoughts

A dos décadas del apogeo del brit pop, del cual Suede fue parte importante, el grupo inglés lanzó en enero su séptimo álbum y el segundo desde su reunión en 2010. Dejando de lado las presiones de ser uno de los abanderados del rock británico de mediados de los 90, el quinteto compuso el que puede ser su mejor disco hasta la fecha. Atrás quedaron las canciones hechas para satisfacer los intereses radiales y las letras sobre fiestas y adicciones, para dar paso a temas más trascendentales como relaciones fallidas y envejecer, así como a canciones más elaboradas en las que el grupo lleva su sonido a lugares desconocidos e innovadores para ellos, esto a través de estructuras musicales más complejas y densas. 

20 Discos que Cumplen 20 Años- Parte 2

11.    Weezer –Weezer (Blue Album)

Producido por Ric Ocasek (The Cars), el álbum debut de los liderados por Rivers Cuomo puso al grupo estadounidense en el mapa de la música mainstream en Norteamérica. Con éxitos como Buddy Holly y Undone-The Sweater Song, el disco –también conocido como el Blue Album- alcanzó el puesto 16 en el Billboard 200 y ha vendido alrededor de 4000 copias en Estados Unidos.

12.    Beastie Boys- Ill Communication

Ill Communication, probablemente el álbum más exitoso del trío neoyorquino, llevó a los Beastie Boys ha ser uno de las bandas más aclamadas del panorama musical de mediados de los 90. Con hits como Sabotage y Sure Shot, el disco logró ser el Segundo en su carrera en ser certificado como triple platino, además de recibir criticas favorables de la prensa especializada, como la revista Rolling Stone, la cual incluyó al álbum en su lista de álbumes esenciales de los 90.

13. Stone Temple Pilots- Purple

Si bien el segundo disco del grupo los vio alejarse un poco de la fórmula hard rock/grunge que caracterizó Core, su lanzamiento debut, los toques psicodélicos con los cuales experimentaron Scott Weiland y compañía, hicieron de Purple uno de los discos más interesantes y aclamados del cuarteto. Vasoline, Lounge Fly, Big Empty y la super exitosa Interstate Love Song, fueron algunas de las canciones que guiaron al álbum a la cima del Billboard 200.

14. Beck- Mellow Gold

“Sooooy un perdedor, I´m a loser baby…so why don´t you kill me?” Si usted ya gozaba de razón en 1994, seguro cantó el coro de Loser mientras caminaba los pasillos de su colegio mientras iba de una clase a otra. Tal vez el álbum debut de Beck para una gran disquera no fue enormemente exitoso a nivel comercial, la amalgama de rock experimental, folk, noise y psicodelia, hace de este una de las gemas más preciosas de su época. Un disco fresco, revitalizador y arriesgado.

15. Pearl Jam- Vitalogy

Compuesto básicamente en pruebas de sonido y ratos libres que el grupo tenía durante la gira promocional del álbum VS, Vitalogy –tercer lanzamiento de la banda- plasmó un sonido mucho más diverso con respecto a los dos discos anteriores. La furia de Spin the Black Circle, la nostalgia de Nothingman y el himno Betterman, hicieron que Vitalogy vendiera 877.000 copias en su primera semana en el mercado, conviertiéndose así en el segundo CD de la historia en registras ventas más rápidas.  

16. R.E.M.- Monster

Agotados de la fórmula musical de sus dos discos anteriores, los liderados por Michael Stipe tomaron la decision de distanciarse lo más posible de dicho sonidos. El resultado: Monster, 11 canciones llenas de guitarras distorsionadas que evocan el glam rock de los 70. Gracias al éxito de canciones como What´s the Frequency, Kenneth? , Strange Currencies y Bang and Blame, el grupo se aseguró debutar en el puesto número 1 del Billboard 200.

17. The Cranberries- No Need to Argue

Las 17 millones de copias vendidas alrededor del mundo, queda poca duda con respecto al enorme éxito del segundo disco de la banda irlandesa. Liderado por la canción Zombie, No Need to Argue –un disco más maduro y oscuro que su predecesor- llegó a ocupar las primeras posiciones en listados de países como Australia, Francia, Alemania y Estados Unidos.

18. Korn- Korn

Inspirados por lo hecho por Rage Against the Machine apenas un par de años antes, en 1994 la banda californiana lanza su álbum debut y autotitulado. Producido por Ross Robinson y cargado de letras controversiales que hablaban sobre la adicción a las drogas y el abuso a menores, KoRn sembró las semillas del nü metal, subgénero que se apoderaría de la escena rock mundial pocos años después. Blind, Faget y Shoots and Ladders son unas de las piedras angulares del movimiento en cuestión.

19. Bush- Sixteen Stone

En una época en la que el rock británico comenzaba a recuperar fuerzas y el terreno que perdió gracias al éxito del grunge, un grupo inglés fue lo suficientemente atrevido como para ingresar de forma contundente en el mercado norteamericano. Con influencias de Nirvana y Pixies, el grupo de Gavin Rossdale se dio mañas para irrumpir en una escena que rechazaba lo europeo. Everything Zen, Glycerine, Comedown y Machine Head ubicaron en las primeras posiciones de diversos listados estadounidenses.

20. Nirvana- MTV Unplugged in New York

El mejor unplugged que algún grupo grabó para MTV, punto. Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl estaban en la cúspide de sus poderes musicales cuando fueron invitados por el canal para grabar este desconectado. Con invitados especiales como Chris y Kurt Kirkwood –de los Meat Puppets- Nirvana dio un repaso magistral por algunas de sus mejores canciones, así como por algunos covers, entre ellos,  la desgarradora version de The Man Who Sold the World, original de David Bowie, y Where Did You Sleep Last Night, de Leadbelly, canción que brilla por la sentimental y potente interpretación vocal de Cobain y que –en mi opinión- fue la despedida extraoficial del cantante y guitarrista, quien fuera encontrado sin vida pocos meses después.