La moda de los reemplazos temporales en las bandas (columna)

 

Recuerdo cuando la encarnación 2001 de Guns N' Roses tenía una gira planeada por Estados Unidos y esta no pudo llevarse a cabo porque Buckethead, uno de sus guitarristas por aquel entonces, tuvo un problema personal. El comunicado de la banda, seguramente ideado por Axl Rose, señalaba que las fechas del tour quedaban canceladas por asuntos privados del guitarrista, y que el grupo era una familia y no harían conciertos sin él. Si eso hubiera pasado 20 años después, no tengo la menor duda de que Buckethead habría sido reemplazado y el show hubiera continuado.

Cada vez es más común que músicos sean reemplazados en caso de enfermedad o cualquier otro problema de índole personal, ¿pero es esto una buena idea? y ¿por qué está sucediendo?

Quizás tres de los reemplazos o fill-ins, como se les llama en inglés, han sido Ron Wood, quien en 1975 tomó el lugar de Mick Taylor en los Rolling Stones, esto con el fin de poder terminar una gira, después de la cual, Wood fue nombrado como miembro oficial. En 2016, la banda australiana AC/DC esta desmoronándose, principalmente por la salida de Brian Johnson, quien -según dicen- fue despedido debido a sus problemas auditivos. Axl Rose llamó a Angus Young, guitarrista de AC/DC, y se postuló como reemplazo de Johnson. Por su lado, en 2014 Steven Van Zant, mano derecha de Bruce Springsteen, fue reemplazado por Tom Morello, de Rage Against the Machine, mientras grababa un programa de televisión. Es claro que nadie es realmente irremplazable, y que los artistas están dispuestos a seguir adelante con sus compromisos, incluso eso signifique hacerlo sin integrantes vitales para las bandas. Tal es el caso de los Stones, quienes decidieron seguir adelante tras la muerte de Charlie Watts, o de Mötley Crüe, quienes nombraron a John 5 como reemplazo de Mick Mars, quien tomó la decisión de retirarse por problemas de salud. 

Muchas de las bandas más importantes que siguen activas tienen integrantes que pasan de los 60 años y, como dicen por ahí, los años no llegan solos, con ellos llegan diversos quebrantos de salud que, sin duda alguna, son un gran impedimento para salir de gira. Si metemos al covid en la ecuación, resulta claro que este virus tiene como uno de sus síntomas la fiebre por reemplazos temporales. Como recientemente sucedió en la gira latinoamericana de Pantera, en la cual el bajista Rex Brown debió ceder su lugar tras contagiarse, dejando a la banda con tan solo un integrante de la formación clásica en medio del inicio de la gira de "reunión". Tras la pandemia, o por lo menos tras su parte más aguda, y después de que se le diera luz verde al regreso de espectáculos masivos, nadie quiere dejar de tocar, pues la sed de espectáculos en vivo es altísima. Nadie puede darse el lujo de ponerle freno a una gira. 

Entiendo la necesidad de los artistas por seguir adelante y generar ingresos en un mercado tan competitivo, por no hablar de que, así como nosotros queremos verlos en vivo, ellos también deben calmar la sed de ver a su audiencia, después de tocar por cerca de dos años en la sala de su casa y por streaming. Sin embargo, creo que en algunos casos las giras o algunas fechas deberían aplazarse. Sí, seguramente esto no debe ser fácil y ha de representar todo tipo de líos, pero también estoy seguro de que muchos fans preferirían esperar y no ver a una banda a la que le falte algún integrante fundamental. Por ejemplo, ¿se puede hacer un concierto de Guns N' Roses sin Slash o Duff McKagan? De poderse, se puede, pero sería como ir a un partido del PSG y que no juegue Mbappe. O, ¿se imaginan a los Rolling Stones tocando un puñado de fechas sin Keith Richards? ¡Devuélvanme el dinero ya! 

La conexión entre Guns N' Roses y Enrique Iglesias

Es cierto que en el mundo de la música se han producido extrañas uniones. Lou Reed y Metallica es una de las que más ha levantado cejas en los últimos años, por no mencionar la de Slash con la cantante española Martha Sanchez. Tranquilos, los gunners no piensan hacer una canción con Enrique Iglesias, pero sí existe una conexión entre ambos artistas. 

A comienzos del nuevo milenio, Axl Rose -como ya era costumbre para entonces- estaba buscando un nuevo guitarrista para que entrara a formar parte de la nueva y siempre cambiante alineación de Guns N' Roses. Richard Fortus, actual guitarrista de la banda, viajó a Los Angeles para hacer su audición. Sin embargo, ya estando allá, se enteró de que Axl le había dado el trabajo a un excéntrico pero virtuoso guitarrista llamado Buckethead (sí, el que se pone el balde de KFC en la cabeza). Un tiempo después, volvieron a contactarlo. Fortus se encontraba de gira en Europa con Enrique Iglesias, pero aprovechó un par de días libres para viajar a Estados Unidos a reunirse con Axl, con quien habló horas y horas, hasta que por fin le ofreció el trabajo como su nuevo guitarrista.

Cuenta Fortus que en el aeropuerto de regreso a Europa, se encontraba esperando su vuelo cuando un hombre le dijo: "Disculpe, ¿es usted quien pienso que es?", a lo que él contestó que probablemente no. El curioso hombre luego le preguntó: "¿no es usted Izzy Stradlin?". Fortus respondió "no, pero me acabo de quedar con su trabajo".

Dos décadas han pasado desde entonces, y Fortus ha logrado consolidarse como un miembro importante del grupo, a tal grado que ni el mismo Izzy Stradlin le quitó el lugar en la reunión del grupo con Duff McKagan y Slash. 

 

Músicos enmascarados

 

El mundo en el que el nuevo coronavirus nos ha obligado a vivir es uno con reglas básicas como el lavado de manos, la distancia social y el uso obligatorio de máscaras o tapabocas. Cubrirnos el rostro no es algo a lo que estábamos acostumbrados, a excepción de países asiáticos como Japón, en los que el menor síntoma de gripa lleva a la persona a usar barbijo. 

En el mundo de la música muchos artistas llevan carreras enteras usando algún tipo de cobertura facial, soportando largos e intensos conciertos con algo sobre su rostro. Sin quejarse, sin protestas. A diferencia de muchas personas que sacan todo tipo de excusas para no usar un tapabocas. A ellos, Corey Taylor -cantante de Slipknot y enmascarado por excelencia- dice a los "idiotas" que no usan una máscara por negación o incredulidad que "dejen de llorar y póngase una máscara. Solo porque nadie que ustedes conocen ha sido afectado por el virus no significa que este no sea real". El músico continúa su crítica recordando aquella vez que tuvo que estar bajo una máscara por ocho horas mientras hacía entrevistas: "Por ocho horas sin parar, no me la quité, ¿pero estas personas van a lloriquear por tener que usar una por 10 minutos mientras van al mercado?"

Este es un listado de algunos de los músicos famosos no solo por su arte sino también por usar una máscara para adornar su arte. Si ellos pueden usar una, todos también. 

Slipknot

Probablemente los enmascarados más famosos en la industria del entretenimiento. Jamás, al menos hasta donde tengo entendido, ninguno de sus integrantes se ha quitado la máscara en algún momento. En cada uno de sus conciertos las lucen mientras gritan, corren, saltan y hacen todo tipo de acrobacias por alrededor de dos horas. No parecen ser las máscaras más cómodas, pero las usan con orgullo y sin reclamo alguno.

Buckethead

El misterioso, increíblemente talentoso y excéntrico guitarrista (tan excéntrico que ni Axl Rose se lo aguantó mucho en Guns N' Roses) se caracteriza por su particular y prodigioso estilo de tocar guitarra y por usar un balde de pollo de KFC y una máscara blanca en todas sus presentaciones. Hasta el sol de hoy, son muy pocas las fotos que se conocen del músico sin su pinta característica. 

Ghost

Vestidos como oscuras figuras religiosas, este grupo sueco ha llegado a convertirse en uno de los más aclamados dentro de la escena del heavy metal de la última década. Adornados con maquillaje, máscaras y sotanas, estos músicos parecen no sentir ningún tipo de molestia al usar dichas vestimentas, las cuales lucen ser todo menos cómodas.

GWAR

Junto con Slipknot, este grupo de thrash estadounidense tiene que ser uno de los más famosos por su apariencia, vistiendo trajes que parecen absolutamente pesados y que desafían cualquier regla de comodidad. Si bien sus integrantes son personas como usted y yo, sus vestimentas los hacen ver como monstruos llegados de otro planeta. 

Wes Borland (guitarrista de Limp Bizkit)

Solo en MUY raras ocasiones se le ha visto al guitarrista sin ningún tipo de maquillaje o cobertura facial. Cuando no tiene el rostro maquillado, lo tiene tapado con una máscara. En ocasiones, usa tanto maquillaje como máscara. Me pregunto cómo hace para que nada se le caiga mientras toca en vivo. Todos los disfraces que viste son creados por él, pues además de ser músico, es pintor y escultor. 

*La siguiente vez que vaya a ponerse un tapabocas y le duela la oreja o sienta que no pueda respirar del todo bien, piense en alguno de estos músicos y recuerde que sí ellos pueden montarse a un escenario a hacer música por varias horas, usted seguro puede llevar un tapabocas un rato. ¡Ah! Para mayor inspiración, puede ver este video también:

The Return of Guns N´ Roses...

What you are about to read are just my views and opinions. If you can´t handle that, go watch Cartoon Network.

...or at least of two of its original members, plus longtime frontman Axl Rose. I remember back in 2008, when Chinese Democracy finally saw the light of day, how excited I was. I must have heard the thing a million times. I was fine with Axl being the only original member left in the band. Then, for some reason, I asked myself: "Why can´t at least Slash and Duff be around?". I stopped believing what I told myself for so many years: that GN´R could actually be GN´R without at least three original members. Even though I respected what the new lineup of the group was doing and acknowledged the awesome musicians it had had over the years (Robin Finck, Buckethead, Bumblefoot. Monster guitarists), I secretly longed for a reunion, or at least the return of a couple of its original musicians. 

Be careful what you wish for, they say. This week, after months of endless speculation, it was confirmed that Guns N´ Roses will play Coachella with Slash and Duff back in the picture. Am I happy? Hell yeah!!! Been waiting for the gang to get back together and do something since 1996. Will I miss Bumblefoot, Tommy Stinson, DJ Ashba? Absolutely not (This is the part in which you, Chinese Democracy era fans, can start cursing at me...or turn on your TV and watch Ren & Stimpy). I won´t miss them because I -except for a very brief period of time- never saw them as really being "gunners". I grew up with the Guns N´Roses 87-93 lineup, and when all of them but one (two, counting the always loyal Dizzy Reed) left, I thought that was it and the band should have ended. Then, Axl came back with a bunch of new guys, which was extremely hard for me to accept. Again, realizing after a while they were great musicians, they just were not my GN´R. 

Slash, Duff, and Izzy became so iconic in so many ways, that it was nearly impossible for me to accept the band could carry on without ´em. I, however, looked the other way and believed GN´R was still GN´R. I´ve talked about this with many fellow fans. Some have agreed, some haven´t and have hated me. Oh, well, I´d rather be hated for speaking my mind, than loved for saying what people want to hear. One thing has always annoyed me: the fact that some modern day GN´R fans hate that a semi-reunion is happening, but they still sing the Appetite for Destruction songs at the top of their lungs. They hate the old band members, but love their music. How does that work exactly? Anyway, as of today, only Slash and Duff have been confirmed from the original five. Would love to see Izzy and Steven, but I doubt it´ll happen, at least not on a full-time basis. I won´t complain, three out of five is pretty good. I´ve read some people bitching because is not the original lineup. It will probably happen at some point. Maybe Frank Ferrer (whom, by the way, I have never enjoyed as a drummer) and Richard Fortus will quit one day, opening the door for the return of Adler and Izzy. (Don´t forget about Matt Sorum and the underrated Gilby Clarke) Who knows. All I know is old Guns fans have to stop moaning and whining about the lineup not being the Appetite guys. I, for one, will enjoy everything they will offer, even if it´s at least a couple of shows, even though what I want is a full-scale tour, new music, videos, reissues. I want it all. Guess we´ll have to wait and see. 

Mis Discos Favoritos de 2012

Cada diciembre me pongo en la difícil tarea de escoger los 10 discos que más me gustaron. en el año. En esta ocasión, la lista es bien extraña y variada, prueba de la diversidad musical que hay actualmente. Una banda de dream pop, una de veteranos, algo instrumental, un disco tributo, uno del  presente y futuro de metal, entre otros, lograron meterse en mi ranking anual. Como aspecto curioso, 5 de los 10 discos en este top 10 de 2012 son de grandes guitarristas. Pensar que hay quienes dicen que el rock de guitarra está muerto.

Esta es, sin un orden específico, mi lista de discos favoritos de 2012:  

Jack White -Blunderbuss

A estas alturas sobra, creo, introducir a Jack White. A menos que haya estado encerrado en una cueva durante los últimos 10 años, su nombre es uno que debe conocer, ya sea por su trabajo con The White Stripes, The Raconteurs o The Dead Weather. 

Lanzado el 23 de abril y escrito en su totalidad por White, Blunderbuss marca el debut como solista de uno de los músicos más exitosos y talentosos de la última década. Junto a Megan White alcanzó uno de los puntos más altos en su carrera. Después de todo, quién no recuerda esa pegajosa pero genial línea de bajo de Seven Nation Army. Posteriormente, con The Raconteurs y The Dead Weather no logró replicar su éxito previo. Ambos grupos propusieron cosas interesantes, pero en ninguno de ellos White estuvo a la altura de su mejor nivel. Algo no encajaba. Algo no lo hacía sonar cómodo.

Con Blunderbuss, parece haber recobrado esa inspiración que lo catapultó a la cima de la escena de la música a comienzos de la década pasada. Las 13 canciones del álbum son un recorrido por terrenos a los que White nos tiene acostumbrados, un poco de blues, algo de hard rock, y otro de poco de folk y country, todo en tracks llenos de su inconfundible voz y letras melancólicas cantadas desde lugares que –si bien no son una invitación directa al alma del músico- parecen estar cargadas de sentimientos personales a los que White poco o nada nos ha dejado entrar en el pasado.

Recomendación: trate de oír/conseguir la versión japonesa del disco. Trae un cover apasionante de Love is Blindness (U2). Usualmente, quienes hacen covers de U2 fallan a la hora de recrear el sentimiento de sus canciones. Jack White no sólo lo logra, sino que imprime sentimientos a la canción que tal vez ni el mismo Bono alcanzó a imaginar cuando la canción fue grabada y lanzada a comienzos de los 90. 

Buckethead -Electric Sea

Además de ser uno de los guitarristas experimentales más versátiles e interesantes, Buckethead también es de los artistas más productivos de la historia de la música. Prueba de ello son los 40 discos como solista que ha lanzado desde 1992, sin incluir sus “aventuras” en bandas como Giant Robot, Guns N´ Roses, y sus colaboraciones con músicos como Les Claypool (Primus) y Brain (Primus, GN´R).

Si bien su estilo musical se orienta más hacia el metal progresivo y el speed metal, en Electric Sea se concentra en sonidos acústicos, clásicos e incluso un poco de flamenco. 

Escrito y compuesto por él mismo, este disco es una joya de 11 canciones instrumentales que nos muestran la versión más elegante y hermosa de Buckethead. De esas 11 canciones, dos son composiciones originales de Johann Sebastian Bach, y una del compositor italiano Alfredo Catalani. Uno de los momentos más sublimes y curiosos del álbum es el track de cierre: The Homing Beacon, el cual dedica a uno de sus ídolos, Michael Jackson, a quien agradece en los créditos.

Recomendación: antes oír Electric Sea, oiga Electric Tears (2002), disco del cual nace la idea para este. Si puede, óigalos en continuidad. Así entenderá a plenitud la magia de este monstruo de la guitarra.  

Varios Atistas- Re-Machined: A Tribute To Deep Purple's Machine Head

Una de las cosas que se puede decir de Deep Purple es que es una de las bandas más influyentes de la historia del rock/metal. Otra cosa que se puede decir sobre es que, sin importar de cuál de sus múltiples alineaciones de esté hablando, es nunca ha recibido el crédito que merece. Tal vez el legado de Deep Purple ha sido eclipsado por artistas de los 70 como Led Zeppelin y Black Sabbath, quienes –a propósito- ya han recibido discos tributo de altísimo perfil. Afortunada y merecidamente, llegó la hora de Deep Purple. Tarde, pero llegó.

Usualmente, todo disco tributo tiene algunos lunares blancos. Artistas que uno no se explica cómo pudieron llegar al disco o cómo fueron influenciados por el grupo homenajeado. Maná en el tributo a Led Zeppelín, por ejemplo. Este álbum tributo es el primero en el que no veo lunar blanco alguno. Carlos Santana, Chickenfoot, Black Label Society, Iron Maiden, Metallica, entre otros, unieron fuerzas para grabar Machine Head, probablemente el mejor disco de Deep Purple y al cual se le atribuye establecer las bases de buena parte de lo que pasaría en materia de rock y metal después de su lanzamiento en 1972. 

A la lista de los ya mencionados ilustres invitados que grabaron este disco, hay que sumar a Glen Hughes, quien fuera bajista/vocalista de Deep Purple durante gran parte de los 70, a Joe Bonamassa , Jimmy Barnes y el supergrupo Kings of Chaos, conformado por Steve Stevens, los ex Guns N´ Roses Matt Sorum y Duff McKagan, y Joe Elliott ,cantante de Def Leppard. Un justo homenaje para una de las bandas más influyentes de la historia.

Recomendación: La ultra creativa versión de Smoke On The Water que hacen los Flaming Lips, la cual tomará por sorpresa a más de uno, dado que esta banda es más conocida por sus canciones experimentales que no entienden ni ellos que por su cercanía con los sonidos del rock. Sin embargo, por raro que suene, es uno de los momentos más interesantes y rompe-esquemas del disco. 

Beach House- Bloom

Lanzado el 15 de mayo, este disco se ha convertido en el mayor éxito de este dúo conformado por Victoria Legrand y Alex Scally. Tanto así que debutó en la posición número 7 de Billboard 200. Dream Pop, indie rock, shoe gaze, llámelo como quiera, el estilo de este disco es simplemente encantador. Eso sí, es un disco extraño. Hermosamente extraño. Sus canciones no tienen coros identificables ni cuentan con el formato tradicional de verso-coro-verso, aún así brillan por su simplicidad. 

La cautivante voz de Legrand es uno de los puntos a resaltar del disco. La profundidad de su tono tiene la capacidad de envolver a quien lo oye en un viaje por paisajes oscuros, depresivos, nostálgicos, pero –de alguna extraña manera- supremamente motivacionales.

Recomendación: óigalo de comienzo a fin con luz apagada, ojos cerrados, y déjese llevar.

Slash- Apocalyptic Love

Después de un exitosísimo primer álbum como solista en el cual lo acompañaron cantantes como Ozzy Osbourne, Chris Cornell y Lemmy Kilmister, Slash lanza su segundo disco, esta vez acompañado en todas las canciones por Myles Kennedy, quien también prestó su voz para dos canciones del primer disco. Sin duda, Kennedy es uno de los descubrimientos más importantes del rock en la última década. Una voz tan brillante que Jimmy Page, Jon Paul Jones y Jason Bonhman lo invitaron a ensayar con ellos para lo que se supone sería una versión de Led Zeppelin sin Robert Plant. Como dijo Slash alguna vez: “si lo llamaron para Led Zeppelin, algo bueno debe tener”.

Sí, algo bueno, muy bueno tiene. Su voz está equipada para cantar canciones pesadas, baladas, mid-tempo, todo. Desde los días junto a Axl Rose en Guns N´ Roses, no se veía y oía a Slash tan bien acompañado. Lo mejor, sin las demoras para salir al escenario ni el temperamento explosivo de Rose. Slash parece haber encontrado la química perfecta. Su guitarra suena tan sentimental, sucia y desafiante como en los días de Appetitte For Destruction.

Canciones como You´re a Lie, Halo, Bad Rain y Not For Me son prueba fehaciente del gran nivel actual de Slash y de la inmensa química que ha encontrado junto a Myles Kennedy y The Conspirators, banda de apoyo conformada por Todd Kerns y Brent Fitz, músicos con quienes salió en la gira promocional de su disco debut.

Recomendación: Anastasia- canción épica que abre con Slash tocando guitarra clásica, algo ha hecho en muy pocas ocasiones en su carrera, una de ellas Double Talkin´ Jive, track incluido en Use Your Illusion I de Guns N´ Roses. El sentimiento de la guitarra de Slash, más el brillo de la voz de Kennedy y el contundente acompañamiento de The Conspirators, hacen de esta una canción para recordar a través del tiempo.  

Van Halen- A Different Kind of Truth

28 años tuvieron que pasar para que al menos tres de las cuatro partes de la formación original de Van Halen limaran asperezas y se reunieran. Lastimosamente, una parte fundamental no pudo ser parte del reencuentro: el bajista Michael Anthony, quien ha sido reemplazado por Wolfgang Van Halen. Sí, hijo de Eddie, y sobrino de Alex. En mi opinión, el bajo y las armonías vocales de Anthony hacen falta, pero el pequeño Wolfgang (tiene apenas 21 años) ha hecho un digno papel en las 4 cuerdas.

Comercial y críticamente, el primer disco del grupo desde 1998 ha sido bien recibido. Prueba de ello son las 188 mil copias vendidas en su primera semana a  la venta, las cuales lo llevaron al puesto número 2 en el ranking Billboard 200. Sin embargo, algunos han criticado que las canciones que hacen parte del álbum hayan sido compuestas hace años, incluso décadas atrás. ¿A quién le importa que, por ejemplo, She´s The Woman haya sido escrita a finales de los 70? Lo importante es la calidad de la canción, no cuándo fue escrita. Si juzgáramos por lo “viejo” que pueda ser una canción, entonces Iron Man (Black Sabbath) o Another Brick In The Wall Part 1 (Pink Floyd) serían dos pedazos de basura hoy en día.

Una de las principales dudas que generó el lanzamiento de este disco fue si Eddie Van Halen y David Lee Roth aún podían hacer su trabajo como en sus días de gloria a finales de los 70 y comienzos de los 80. La respuesta: sí. Por momentos, parece como si el tiempo no hubiera pasado. David Lee Roth sigue tan vibrante, alegre y teatral (uno de los mejores frontman de la historia, sin duda). Por su parte, Eddie toca solos y riffs tan incendiarios como aquellos de Van Halen I o Fair Warning (en mis oídos, el mejor guitarrista de todos los tiempos. Lo siento, Jimi).

Recomendación: para juzgar este disco es mejor no hacerlo basándose en su primer sencillo, Tattoo. No es la mejor canción del disco (¿acaso algún primer sencillo es la mejor canción de un disco?). Para entender realmente de qué se trata A Different Kind of Truth, oiga Bullethead, As Is o Stay Frosty, canciones en las que la química Lee Roth/Van Halen está en su más alto nivel, por no hablar del fuego que sale de los altavoces en cada solo de Eddie.   

John Frusciante- PBX Funicular Intaglio Zone

Cuando John Frusciante confirmó en 2009 su salida de Red Hot Chili Peppers, no dio mayores razones ni se detuvo a explicar los detalles. Lo único que dijo fue que simplemente sentía que ya había hecho todo con el grupo. Al oír este disco, es fácil entender el porqué de su decisión. Más que haber hecho todo con la banda, pareciera como si la realidad es que con ellos no podía hacer lo que realmente quería hacer: synth pop progresivo, como el mismo describe su sonido actual. Yo lo describo como un Frankenstein musical: armado de fragmentos de diferentes géneros.

No es un disco fácil de oír ni de entender, ya que la forma en que Frusciante pasea por géneros como la electrónica, el rock y el rap, pueden marear a cualquiera. Las canciones parecieran no tener sentido alguno, a tal punto que algunas suenan como si hubieran sido armadas con pedazos de otras. El disco entero tiene esa característica. Sin embargo, con un poco de paciencia y tras oírlo varias veces, se logra descubrir la belleza que yace debajo de la tan espesa capa de sonidos bizarros y segmentos musicales aparentemente incongruentes.

Según Frusciante, hace mucho dejó las drogas. 

Las nueve canciones del disco –producidas, escritas e interpretadas por él mismo- suenan como si hubieran sido escritas durante una noche llena de alcohol y éxtasis. Sea como sea que hayan sido compuestas, este disco es una joya, una obra de arte digna de un verdadero genio. Thom Yorke (Radiohead) y Trent Reznor (Nine Inch Nails), otros genios, estarían celosos de este disco. Así de bueno, interesante y desafiante es.

Recomendación: antes de oír este álbum, oigan el EP Letur-Lefr, el cual fue lanzado apenas dos meses antes que este y que sirve como una especie de antesala o complemento. 

Stone Sour- Houses of Gold & Bones pt.1 

Cada cierto tiempo llega a la escena del rock/metal un grupo o músico que cambia las reglas del juego y propone algo nuevo con un álbum. Black Sabbath lo hizo con Paranoid, Nirvana con Nevermind, Queens of the Stone Age con Songs For The Deaf. En dicha lista podemos incluir este disco.

Decir que Corey Taylor es –junto a Myles Kennedy (Alter Bridge, Slash)- el mejor cantante del rock actual- no sería una exageración. Su versatilidad vocal no es algo que sea oiga comúnmente. Taylor está vocalmente “equipado” para cantar de todo, cosas suaves, pesadas e incluso coquetear con lo gutural. Cualquiera que oiga el trabajo de este grupo por primera vez, puede llegar a creer que dos son los cantantes que aparecen en él. De cierta forma es así, pues en Houses of Gold & Bones pt.1 Corey Taylor trae a la mesa algo de su encarnación enmascarada de Slipknot.

Canciones como RU486 y Last of the Real son muestra de esa faceta agresiva y brutal, mientras que The Travelers, pt 1 y Taciturn representan el lado más suave de la banda.

Me atrevo a decir que en 2019 este álbum estará en más de una lista de los mejores de la década, eso sí la parte 2 –la cual saldrá en mayo de 2013- no lo supera.

Recomendación: Taciturn. Balada acústica en la que la voz de Corey Taylor brilla. Prueba clara y contundente de su talento y enorme versatilidad.  

Mark Tremonti- All I Was

Tal vez el hecho de ser el guitarrista de Creed, uno de los grupos más odiados de la última década, ha privado a Mark Tremonti de ser reconocido como uno de los grandes guitarristas del rock moderno. Sin embargo, quien disfruta de los sonidos del post-grunge seguramente gustará del trabajo de Tremonti, ya sea en Creed o en Alter Bridge.

Con el paso del tiempo, Mark Tremonti ha tenido una evolución notoria tras cada disco lanzado. Pareciera estar más cómodo con sí mismo y su talento. Cada vez se “amarra” menos. Con su primer álbum solista, All I Was, ha dado rienda suelta a sus habilidades en la guitarra, algo que venía anunciando desde los inicios de Alter Bridge. Influenciado por bandas como Metallica, Testament, Slayer y Forbidden, el metal está claramente en su ADN musical. A pesar de ello, dichas influencias apenas se han asomado tímidamente en sus anteriores trabajos discográficos. Digno heredero del talento de grandes guitarristas como Dimebag Darrell, Zakk Wylde y Eddie Van Halen, Tremonti nos da a conocer su faceta más pesada y técnicamente rica.

 All I Was es una prueba contundente de lo que este guitarrista sabe hacer: tocar sucesiones inclementes de riffs pesados, lo cual se manifiesta a lo largo de las 12 canciones del disco, salvo por un par de baladas en las que se da un respiro y el lujo de enseñar su lado más sentimental y suave. Por si su total despliegue de talento guitarrero fuera poco, Tremonti hace su debut como cantante, y no lo hace nada mal. Tal vez su voz no sea la más “dotada” como su guitarra, pero es lo suficientemente buena como para sobrevivir a tan brutal avalancha de riffs. Posiblemente este disco no haga un leyenda de Mark Tremonti, pero sin duda le hará ganar más de un adepto nuevo.

Recomendación: So You´re Afraid. Mark Tremonti al 100%. Coqueteando con speed metal y, como el gran arquitecto de riffs que es, construyendo murallas enormes de estos.  

The Killers- Battle Born

Cuando pienso en el rock de comienzos de los 2000, pienso en cómo varios de sus máximos representantes ya no existen o no son tan relevantes como lo eran. The White Stripes, The Vines, The Hives, por ejemplo. The Killers, por su parte, sigue en pie y pasando por uno de sus mejores momentos. A pesar de llevar encima el rótulo de candidatos a ser “el siguiente U2”, algo que sería el beso de la muerte para cualquier grupo, los liderados por Brandon Flowers no se han dejado atormentar por semejante responsabilidad y han seguido creciendo como grupo.

Nunca me ha gustado buscar el sucesor/reemplazo de un grupo, pero si me obligaran a escoger el grupo que más suena como U2, escogería a The Killers. Tal vez por la imagen de Flowers, la cual –por alguna razón- me recuerda a un joven Bono, por compartir el mismo sello (Island) o porque Daniel Lanois y Steve Lillywhite, dos de los principales responsables del sonido de U2, producen buena parte de Battle Born. Los grandes coros, estribillos memorables, sintetizadores ochenteros son parte de la razón por la cual las 12 canciones de este álbum suenan tan bien. Si bien el sonido de The Killers es bastante retro (por momentos me siento oyendo música del primer lustro de los 80), no cae en un terreno nostálgico y pasado de moda. Por el contrario, suena perfectamente actual, moderno.

Battle Born no es mi disco favorito del grupo (mi favorito es Sam´s Town), pero sin duda –y espero el tiempo me dé la razón- es el que comienza a dar la bienvenida a The Killers a las grandes ligas, a la permanencia en la escena del rock, algo que pocos de sus contemporáneos colegas han logrado.

Recomendación: Miss Atomic Bomb. Una de las canciones destacadas del disco. Llena –como prácticamente todas las canciones de Battle Born- de letras cargadas de nostalgia y sentimientos a los cuales nos podemos relacionar fácilmente. ¿Qué la hace tan especial? El nexo con Mr. Brightside, canción del primer álbum del grupo (Hot Fuss) y que lo dio a conocer hace casi una década. Es la continuación de la historia de amor que inició en aquel entonces.