In Memoriam: Ozzy Osbourne

El metal quedó huérfano. 

No hay mucho que uno pueda decir sobre el legado de Ozzy Osbourne que no se haya dicho una y mil veces, pero digámoslo todo una vez más: pionero como pocos. Icónico como tan solo unos cuantos. Maestro de la reinvención. Visionario. Leyenda. Dueño de una silla en la mesa en la que se sientan Lennon, McCartney, Hendrix, Eddie Van Halen, Freddie Mercury, Michael Jackson. Si pensamos en artistas que hayan reinventado su carrera con tanto éxito después de dejar su banda, Ozzy es uno de los pocos casos que vienen a la mente. 

A finales de los 70 dejó de ser el cantante de Black Sabbath, y a comienzos de los 80 lanzó su carrera como solista. Y qué señora carrera. Tan grande fue, que cuesta saber si le fue mejor como líder de un grupo o en solitario. En ambas etapas no hizo sino llenarnos de clásicos y canciones memorables. Por si fuera poco, en su periodo solista catapultó la carrera a varios músicos que hoy por hoy son lo que son porque Ozzy les dio la patadita de la buena suerte. Zakk Wylde, Jake E. Lee, Motley Crue, y ni hablar de Randy Rhoads quien, de no ser porque se nos fue muy joven, habría estado sin duda como candidato al mejor guitarrista de la historia. Su aporte al crecimiento del heavy metal no fue solo por medio de su propia arte, pues también creó el Ozzfest, festival que sirvió como una vitrina dorada para los artistas. 

Si alguien no lo seguía por su música, seguro lo hacía por su paso por el mundo de lo realities en The Osbournes, programa en el que mostraba su lado familiar mientras nos dejaba ver lo irreverente y ocurrente que era. 

Esta mañana, por alguna razón cósmica incomprensible, me dio por escuchar Changes, de Black Sabbath. Horas después se anunció la muerte de Ozzy. Tal vez, sin saberlo pero intuyendo su partida, le estaba haciendo un homenaje mientras volaba de regreso a casa. Fue una gran fortuna ver a Black Sabbath en vivo en 2013 y poguear mientras tocaban Paranoid. 

Descansa en paz, Ozzy, el meta, el arte, la cultura te deben todo y más.ç

In Memoriam: Jeff Beck

 

Tal vez Jeff Beck no contaba con la popularidad de otros maestros de las seis cuerdas como Jimi Hendrix y Eddie Van Halen, pero sí que contaba con el talento suficiente para poner su nombre en el mismo renglón que las ya mencionadas luminarias del instrumento. Dueño de una estridencia blues bañada con un estilo y elegancia únicas, esta leyenda de la guitarra nos regaló una muy prolífica carrera que incluye a bandas como los Yardbirds -banda que catapultó no solo su carrera sino la de Eric y Jimmy Page- y The Jeff Beck Group, en la cual tocó junto a Rod Stewart y Ron Wood, quien años después se convertiría en guitarrista de los Rolling Stones.

La facilidad que tenía para tocar la guitarra generaba tanto placer como admiración, pues era incomprensible cómo un ser humano podía hacerlo ver tan fácil. Cuando se colgaba el instrumento, no solo no parecía pesarle sino que también daba la sensación de que las cuerdas eran de goma. Sus colegas lo apreciaban enormemente y lo consideraban como uno de los mejores. Basta con ver cuando compartía el escenario con otros músicos, fuera quien fuera quien estuviera a su lado, todo parecía girar en torno a su presencia. Basta con ver la versión de Train Kept a Rollin' en el marco de la ceremonia de inducción al Rock and Roll Hall of Fame en 2009. Metallica, con su antiguo bajista Jason Newsted como invitado, Flea, de los Red Hot Chili Peppers, el guitarrista de Aerosmith Joe Perry, Ron Wood, su excompañero y guitarrista de los Stones, y el mismísimo Jimmy Page, de Led Zeppelin, se unieron a Jeff Beck sobre el escenario, y todos parecían estar observándolo como el maestro que era, casi como apreciando lo que hacía. Como James Hetfield, cantante y guitarrista de Metallica dijo antes de comenzar la presentación: "esto es el cielo de guitarras rítmicas". Un cielo lleno de estrellas, pero era claro cuál brillaba más.

Decir que nunca habrá otro como él puede ser entrar en el terreno de lo cursi o cliché, pero también de lo cierto. Sin embargo, siempre hay fe de que algún niño en algún lugar del mundo se cuelgue una guitarra y diga "quiero ser como Jeff Beck"...y el mundo será un lugar mejor. 

Peticiones ridículas de los artistas

 

Cada vez que un artista tiene una presentación, pasan una lista con precisas peticiones a quienes están pagando por sus servicios. El no cumplimiento de esta lista puede incluso llevar a la cancelación de un concierto. Usualmente, los músicos suelen pedir una larga lista de comida y bebidas, pero en algunas ocasiones -y quizás con el ánimo de poner a sudar a los organizadores del concierto- exigen cosas absolutamente absurdas e incomprensibles. He aquí algunas de estas. 

Van Halen- prohibido los M&Ms de color café

Quizás la petición más famosa de la historia. El grupo de Eddie Van Halen quería un plato del famoso dulce, pero en dicho plato no debía haber ni uno solo café. Al respecto, los integrantes del grupo dijeron que la razón tras tan ocurrente exigencia era comprobar que estaban en buenas manos y que los organizadores estuvieran prestándoles atención. 

Marilyn Manson- gomas de osito y una prostituta sin dientes

El excéntrico cantante era muy claro con respecto a sus exigencias. Dos cosas quería siempre sin falta: ositos de goma marca Haribo y una prostituta, algo no necesariamente extraño de ver en un camerino de un artista. En este caso, la trabajadora sexual no podía tener dientes y debería ser calva. 

Iggy Pop y los Stooges- enanos y una marca de vino que no pudieran pronunciar

Si fuera promotor, probablemente estallaría de la risa al ver la lista de peticiones del padrino del punk: además de siete enanos, el cantante requería una marca de cigarrillos que no le gustaran, para poder botarlos a la caneca, un imitador de Bob Hope, y dos botellas de vino de "una marca que conozcamos pero que no podamos pronunciar". Las teorías de por qué estas exigencias hacen que la mente vuele. 

Guns N' Roses- inodoros de porcelana y papel higiénico sedoso

Cuando el grupo de Axl Rose, Slash, y Duff Mckagan fue contratado para hacer parte de la edición 2018 del festival Download en Inglaterra, los organizadores del magno festival afirmaron que su lista de peticiones era "la más larga que hayamos visto". Dos ítems de la misma se filtraron: inodoros de porcelana y papel higiénico que fuera "tan suave como la seda". Que no se diga que Guns N' Roses no se toman las mierdas en serio. 

Slayer- animales para sacrificar y sombrillas para evitar salpicaduras de sangre

Creo que el famoso grupo de thrash le estaba haciendo matoneo extremo a los promotores de sus conciertos, quizás aprovechándose de la fama de satánicos que tenían. Dentro de la lista de exigencias, se encontraban 100 cabras blancas para sacrificar, sombrillas para que la sangre no les salpicara, balones de yoga, 10 cajas de yogurt, y marcadores que "huelen a cosas chéveres". 

Mötley Crüe- el horario de Alcohólicos Anónimos y una boa

Cuando el grupo estadounidense decidió que ya había sido suficiente de fiesta y excesos, su lista de exigencias cambio un poco. En lugar de pedir litros y litros de alcohol, pasaron a pedir los horarios de atención de las reuniones de Alcohólicos Anónimos más cercanas del lugar en el que estaban, una boa, y una ametralladora. Si esto les resulta extraño, ¿se imaginan cómo sería su lista antes de dejar las drogas y el alcohol?

Led Zeppelin- una mesa para planchar y una plancha

El grupo británico tiene que ser uno de los más conocidos de la historia, además de por su excelente música, por sus fiestas e historias de groupies. Sin embargo, en sus listas de exigencias frecuentemente aparecían dos cosas que todavía hoy nos ponen a pensar: una mesa para planchar y una plancha. Es difícil imaginar a Robert Plant extendiendo una mesa para planchar su propia ropa, así que dicha objeto posiblemente tendría un uso algo más ocurrente y divertido. 

Prince- todo cubierto en plástico transparente

Para su gira Musicology de 2004, la lista de exigencias del intérprete de Purple Rain señalaba específicamente que absolutamente todo lo que hubiera en su camerino tenía que estar envuelto en plástico transparente, y no podía ser desenvuelto hasta que él mismo lo hiciera. ¿Medida de bioseguridad? o quizás gustaba el sonido del plástico al desenvolverse. 

Paul McCartney- plantas de tamaños específicos

La lista del Beatle es una que fácilmente se puede prestar para confusiones y errores: 19 plantas de 182 centímetros, y cuatro de 121. Pero no podía ser cualquier planta. Tenían que ser plantas con abundantes hojas. Por otra parte, McCartney exigía muchos vegetales y que no hubiera ningún producto derivado de animales. Dicen por ahí que el músico se negaba a salir al escenario si alguna de las plantas excedía el tamaño requerido. 

Cinco veces en las que Eddie Van Halen se tomó la cultura pop

 

Una persona sabe que es gigante cuando trasciende su propio ámbito y consigue reconocimiento en áreas de la vida diferentes a la suya. En el caso de Eddie Van Halen, su enorme talento rompió las barreras de la música para invadir el mundo de la cultura pop. Su nombre se mencionó en películas, dibujo animados y hasta se dio el lujo de hacer una aparición fugaz en una de las sitcom estadounidenses más aclamadas de los últimos tiempos.

En The Big Bang Theory

En el episodio The Bat Jar Conjecture, Penny está haciendo un concurso de trivia con Leonard y Sheldon, una de las preguntas que les hace es: ¿Sammy Hagar reemplazo a David Lee Roth en qué grupo?, la respuesta es Van Halen, pero ellos contestan The Brady Bunch.

En South Park

En la decimoséptima temporada del controversial programa animado, la banda se presenta en un evento en Jerusalén en el que el cristianismo, el judaísmo y el islamismo se fusionan para formar una sola religión. En una pantalla sobre el escenario aparecen los logos de cada una de las mencionadas religiones, los cuales se mezclan para formar el logo de Van Halen, momento en el cual la banda toma el escenario para interpretar Ain' t Talkin' 'Bout Love y Hot for Teacher. 

En Bill & Ted's Excellent Adventure

En la película, lanzada en 1989, el espíritu cultural de la California de los 80 se muestra en todo furor, y si se habla de la California de dicha década, se debe hablar de Van Halen. En un de sus escenas, Bill y Ted (interpretados por Keanu Reeves y Alex Winter) afirman que si quieren tener éxito en el mundo de la música tienen que conseguir que Eddie Van Halen sea su guitarrista, pero que para tener al guitarrista en su banda deben antes grabar un buen video.

En Volver al Futuro

En este clásico del cine, Eddie Van Halen también tuvo su momento. En una de sus escenas, el personaje de Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, debe convencer a su padre de que vaya con su futura madre al baile del colegio. Para hacerlo, se aprovecha del amor de su padre por la ciencia ficción y se disfraza de ser extraterrestre quien lo despierta en medio de la noche con un estridente solo del legendario guitarrista. Brevemente podemos ver el cassette marcado con el nombre de Edward Van Halen. 

En Two and a Half Men

Al final del capítulo 818-jklpuzo, Eddie Van Halen hace una breve aparición. Durante todo el capítulo, el personaje de Charlie Sheen (Charlie Harper) se encuentra emocionalmente constipado, y -mientras está en un estudio de grabación junto a uno de sus intereses románticos- siente el llamado de la madre naturaleza, por lo cual va afanado en búsqueda de un baño. El baño está ocupado, pero su puerta se abre para revelar que quien lo estaba usando era Eddie Van Halen, quien le dice a Harper que será mejor que espere un minuto antes de entrar, para después tocar su guitarra y decirle que esa canción se llama "dos burritos y una cerveza de raíz flotante". 

In memoriam: Eddie Van Halen

 

En mayo de 1998, cuando estaba en Estados Unidos de vacaciones, vi en el periódico el anuncio de un concierto de Van Halen en Boston. No tenía la menor idea de que el grupo y yo íbamos a coincidir en la misma ciudad. Supe que tenía que estar allí, así que compré mi boleta. Fui solo, pues no vivía allí, por ende no tenía amigos en la ciudad, y nadie con quien estaba mostró interés alguno en acompañarme. Eran los días del álbum Van Halen III, el cual contó con Gary Cherone, de Extreme, en la voz. Probablemente es el peor disco del grupo, pero cualquier álbum de la banda siempre tuvo algo interesante. En este caso, canciones como Without You y la épica balada Year to the Day sacan la cara por la producción. 

Los días de gloria del grupo ya estaban atrás, es cierto, pero si hay algo que Eddie Van Halen nunca dejó de hacer fue encender su guitarra en fuego, haciendo solos majestuosos y siendo dueño de una técnica propia e inigualable. Justamente eso fue lo que hizo en aquella noche de primavera estadounidense: tomar su guitarra y hacer volar a todos quienes estábamos presentes, dejando a muchos con la boca abierta, literalmente. Hace unos 15 años por poco soy crucificado en una tertulia musical cuando afirmé que Eddie es el mejor guitarrista de la historia. Me tildaron de loco e irrespetuoso con el legado de Jimi Hendrix. Hoy, cuando nos toca despedirnos del guitarrista de forma prematura a causa de un cáncer que lo aquejaba desde hace años y en un año en el que nada parece salir realmente bien, el debate pasa a un segundo plano. Si Eddie es o no mejor que Hendrix es cuestión de gustos, no hay forma de definirlo con absoluta certeza. Lo que si es rotundo, contundente y certero, es que el día en que Eddie se colgó su primera guitarra y comenzó a tocar, la historia del instrumento nunca sería la misma. Tan influyente es su legado, que hasta el mismo Michael Jackson lo invitó a grabar en Thriller, su disco más aclamado. 

Lastimosamente, los integrantes de Van Halen nunca encontraron la fórmula para seguir activos, y, ya sea por motivos de salud o interminables disputas internas, no lograron ponerse de acuerdo para hacer mucho llegado el nuevo milenio. Sin embargo, su catalogo cuenta con 12 álbumes en los que podremos oír por siempre la maestría Eddie en las seis cuerdas. 

La Conexión Entre el Heavy Metal y la Música Clásica

Hace unas semanas hablaba con mi madre sobre música. Por alguna razón opiné acerca de la gran cercanía que comparten la música clásica y el heavy metal. su reacción fue de sorpresa y negación. Entendible. Mi opinión pareciera no tener sentido alguno, por ende, me permito en las siguientes líneas ampliar mi percepción con pruebas para defender mi postura, pues, en lo que a mí respecta y como dicen algunos, "la música clásica era heavy metal antes de que hubiera electricidad". 

Partamos de la base de que los seguidores de ambos estilos son/somos muy parecidos. Según un estudio realizado en 2018 por Adrian North, profesor en la universidad Heriott-Watt en Edimburgo, Reino Unido, quienes gustan del heavy metal y la música clásica buscan conseguir en la música las mismas características: drama y teatralidad, y comparten "un amor por lo grandioso". La persona que oye rock y heavy metal siempre ha sido acusada de ser un peligro para la sociedad y de ser agresiva, pero según North, "son realmente personas delicadas. Son prácticamente la misma persona que aquellas que oyen música clásica. Muchos fans del heavy metal dirán que les gusta Wagner, pues es grande, duro, y arriesgado".

Pero la conexión entre ambos géneros no pasa solo por la personalidad de quienes los oyen, también tiene un fuerte nexo musical. En una entrevista en 1985 Richie Blackmore, guitarrista de Deep Purple -una de las bandas más importantes en la historia del rock- declaró acerca de la música clásica que "es el tipo de música que me mueve, pues la encuentro muy dramática". Si analizamos la música del grupo, es clara la conexión. En los solos de guitarra de la canción Highway Star se pueden distinguir influencias de Bach en cuanto a lo que respecta a melodía y progresión armónica. (continúa después del video)....

Como Blackmore, otros famosos maestros de las seis cuerdas como Randy Rhoads y Eddie Van Halen han tomado inspiración del virtuosismo de Bach y Vivaldi. Van Halen, por ejemplo, estudio violín y piano clásico y en su estilo de abordar el instrumento hay claros movimientos influenciados por la música clásica. Muchos artistas heavy metal han hecho sus propias versiones de famosas obras clásicas. Integrantes de la banda finlandesa Children of Bodom hicieron su propia versión de una de Las cuatro estaciones de Vivaldi, todo mientras paseaban sus dedos a velocidades metaleras por el cuello de sus guitarras y sacudían sus largas melenas (continúa después del video)...

 

La hermandad entre ambos géneros es tan grande, que varios grupos de rock y heavy metal han hecho proyectos en conjunto con orquestas filarmónicas. Kiss junto a la Melbourne Symphony Orchestra, Metallica con la Orquesta Sinfónica de San Francisco, Kraken en colaboración con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, son apenas unos de las más destacados ejemplos. Cómo no nombrar a Apolcalyptica, banda finlandesa que se ha hecho famosa tocando canciones de Metallica en versión sinfónica. Si bien la influencia de la música clásica es clarísima en el mundo del heavy metal, el cruce sonoro también se ha dado en la otra vía: intérpretes de instrumentos de música clásica se han rendido ante los encantos del heavy metal. Tal es el caso de violinista Rachel Barton Pine, quien comenzó su carrera como violinista a los 7 años y desde entonces ha tocado en importantes orquestas a nivel mundial. Barton Pine ha hecho parte de grupos de metal como Earthen Grave y lanzó su propio álbum de clásicos del rock interpretados en violín, y en sus presentaciones en vivo se cuela uno que otro clásico del rock y heavy metal como One, de Metallica (continúa después del video)...

El matrimonio entre ambos estilos musicales es absolutamente claro e innegable, y no dejo de encontrar curioso el hecho de que mi madre -a quien agradezco por inspirar este artículo- cuando era apenas un bebé me arrullara al son de la música clásica, y años más tarde haya iniciado un eterno romance con el rock y el heavy metal. 

La siguiente vez que oigan a Mozart, Vivaldi o cualquier otra grande la música clásica, tienen todo el derecho de armar un pogo o hacer el símbolo del demonio con sus manos. 

Michael Jackson Rocks!

¿Cómo hablar de Michael Jackson sin decir algo que no se haya dicho una y otra vez? ¿Cómo hablar de él sin decir que era el Rey del Pop...y del rock, y del r&b, del hip hop? Michael Jackson era el rey de la música, punto.  No había nada que no pudiera hacer Hacía de todo, y todo le salía bien. Tiene el disco mejor vendido de todos los tiempos. Es el mejor bailarín que el mundo ha visto. sus videos son los más sobresalientes de la historia. Es, en conclusión, el mejor artista de todos los tiempos. En cada artista hay algo de MJ. En cada bailarín hay algo suyo. No hay ningún movimiento que alguien haga en un escenario que él no haya hecho antes y mejor. Le pedían que hiciera pop, hacía pop. Le pedían que hiciera rap, hacía rap. Le pedían que hiciera rock, y roqueaba. ¡demonios! El tipo comenzaba sus conciertos quedándose como una estatua por un rato y ya tenía a todo el mundo loco. Así de bueno era.

Michael Jackson rocks! Literalmente. Por ende, he aquí algunas de sus mejores canciones del Rey del Pop cuando incursionó en el género.

BEAT IT

¿Qué hace un artista en el primer lustro de la década de los 80 cuando quiere lanzar una canción pesada y guitarrera? Llamar al mejor guitarrista rock del momento y uno de los mejores de la historia: Eddie Van Halen, cuyo solo hace arder la canción y convirtió a Beat It en el máximo himno roquero de Jackson. 

Dirty Diana

Siguiendo con la costumbre de llamar a grandes guitarristas, para esta canción del álbum Bad Jackson consiguió de los endiablados servicios en las seis cuerdas de otro de los grandes guitarristas de los 80: Steve Stevens, también conocido por ser el guitarrista en la banda de Billy Idol.

Come Together

Clase 1 de Introducción al Rock: tomar la que es quizás la canción más estridente y cargada de guitarras del grupo más grande de la historia, los Beatles, y darle vida propia.

Black or White

Si algo hacía bien Michael Jackson era adaptarse a los tiempos y rodearse con la mejor gente del momento. Para la introducción de esta canción de su álbum Dangerous llamó a Slash para que tocara guitarra antes de que la canción comenzara de lleno. Muchos creen que el guitarrista de Guns N´Roses toca en todo el track, pero solo lo hace en la introducción. Sin embargo, el músico tocó la canción con MJ en varias presentaciones en vivo.

Give in to Me

Otra canción para la que el Rey del Pop contó con Slash en la guitarra. Si me preguntan, esta es la canción más roquera de todo el catálogo de Jackson. Sus tintes oscuros la engalanan de un feeling típico de una power callad ochentera. En su video oficial grabado en Alemania aparecen Slash y Gilby Clarke, quienes se encontraban de gira con Guns N´Roses en Europa y coordinaron con Jackson para aparecer en el video. 

Mis Discos Favoritos de 2012

Cada diciembre me pongo en la difícil tarea de escoger los 10 discos que más me gustaron. en el año. En esta ocasión, la lista es bien extraña y variada, prueba de la diversidad musical que hay actualmente. Una banda de dream pop, una de veteranos, algo instrumental, un disco tributo, uno del  presente y futuro de metal, entre otros, lograron meterse en mi ranking anual. Como aspecto curioso, 5 de los 10 discos en este top 10 de 2012 son de grandes guitarristas. Pensar que hay quienes dicen que el rock de guitarra está muerto.

Esta es, sin un orden específico, mi lista de discos favoritos de 2012:  

Jack White -Blunderbuss

A estas alturas sobra, creo, introducir a Jack White. A menos que haya estado encerrado en una cueva durante los últimos 10 años, su nombre es uno que debe conocer, ya sea por su trabajo con The White Stripes, The Raconteurs o The Dead Weather. 

Lanzado el 23 de abril y escrito en su totalidad por White, Blunderbuss marca el debut como solista de uno de los músicos más exitosos y talentosos de la última década. Junto a Megan White alcanzó uno de los puntos más altos en su carrera. Después de todo, quién no recuerda esa pegajosa pero genial línea de bajo de Seven Nation Army. Posteriormente, con The Raconteurs y The Dead Weather no logró replicar su éxito previo. Ambos grupos propusieron cosas interesantes, pero en ninguno de ellos White estuvo a la altura de su mejor nivel. Algo no encajaba. Algo no lo hacía sonar cómodo.

Con Blunderbuss, parece haber recobrado esa inspiración que lo catapultó a la cima de la escena de la música a comienzos de la década pasada. Las 13 canciones del álbum son un recorrido por terrenos a los que White nos tiene acostumbrados, un poco de blues, algo de hard rock, y otro de poco de folk y country, todo en tracks llenos de su inconfundible voz y letras melancólicas cantadas desde lugares que –si bien no son una invitación directa al alma del músico- parecen estar cargadas de sentimientos personales a los que White poco o nada nos ha dejado entrar en el pasado.

Recomendación: trate de oír/conseguir la versión japonesa del disco. Trae un cover apasionante de Love is Blindness (U2). Usualmente, quienes hacen covers de U2 fallan a la hora de recrear el sentimiento de sus canciones. Jack White no sólo lo logra, sino que imprime sentimientos a la canción que tal vez ni el mismo Bono alcanzó a imaginar cuando la canción fue grabada y lanzada a comienzos de los 90. 

Buckethead -Electric Sea

Además de ser uno de los guitarristas experimentales más versátiles e interesantes, Buckethead también es de los artistas más productivos de la historia de la música. Prueba de ello son los 40 discos como solista que ha lanzado desde 1992, sin incluir sus “aventuras” en bandas como Giant Robot, Guns N´ Roses, y sus colaboraciones con músicos como Les Claypool (Primus) y Brain (Primus, GN´R).

Si bien su estilo musical se orienta más hacia el metal progresivo y el speed metal, en Electric Sea se concentra en sonidos acústicos, clásicos e incluso un poco de flamenco. 

Escrito y compuesto por él mismo, este disco es una joya de 11 canciones instrumentales que nos muestran la versión más elegante y hermosa de Buckethead. De esas 11 canciones, dos son composiciones originales de Johann Sebastian Bach, y una del compositor italiano Alfredo Catalani. Uno de los momentos más sublimes y curiosos del álbum es el track de cierre: The Homing Beacon, el cual dedica a uno de sus ídolos, Michael Jackson, a quien agradece en los créditos.

Recomendación: antes oír Electric Sea, oiga Electric Tears (2002), disco del cual nace la idea para este. Si puede, óigalos en continuidad. Así entenderá a plenitud la magia de este monstruo de la guitarra.  

Varios Atistas- Re-Machined: A Tribute To Deep Purple's Machine Head

Una de las cosas que se puede decir de Deep Purple es que es una de las bandas más influyentes de la historia del rock/metal. Otra cosa que se puede decir sobre es que, sin importar de cuál de sus múltiples alineaciones de esté hablando, es nunca ha recibido el crédito que merece. Tal vez el legado de Deep Purple ha sido eclipsado por artistas de los 70 como Led Zeppelin y Black Sabbath, quienes –a propósito- ya han recibido discos tributo de altísimo perfil. Afortunada y merecidamente, llegó la hora de Deep Purple. Tarde, pero llegó.

Usualmente, todo disco tributo tiene algunos lunares blancos. Artistas que uno no se explica cómo pudieron llegar al disco o cómo fueron influenciados por el grupo homenajeado. Maná en el tributo a Led Zeppelín, por ejemplo. Este álbum tributo es el primero en el que no veo lunar blanco alguno. Carlos Santana, Chickenfoot, Black Label Society, Iron Maiden, Metallica, entre otros, unieron fuerzas para grabar Machine Head, probablemente el mejor disco de Deep Purple y al cual se le atribuye establecer las bases de buena parte de lo que pasaría en materia de rock y metal después de su lanzamiento en 1972. 

A la lista de los ya mencionados ilustres invitados que grabaron este disco, hay que sumar a Glen Hughes, quien fuera bajista/vocalista de Deep Purple durante gran parte de los 70, a Joe Bonamassa , Jimmy Barnes y el supergrupo Kings of Chaos, conformado por Steve Stevens, los ex Guns N´ Roses Matt Sorum y Duff McKagan, y Joe Elliott ,cantante de Def Leppard. Un justo homenaje para una de las bandas más influyentes de la historia.

Recomendación: La ultra creativa versión de Smoke On The Water que hacen los Flaming Lips, la cual tomará por sorpresa a más de uno, dado que esta banda es más conocida por sus canciones experimentales que no entienden ni ellos que por su cercanía con los sonidos del rock. Sin embargo, por raro que suene, es uno de los momentos más interesantes y rompe-esquemas del disco. 

Beach House- Bloom

Lanzado el 15 de mayo, este disco se ha convertido en el mayor éxito de este dúo conformado por Victoria Legrand y Alex Scally. Tanto así que debutó en la posición número 7 de Billboard 200. Dream Pop, indie rock, shoe gaze, llámelo como quiera, el estilo de este disco es simplemente encantador. Eso sí, es un disco extraño. Hermosamente extraño. Sus canciones no tienen coros identificables ni cuentan con el formato tradicional de verso-coro-verso, aún así brillan por su simplicidad. 

La cautivante voz de Legrand es uno de los puntos a resaltar del disco. La profundidad de su tono tiene la capacidad de envolver a quien lo oye en un viaje por paisajes oscuros, depresivos, nostálgicos, pero –de alguna extraña manera- supremamente motivacionales.

Recomendación: óigalo de comienzo a fin con luz apagada, ojos cerrados, y déjese llevar.

Slash- Apocalyptic Love

Después de un exitosísimo primer álbum como solista en el cual lo acompañaron cantantes como Ozzy Osbourne, Chris Cornell y Lemmy Kilmister, Slash lanza su segundo disco, esta vez acompañado en todas las canciones por Myles Kennedy, quien también prestó su voz para dos canciones del primer disco. Sin duda, Kennedy es uno de los descubrimientos más importantes del rock en la última década. Una voz tan brillante que Jimmy Page, Jon Paul Jones y Jason Bonhman lo invitaron a ensayar con ellos para lo que se supone sería una versión de Led Zeppelin sin Robert Plant. Como dijo Slash alguna vez: “si lo llamaron para Led Zeppelin, algo bueno debe tener”.

Sí, algo bueno, muy bueno tiene. Su voz está equipada para cantar canciones pesadas, baladas, mid-tempo, todo. Desde los días junto a Axl Rose en Guns N´ Roses, no se veía y oía a Slash tan bien acompañado. Lo mejor, sin las demoras para salir al escenario ni el temperamento explosivo de Rose. Slash parece haber encontrado la química perfecta. Su guitarra suena tan sentimental, sucia y desafiante como en los días de Appetitte For Destruction.

Canciones como You´re a Lie, Halo, Bad Rain y Not For Me son prueba fehaciente del gran nivel actual de Slash y de la inmensa química que ha encontrado junto a Myles Kennedy y The Conspirators, banda de apoyo conformada por Todd Kerns y Brent Fitz, músicos con quienes salió en la gira promocional de su disco debut.

Recomendación: Anastasia- canción épica que abre con Slash tocando guitarra clásica, algo ha hecho en muy pocas ocasiones en su carrera, una de ellas Double Talkin´ Jive, track incluido en Use Your Illusion I de Guns N´ Roses. El sentimiento de la guitarra de Slash, más el brillo de la voz de Kennedy y el contundente acompañamiento de The Conspirators, hacen de esta una canción para recordar a través del tiempo.  

Van Halen- A Different Kind of Truth

28 años tuvieron que pasar para que al menos tres de las cuatro partes de la formación original de Van Halen limaran asperezas y se reunieran. Lastimosamente, una parte fundamental no pudo ser parte del reencuentro: el bajista Michael Anthony, quien ha sido reemplazado por Wolfgang Van Halen. Sí, hijo de Eddie, y sobrino de Alex. En mi opinión, el bajo y las armonías vocales de Anthony hacen falta, pero el pequeño Wolfgang (tiene apenas 21 años) ha hecho un digno papel en las 4 cuerdas.

Comercial y críticamente, el primer disco del grupo desde 1998 ha sido bien recibido. Prueba de ello son las 188 mil copias vendidas en su primera semana a  la venta, las cuales lo llevaron al puesto número 2 en el ranking Billboard 200. Sin embargo, algunos han criticado que las canciones que hacen parte del álbum hayan sido compuestas hace años, incluso décadas atrás. ¿A quién le importa que, por ejemplo, She´s The Woman haya sido escrita a finales de los 70? Lo importante es la calidad de la canción, no cuándo fue escrita. Si juzgáramos por lo “viejo” que pueda ser una canción, entonces Iron Man (Black Sabbath) o Another Brick In The Wall Part 1 (Pink Floyd) serían dos pedazos de basura hoy en día.

Una de las principales dudas que generó el lanzamiento de este disco fue si Eddie Van Halen y David Lee Roth aún podían hacer su trabajo como en sus días de gloria a finales de los 70 y comienzos de los 80. La respuesta: sí. Por momentos, parece como si el tiempo no hubiera pasado. David Lee Roth sigue tan vibrante, alegre y teatral (uno de los mejores frontman de la historia, sin duda). Por su parte, Eddie toca solos y riffs tan incendiarios como aquellos de Van Halen I o Fair Warning (en mis oídos, el mejor guitarrista de todos los tiempos. Lo siento, Jimi).

Recomendación: para juzgar este disco es mejor no hacerlo basándose en su primer sencillo, Tattoo. No es la mejor canción del disco (¿acaso algún primer sencillo es la mejor canción de un disco?). Para entender realmente de qué se trata A Different Kind of Truth, oiga Bullethead, As Is o Stay Frosty, canciones en las que la química Lee Roth/Van Halen está en su más alto nivel, por no hablar del fuego que sale de los altavoces en cada solo de Eddie.   

John Frusciante- PBX Funicular Intaglio Zone

Cuando John Frusciante confirmó en 2009 su salida de Red Hot Chili Peppers, no dio mayores razones ni se detuvo a explicar los detalles. Lo único que dijo fue que simplemente sentía que ya había hecho todo con el grupo. Al oír este disco, es fácil entender el porqué de su decisión. Más que haber hecho todo con la banda, pareciera como si la realidad es que con ellos no podía hacer lo que realmente quería hacer: synth pop progresivo, como el mismo describe su sonido actual. Yo lo describo como un Frankenstein musical: armado de fragmentos de diferentes géneros.

No es un disco fácil de oír ni de entender, ya que la forma en que Frusciante pasea por géneros como la electrónica, el rock y el rap, pueden marear a cualquiera. Las canciones parecieran no tener sentido alguno, a tal punto que algunas suenan como si hubieran sido armadas con pedazos de otras. El disco entero tiene esa característica. Sin embargo, con un poco de paciencia y tras oírlo varias veces, se logra descubrir la belleza que yace debajo de la tan espesa capa de sonidos bizarros y segmentos musicales aparentemente incongruentes.

Según Frusciante, hace mucho dejó las drogas. 

Las nueve canciones del disco –producidas, escritas e interpretadas por él mismo- suenan como si hubieran sido escritas durante una noche llena de alcohol y éxtasis. Sea como sea que hayan sido compuestas, este disco es una joya, una obra de arte digna de un verdadero genio. Thom Yorke (Radiohead) y Trent Reznor (Nine Inch Nails), otros genios, estarían celosos de este disco. Así de bueno, interesante y desafiante es.

Recomendación: antes de oír este álbum, oigan el EP Letur-Lefr, el cual fue lanzado apenas dos meses antes que este y que sirve como una especie de antesala o complemento. 

Stone Sour- Houses of Gold & Bones pt.1 

Cada cierto tiempo llega a la escena del rock/metal un grupo o músico que cambia las reglas del juego y propone algo nuevo con un álbum. Black Sabbath lo hizo con Paranoid, Nirvana con Nevermind, Queens of the Stone Age con Songs For The Deaf. En dicha lista podemos incluir este disco.

Decir que Corey Taylor es –junto a Myles Kennedy (Alter Bridge, Slash)- el mejor cantante del rock actual- no sería una exageración. Su versatilidad vocal no es algo que sea oiga comúnmente. Taylor está vocalmente “equipado” para cantar de todo, cosas suaves, pesadas e incluso coquetear con lo gutural. Cualquiera que oiga el trabajo de este grupo por primera vez, puede llegar a creer que dos son los cantantes que aparecen en él. De cierta forma es así, pues en Houses of Gold & Bones pt.1 Corey Taylor trae a la mesa algo de su encarnación enmascarada de Slipknot.

Canciones como RU486 y Last of the Real son muestra de esa faceta agresiva y brutal, mientras que The Travelers, pt 1 y Taciturn representan el lado más suave de la banda.

Me atrevo a decir que en 2019 este álbum estará en más de una lista de los mejores de la década, eso sí la parte 2 –la cual saldrá en mayo de 2013- no lo supera.

Recomendación: Taciturn. Balada acústica en la que la voz de Corey Taylor brilla. Prueba clara y contundente de su talento y enorme versatilidad.  

Mark Tremonti- All I Was

Tal vez el hecho de ser el guitarrista de Creed, uno de los grupos más odiados de la última década, ha privado a Mark Tremonti de ser reconocido como uno de los grandes guitarristas del rock moderno. Sin embargo, quien disfruta de los sonidos del post-grunge seguramente gustará del trabajo de Tremonti, ya sea en Creed o en Alter Bridge.

Con el paso del tiempo, Mark Tremonti ha tenido una evolución notoria tras cada disco lanzado. Pareciera estar más cómodo con sí mismo y su talento. Cada vez se “amarra” menos. Con su primer álbum solista, All I Was, ha dado rienda suelta a sus habilidades en la guitarra, algo que venía anunciando desde los inicios de Alter Bridge. Influenciado por bandas como Metallica, Testament, Slayer y Forbidden, el metal está claramente en su ADN musical. A pesar de ello, dichas influencias apenas se han asomado tímidamente en sus anteriores trabajos discográficos. Digno heredero del talento de grandes guitarristas como Dimebag Darrell, Zakk Wylde y Eddie Van Halen, Tremonti nos da a conocer su faceta más pesada y técnicamente rica.

 All I Was es una prueba contundente de lo que este guitarrista sabe hacer: tocar sucesiones inclementes de riffs pesados, lo cual se manifiesta a lo largo de las 12 canciones del disco, salvo por un par de baladas en las que se da un respiro y el lujo de enseñar su lado más sentimental y suave. Por si su total despliegue de talento guitarrero fuera poco, Tremonti hace su debut como cantante, y no lo hace nada mal. Tal vez su voz no sea la más “dotada” como su guitarra, pero es lo suficientemente buena como para sobrevivir a tan brutal avalancha de riffs. Posiblemente este disco no haga un leyenda de Mark Tremonti, pero sin duda le hará ganar más de un adepto nuevo.

Recomendación: So You´re Afraid. Mark Tremonti al 100%. Coqueteando con speed metal y, como el gran arquitecto de riffs que es, construyendo murallas enormes de estos.  

The Killers- Battle Born

Cuando pienso en el rock de comienzos de los 2000, pienso en cómo varios de sus máximos representantes ya no existen o no son tan relevantes como lo eran. The White Stripes, The Vines, The Hives, por ejemplo. The Killers, por su parte, sigue en pie y pasando por uno de sus mejores momentos. A pesar de llevar encima el rótulo de candidatos a ser “el siguiente U2”, algo que sería el beso de la muerte para cualquier grupo, los liderados por Brandon Flowers no se han dejado atormentar por semejante responsabilidad y han seguido creciendo como grupo.

Nunca me ha gustado buscar el sucesor/reemplazo de un grupo, pero si me obligaran a escoger el grupo que más suena como U2, escogería a The Killers. Tal vez por la imagen de Flowers, la cual –por alguna razón- me recuerda a un joven Bono, por compartir el mismo sello (Island) o porque Daniel Lanois y Steve Lillywhite, dos de los principales responsables del sonido de U2, producen buena parte de Battle Born. Los grandes coros, estribillos memorables, sintetizadores ochenteros son parte de la razón por la cual las 12 canciones de este álbum suenan tan bien. Si bien el sonido de The Killers es bastante retro (por momentos me siento oyendo música del primer lustro de los 80), no cae en un terreno nostálgico y pasado de moda. Por el contrario, suena perfectamente actual, moderno.

Battle Born no es mi disco favorito del grupo (mi favorito es Sam´s Town), pero sin duda –y espero el tiempo me dé la razón- es el que comienza a dar la bienvenida a The Killers a las grandes ligas, a la permanencia en la escena del rock, algo que pocos de sus contemporáneos colegas han logrado.

Recomendación: Miss Atomic Bomb. Una de las canciones destacadas del disco. Llena –como prácticamente todas las canciones de Battle Born- de letras cargadas de nostalgia y sentimientos a los cuales nos podemos relacionar fácilmente. ¿Qué la hace tan especial? El nexo con Mr. Brightside, canción del primer álbum del grupo (Hot Fuss) y que lo dio a conocer hace casi una década. Es la continuación de la historia de amor que inició en aquel entonces.

Van Halen 2.0: El Regreso

Sí, el título de este texto suena a nombre de película. Tal vez es porque la historia de Van Halen es así, de película. Acción, drama, peleas, tres cantantes en 10 años y, lo que hacía falta, un desenlace feliz.

Dicho desenlace feliz llegó el lunes con el estreno a nivel mundial de Tattoo, nuevo video y sencillo de la banda, el cual hace parte de su álbum número 12. El primero desde 1984 con David Lee Roth como cantante, y el primero desde Van Halen III de 1998, cuando Gary Cherone de Extreme era la voz del grupo. Antes del lanzamiento de la canción, además de voces de emoción, no se hicieron esperar algunas cargadas de controversia, entre ellas la de Sammy Hagar, antiguo cantante del cuarteto, quien aseguró que las canciones que hacen parte de la nueva producción de Van Halen -A Different Kind of Truth- fueron compuestas mucho antes de su llegada a la banda en 1985. Al leer las declaraciones de Hagar, lo primero que pensé era que éstas no tenían otra intensión que aguarle la fiesta a sus ex compañeros y estaban cargadas de envidia y veneno. Tal vez sea así, sin embargo parece haber verdad en sus palabras, ya que diferentes medios lograron confirmar que una de las canciones del disco- She´s the Woman- fue grabada a manera de demo en 1976.

Algo parecido han dicho los fans de Van Halen con respecto a Tattoo. Según estos, el sencillo no es más que un “retoque” de Down in Flames, canción inédita que fue tocada en vivo durante las etapas de gestación del grupo. La verdad es que, al menos en mi caso particular, no me importa si las canciones fueron compuestas en los 70 o si son armadas con retazos de tracks inéditos. Lo único que me importa es que sean buenas y que en ellas toca el mejor guitarrista de todos los tiempos: Eddie Van Halen (¿Fan de Hendrix? Ya puede comenzar a insultarme). 

Ahora, el hecho de que la banda esté haciendo tan esperado regreso, no quiere decir que ya lo tenga todo ganado. Me explico. Eddie debe demostrar que aún tiene su técnica intacta. David Lee Roth, por su parte, tiene que dejar claro por qué es considerado uno de los mejores frontman del Rock, sobre todo después de tantos años de quietud y por fuera de la alineación del grupo. Tal vez uno de los más importantes aspectos que tiene Van Halen por demostrar, es que Wolfgang Van Halen, hijo de Eddie, tiene el talento necesario para reemplazar a Michael Anthony, actualmente en Chickenfoot, en el bajo y que no está ahí por “rosca”. La no presencia de Anthony, para mí, es el lunar blanco en el comeback de Eddie y compañía. Espero que el trabajo de Wolfgang en A Different Kind of Truth haga justicia al famoso dicho “de tal palo, tal astilla”.

Marquen la fecha del 7 de febrero en sus calendarios, pues ese día llegará el nuevo disco de uno de los más grandes grupos en la historia del Rock: Van Halen.