Mis Álbumes Favoritos de 2022

Cada año que pasa se hace más y más difícil hacer esta lista, pues la oferta de sonidos crece y las propuestas se hacen cada vez más variadas y versátiles. Prueba de ello es esta lista de mis discos favoritos de 2022, en la cual predomina el rock duro y sonidos pesados, pero hay espacio para otras cosas más suaves y rítmicas. Esa es la música, un lienzo de miles de colores para todos los gustos. Con ustedes (sin ningún orden especial) mi tradicional lista anual de los mejores discos, al menos para mí, del año que está llegando a su fin.

ALTER BRIGDE- PAWNS & KINGS

Si hay una banda sólida y duradera en el mundo del rock, esa es Alter Bridge. A pesar de los múltiples proyectos paralelos de sus integrantes, siempre se puede contar con que eventualmente regresarán para patearnos el trasero una vez más. Eso es precisamente lo que hacen con su séptimo lanzamiento, Pawns & Kings, 10 canciones que van directo al grano por medio de los contundentes riffs de Mark Tremonti y la versátil voz de Myles Kennedy, probablemente el mejor cantante del rock de la actualidad. Si bien el álbum no propone nada que la banda no haya hecho antes, siempre es una gran alegría saber que con cada disco nos van a regalar una electrizante y estridente descarga musical. 

INTERPOL- THE OTHER SIDE OF MAKE-BELIEVE

Para un álbum que fue concebido parcialmente a distancia debido a la pandemia de COVID-19, Interpol suena como una máquina perfectamente aceitada y engranada. Tal vez no sea el disco con las canciones más "pegajosas" de la banda neoyorquina ni tenga los coros más memorables, pero ofrece algo que ha hecho que los liderados por Paul Banks se hayan convertido en un culto del rock independiente: melodías y letras que le cantan a un alma existencialista y trascendental. En su séptimo álbum, Interpol nos regala la posibilidad de creer en que aún hay magia en la música moderna.

OZZY OSBOURNE- PATIENT NUMBER 9

Hace unos años la carrera del Príncipe de las Tinieblas tenía más cara de estar llegando a su fin que de seguir el camino de prosperidad gracias al cual se convirtió en uno de los más grandes íconos de la historia de la música. Sin embargo, y afortunadamente para todos, Ozzy para ser un mutante de mil vidas, y con Patient Number 9, el segundo álbum de su nueva etapa nos regala una colección de canciones en las que suena absolutamente vital y sin intención alguna de parar. Además de sonar a lo Ozzy, hay fuertes influencias de blues, y -por si fuera poco- tiene a su lado a ilustres invitados como Zakk Wylde, Mike McCready (Pearl Jam), Jeff Beck, Eric Clapton, Josh Homme (Queens of the Stone Age), Robert Trujillo (Metallica), Duff Mckagan (Guns N' Roses), Chad Smith (Red Hot Chili Peppers), Taylor Hawkins (Foo Fighters) y su máximo compinche musical: Toni Iommi. Imposible hacer música mala así. 

EDDIE VEDDER- EARTHLING

No soy muy fan de los discos solistas de cantantes de grandes bandas, pero con Earthling -su tercer álbum en solitario- el cantante de Pearl Jam me volvió a callar la boca. Tras hacer dos álbumes que se desviaron muchísimo de su trabajo con su grupo, se podría caer en la trampa que Vedder lanzaría algo exótico e impredecible, pero en su lugar puso en el mercado una producción que suena bastante a lo que haría con Pearl Jam, lo cual representa una clara señal de que aún puede ser estridente, colgarse su guitarra y darnos una buena despelucada roquera.  

RED HOT CHILI PEPPERS- UNLIMITED LOVE

Para su álbum número 12, los Chili Peppers fueron bendecidos con el regreso de dos piezas claves de su éxito: el productor Rick Rubin y el guitarrista John Frusciante, quien vuelve a las filas del grupo estadounidense después de 10 años y dos discos de ausencia. La presencia de ambos se siente fuerte a lo largo de la producción, con el fuego que caracterizó al cuarteto a lo largo de los 90 y la primera década del presente siglo. La madurez y tonos rock funk de Californication y By the Way vibran en Unlimited Love. 

MEGADETH- THE SICK, THE DYING...AND THE DEAD

Al igual que Ozzy, Dave Mustaine es otro personaje del metal que desafío la adversidad y la venció. Ni la pandemia, ni el cáncer, ni los líos internos de la banda pudieron detener el álbum 16 de Megadeth. Por el contrario, las dificultades parecen haber sido la fuente de inspiración que suena como el Megadeth que siempre hemos amado: letal y sombrío. 

SLASH- 4

El cuarto álbum de Slash junto a Myles Kennedy (quien repite en este conteo) & The Conspirators es el primero en ser lanzado a través del nuevo sello discográfico Gibson Records, y es difícil pensar en un mejor artista que Slash para darle la patadita de la buena suerte al sello de las guitarras que él ha representado tan bien por más de tres décadas. Es posible que no sea un disco que rompa esquemas, pero es uno guitarrero a morir en un mundo en el que, tristemente, las guitarras parecen andar de vacaciones. Músico que se junta con Myles Kennedy no puede fracasar.

JACK WHITE- ENTERING HEAVEN ALIVE

El exlíder de los White Stripes ha tenido un año bastante productivo, lanzando dos álbumes en un periodo de apenas 3 meses: Fear of the Dawn y Entering Heaven Alive. Ambos muestran facetas muy distintas de su talento, el primero es su lado más estridente y guitarrero, mientras que el segundo es más calmado y orientado al folk. Es más fácil conectar una guitarra y sorprender, que desconectarla y asombrar, y esto último es precisamente lo que hace White con este álbum: sorprender con su versatilidad y la sensibilidad lírica y musical de sus composiciones. 

SLIPKNOT- THE END, SO FAR

Cuando se reveló el nombre del séptimo álbum de la banda estadounidense, muchos temieron que era el final del grupo, pero no era nada más que el anuncio del fin de su relación con su sello discográfico. El último disco con Roadrunner Records es uno que sorprende con un al menos un par de canciones que se salen del molde de Slipknot, pues están cargadas de sintetizadores, en lo que es quizás un guiño al futuro. Sin embargo, los seguidores fieles del grupo de Iowa no estarán decepcionados, ya que la producción tiene todo lo que nos gusta de Slipknot: brutalidad y potencia. 

GHOST-IMPERA

Hay quienes dicen que el el rock de guitarras está muerto. Claramente, no han escuchado Ghost. Con su quinto álbum, la banda sueca presenta una colección de canciones que dejan muy claro que las guitarras están más vivas que nunca. La mezcla de sonidos es exquisita. Un poco de heavy metal, mucho de glam, bastante teatralidad y pomposidad, y con influencia de artistas como Boston, Alice Cooper, Bon Jovi y -aquí me pueden tildar de loco, pero los invito a analizar las melodías vocales- ABBA, Ghost llegó para espantar la música ultraprocesada y ficticia que domina el mainstream hoy.

 

Jingle Balls: Navidad Metalera

Hace unos años, en plena celebración de Navidad, surgió el tema de canciones exóticas. Hicimos un concurso para ver quién tenía la más extraña. Después de varias postulaciones, se decidió por voto unánime que la que yo propuse era vencedora por un amplio margen. 

Se trata de Jingle Balls, parodia de la Jingle Bells que Korn grabó en 1998. Durante las sesiones de Follow the Leader, a los liderados por Jonathan Davis se les ocurrió grabar su propia versión al estilo death metal de este clásico navideño. Sin embargo, no la incluyeron en el disco en cuestión pero sí en un EP que vendieron en combo con el álbum Issues en 1999. En diciembre de 1998, en el marco del concierto Almost Acoustic Christmas, organizado por una emisora estadounidense, una versión más corta y con gaitas de Jingle Balls fue interpretada.

Si bien la canción se convirtió en un fenómeno de culto entre los seguidores de la banda, conocida por muchos en internet como "la versión death metal de Jingle Bells", esta no gozó de mayor aceptación a nivel comercial, e incluso llegó a ser catalogada por periodistas musicales como "una rara novedad, pero nada que pueda gustar de forma permanente".

Alguna vez puse esta canción en una celebración navideña, pero tuve que quitarla en menos de un minuto, pues la tensión en el ambiente era más de la que podía soportar. Así que no le recomiendo que la ponga en ninguna de sus celebraciones, a menos que quiera ser Grinch y sacar a todos de su casa.

¡Feliz Navidad!

 

Seven Nation Army: el Himno del Fútbol Moderno

 

En 2003, cuando los White Stripes lanzaron el álbum Elephant, el sencillo Seven Nation Army pegó durísimo en las ondas radiales y es hoy uno de los clásicos del rock moderno. Su simple pero contagiosa línea de bajo hacen de la canción una pieza adictiva que se queda metida en la cabeza. Sin embargo, practicamente nadie esperaba nada del tema, ni la disquera ni el mismísimo Jack White, su compositor. En entrevista con Ultimate Guitar el músico señaló que esta era simplemente una canción más: "estábamos más interesados en otras canciones de ese álbum y la disquera no quería lanzarla como single, pero yo insistí, pues era una canción que sonaba diferente a todo lo que hacíamos". 

Inicialmente, Seven Nation Army encontró su camino hasta el mundo del fútbol, pero con el paso del tiempo hizo lo propio en otros deportes como el basquetbol y el beisbol. Si bien se dice que el uso de la canción en estadios de fútbol inició en 2006 cuando los hinchas del Club Brugge de Bélgica viajaron a Italia a apoyar a su equipo en un partido de la Champions League contra el AC Milan, White recuerda que la primera vez que escuchó el exitoso sencillo en un ambiente futbolera fue cuando Italia ganó el Mundial en 2006: "alguien dijo que el presidente de Italia cantaba la canción desde un balcón para los seguidores italianos que celebraban el título obtenido por su país. Fue ahí cuando supe de cómo la canción estaba siendo usada en el ámbito del fútbol europeo. Pensé que era algo pasajero, pero continuó". 

Si gusta del rock, no puede haber forma de que no conozca Seven Nation Army. Pero si no lo es, casi con total certeza habrá escuchado la famosa melodía cantada por hinchas en algún estadio, ya sea en el marco de la Champions League, la Eurocopa, o en el Mundial de Qatar 2022. 

 

La Historia del "Gracias Totales" de Gustavo Cerati

 

A propósito del Día de Acción de Gracias, esta es la historia del que es tal vez el agradecimiento más famoso de todos los tiempos: el "gracias totales" de Gustavo Cerati. 

Hace 25 años, el 20 se septiembre de 1997, para ser exactos, Soda Stereo tocaba su último concierto en Buenos Aires antes de disolverse oficialmente. Tras un show de alrededor de 30 canciones, Cerati, Charly Alberti, y Zeta Bosio, bajaron el telón de una carrera ilustre con De Música Ligera. Antes de terminar la canción y mientras el bajo, la guitarra y la batería seguían tronando, Cerati se acercó al micrófono para dirigirse al público una última vez: "No solo no hubiéramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo alrededor desde el comienzo. Algunos siguen hasta hoy. ¡Gracias...totales!". Al ver a Cerati decir estas emotivas palabras, es fácil darse cuenta de que el agradecimiento final llegó de accidente, pues en su rostro se ve a un hombre que está tratando de encontrar la palabra adecuada que resuma lo enorme que era su gratitud hacia el público, la banda y su carrera, colaboradores, siendo "totales" la única o mejor palabra que encontró.

"Gracia totales" se ha convertido en una frase esencial cuando se quiere expresar un agradecimiento grande. Estoy seguro de que usted la ha usado alguna vez o que alguien se la ha dicho. Cuando Cerati murió en 2014, muchos de sus seguidores encontraron en las dos mágicas palabras la forma más precisa para agradecerle por su música y vida. Charly Alberti y Zeta Bosio hicieron una muy corta gira llamada Gracias Totales, en la cual interpretaron canciones de Soda Stereo junto a invitados especiales. Pero quizás el uso de del "gracias totales" que ha resultado más popular recientemente es el de Chris Martin, vocalista de Coldplay, quienes versionaron De Música Ligera en una de sus presentaciones en Buenos Aires, con Martin replicando en un curioso español el discurso que Cerati dio a sus asistentes en el último concierto del trío que lideraba en 1997, por su puesto, con el "gracias...totales" incluido. Las palabras significan tanto para el cantante de Coldplay, que en su reciente y exitoso paso por Argentina decidió tatuarse "gracias totales" en su brazo. 

Soda Stereo se reunió en 2007 para conmemorar los 10 años del último concierto, y la idea -según el libro Soda Stereo- Biografía Total, de Marcelo Fernandez Bitar- era reunirse cada cierto tiempo para hacer al menos un puñado de presentaciones. Lastimosamente, con el fallecimiento de Gustavo Cerati, el plan quedó solo en sueños.  

*A todos quienes leen este blog: gracias...totales.

The Sound of Silence, la Historia del Clásico de Simon & Garfunkel

Una canción que inicialmente no tuvo éxito alguno se convirtió, casi sin querer queriendo, en un hit masivo y un clásico imprecindible de la historia de la música. 

Se puede decir que The Sound of Silence (originalmente llamada The Sounds of Silence) fue la canción que llevó al dúo a las grandes ligas, lo separó, y lo volvió a unir para catapultarlo. Para su audición con Columbia Records, Simon & Garfunkel tocaron la canción, con la cual consiguieron el tan anhelado contrato para grabar su primer disco. Wednesday Morning, 3 A.M. , su álbum debut, fue lanzado el 19 de octubre de 1964, e incluía una versión acústica de The Sound of Silence. El disco fue un fracaso total, lo cual llevó al dúo a disolverse y tomar rumbos separados. Simon regresó a Inglaterra, mientras que Garfunkel continúo con sus estudios en la universidad de Columbia.

En 1965, la canción comenzó a tomar vuelo en la radio de Estados Unidos, lo cual llevó a Tom Wilson, su productor, a darle un nuevo giro a esta, agregando guitarra eléctrica y batería. Ni Paul Simon o Art Garfunkel se enteraron de la nueva versión hasta que fue lanzada. Debido al inesperado éxito del tema, Simon & Garfunkel decidieron reunirse a regañadientes para grabar su segundo álbum, el cual fue bautizado por la disquera como Sounds of Silence, una movida casi pícara para aprovecharse del éxito de la canción. 

Pero, ¿de qué habla The Sound of Silence? La canción goza de gran popularidad en funerales y entierros, tal vez el sonido del silencio al cual se refiere ha sido interpretado como la ausencia de un ser querido. La verdad es que su significado original no tiene nada que ver con la muerte, pero sí con las dificultades a las cuales un ser humano se enfrenta cuando es adolescente y comienza a buscar su camino en la vida. Además, Garfunkel señaló sobre su significado antes de tocarla en vivo en 1966 que esta habla de la "dificultad de la gente para comunicarse entre sí, sobre todo emocionalmente. Lo que ves a tu alrededor son personas incapaces de amarse". 

The Sound of Silence se convirtió en un gran éxito a nivel mundial, y ha sido versionada por varios artistas. Quizás la versión más aclamada la hizo Disturbed, banda estadounidense que recuperó la canción para nuevas generaciones en la maravillosa interpretación vocal de David Draiman, la cual le puso los pelos de punta al mundo cuando fue lanzada en 2015. En abril de 2016, el mismo Paul Simon envió un email a Draiman aclamando la interpretación que la banda estadounidense hizo en televisión. 

Según la revista Rolling Stone, The Sound of Silence ocupa el lugar 156 entre las mejores 500 canciones de la historia. Si me preguntan a mí, debería ocupar una posición mucho más alta, pues su melodía, letra e interpretación vocal son algo que pocas veces suceden de una manera tan espectacular. 

 

Especial Halloween: Historia Paranormales de Músicos

Qué mejor forma de celebrar Halloween que con unas buenas historias de terror cortesía de músicos reconocidos, quienes han tenido interesantes y tenebrosas experiencias paranormales con el más allá. 

Corey Taylor y La Casa Abandonada

¿Han visto alguna vez esa típica escena de película de Hollywood en las que un grupo de niños curiosos ven una casa abandonada en el vecindario y quieren entrar a ver qué hay en ella, solo para llevarse el susto de sus vidas? Exactamente eso le pasó al líder de Slipknot. "La llamábamos La Casa Fría. Un día estábamos en el primer piso cuando vimos cómo esta cosa bajaba la escalera directo hacia nosotros. Era la silueta de un hombre. Salimos a correr como locos. Me corté con la madera podrida de la entrada. Aún tengo esa cicatriz en mi espinilla".

Bret Michaels Recibe una Visita Fantasmagórica 

Cuando el cantante de Poison tenía 17 años, su vida era todo menos buena. El divorcio de sus padres, su lucha contra la diabetes, y el fallecimiento de su abuela estaban causando estragos en su interior. Estando en su casa, escuchó un extraño ruido y vio una luz viniendo del sótano. "Me llevé el susto de mi vida. Cuando pienso en ello, noto que me motivó, por alguna razón, a darme cuenta de que mi vida no iba a ningún lado y necesitaba cambiar. Necesitaba una señal, y la obtuve". Pero esa no fue la única experiencia paranormal de Michaels, pues un día el músico se encontraba sentado en el porche de su casa en Malibu cuando recibió la visita de su abuela, para darle un poco de amor familiar y felicitarlo.  

Black Sabbath y un Invitado del Más Allá en el Estudio

Si hay algún grupo al que se le tiene que aparecer un fantasma, ese es Black Sabbath. Según recuerda el guitarrista Tony Iommi, mientras grababan el álbum Sabbath Bloody Sabbath en un castillo en Gales, recibieron un invitado especial. "Un día estaba con Ozzy caminando por el lugar cuando vimos una figura con un manto negro. La seguimos por un momento, pero desapareció de repente. El resto del tiempo que estuvimos ahí, tratamos de asustarnos entre todos todo el tiempo moviendo nuestros equipos. Estábamos tan asustados que al final de cada sesión nos íbamos del lugar, en vez de quedarnos ahí y grabar, como era el plan original. 

Ace Frehley y la Casa de una Asesina

El exguitarrista de Kiss y su familia se mudaron a una nueva casa, pero la felicidad duró poco, pues su esposa e hija fueron empujadas por las escaleras. El músico habló con una psíquica quien le dijo que la casa había estado habitada por una madre abusiva que asesinó a sus hijos en el lugar. 

Marilyn Manson y la Casa de Harry Houdini

Otro que no podía faltar en esa lista fantasmagórica. Para grabar el álbum Holy Wood, Manson y su corte decidieron ir a la casa del famoso escapista Harry Houdini. Si bien encontraron la inspiración necesaria para grabar, también encontraron uno que otro invitado no deseado. Según cuenta Twiggy Ramirez, entonces bajista de la banda, una noche decidió quedarse allí, y en la mañana escuchó todo tipo de ruidos. "escuché gente en el primer piso. A alguien tocando el piano. Pensé que el equipo había llegado. Fui abajo, pero no había nadie. Nuestro ingeniero llegó, entonces le pregunté que si había estado tocando el piano, pero él dijo que había acabado de llegar". John 5, su compañero de banda, también tiene una historia sobre dicha casa. "nuestro coproductor estaba en la cocina e iba hacia la sala. Había una cortina separando ambos espacios, cuando chocó con alguien. Pidió disculpas, se dio vuelta para ver quién estaba allí, pero no había nadie".

Jim Morrison Visita a sus Compañeros de The Doors

Según Ray Manzarek, él y el guitarrista Robbie Krieger fueron visitados por Jim Morrison cuando ambos tuvieron el mismo sueño. "Tengo un sueño recurrente en el que Jim regresó de Francia (donde murió) y consiguió todo lo que fue a buscar allá: descansar y cambiar su estilo de vida de estrella de rock. Hablamos de dónde ha estado y qué ha hecho. Le pregunto si ha estado trabajando en nuevo material, pero siempre me despierto antes de que responda". Añade, además, que cuando le contó el sueño a Krieger, este le dijo que él había soñado lo mismo. 

¿Pudo Duff McKagan haber salvado a Kurt Cobain?

 

A comienzos de los 90, tres bandas mandaban la parada en la escena rock mundial: Metallica, Nirvana, y Guns N' Roses. Los caminos de estas parecían estar predestinados a cruzarse de formas extrañas y más bien caóticas. Metallica y los Gunners hicieron una gira por Estados Unidos que fue más un desastre que la unión apoteósica de dos pesos pesados. Basta con recordar aquel bochornoso concierto en Montreal en el que James Hetfield, vocalista y guitarrista de Metallica, resultó quemado por un incidente pirotécnico sobre el escenario, y Axl Rose, quien pudo ser el héroe de la jornada, decidió marcharse del escenario sin terminar su concierto, lo cual desató una revuelta entre los asistentes. Pero tal vez la relación más disfuncional fue la que tuvieron Guns N' Roses y Nirvana, banda que -a propósito- estuvo cerca de haber sido parte de la ya mencionada gira junto a Metallica. 

Entre los de Axl Rose y Kurt Cobain había todo menos cariño y respeto. Los insultos volaban de un lado al otro, y llegaron a un punto máximo en los premios MTV de 1992, cuando ambas bandas estaban presentes. Aparentemente, Courtney Love -viuda de Cobain y líder de Hole- gritó a Axl en los camerinos si quería ser el padrino de su hija, a lo cual el controversial cantante respondió pidiéndole a Kurt que controlara a la "perra" de su esposa. Los roces entre ambas bandas no eran solo personales sino también musicales. Hay quienes creen que Nirvana fue responsable de bajar a Guns N' Roses de su trono musical y de acabar con el reinado de rock duro y glam que venía pisando fuerte desde mediados de los 80. 

A pesar de la pésima relación entre ambos grupos, una jugada del destino ubicó a dos de sus integrantes en un momento determinante y que pudo cambiar la historia de Nirvana. 

Era marzo de 1994, apenas unos días antes de que el cuerpo de Cobain fuera hallado sin vida en su residencia, cuando el líder de Nirvana escapó de rehabilitación y tomó un vuelo de regreso a Seattle. ¿Quién iba en ese mismo vuelo? Duff McKagan, bajista de Guns N' Roses, quien señaló que Cobain parecía feliz de verlo, a pesar de toda la animosidad en los años previos. Cuenta McKagan que "apenas intercambiamos como 87 palabras. Éramos dos tipos jodidos, pero ambos estábamos en bandas grandes, y aterrizamos en el aeropuerto y hablamos un poco al respecto. Mi pancreas estalló cuatro semanas después. Él murió dos días después. Ambos estábamos al tope de nuestro aguante".

Al bajar del avión, McKagan recuerda simplemente ir por sus maletas y no volver a a ver a Cobain, lamentando, además, no haberle "invitado a mi casa. Tuve la sensación de que estaba solitario esa noche. Yo me sentía igual". 

Los años parecen haberse encargado de limar las asperezas entre Guns N' Roses y Nirvana, pues cuando Axl Rose se fracturó uno de sus pies en abril de 2016, fue Dave Grohl quien lo "rescató" al prestarle un trono que el mandó a construir cuando tuvo una lesión similar, lo cual permitió que la gira de reunión de Axl, Slash, y Duff siguiera su curso. En 2021, los Guns invitaron a Grohl a tocar Paradise City en uno de sus conciertos. Por otra parte, Krist Novoselic, bajista de Nirvana, alguna vez se unió a McKagan para tocar el clásico de Guns N' Roses Sweet Child o' Mine en vivo. McKagan también tocó con su banda Loaded un éxito Cobain y su corte, Lithium. 

¿Pudo Duff Mckagan salvar a Kurt Cobain si lo hubiera invitado a su casa? Nunca lo sabremos.

Guns N' Roses la Rompió, pero tocó para un MUY frío público en Bogotá

 

*si usted es de los que tiene los brazos alzados en un concierto, no para aplaudir o hacer la señal de los cuernos sino para sostener el celular mientras graba TODO el concierto, esta columna lo va a herir. 

Tal vez la historia de Guns N' Roses con Bogotá sea de amores y odios, específicamente por aquel caótico concierto de 1992, el cual terminó antes de tiempo y tuvo todo tipo de imprevistos. Sin embargo, ayer, casi 30 años después y tras visitar al ciudad en 2010 con una alineación distinta, Axl, Slash, y Duff nos dieron un hermoso momento de reivindicación por los pecados cometidos tres décadas atrás.

La noche comenzó con la música de Aterciopelados, un grupo emblemático del rock nacional y bogotano pero que fue fuertemente criticado cuando se reveló que serían los teloneros de los Gunners. Andrea Echeverri, su carismática líder no ocultó su enfado y posiblemente se estaba desquitando con el público y con el mismo grupo al cual le abrían. Palabras como "los gringos están chéveres, pero aja, no nos dejaron ni probar sonido los hijueputas" y "canten a ver, no sean mamones", dificilmente demuestran la actitud correcta ante la oportunidad de presentarse ante 40.000 personas en un evento de tal magnitud. Eres una crack, Andrea, pero esa no era la jugada. 

No sé si Aterciopelados dejó al público caliente o, me sabrán disculpar, emputado. El caso es que a las 8 pm, con una puntualidad que no tenían en sus años mozos, Guns N' Roses saltó al escenario para encender -o por lo menos tratar de hacerlo- al estadio El Campín. El bajo de It's So Easy dio inicio a tres horas de música épica en la que el grupo estadounidense dio un repaso exquisito por toda su discografía. Uno podría discutir hasta el cansancio la lista de canciones, que faltó esta y que no hubieran toca esto y mejor hubieran metido tal otra, pero lo cierto es que no faltó un solo clásico, y sacaron una joyas hermosas como Coma y Double Talkin' Jive, por nombrar solo dos. Canciones como Welcome to the Jungle, November Rain, Patience, Don't Cry (en la que lloré, irónicamente) y Paradise City fueron las más coreadas por los asistentes al concierto. Asistentes que, hay que decirlo, estaban más fríos que el iceberg que hundió al Titanic. 

Mientras los integrantes de la banda estaban sobre el escenario partiéndose el lomo y sudándola, la gente estaba más preocupada por lograr el ángulo perfecto en un video de mala calidad y con un sonido perverso. Cada vez que Guns tocaba un clásico, todo el estadio sacaba su celular y veía el concierto a través de una pantallita. No soy nadie para decirle a la gente qué hacer o qué no, pero ¿no creen que pagar casi un millón de pesos para vivir tan apoteósico concierto por un celular es una absoluta tristeza? Antes de iniciar el concierto, tomé un par de fotos al logo de Guns N' Roses que estaba en las pantallas, pero en cuanto el grupo tomó el escenario lo guardé y me dije "voy a vivir este concierto como si estuviéramos en 1992". Muy seguramente era el más "sollado" de todo la sección VIP (excepto por personas que estaban tan alicoradas que los tuvieron que sacar en brazos). Estaba tan metido en el concierto y dando todo de mí para responder adecuadamente al derroche de energía que venía del escenario, que la gente me miraba como si estuviera haciendo algo raro. Claro, como no tenía el celular en la mano, no estaba actuando normal según su visión 2.0 de cómo vivir un concierto. 

Guns N' Roses es un grupo del que estoy literalmente enamorado desde los 11 años -y ya estoy en mis 40- y no pensaba desperdiciar la oportunidad de tenerlos tocando para mí mientras le drenaba la batería al celular grabando todo el concierto. Quería vivirlo, pero vivirlo de verdad, ahí, en el estadio, gritando, cantando, saltando, como debe ser, no con mis ojos pegados a una pantalla. 

En todo caso, Guns N' Roses se lució. !Qué pedazo de banda! Slash es un dios de las seis cuerdas, Axl -quien es considerado como un punto débil- lo hizo muy bien y le pone unas ganas y un esfuerzo que resultan conmovedores. Y ni hablemos de la personalidad y actitud punk de Duff. A diferencia de 2016, cuando la gira de reunión de ellos tres apenas arrancaba, la banda está mucho más "aceitada" y la química ha aumentado considerablemente. Solo una bandota puede llenar El Campín dos días seguidos. independientemente de la actitud del público, ellos hicieron su trabajo. Vinieron con la intención de patearnos el trasero, y cumplieron. ¡Larga vida a Guns N' Roses!

Everybody Hurts: un Himno de la Salud Mental

En octubre de 1992, R.E.M. lanzaba su octavo álbum de estudio Automatic for the People, el cual tenía una de las canciones más aclamadas en la historia del grupo: Everybody Hurts, la cual cuenta con una de las letras más profundas e introspectivas de la banda. 

Compuesta en su mayoría por el baterista Bill Berry, Everybody Hurts le habla al sufrimiento adolescente, sin embargo, se convirtió en un himno de superación y apoyo para cualquier edad y cualquier situación. En 1995, The Samaritans, un grupo caritativo británico que busca la prevención de problemas de salud mental, hizo una campaña televisiva orientada a la prevención del suicidio, el cual estaba subiendo en números -sobre todo entre los hombres- usó el tema para promover el cuidado de la salud mental. Y es que la letra de la canción, interpretadas de forma sutil y conmovedora por la voz de Michael Stipe, cae como anillo al dedo para dichas causas: "cuando estés seguro de que tuviste suficiente de esta vida, aguanta", "algunas veces todo está mal, ahora es tiempo de cantar", "si sientes que estás solo, no, no, no estás solo", son algunas de las frases por medio la canción busca crear consciencia de que todo, eventualmente, va a estar mejor. 

Everybody Hurts es una oda a la salud mental. Un llamado a cuidar de esta y de quienes no están bien. Hoy, en el marco del Día Mundial de la Salud Mental, hago, a través de esta canción, mi propio llamado para cuidar de este importante aspecto de la vida. Todo el mundo sufre, por ende, todos debemos ser lo más amables posible con cada ser vivo, pues no sabemos qué tipo de lucha está luchando cada alma. Si usted o alguien que conoce no la está pasando bien, no juzgue, no se burle, no lo haga a un lado como si no pasara nada, y busquen un hombro en el cual llorar y ayuda profesional. 

 

El FBI vs. El Rock

 

Uno pensaría que el FBI se dedica única y exclusivamente a perseguir criminales, pero no es necesariamente así, puesto que en varias ocasiones han ido tras músicos. Pareciera ser que para la agencia de investigación, un criminal no es solo quien es terrorista sino también quien toma un instrumento y compone una canción. Artistas como Jim Morrison, Janis Joplin, y Jimi Hendrix eran considerados como un problema de seguridad para la nación, e incluso se dice que fueron asesinados para evitar que su visión se siguiera propagando. Estos son algunos de los artistas que han sido investigados por el FBI.

ELVIS PRESLEY

La música del Rey era un motivo de júbilo para las masas, las cuales enloquecían con cada una de sus melodías y movimientos sobre el escenario, pero el FBI lo consideraba como un individuo peligroso que estaba despertando el instinto sexual de los adolescentes estadounidenses, todo con sus particulares movimientos, los cuales- según ellos- podían tener efectos tales como llevar al público a masturbarse. 

FRANK SINATRA

El cantante y actor goza de gran popularidad en la historia de la música, pero también en los archivos del FBI, donde dicen que tiene alrededor de 400 páginas con su nombre. Al pobre Frank le querían caer como fuera, incluso con acusaciones un poco irrelevantes para una agencia de seguridad de un perfil tan alto. Coquetear con mujeres y pagar a un médico para que lo declarara no apto para prestar servicio militar son algunas de ellas. Pero quizás la principal razón por la que fueron tras él con tanta vehemencia fue por sus supuestos lazos con la mafia. 

THE MONKEES

Recientemente, Micky Dolenz, único integrante de la banda aún vivo, demandó al FBI para que entreguen todos los documentos que tienen con su nombre o el de la banda. Según el músico, la institución de seguridad los investigaba por sus vínculos con artistas considerados como "peligrosos" como los Beatles y Jimi Hendrix. Según la agencia, la banda figura en archivos del FBI por su vínculo con actividades en contra de la guerra de Vietnam, a través de mensajes subliminales e incitación a protestas.

JIM MORRISON

El conocido como Rey Lagarto no podía faltar en esta lista. El FBI lo consideraba como un sujeto que era un mal ejemplo para la sociedad, esto debido a su conocida adicción a las drogas y estilo de vida estrafalario, por no hablar de las conductas exhibicionistas que desplegaba ocasionalmente, como aquel recordado concierto en el que le preguntó al público si querían ver su pene, con lo cual complació a los asistentes que contestaron que "sí". 

JIMI HENDRIX

La razón por la cual el FBI le tenía tanto miedo al legendario guitarrista era tan simple como absurda: consideraban que debajo de sus populares bandanas, las cuales usaba siempre en sus conciertos, escondía LSD, el cual se disolvía con su sudor y lo llevaba a intensos viajes psicodélicos mientras tocaba. No sé si reír o llorar.

JOHN LENNON

Difícilmente hay un músico al que el FBI le haya temido más que al Beatle. Según ellos, Lennon era un masivo propagador de ideologías que iban en contra de la guerra, sobre todo de la de Vietnam, además de creer que el músico tenía conexión directa con dirigentes de organizaciones que iban en contra de todo lo que Estados Unidos representaba. 

Wake me up When September Ends, la historia del clásico de Green Day

 

"Despierten a Billie Joe Armstrong, que se acabó septiembre!" es tal vez la frase que más se dice cada vez que llega el 30 de septiembre, pero ¿se ha preguntado que hay realmente detrás de la canción? 

Recientemente, seguidores de Green Day manifestaron su inconformismo ante la cantidad de memes que año tras año se publican basados en la canción al finalizar septiembre. Según ellos, son ofensivos e insensibles con Billie Joe Armstrong, cantante del trío estadounidense, ya que escribió está canción como un homenaje su difunto padre. 

Dice la historia que Armstrong compuso este tema basado en la muerte de su padre debido a cáncer de esófago cuando el tenía apenas 10 años. Según el músico, la canción es una de sus canciones más autobiográficas y terapéuticas que haya escrito. A pesar del personal y doloroso significado de Wake Me Up When September Ends, muchos han tomado el título como algo netamente literal y como una especie de homenaje a un mes que termina, mientras que otros ven en el track una oda a la separación, tal vez esto sea impulsado por el video, en el que una joven pareja se separa cuando el novio decide ir a prestar servicio militar. Si bien este ahora clásico de Green Day fue lanzado en 2004 como parte del álbum American Idiot, muchos la han convertido en una especie de canción de duelo por los trágicos sucesos del 11 de septiembre. 

Dicen que cuando se llevaba a cabo el funeral del padre de Armstrong, en septiembre de 1982, él no pudo manejarlo dada su corta edad y se encerró en una habitación. Su madre intentó convencerlo de que saliera, pero el joven Billie Joe solo le dijo que lo "despertara cuando septiembre terminara". Con respecto al significado detrás de la canción, el líder de Green Day afirma que "el mes de septiembre es el aniversario que siempre es...es un fastidio. Cuando suceden cosas así cuando eres tan joven es como si la vida comenzara desde el año cero". 

Wake Me Up When September Ends es la única canción de American Idiot que no sigue el "libreto" temático del resto del álbum, y se convirtió en el segundo sencillo de Green Day en llegar al top 10 en Estados Unidos. 

Melofobia: la extraña fobia a la música

 

Para la gran mayoría de personas, la música es una gran fuente de placer, ya sea porque acompañe momentos, tal como una canción en la banda sonora de una película, o por ser una actividad a la cual se le dedica un tiempo consciente y con el fin de disfrutar de una buena melodía. Sin embargo, hay un grupo de personas que sufren de melofobia y que, contrario a la melomanía, odian la música, y hasta le tienen miedo. A priori, suena como algo ridículo y tonto, pero no lo es, pues quienes padecen de esta fobia realmente la pueden pasar muy mal.

Lo primero que hay que saber es que la melofobia no es simplemente un desagrado o desaprobación a cierta canción o género musical. Por ejemplo, yo odio el reggaeton y el vallenato, tan solo escribir las palabras me produce malestar, pero si estoy en un evento, fiesta, reunión familiar o amigos y alguien pone a Maluma o algún otro representante de este estilo sonoro, puedo soportarlo sin que sea necesariamente traumático. La melofobia es un temor excesivo a exponerse a la música, el cual puede desatar una gran ansiedad y pánico que afectar a las personas en lo psicológico y físico. Sudor, taquicardia, falta de aire, son apenas algunos de los muchos sintomas que se pueden llegar a sentir. Quienes padecen de esta fobia pueden llegar a volverse asociales y distanciarse de eventos, fiestas, bares, y conciertos, dificultando así el día a día, pues prácticamente en todo lugar o momento hay música.

Si bien no se tiene mayor claridad con respecto a las causas de esta alteración, es posible que haya alguna predisposición genética o que esta tenga su raíz en algún momento traumático, tal como haber escuchado música en el momento en el que se recibió una mala noticia o algo impactante sucedió, lo cual puede llevar a generar un rechazo generalizado por cualquier melodía. Por otra parte, hay una condición llamada hiperacusia, en la cual el cerebro percibe como molesto cualquier tipo de sonido y esto conlleva a quien la sufre a sentir molestias y hasta dolor. Dicho de otra manera, el placer que puede traer escuchar cualquier pieza de Beethoven, para alguien con el ya mencionado trastorno o fobia a la música puede desatar gran malestar. Como dicen por ahí, lo que divierte a un hombre, abruma a otro. 

¿Tiene la melofobia algún tratamiento o cura? Gracias por preguntar. Sí, tratamiento hay. La terapia puede darle al paciente gran alivio, ya que puede hacer que se genere mayor control sobre los temores y la ansiedad que estos pueden desatar. Para ello, la exposición puede resultar de gran ayuda, pues al exponerse al catalizador de un temor, se puede aprender a controlarlo, o incluso erradicarlo. Siempre tuve desagrado por el papel de aluminio. Solo verlo me destemplaba los dientes, así que un buen día tomé un trozo de este y lo mordí por unos segundos. Mi aversión hacia este desapareció por completo. La pase mal mientras lo hice, sí, pero erradiqué el desagrado casi en un 100 %. Tratar la causa real de la fobia puede ser de enorme alivio. Es decir, si el miedo a la música viene de cuando alguien iba caminando por la calle mientras escuchaba música y una bomba estalló, entender que la música no fue la culpable de dicho evento puede ser muy útil. Asimismo, técnicas de relajación como yoga o meditación también pueden ser grandes aliadas a la hora de luchar contra este temor que, parece exagerado e irreal, pero que no deja de ser una fobia tan real como aquella que se puede sentir por algunos animales o la oscuridad. 

¿Cuál es realmente el rock clásico? (columna)

 

Cuando comencé a escuchar música en los años 90, lo que se consideraba como rock clásico era el que hacían bandas como los Rolling Stones, Led Zeppelin, Beatles, The Doors, Black Sabbath, Pink Floyd, entre otros. Por su parte, el rock moderno existía en la forma de grupos como Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Smashing Pumpkins, Stone Temple Pilots, por nombrar tan solo algunos. Mientras que otros artistas como Guns N' Roses, Metallica, y Red Hot Chili Peppers, a pesar de gozar de un gran respeto entre las masas, caían en una zona intermedia entre los "viejitos" y los "de moda". Escuchar a los Stones, por ejemplo, era escuchar lo que entre los jóvenes de siempre se conoce como "la música de los papás", música que yo comencé a consumir desde muy joven, a sabiendas de que era lo "clásico". Hace unos días caí en cuenta cómo varios de mis álbumes favoritos ya tienen casi tres décadas de haber sido lanzados, y -si bien suenan supremamente frescos- ya son discos de antaño, lo cuál me llevó a preguntarme si estos ahora también clasifican como "rock clásico".

Hace unos días, uno de mis discos favoritos (One Hot Minute, de Red Hot Chili Peppers) cumplió 27 años de haber llegado al mercado. ¡Casi tres décadas! ¿Qué etiqueta se le pone si no la de "clásico"? El dilema es cómo demonios se mide qué es clásico y qué no. Máxime cuando agrupaciones como los Chili Peppers, Aerosmith, Metallica, y otras tantas, siguen siendo tan vigentes y, además, lucen tan modernos. Basta con ver la pinta de "pelado" de Axl Rose sobre un escenario. ¿Es clásico el grupo cuyos integrantes pasen de 50 años? ¿Es clásico el grupo que toque música que ya no sea la que mande la parada en popularidad? ¿Es clásico quien haya sacado su primer disco hace tres décadas o más? o ¿es clásico quien tenga arrugas y canas? ¿Todas o ninguna de las anteriores?

En mi opinión, nada tiene que ver ni con la ropa ni con las arrugas ni mucho menos con las canas. El tema de qué es clásico o no, radica en un tema estrictamente de sonido y de tiempo transcurrido desde su época de gloria o lanzamiento de sus discos. En ese orden de ideas, una banda nueva como Dirty Honey es rock clásico,  a pesar de haber lanzado su álbum debut en 2021, pues su sonido se basa en el rock y blues de los 70. Un disco que haya sido lanzado hace 20 años o más es un disco clásico de una banda clásica, sin importar si se ponen los jeans rotos o tienen camisetas de colores fosforescentes o diseños modernos. Dicho eso, una producción lanzada en 2002 es clásica. Por ejemplo, Songs for the Deaf, el álbum más aclamado de Queens of the Stone Age, es un clásico total, sin importar que en su momento haya mandado la parada de los sonidos modernos de comienzos de siglo. Ni hablar de discos insignia como Superunknown, de Soundarden, o el ilustre Ten, de Pearl Jam,¡ clásicos en mayúscula sostenida! Ahora, otra forma de saber qué es "clásico"y que no es la del impacto que una canción/álbum haya tenido. Seven Nation Army, de los White Stripes, tiene menos de 20 años, al igual que el éxito de Kings of Leon Sex on Fire, sin embargo, su gran rotación y masiva aceptación las convirtieron en clásicos casi súbitos. 

Si usted querido lector, se está sintiendo viejo al leer estas líneas e identificarse con los artistas mencionados, entiendo la sensación, pero no lo haga. Más bien siéntase orgulloso de la música clásica con la que creció, pues la calidad de la misma es algo que se extinguió hace ratos, pues a los jóvenes se les olvidó hacer música buena, ahora solo hacen cosas pasajeras y sin poder de permanencia. Y sí, con eso soné como un viejito que cree que todo pasado fue mejor, pero ¿acaso no lo fue?

Canciones Sobre la Reina Isabel II

 

El rock y los altos poderes tienen una relación de amores y odios. Más de odios que de amores, de hecho. De no ser por los poderosos, monarcas, y políticos, la música se habría quedado sin la inspiración de cientos de canciones en las cuales se ha plasmado inconformismo hacia estos. La reina Isabel II fue, y seguirá siendo, la inspiradora de muchos artistas. Si bien el rock siempre vio a la difunta monarca con una alta dosis de controversia, la realidad es que sin ella nos habríamos privado de grandes canciones. Las siguientes son algunas de las canciones inspiradas en Isabel II. 

Paz en su tumba.

Sex Pistols- God Save the Queen

Sin duda y de lejos las canción más antimonárquica de las canciones antimonárquicas. Lanzada para coincidir con el aniversario 25 de la llegada al trono de Su Majestad, estos próceres del punk tomaron prestado el nombre del himno británico para convertirlo en una mofa a una sociedad que estaba destinada a no tener futuro. Como era de esperarse, medios como la BBC se negaron a poner la canción, y los almacenes de discos decidieron no vender el álbum.

The Smiths- The Queen is Dead

Otra de las bandas de la realeza del rock británico se inspiró en la reina en una forma más bien oscura y escribió esta canción cuya letra es una fantasía que se imagina un mundo en el que toda la realeza muere. No podría haber sido de otra forma, sobre todo teniendo en cuenta el estilo irónico y cínico de Morrisey, cantante del grupo, a la hora de escribir letras.

The Stone Roses- Elizabeth My Dear

El grupo pionero del movimiento musical de finales de los 80 conocido como Madchester adoptó también una postura enormemente controversial en su visión de la realeza. Solo les bastó esta canción de 53 segundos para destruir a la realeza por medio de letras como "no descansaré hasta que haya perdido su trono. mi objetivo es cierto, mi mensaje es claro. Es el fin para ti, querida Isabel". 

Manic Street Preachers- Repeat

La canción incluida en Generation Terrorists, álbum debut de la banda de Gales, abre con la frase "a la mierda la reina y el país"... Más claro no canta un gallo.

The Beatles- Her Majesty

Quizás la única canción con una visión relativamente positiva de la reina Isabel II. Su letra, si bien dice cosas sobre la monarca como "no tiene mucho que decir", también la describe como "una chica muy amable". Sobre la canción, Paul McCartney señaló que "es practicamente una canción monárquica, con un tono levemente irrespetuoso, pero muy irónico. Es casi como una canción de amor para la reina".

Candle in the Wind 1997, la Canción Tributo a la Princesa Diana

El 31 de agosto de 1997, la princesa Diana fallecía de forma trágica cuando el auto en el que iba chocó en París. La noticia de su prematuro deceso produjo todo tipo de homenajes, pero quizás el más destacado fue el que hizo Elton John, amigo cercano de Diana. Según cuenta el mismo cantante en Me, su autobiografía, recibió una llamada del empresario británico Richard Branson en la que le contaba que en el libro de condolencias de la palacio de St. James, la gente estaba citando frases de la canción Candle in the Wind, originalmente en 1973. John contactó a Bernie Taupin, practicamente su letrista oficial, para que escribiera una nueva letra para la canción y así poder homenajear a su amiga. George Martin, productor de los Beatles, estuvo a cargo de producir la versión actualizada de la canción.

La versión 1997 de Candle in the Wind fue grabada en Londres después del funeral de Diana. Hasta la fecha, la canción solo ha sido interpretada una vez: el 6 de septiembre de 1997 en el funeral de la Princesa de Gales. A lo largo de los años, Elton John ha recibido múltiples ofertas para volverla a tocar en vivo, a lo que siempre se ha negado, señalando, además, que nunca lo volverá a hacer a menos que William o Harry, hijos de Diana, se lo pidan. 

El éxito de la canción fue enorme a nivel mundial. En Reino Unido vendió 658.000 copias en su primer día, y 1.5 millones en su primera semana, convirtiéndose así en el sencillo de más rápidas ventas. En Estados Unidos, el sencillo vendió 3.5 millones de copias durante su primera semana en el mercado, además de debutar en el primer lugar del Billboard Hot 100. A nivel mundial, Candle in the Wind 1997 ha vendido 33 millones de copias, y es uno de los dos sencillos más vendidos en la historia.

 

Losing My Religion, la canción sin coro y con mandolín que impulsó a R.E.M.

Para cuando R.E.M. lanzó Losing My Religion como primer sencillo de su álbum Out of Time (1991) la banda de Georgia ya gozaba de gran importancia dentro del mundo del rock alternativo. Incluso, para algunos eran héroes de la escena. Sin embargo, la canción los llevó a alturas antes insospechadas. ¿Lo más curioso de todo? Lograron esto con una canción más bien atípica para el rock comercial, pues no tenía un coro oficial, y su melodía era guiada no por una guitarra, sino por un mandolín. Pero, ¿Qué hay detrás del éxito de la canción y su verdadero significado?

Dicen que la inspiración puede llegar en cualquier instante, ese fue el caso del guitarrista Peter Buck, quien compuso el riff principal mientras veía televisión y tocaba mandolín, instrumento que había comprado hace unos pocos día y que apenas estaba aprendiendo a tocar. Si su poco conocimiento sobre el mandolín le alcanzó para escribir tan memorable riff, imagínense donde hubiera tenido un rato más.

En cuanto a su letra, es fácil caer en la trampa de que su contenido es de carácter religioso, pero eso no es verdad en absoluto. La frase losing my religion es un modismo muy popular en el sur de los Estados Unidos, y se usa cuando se siente desesperado y eso lo lleva a perder la compostura. En entrevista con la revista Q, Michael Stipe, cantante de la banda, señaló la canción trata sobre "un amor no correspondido". Además, afirmó también que esta guarda una similitud con el clásico de The Police Every Breath you Take en cuanto a que es "una clásica canción pop sobre la obsesión". 

Recientemente, Stipe volvió a tocar el tema del significado de la canción en una conversación el productor Rick Rubin llevada a cabo para el podcast Broken Record, dando nuevas luces al sentido de su contenido lírico: "Recuerdo haber cambiado una parte de la letra. En vez de ´that's me in the corner, that's me in the spotlight´ (era) ´that's me in the corner, that's me in the kitchen'", agregando que "lo que estaba concluyendo acerca de ser la persona que estaba al fondo en las fiestas y no le dice a la persona que le gusta cómo se siente, y hay una relación que solo ocurre en la mente de un individuo, y no sabe si ha dicho mucho o no ha dicho suficiente, entonces está en la esquina viendo al amor de su vida en la pista con todo el mundo". Por otra parte, el líder de R.E.M. afirmó también que la letra del track hizo que la gente pensará que se trataba de un relato autobiográfico, cuando no era así. 

Independientemente de si este masivo éxito de los 90 era sobre él o no, se convirtió en la canción más exitosa de la agrupación en Estados Unidos, muy a pesar de Warner Bros., pues la disquera no quería lanzar como sencillo una canción tan poco convencional.