2016 parece no querer parar de llevarse iconos: David Bowie, Glenn Frey, Prince, entre muchos otros. Ahora se nos lleva a George Michael, una voz increíble.
El año era 1996. Tenía apenas 15 años y estaba en mis años de formación musical. Era una época en la que, si bien la escena grunge del primer lustro de los 90 estaba de salida, rock era lo único que escuchaba. Un día de comienzos de enero de dicho año, vi en MTV el video de Jesus to a Child, el primer sencillo del nuevo disco de George Michael: Fastlove. Algo me gustó mucho de la canción, pero no sabía qué era, y aún hoy no lo sé. Tal vez era el video. Tal vez la letra (un homenaje a Anselmo Feleppa, pareja de Michael que falleció por complicaciones causadas por el sida). Quizá era su música y la melancolía de su voz. Quizá eran todas las anteriores. Pasaba largos ratos frente al televisor esperando a que votara el video. Hasta que un día lo logré grabar en una cinta de VHS y lo veía varias veces seguidas.
Semanas después, aún con la canción en mi cabeza, pasé por la vitrina de una tienda de discos cerca a mi casa y vi el sencillo de Jesus to a Child. Quise comprarlo, pero mi ego rockero no me lo permitía. Lo pensé y lo pensé y dije "¡qué demonios! Tengo que tenerlo", así que fui a la discotienda y dije que quería comprarlo, pero -para no herir ese ego grunge y ocultar mi gusto por la canción- pedí que lo empacaran en papel regalo, pues era para otra persona. Llegué a mi apartamento y lo escuché infinidades de veces. Es un canción supremamente extraña, muy lenta y hasta aburrida, pero su sentimiento es único. Eso fue lo que me atrajo de George Michael: su sentimiento y cómo convertía sus emociones en melodías inolvidables. Baladas como Kissing a Fool, One More Try, Father Figure, y Careless Whisper (en mi opinión, la canción más romántica de la historia) son prueba de ello.
Nuestros íconos se están yendo. Lo más triste es que ninguno de ellos se está poniendo más joven y en los próximos años, lastimosamente, se nos seguirán yendo. Así que aprovechemos a los Gilmour, Waters, McCartney, Starr, Steven Tyler, Jagger, Richards, entre otros.
Es esa época del año otra vez. Época en la que mis oídos pitan más de lo habitual por tanto oír música. Gracias a la facilidad que hay a la hora de acceder a nuevos contenidos musicales, la competencia por un lugar en mi tradicional lista de diez discos favoritos del año estuvo más reñida que nunca, con algo más de 40 álbumes en contienda e interminables horas analizando y digiriendo cada uno de estos. ¿"Cuál es su requisito para que un disco entre en sus favoritos del año?", me preguntaban hace poco. Lo que busco es lo que yo llamo "poder de permanencia", es decir, que los discos tengan algo que permanezca en mi memoria y alma, un algo que me haga volver a ellos a pesar de que hayan pasado años, décadas de ser lanzados. Los álbumes de este año que me dieron ese "algo" son los siguientes (sin ningún orden particular de preferencia):
Alter Bridge- The Last Hero
Sin ser un álbum de grandes éxitos, el quinto disco del grupo suena como un repaso por toda su carrera, desde sus sonidos más comerciales del álbum debut One Day Remains, pasando por el lado más pesado y oscuro de lanzamientos como Blackbird, creando así -y tal vez sin buscarlo- un sonido nuevo para la banda. La dinámica entre Myles Kennedy, cuya voz brilla en el disco, y Mark Tremonti y su talento subvalorado son una de las fuerzas más contundentes del rock comercial hoy.
Fiona Brice- Postcards From
Tal vez la entrada más extraña en la historia de este top 10. El primer álbum solista de Fiona Brice -conocida por su trabajo en estudio y en vivo con diferentes artistas, principalmente con la banda inglesa Placebo- es una colección de 10 canciones, cada una inspirada y llamada por una ciudad. Compuesto en un periodo de cinco años, Postcards From es una especie de registro de los viajes de Brice y los paisajes mentales y emocionales que cada ciudad le genera, todo plasmado a través de hermosas melodías de violín, piano, y -ocasionalmente- su propia voz.
The Cult- Hidden City
Pasaron varios años para que un disco de los liderados por Ian Astbury llamara mi atención. Tal vez este no sea un álbum innovador ni arriesgado, pero deja oír a Astbury y al guitarrista Billy Duffy-acompañados por John Tempesta en la batería- capturando algo de esa magia que habían perdido con la llegada del nuevo milenio. Las letras místicas de Astbury, así como su voz profunda y oscura, engalanan las 12 canciones del álbum, en especial Birds of Paradise, en la que se hace las veces de crooner al estilo Sinatra o Bennett.
David Bowie- Blackstar
Grabado en total secreto en Nueva York junto al co-productor Tony Visconti y con un grupo de músicos de jazz de la ciudad, el álbum 25 en la carrera del Duque Blanco salió el 8 de enero para coincidir con su cumpleaños. Apenas un par de días después, el cantante murió de cáncer, y los tonos, letras lúgubres, y videos del disco tuvieron sentido. Bowie sabía que su muerte estaba cerca y nos dejó un último y brillante lanzamiento, por no hablar de su carácter innovador, pues este -lejos de ser un álbum rock- experimenta con los sonidos del jazz y el hip hop.
Gojira-Magma
Antes de este año no conocía nada de este grupo francés más que su nombre y procedencia. Sin embargo, Kirk Hammett (Metallica) no ahorró elogios al hablar del sexto disco de la banda, lo cual despertó mi curiosidad. Lo que encontré fue una colección de canciones pesadas pero melódicas, letras oscuras inspiradas en la muerte de la madre de los hermanos Duplantier, y una serie de riffs los cuales deberían enseñar en institutos de música en la clase de Cómo Hacer Riffs 101. Una joya del metal moderno.
Iggy Pop- Post Pop Depression
En un año en el que hemos perdido a tantos íconos del rock, es un alivio tener aún entre nosotros a Iggy Pop. A comienzos de 2015, Pop contactó a Josh Homme (Queens of the Stone Age) para escribir música juntos. Después de varias semanas intercambiando letras e ideas, el dúo entró a estudio junto a Dean Fertita (Queens of the Stone Age, The Dead Weather) y Matt Helders (Arctic Monkeys), y grabaron el álbum 17 en la historia de Pop. Un álbum en el que la leyenda punk suena como cuando era joven: vital, energético y lleno de rabia. Si este disco, como se ha rumorado, es el último de su carrera, también sería uno de sus mejores.
Kings of Leon- WALLS
Es oficial: los Followill se cansaron de intentar gustarle de nuevo a sus fans que dicen que ya no suenan como en sus primeros discos y que les recriminan que ahora son un grupo grande que toca en gigantescos festivales y recintos alrededor del mundo. El séptimo disco del cuarteto estadounidense está lleno de canciones con coros hechos para ser cantados por miles, así como de letras melancólicas y nostálgicas que -con la voz de Caleb Followill- siempre encuentran una forma de mover mis sentimientos.
Metallica- Hardwired...to Self-Destruct
Ocho años pasaron para que el grupo de San Francisco lanzara el sucesor de Death Magnetic. La recompensa por la paciencia es un álbum doble de una hora y 18 minutos, uno de los más largos en la historia del grupo. Los sonidos de este se pasean básicamente por toda la discografía de Metallica, con canciones que recuerdan al thrash violento de sus primeros discos, pasando por su etapa más comercial y experimental de los 90. Es un álbum que, si bien puede resultar un poco extenso y se beneficiaría de tener un par de canciones menos, está diseñado para complacer a los fans de las diferentes etapas del cuarteto. Los integrantes del grupo- todos entrados en los cincuenta- no tuvieron miedo de lanzar un disco doble en una época en la que los discos parecen extinguirse, así como tampoco temieron a tocar tan rápido y duro como en sus años formativos. Me pregunto si se han preguntado cómo van a hacer para tocar estas canciones dentro de un par de décadas.
Radiohead- A Moon Shaped Pool
Llevaba años pidiendo a gritos que Radiohead dejara de lado tanta experimentación electrónica e hiciera algo diferente. Mis plegarías fueron escuchadas. Tal vez no es el disco convencional de guitarras distorsionadas al estilo de su discografía de los 90 que quisiera oír del grupo británico, pero al menos se desconectaron de los efectos y experimentación electrónica para dar paso a un álbum más orgánico. El noveno disco de Thom Yorke y su combo puede parecer aburrido y dormilón, sin canciones radiales y grandes coros (¿acaso Radiohead se ha caracterizado alguna vez por grandes coros y canciones pegajosas?), pero su belleza está en los meticulosos y hermosos arreglos orquestales. Un disco impecable.
Suede- Night Thoughts
A dos décadas del apogeo del brit pop, del cual Suede fue parte importante, el grupo inglés lanzó en enero su séptimo álbum y el segundo desde su reunión en 2010. Dejando de lado las presiones de ser uno de los abanderados del rock británico de mediados de los 90, el quinteto compuso el que puede ser su mejor disco hasta la fecha. Atrás quedaron las canciones hechas para satisfacer los intereses radiales y las letras sobre fiestas y adicciones, para dar paso a temas más trascendentales como relaciones fallidas y envejecer, así como a canciones más elaboradas en las que el grupo lleva su sonido a lugares desconocidos e innovadores para ellos, esto a través de estructuras musicales más complejas y densas.
Hace poco, con motivo del paso de Guns N´ Roses por Latinoamérica y a mi épico fanatismo por el grupo, me preguntaron cuáles son mis cinco canciones favoritas. Después de pensarlo intensamente y con la intención de salir fácil de semejante reto contestando "todas", están es mi top 5 de canciones de la banda (sin ningún orden en particular):
- ROCKET QUEEN:
Lanzada en el mejor álbum debut de la historia (no lo digo solo yo), Appetite for Destruction, esta canción le da un cierre contundente y emocional a un disco perfecto. Las letras picantes y sonidos sexuales de sus estrofas repentinamente se convierten hacia su final en una declaración de apoyo incondicional que es inevitable cantar a grito herido.
- DON´T CRY (Versión original y alterna):
¿Estaría haciendo trampa si incluyo las dos versiones de esta canción? La primera -la original- incluida en Use Your Illusion I- es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos. Su sensibilidad lírica, video, y melodía sentimental hacen que se me ponga la piel de gallina, por no hablar de la participación en esta de Shannon Hoon (Blind Melon), cuya voz se camufla sutilmente detrás de la de Axl en los casi cinco minutos de la canción. Por su parte, la versión alterna, lanzada en Use Your Ilusión II es prácticamente igual a nivel instrumental y melódico, pero con una letra diferente, algo más oscura y densa. Hasta el día de hoy trato de imitar el interminable "yeahhhhhhhh" de Rose al final de la canción.
- NOVEMBER RAIN:
A comienzos de los 80, Axl Rose se sentó a componer esta canción, pero la guardó hasta que estuviera perfecta. Fue hasta 1991 que llegó a los oídos del mundo, cuando se incluyó en Use Your Illusion I. En casi 9 minutos, Rose -sentado en su piano- hace una oda a un amor que no puede ser, mientras detrás de él la guitarra de Slash y diversos arreglos orquestales lo acompañan majestuosamente en su dolor. No sé si se haya escrito una canción de amor más hermosa.
- ESTRANGED:
Con esta canción se cierra la trilogía de dolor y desamor de la cual hacen parte Don´t Cry y November Rain. En un poco más de nueve minutos, esta canción llena de cambios rítmicos y emocionales es un reflejo del dolor y frustración de Axl Rose al ver que nada puede hacer por salvar una relación, hasta que al final de la canción acepta la realidad y decide bajar los brazos.
CIVIL WAR:
La canción con la que abre Use Your Illusion II y la última que grabó el baterista original de la banda, Steven Adler. Una crítica voraz a la guerra y un cuestionamiento acerca de esta, el abuso de poder, y el sentirse atado de manos sin poder hacer nada para evitarla. What´s so civil about war anyway? (¿Qué es tan civil en la guerra? de todos modos"), pregunta un Rose confundido al final de la canción.
Since it´s election day in the United States and this joke of a man called Donald Trump has (sadly) real chances of being the next President, I thought I´d do something anti-Trump related (guess who I would vote for if I could?).
Here are 2 songs that could easily be dedicated to the man with the funny hair and orange skin:
1. GREEN DAY- AMERICAN IDIOT
On Sunday´s MTV´s European Music Awards, Green Day dedicated their 2004 song to Mr. Trump, changing a part of the lyrics to include Trumps name in it. Pretty clear who, according to the band´s opinion (and mine), is the american idiot.
2. U2- BULLET THE BLUE SKY
Bono has never has been a quiet guy when it comes to politics, but a about a month ago while playing Bullet the Blue Sky, he made it abundantly clear that him and the band were not supporting Donald Trump. I´ve never seen Bono so hateful toward a human being.
Hace un año, con motivo del aniversario 20 del fallecimiento de Shannon Hoon, pensé en escribir sobre él y Blind Melon, pero -infortunadamente- esa entrada se quedó en el tintero. Hoy, mientras oigo algo de su música, saldo esa deuda y trato de hacer algo de justicia con su legado.
"Blind Melon, los del video de la abeja", así es como los recuerdan muchos. Fue un gran video para una pegajosa canción. Pero el grupo estadounidense es mucho más que eso. Lanzada en septiembre de 1992 como segundo sencillo de su álbum debut, No Rain llevó a Blind Melon a la fama. Sin embargo, la canción que los catapultó sería también la que -en mi opinión- los hundió. Esta es la razón: las masas que los conocieron por No Rain pensaron que esa era la canción que representaba la totalidad del sonido del grupo y que el disco entero sonaría así. Cuando dichas masas oyeron el álbum y se dieron cuenta de que no sonaba como pensaban, se alejaron decepcionados. Y es que la canción en cuestión es un punto aparte dentro de la producción. Ninguna otra suena remotamente parecido a esta. A pesar de esto, el álbum esta lleno de joyas subvaloradas del rock alternativo de los 90: Soak the Sin, Tones of Home y la nostálgica Change, por ejemplo.
3 años más tarde, Blind Melon lanzó su segundo álbum -Soup- el cual fue un absoluto fiasco comercial, pero es una contundente muestra del talento del grupo y, sí, otra joya subvalorada de los 90, tal vez eclipsada por el ruido y enorme éxito que bandas como Smashing Pumpkins y Oasis como representantes del brit pop estaban teniendo en el mundo. Además, el disco no tenía ningún solo punto de conexión con el anterior. Sus canciones son mucho más oscuras, esto seguramente inspirado por el abuso de drogas de Hoon, el cual lo llevaría a la muerte apenas unos pocos meses después del lanzamiento de Soup. Nadie entendió el disco. Nadie entendió el riesgo sonoro que tomó el quinteto ni cómo lograron madurar tanto en tan poco tiempo. Shannon Hoon es uno de los mejores cantantes de los 90, su voz tenía características muy particulares e inconfundibles. Es de los poquísimos cantantes que he escuchado cantar una canción de Led Zeppelin sin desentonar una sola nota. Pero nadie entendió su estilo, su mensaje. Tampoco su genuino "hippismo", ese que con tanta astucia y desenfado dejó ver magistralmente durante la presentación del grupo en Woodstock 94.
Hoy, el grupo toca en vivo ocasionalmente con Travis Warren en la voz y con apariciones especiales de Nico Hoon, hija de Shannon. Tal vez Blind Melon sea, como dijo en una entrevista uno de sus integrantes, "apenas un pie de página en la historia del rock", pero dejaron una huella indeleble con el video de No Rain, y al día de hoy en Halloween no falta quien se disfrace de la protagonista de dicho video. ¿Cuántos grupos en la historia del rock han logrado crear un personaje tan icónico y memorable?
*Esta entrada, inspirada por el tema del plebiscito de paz en Colombia, no pretende tomar posiciones ni favoritismos, así como tampoco pretende apoyar a los del "sí" o a los del "no".
La paz, tema tan de moda en los últimos meses en Colombia. Tema que también ha inspirado muchas y muy buenas canciones en el mundo de la música. A continuación, algunas de esas canciones que le cantan a la paz. Peace, love, rock n´roll!!!
1. George Harrison- Give Me Love (Give Me Peace on Earth)
Incluida en su disco Living in the Material World (1973), fue escrita en un periodo en el que el exBeatle estaba dedicado a múltiples labores humanitarias y muy en contacto son su espiritualidad, específicamente con el hinduismo.
2. Depeche Mode- Peace
De su álbum Sounds of the Universe, Peace narra la historia de un hombre que busca conseguir la paz, dejando de lado su amargura y limpiando su mente.
3. Michael Jackson- Heal the World
Posiblemente uno de los himnos más grandes de la paz y -según el mismo Jackson- una de las canciones que más orgullo le generó componer, Heal the World se convirtió en una especie de manual acerca de cómo ayudar a otros.
4. Lenny Kravitz- We Want Peace
En 2003, cuando comenzaba la invasión de Estado Unidos a Irak, Kravitz -quien vio desde su apartamento en Nueva York como las torres del World Trade Center se desplomaban- decidió grabar esta canción en la que se pregunta por qué no hemos aprendido de nuestro pasado y "pateamos nuestro propio trasero".
5. U2- Peace on Earth
Ningún conteo sobre canciones de paz estaría completo sin una canción de U2. Compuesta para el álbum All That You Can´t Leave Behind, en ella Bono hace un hermoso homenaje con nombre propio a las víctimas de un ataque terrorista perpetuado por IRA en Irlanda del Norte en 1998, mientras afirma estar cansado del dolor y sufrimiento y de la eterna promesa de que la paz llegará a la Tierra.
Han pasado 21 años desde que el trío australiano lanzó Frogstomp, su álbum debut, y han pasado casi 10 años desde su último álbum y cuatro desde que anunciaron su "retiro temporal". Muy poco ruido generó su separación. Es posible que algunos apenas se estén enterando al leer estas líneas. En las casi dos décadas que estuvieron juntos, Daniel Johns, Ben Gillies, y Chris Joannou, vendieron cerca de 10 millones de copias de sus 5 discos a nivel mundial. Cifra nada despreciable, pero la banda mereció más, mucho más. Sus videos rotaban con bastante frecuencia en MTV, así como sus canciones en la radio. Fanáticos no les faltaban. Entonces ¿qué pasó?, ¿Por qué la popularidad del grupo pareció diluirse en la nada y desaparecer casi sin dejar rastro?, ¿Por qué el grupo no logró ser más grande?
Tal vez el hecho de ser australianos no les ayudó. Es cierto, Australia nos ha dado grandes artistas como AC/DC o INXS, pero cuando Silverchair comenzó a pedir pista a mediados de los 90, Estados Unidos tenía dominado el mundo de la música, por lo menos del rock. Reino Unido, por su parte, apenas trataba de levantar cabeza y comenzaba a avisar que el brit pop venía en camino de la mano de Oasis y Blur, entre otros. Los oídos del mundo estaban muy concentrados en el grunge y post-grunge como para prestar atención a un trío de adolescentes australianos. Y cuando digo "adolescentes", realmente quiero decir "niños", pues los integrantes del trío tenían todos 15 tiernos años cuando salió su primer disco, lo cual pudo haber aportado a que no tuvieran mayor éxito. Eso, precisamente, fue lo que me llamó la atención de ellos. Todas las canciones de Frogstomp cuentan con gran madurez musical y lírica, a pesar de lo que señaló la crítica en su momento. Daniel Johns siempre fue un gran compositor, quien a pesar de su edad sonaba muy maduro y experimentado. Cuando escuché Silverchair por primera vez, me sentí identificado por varias razones: tenían mi misma edad y yo estaba tratando de aprender guitarra. Ellos me demostraron que no hacía falta ser un veterano para sonar bien y tener éxito, y que si ellos podían hacerlo, yo también. Lastimosamente para mí, nunca tuve la disciplina o paciencia para seguir tocando.
El parecido de Johns con Kurt Cobain era innegable, física y musicalmente. Muchos lo tildaron de "copietas". ¿Qué querían?, ¿Qué se hiciera una cirugía plástica para cambiar su apariencia? Cuando Frogstomp llegó a las tiendas en marzo de 1995, el rock seguía de luto por la muerte de Cobain, por ende, muy pocos pudieron obviar los parecidos entre Nirvana y Silverchair y vieron en el sonido y apariencia de los australianos un intento oportunista por sacar dividendos del legado dejado por el grunge. Además, el disco era una mezcla clarísima entre los sonidos de Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden, lo cual no ayudó en nada a Johns y compañía a quitarse de encima el rótulo de "wannabes". El rock alternativo estaba muriendo. Silverchair llegó muy tarde.
Después de Frogstomp, el trío sacó al mercado 4 discos más, siendo Freakshow y Neon Ballroom los más exitosos. Con canciones como "Freak", "Abuse Me", Ana´s Song (Open Fire), y Anthem for the Year 2000", Silverchair logró colarse en la rotación de la radio mundial y ganar cierto respeto y reconocimiento, pero una vez finalizados los 90, todo se derrumbó. Su sonido, como el de otros tantos grupos noveleros, parecía anticuado frente a las tendencias marcadas en aquel entonces por el nü metal y el regreso del rock de garaje. En mayo de 2011.
En mayo de 2011, Silverchair anunció que se separaba de forma temporal, pero hay quienes afirman que dicha afirmación es solo una forma de maquillar el hecho de que nunca van a volver a tocar juntos. Sin embargo, y según los mismos integrantes del trío, antes de su separación, un nuevo álbum estaba casi listo y este sería lanzado eventualmente.
El autor no se hace responsable si se siente viejo al leer la siguiente entrada.
Sí, un cuarto de siglo ha pasado desde que Guns N´ Roses puso en el mercado los discos Use Your Ilusión I y II, los cuales marcaron el comienzo de una etapa nueva para la banda y -si se quiere- el inicio del fin. Cambios de alineación, adicciones, controversia, peleas internas, egos y música épica marcaron este lanzamiento.
Septiembre 17 de 1991, cientos de personas hacían fila en discotiendas en Estados Unidos para comprar los nuevo de Guns N´Roses. Era medianoche y los fans esperaban a que las tiendas abrieran y comenzaran a vender los álbumes. No importaba ni el frío, el hambre o el sueño. Las masas no querían esperar un segundo para oír las nuevas aventuras sónicas del grupo. Nadie sabía que iban a oír. Gran sorpresa la que les estaba por invadir sus vías auditivas.
Los Use Your Illusion se alejan bastante de las raíces glam y sucias de los 80 para adentrarse en los terrenos de un rock mucho más pulido, épico y hasta con tintes progresivos. La primera señal de que las cosas habían cambiado era la llegada de un nuevo baterista. Steven Adler había sido despedido por usar muchas drogas, lo cual parecía un chiste, pues por ese entonces entre todos los integrantes del grupo se peleaban por quién era el más adicto. En reemplazo de Adler, llegó Matt Sorum (exbaterista de The Cult, un músico mucho más técnico y versátil. Sin él, muchas de las piezas más largas y experimentales de los discos no habrían sonado tan bien. Sarum podía tocar el material previo del grupo. A Adler, en mi opinión, le hubiera costado tocar canciones como Estranged y Locomotive. Otro de los grandes indicios de un cambio inminente fue la entrada del teclista Dizzy Reed, quien -si bien sutilmente- hizo aportes interesantes en varias de las pistas de los álbumes y que le dieron un toque menos "guerrero" y más pulido a las mismas.
Ambos discos tenían la misma portada. Excepto que con colores diferentes. Use Your Ilusión I (portada amarilla) es el disco que más se acerca al sonido del legendario álbum debut Appetite for Destruction. Canciones como Right Next Door to Hell, Perfect Crime, y Don´t Damn Me recordaban a la energía pura y rocanrolera de los 80. Mientras que otras como Coma, Don´t Cry, y la épica November Rain (la cual Axl Rose comenzó a escribir a comienzos de los 80) anunciaban que el grupo había aprendido varios nuevos trucos. Use Your Ilusión II (portada azul) era la confirmación de dichos nuevos trucos. Sus canciones eran mucho más extensas y se paseaban por territorios antes desconocido para Axl, Slash y compañía. Civil War (única canción en la que tocó Steven Adler), las ya citadas Estranged y Locomotive, Breakdown y la corta y electrónica My World eran prueba de ello.
En los Use Your Illusion, Guns N´Roses, además de estrenar sonido, baterista y teclista, también reveló al mundo nuevas armas: la capacidad de hacer muy buenos covers como Live and Let Die (original de Wings) y Knockin´on Heaven´s Door de Bob Dylan. Esta última fue tan exitosa que hay gente que no sabe que fue escrita por Dylan. Otra de las nuevas armas fue el estreno en la voz líder de Izzy y Duff, quienes salieron de la parte de atrás para pasar al frente y mostrar de qué estaban hechos. Duff cantó a dúo con Axl en la romántico So Fine, mientras que Izzy demostró que no solo era un enorme compositor sino también un gran cantante en canciones como Dust N´Bones, 14 Years y Double Talkin´Jive. Por si fuera poco, los discos tenían invitados especiales como Alice Cooper (influencia gigante en Axl Rose) y Shannon Hoon, quien posteriormente sería conocido por su trabajo con Blind Melon. Sí, los del video de la niña disfrazada de abeja.
Para muchos críticos y fanáticos, los Use Your Ilusión fueron el comienzo del fin para Guns N´Roses. "Dañaron la carrera con esos discos", alguna vez dijo un excompañero con el que trabajé en radio. Tal vez cambiaron su sonido muy rápido, pero no creo que la hayan dañado. Lo que si creo es que la banda creció a niveles que ni ellos ni su disquera ni su staff ni nadie pudo controlar. Axl no quería salir de gira y los demás sí. Ahí comenzaron los problemas que apenas unos pocos años después llevarían a que uno a uno dejara las filas de la agrupación. Son dos discos épicos y si los oye hoy -como he estado haciendo mientras escribo este texto- se dará cuenta de que son una ópera maestra que suena tan fresca e innovadora hoy como en esa época.
Hace 15 años el mundo entero cambió. Diferentes áreas de la vida se vieron afectadas por los actos terroristas del 11 de septiembre. Viajar e ir a eventos masivos fueron apenas un par de actividades que nunca volvieron a ser iguales.Me tocó vivir este día en Boston (de donde salió uno de los aviones usados por los terroristas) y el ámbito de auténtico pánico era dantesco. El mundo del entretenimiento sufrió mucho. A la gente le daba miedo ir a conciertos. Lo artistas no querían arriesgar su integridad ni la de sus fans. La radio comenzó un exhaustivo proceso de censura a una larga lista de canciones cuyas letras pudieran asociarse de alguna forma a lo sucedido en Nueva York.
Highway to Hell de AC/DC, War Pigs de Black Sabbath, Speed Kills de Bush, Break Stuff de Limp Bizkit, Fly Away de Lenny Kravitz, fueron apenas algunas de las canciones que hacían parte de la extensa lista de canciones censuradas. Tal vez dos de los grupos que más sufrieron con el 11 de septiembre fueron Rage Against The Machine y Anthrax. Al primero, le fueron censuradas absolutamente todas sus canciones, mientras que a Anthrax se le exigía que -por aquello de la amenaza de los ataques con ántrax- cambiaran su nombre, a lo cual ellos se negaron vehementemente durante un concierto tributo a las víctimas en el cual vistieron overoles con las palabras "We´re not changing our name" (No cambiaremos nuestro nombre).
Varios conciertos benéficos se organizaron. Tal vez el más importante se llevó a cabo el 21 de septiembre en un lugar que, por razones de seguridad, nunca fue revelado. En este participaron artistas como Bruce Springsteen, Billy Joel, Sting, Fred Durst y Wes Borland (Limp Bizkit), U2 -quienes tocaron vía satélite desde Inglaterra- y Neil Young, entre otros. Precisamente, Young lanzó un par de meses después una canción llamada Let's Roll, inspirada en las últimas palabras de Todd Beamer, pasajero del vuelo 93 de United Airlines, quien -junto con otro grupo de pasajeros- intentó retomar control del avión.
El 11 de septiembre dejó una cicatriz indeleble en el mundo y la forma en que vivimos, pero también se convirtió en un símbolo de unidad, fortaleza y de salir adelante, así como una fuente -aunque oscura- de música hermosa. Como esta canción de U2, en la que Bono hace alusión a aquella tristemente inolvidable mañana con la frase "It's early fall, there's a cloud in the New York skyline. Innocence dragged across a yellow line". (Es principios de otoño. Hay una nube en el horizonte de Nueva York. La inocencia arrastrada a través de una línea amarilla).
Hoy, en el que sería el cumpleaños 70 de Freddie Mercury, se anunció que un asteroide llevara su nombre. Lindo y emotivo homenaje, sin duda. Su legado merece eso y mucho más. Entradas de blogs, artículos de periódico, portadas de revistas, estatuas, nombres de calles, poner su música a todo volumen, disfrazarse de él en Halloween, ¡merece el nombre de un planeta y una galaxia entera! No quiero sonar a cliché y espero equivocarme, pero no sé si algún día veamos a otro como Freddie. Tan completo como artista. Tenía la voz, ¿qué digo? la tremenda voz, el carisma, la pinta, don de gentes, etc, etc, etc. En mi opinión, y que me perdone Robert Plant, el mejor cantante de rock en la historia. Lo ponían a cantar hard rock, lo hacía. Metal, también. Pop, sin problema. Lo hacía todo y todo lo hacía bien. Su influencia es enorme. Axl Rose, Matt Bellamy (Muse), George Michael, Adam Lambert, todos tienen algo de él. ¡Tan influyente era, que Kurt Cobain lo menciona en su carta de suicidio! alabando su increíble puesta en escena y ese dominio majestuoso de las inmensas multitudes ante las que se presentaba. Su muerte dejó una gran enseñanza sobre el sida y las enfermedades de transmisión sexual. Antes de su fallecimiento el tema era tabú, pero -al tratarse de un personaje tan importante para la cultura pop- el asunto se hizo masivo y los jóvenes empezaron a educarse al respecto.
Muchos acuden hoy a frases como: "Freddie debe estar en el cielo sonriendo ante tantos homenajes y haciendo un concierto con otras luminarias de la música". Esas personas se equivocan. Freddie debe estar en la nave espacial que lo recogió en 1991, ¡El tipo era un extraterrestre!
Los últimos dos años han sido todo menos benévolos con la legendaria banda australiana. Phil Rudd y Malcolm Young han tenido que abandonar el grupo. El primero por problemas legales. El segundo por problemas de salud. A comienzos del año en curso, Brian Johnson se vio obligado a dejar de lado su lugar como cantante, pues arriesgaba perder totalmente su capacidad auditiva. Para sumar agua a la tempestad, el bajista Cliff Williams anunció recientemente que se retira de la música al final de la presente gira, dejando así a Angus Young Prácticamente solo. Como reemplazo en la batería, regresó Chris Slade, quien estuvo en las filas del grupo por algunos años en los 90. Llenando los zapatos de Johnson en la voz, está nada más ni nada menos que Axl Rose. Así que, si hacemos cuentas, solo dos de los integrantes originales de AC/DC siguen en la banda.
A muchos, me incluyo, les ha costado trabajo creer que AC/DC puede seguir siendo AC/DC con solo dos de sus miembros originales. Asimismo, las críticas de los fans hacia Axl Rose no se han hecho esperar. Si bien la prensa especializada ha resaltado lo bien que lo ha hecho, los seguidores insisten en que no es el adecuado para estar ahí. ¿Quién es el adecuado? No sé, pero Axl la ha -literalmente-sacado de todos los estadios en los que se han presentado. En estos momentos, Young y sus secuaces andan de gira por Estados Unidos y solo Dios sabe qué va a pasar una vez esta concluya, pues el guitarrista ha manifestado su indecisión con respecto al futuro. Lo que sí se sabe es que Axl saldrá de gira durante dos meses por Suramérica junto a Guns N´ Roses y que, además, el grupo tiene fechas confirmadas para el otro año en Asia y Oceanía, por no hablar de los miles de rumores que apuntan a que rodarán por otros lugares del mundo a lo largo de 2017 e incluso que grabarán un nuevo álbum. De ser ciertos dichos rumores, Axl no estará disponible, así que habría que buscar un nuevo cantante, alguien que no tenga su agenda copada. Un par de cantantes de una banda tributo a AC/DC fueron considerados antes que Rose, pero ¿Será esa la salida?. Contratar a un cantante de un grupo tributo no es otra cosa más que contratar un imitador. Si buscan alguien nuevo, sería , al menos en mi opinión, una mejor opción. Alguien que no tenga otros compromisos y pueda entregarse al 100%. El problema con esta opción es que sería una cruz muy pesada la que tendría que cargar. La opción más apropiada sería que Johnson regresara. Lo único que salvaría la banda. Si bien el cantante ha estado buscando todo tipo de tratamientos para evitar perder la capacidad auditiva y volver al grupo, no es claro qué tanto progreso ha hecho ni mucho menos si Angus lo aceptaría de vuelta, pues, entre otras cosas, sospecho que su salida del grupo fue todo menos armoniosa y amigable.
¿Qué opinan ustedes? ¡ah! Y díganme que Axl Rose no encaja muy bien en el grupo:
Ahhhh! Suspiro por los hermosos años 90. Si bien nací muy a comienzos de los 80, mis primeros años de rebeldía juvenil, primeras fiestas, primeros besos, primeras novias, todo eso y más lo viví en los 90. Como banda sonora de tan preciados recuerdos tengo al rock de los 90. A finales de los 80 comenzó mi viaje por el mundo de la melomanía, oyendo rock en español en mi habitación durante mis ratos libres. Un día, en casa de mi tío, llegó a mis manos el disco que lo cambió todo: Use Your Ilusion I, de Guns N´Roses. Mi tío muy amablemente me lo regaló. Era 1992. Aún recuerdo sus palabras exactas, casi como si fueran religión: "Este es el mejor grupo del mundo". Le creí. En mi entonces minúscula colección musical solo habitaba un álbum: Dangerous, de Michael Jackson, pero el de los Gunners fue el que moldeó mi gusto musical por siempre e inicio mi inagotable amor por la música y el rock duro.
No pretendo atacarlo por oír rock de otras décadas. Cada época ha tenido lo suyo, aunque sí creo que el sub-género se ha venido a menos con la llegada del nuevo siglo. Tal vez esté sonando como un viejito, pero le pido que lea mis argumentos para enaltecer el rock y la industria musical de la década en cuestión.
1. Los Grandes Festivales. A inicios de los 90, comenzaron a hacerse festivales masivos de música. Lollapalloza, por ejemplo. Tal vez usted diga: "pero si en los sesenta ya estaba Woodstock, Monterrey Pop, y el trágico Altamont". Tiene razón, pero eran festivales que solo se llevaron a cabo en una oportunidad. Lollapalloza, por su parte, comenzó en 1991 y se realizó anualmente hasta 1997. Luego, regreso en 2003 y -salvo por 2004- se ha hecho todos los años, e incluso ya se hace en otros países como Brasil, Argentina, y Chile. Ese es un enorme legado de los 90, el inicio de los festivales anuales masivos. Revisen el historial de conciertos de países industrializados. Les garantizo que en cada uno de ellos se hace por lo menos un festival anual. Diga usted, Estéreo Picnic en Colombia. Sin Lollapalooza no habría Estéreo Picnic.
2. El Disco Compacto. Esa reliquia plateada y redonda que tal vez muchos jóvenes de hoy ya no conocen comenzó a fabricarse y usarse en los 80, pero -al menos en mi concepto- tuvieron su apogeo en los 90. ¿O usted recuerda haber visto un CD en los 80? En esa época, la música se movía en vinilo. ¿Que el vinilo sonaba mejor que el CD? Por supuesto. Pero el disco compacto nos comenzó a dar la posibilidad de ver más de nuestros artistas favoritos: fotos, letras de canciones, agradecimientos. Además, con ellos comenzó la revolución de la música portátil. Ya podíamos transportar nuestra colección en una maleta a cualquier lugar, sacar un CD, ponerlo en un discman y voilá! No tengo nada en contra del streaming o el mp3. Aunque su calidad de sonido no es tan buena como la de otros formatos, se ha hecho muy fácil transportar la música y oírla en cualquier lugar. Lo que sí critico es que los formatos digitales de audio nos robaron el placer que era ir a una discotienda, buscar un CD, encontrarlo y -cómo no- ese sagrado momento de romper el celofán para abrirlo.
3. MTV. Lo sé. Otro invento ochentero, pero los 90 fueron la última década en la que el otrora canal de música fue relevante y educó al público en cuanto a lo que era importante en la industria. La mitad, por no decir que más, de lo que sé de música se lo debo al canal. Ver un video atractivo de una buena canción, significada salir casi corriendo a comprar el CD y averiguar más sobre el artista o banda. No había mejor plan de viernes en la noche que ver el Top 20, así como lo último en noticias musicales en Semana Rock, y cerrar la noche con los nuevos lanzamientos de Expo. Además, MTV ofrecía toda una serie de programas musicales como Clásico, Headbangers Ball, Conexión, Nación Alternativa, entre muchos otros. Ver MTV era como ir a clases de historia y actualidad musical. MTV anunció recientemente la llegada de un canal dedicado exclusivamente a los 90.
4. Rock en Español. ¡El último gran periodo de rock en español y punto! No me digan que la generación de Zoé y quién sea que suene hoy en día es tan buena como la de los 90. Soda Stereo amplio sus horizontes y los de todo el sub-género con lanzamientos como Canción Ánimal, Dynamo, y Sueño Stereo. Los Fabulosos Cadillacs nos contaban la historia de Manuel Santillán, El Léon, y el Matador. Por su lado, Caifanes nos enseñaba que afuera no existíamos, solo adentro, mientras que Café Tacuba sacaba el que, probablemente, es el mejor disco de rock latino de la historia: Re. ¡Superen eso, Zoé!
5. Rock Anglo. ¿Por dónde y cómo comenzar? Los 90 nos dieron los últimos grupos grandes, contundentes, revolucionarios del rock, así como la última gran escena de este: el grunge de comienzo de década. ¿Ha habido una escena más completa y atractiva desde la de Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains, y Soundgarden? Lo dudo. Esta escena lo tenía todo: grandes compositores, enormes y contagiosas melodías, excelentes cantantes y guitarristas, furia, rabia, energía. Kurt Cobain fue el último gran ícono del rock, el último que encontró la forma de llegar directamente a básicamente toda una generación. Nos unió a todos, nos hizo sentir identificados. Siendo un rechazado, logró que los rechazados de todo el mundo se sintieran importantes. Llevó a que la música underground pasara a ser la música del momento. Tumbo a Michael Jackson del número 1, ¿Se le puede pedir algo más? Guns N´Roses, Metallica, Red Hot Chili Peppers, Smashing Pumpkins (de quienes se rumora se reunirá la formación original), Soundgarden, U2, por nombrar solo algunos, sacaron sus mejores discos y canciones. Pearl Jam lazó Ten, junto con Appetite for Destruction, es de los mejores álbumes debut de la historia. Dave Grohl fundó Foo Fighters, Queen grabó su último disco, Pink Floyd nos dejó The División Bell, etc, etc, etc. A finales de década apreció el criticadísimo nü metal, con bandas como Limp Bizkit, KoRn, y Rage Against the Machine a la cabeza. Los puristas odiaron su mezcla de rap, rock y metal, pero lo cierto es que -al menos a nivel comercial- fue la última tendencia sonora con cojones y con un sello distintivo, basta con oír las guitarras chillonas de KoRn y la peculiar forma de interpretar la guitarra de Tom Morello.
6. El Unplugged de Nirvana. Para finales de 1993, todo el mundo sabía lo que Kurt Cobain podía hacer. La revolución grunge había dado sus frutos, pero aún quedaba algo por demostrar: el grunge y Nirvana podían ser tan ruidosos como quisieran, pero tenían un lado melódico. En noviembre de 1993, Nirvana tocó en los estudios de MTV el que sería el mejor Unplugged la historia y uno de los momentos más memorables de la música. Cobain podía cantar melódicamente y dejar de lado su guitarra estridente para adaptarse magistralmente al formato acústico. Con versiones desconectadas de Come as You Are, About a Girl, All Apologies, y una rendición épica de The Man Who Sold the World, de David Bowie, Nirvana cambió la historia de MTV y sus presentaciones Unplugged, además de lanzar el disco de dicho concierto. Una de las presentaciones en vivo mas hermosas y memorables de todos los tiempos.
Si pudiera viajar así sea un día a una época en el tiempo, no tengo la más mínima duda de que viajaría a los 90. Me pondría el uniforme de colegio, vería MTV, iría a la tienda de discos y conquistaría a mi primera novia una vez más. ¡Gracias, década de los 90!
Con la gira Not in This Lifetime rodando por diferentes ciudades de Estados Unidos y fechas confirmadas por Latinoamérica, me surgen varios interrogantes acerca de la banda, su futuro y qué podemos esperar del que parece ser un muy feliz reencuentro entre Axl Rose, Slash y Duff Mckagan.
1. ¿Cómo sucedió el reencuentro?
Hasta el momento no ha habido entrevistas oficiales de ninguno de los integrantes con un medio de comunicación. Así que solo queda especular y atar cabos. Si la memoria no falla, en 2011 (¿2012?) Duff y Axl se encontraron por total casualidad en el mismo hotel en Londres, el primero estaba en la capital inglesa en asuntos que nada tenían que ver con música, mientras que Axl se iba a presentar con la entonces encarnación de la banda. Una vez supieron que estaban hospedándose en el mismo hotel, reconectaron, limaron asperezas, y al día siguiente Duff terminó en el escenario tocando con el grupo. Un par de años más tarde, tras el regreso de Tommy Stinson a The Replacements, Duff llegó en su reemplazo y salió de gira con Guns N´ Roses. Dicen que desde entonces ya hace parte del grupo y que fue él quien sirvió como puente entre Axl y Slash.
Por otra parte, y este es solo un rumor rosa, dicen que Slash accedió a volver a GN´R tras su divorcio, esto por dos motivos: los divorcios son costosos y necesitaba dinero y Perla -su exesposa- no era del agrado de Axl, y solo hasta que el cantante supo de su separación, que decidió abrir de nuevo las puertas a Slash y su sombrero de copa.
2. ¿Harán esta gira y se separaran de nuevo?
No me siento cómodo jugando a la futurología, pero algo me dice que esto apenas comienza. Tuvieron que pasar muchos años y, seguramente, innumerables sesiones de conversación y negociación para que solo hagan una gira mundial y se despidan de nuevo. No quiero afirmar que solo se reunieron por dinero (aunque no tengo duda de que este fue un gran motivante), pero si terminara todo después de la gira, dejarían de generar muchos ingresos. El mundo tiene sed de Guns N´Roses y está dispuesto a seguir invirtiendo en ellos. ¿Se imaginan la cantidad de dinero que harían si lanzan un DVD/CD en vivo, una colección de éxitos o incluso un álbum nuevo? En 2017 se cumplen 30 años de su mítico Appetite for Destruction, ¿Qué tal una gira por Estados Unidos tocando dicho disco de principio a fin y una reedición del mismo con demos, canciones en vivo o inéditas? Muchas minas de oro por explotar como para dejarlas quietas.
3. ¿Grabaran música nueva?
Dicen diversas fuentes que la banda ha estado en estudio ensayando canciones que sobraron de la época de Chinese Democracy. No veo a Axl desechando todo el material que dejó escrito para tal álbum, algo va a querer hacer con él. Sin embargo, no veo la grabación de un nuevo disco como algo seguro o que vaya a darse muy pronto. Lo que si puedo ver sucediendo tan pronto como este año es la llegada al mercado de otro lanzamiento de grandes éxitos, mucho más completo que el de 2004 y con un par de canciones nuevas. No va a ser pronto, pero si creo que en algún momento decidirán grabar, pero primero deben quitarse las ganas de salir de gira por el mundo y permitir que el público calme la sed de verlos. Recuerdo cuando Faith No More se reunió, tocaron casi sin parar por años, hasta que un buen día dijeron que era "hora de ponerse creativos" y sacaron un nuevo álbum después de más de una década. Algo así pasará con Guns N´ Roses.
4. ¿Serán un inconveniente las otras bandas a las que pertenecen los integrantes de GN´R?
Lo dudo. Hoy en día casi todos los músicos tienen más de un grupo. Es casi una obligación para generar ingresos y vivir de la música, pues el mercado actual (o carencia de este) hace muy difícil vender música, por eso es de vital importancia grabar con más de un proyecto y llevarlo por el mundo. Slash ha tenido una muy exitosa carrera solista y creo que la va a seguir explotando en su debido momento. Por su parte, Duff tiene a Loaded y The Walking Papers, pero dudo que vaya a renunciar a tocar ante estadios llenos por hacerlo ante apenas un puñado de personas con los grupos mencionados. ¿Velvet Revolver? creo que es muy poco probable que este supergrupo regrese pronto.
Matt Sorum, baterista de este, debe estar herido y celoso de no haber sido incluido en la semi-reunión de GN´R. Además, a lo largo de los años y tras la partida y posterior fallecimiento de Scott Weiland, ningún cantante ha sido de la total satisfacción para los integrantes de Velvet Revolver. En cuanto a Axl, se le ve muy a gusto con la formación actual de la banda, y volver a tocar y salir de gira con otros músicos sería un paso que muy poca gente aprobaría.
5. ¿Veremos algún día a los 5 integrantes originales reunidos?
La pregunta del millón. No veo a los 5 músicos que grabaron el álbum debut juntos otra vez. Al menos no de lleno. Es decir, puede que hagan apariciones esporádicas para tocar en vivo (Steven Adler ya lo hizo), pero nada más. Me cuesta trabajo visualizar al enigmático Izzy Stradlin saliendo de gira por el mundo y lidiando con la fama una vez más, pues fueron precisamente esas las razones que lo alejaron de Guns N´Roses a comienzos de los 90. Sin embargo, creo que es posible que en algún concierto en algún lugar del mundo, Izzy y Steven se sumen a Axl, Slash y Duff para tocar algunas canciones. Creo también posible que Stradlin se anime a componer y grabar un par de canciones junto a ellos. Hay muchos intereses, dinero y egos en juego como para pensar que esto pueda pasar, pero bueno, lo mismo pensaban muchos de que Axl y Slash se reconciliaran, y ahora hasta cosquillas se hacen en el escenario.
Es difícil tener certeza absoluta sobre las respuestas a las preguntas anteriores. Lo que sí sé es que el grupo se está luciendo en cada una de sus presentaciones, las cuales -a diferencia de otras épocas- han comenzado a tiempo y sin mayores problemas. Axl, muy cuestionado por su voz en los últimos años, está cantando mejor que nunca y con la misma furia de sus días de gloria. Todos parecen estar disfrutando mucho de estar juntos de nuevo y llevándose realmente bien, y fans y medios están amando este momento, así que -mientras estas y otras preguntas comienzan a contestarse- gocemos de las arrolladoras e históricas presentaciones que nos están regalando.
Érase una vez una banda que mezclaba rock y metal con rap. Mucha gente los odiaba, sobre todo a su intenso aunque carismático cantante, Fred Durst. ¡Eso no es rock!, ¡Eso no es metal!, ¡Eso no es rap!, exclamaban a gritos los puristas. Nadie aceptaba gustar de su música. Sin embargo, las alrededor de 40 millones de copias vendidas de sus álbumes y sus giras sold out indicaban lo contrario.
Todo comenzó a mediados de los 90 en Jacksonville-Florida. La muerte de Kurt Cobain y la disolución de la formación clásica de Guns N´Roses casi que obligaban a un cambio radical en la escena musical. Es en ese punto cuando entra Limp Bizkit, ondeando la bandera de fusión rock/rap que bandas como Red Hot Chili Peppers, Anthrax Aerosmith, Rage Against The Machine y KoRn habían ondeado años antes. Ya no era cool vestir de cuero ni oír Appetite For Destruction o Metallica. Si uno no estaba en la onda del naciente nü-metal, no estaba en nada. Por esos días, lo mío seguía siendo (y sigue siendo) Guns N´Roses. Era el pasado de moda, el anticuado. Hasta que un buen día, sin dejar mis gustos tradicionales, comencé a oír los grupos del momento. No por presión social o por buscar ser incluido, sino porque encontré la belleza en el subgénero.
Sí, me gustaba Limp Bizkit, todavía oigo su música ocasionalmente. Tenía unos 17 años cuando comencé a escucharlos, estaba en plena rebeldía adolescente y canciones como Break Stuff, Rearranged y Nookie encajaron perfectamente como parte de mi banda sonora durante la época en cuestión. Sus giras eran increíblemente exitosas, al igual que sus discos. Fred Durst llegó a ser uno de los músicos más poderosos de la industria -hasta le alcanzó para dirigir películas y pasar por la cama de Britney Spears- a pesar de las críticas, las cuales -en lugar de hundirlo- parecían potenciarlo. Era algo así como el Cristiano Ronaldo del fútbol: crecido y petulante, pero con unos cojones de hierro. Sus presentaciones en vivo eran contundentes, Durst era un gran animador. Ponía a saltar al público sí o sí. Nomás vean su presentación en Woodstock 99. Sacando su invitación casi anárquica para que el público se volviera loco y destruyera el lugar, es un ejemplo casi académico de como manejar una audiencia y mantenerla interesada e involucrada.
¿Qué pasó entonces?, ¿Dónde está el grupo ahora?
El tiempo alcanza a todos, incluso a las superestrellas. Los integrantes del grupo ya están en los cuarenta o acercándose peligrosamente y resulta muy difícil conservar la misma actitud loca e importaculista de la juventud. Rapear sobre mujeres y fiestas ya no resulta tan creíble y genuino cuando ya no se tiene pelo y sí una barba lleva de canas. Por otra parte, los fans de la banda han crecido. Muchos dejaron de ser los chicos malos en busca de romper cosas y ahora trabajan de 9 a 5 para sostener un hogar. Además, la industria ha dado mil giros desde entonces. Del nü metal, pasamos al regreso del garage rock y el new wave, ahora vamos en indie y la electrónica. los 15 minutos del rap n´ roll terminaron hace mucho. Bandas como Limp Bizkit y KoRn se han visto obligadas a estar en cuanto festival se les cruce para poder tocar antes multitudes, mientras que otros representantes de esta tendencia sonora han cambiado radicalmente su sonido, Linkin Park, por ejemplo.
Si bien el momento de Limp Bizkit pasó hace unos 15 años, no se puede negar que -como el mismo Durst dice en una de sus canciones- esa fue su generación y todo le importaba un carajo. Desde 2012, el cuarteto lleva amenazando con un nuevo disco, Stampede of the Disco Elephants, el cual -por alguna razón- no ha visto la luz del día. Lo triste es que a nadie parece importarle, tal vez ni siquiera a ellos.
