Mis Discos Favoritos de 2018

Un año más llega a su fin y con este mi tradicional y aclamada por miles lista de los 10 discos que invadieron mis oídos, sentidos, cerebro y que, por ende, supieron hallar un lugar en el conteo anual de mis álbumes favoritos. ¿Qué puedo decir? Soy un defensor del álbum. Creo que un sencillo o un par de canciones no son una muestra muy clara o justa de un grupo, es por esto que en una época en la cual el álbum es cada vez más obsoleto, yo sigo sumergiéndome en estos. Estos son mis 10 discos favoritos de 2018, sin ningún orden particular. ¡Larga vida al rock!

ALICE IN CHAINS- RAINIER FOG

Para el tercer álbum con su "nuevo" cantante ,William DuVall, el grupo de Seattle acude a sus ya tradicionales y exitosas fórmulas pero expandiendo su sonido con una mayor diversidad melódica que se entrelaza exquisitamente con la oscuridad de su música. Jerry Cantrell continúa dando muestras contundentes de su maestría en las seis cuerdas, mientras que permite que DuVall tenga presencia más allá del escaso acompañamiento vocal de lanzamientos previos. En una época en al que los artistas de la era grunge se han extinguido por causas antinaturales es un placer tener a Alice in Chains ondeando bandera del subgénero en lo más alto del Monte Rainier de Seattle, al cual le rinden tributo en el álbum.

BLACK LABEL SOCIETY- GRIMMEST HITS

No, el décimo disco de Zakk Wylde y compañía no es uno de grandes éxitos, pero -dada su calidad- bien podría serlo. A lo largo de las 12 canciones que hacen parte del álbum no hay un solo momento para ir a la cocina a buscar otra cerveza, pues desde su primera nota te agarra del pescuezo para no soltar hasta sus últimas notas. Después de pasar varios años girando por el mundo con su banda tributo a Black Sabbath -Zakk Sabbath- es evidente la influencia de los padres del metal en la guitarra e inclementes riffs de Wylde. Si bien Sabbath ya no existe, Black Label Society sigue entre nosotros llevando la antorcha del ardiente fuego del metal. 

A PERFECT CIRCLE- EAT THE ELEPHANT

La rapidez a la hora de componer y grabar, así como para lanzar música nueva nunca han sido precisamente virtudes de Maynard James Keenan. Casi una década y media tuvieron que pasar para tener el nuevo disco de A Perfect Circle, una colección de 12 canciones que tal vez carezcan del voltaje de canciones ya clásicas en su repertorio como Judith, pero que brilla a pesar de lo lúgubre de su sonido y algo de falta de cohesión sonora. Mientras llega el nuevo disco de Tool, con Eat the Elephant podemos disfrutar de la privilegiada voz de Keenan en una de sus mejores versiones históricamente. 

SMASHING PUMPKINS- SHINY AND H SO BRIGHT VOL 1. NO PAST. NO FUTURE. NO SUN

Si está esperando que el nuevo disco de la reunión de las tres cuartas partes originales de Smashing Pumpkins sea un viaje a la nostalgia estridente de su sonido en los 90 con canciones como Zero o Bullet with Butterfly Wings, se va a llevar una decepción mayúscula. Si, por el contrario, le gustan las baladas y canciones mid-tempo a las que nos tienen acostumbrados los liderados por Billy Corgan, este álbum le va a encantar. El décimo álbum de la banda de Chicago está lleno de canciones melódicas que evocan tristeza y nostalgia, a diferencia de Solara, el primer y roquero primer sencillo. Si le gustó Adore, Shiny and Oh So Bright...lo va a llenar, pues recorre caminos bastante similares. 

SUEDE- THE BLUE HOUR

¿Recuerdan los 90 cuando Suede tenía un sonido más roquero, urbano y rebelde? Olviden eso. El grupo británico, como lo indican sus álbumes más recientes, cambió eso por algo más suave y suburbano, si se quiere. Continuando con la tónica calmada y oscura de Night Thoughts, su octavo álbum es oscuro y lleno de fascinantes arreglos orquestales elegantemente ejecutados. Basado en la autobiografía de su cantante, Brett Anderson, el disco tal vez requiera de varias sesiones de escucha para entenderlo, pero una vez lo haga, su brillantez se apoderará de usted. 

INTERPOL- MARAUDER

Pocos grupos logran evocar sentimientos de nostalgia y angustia como Interpol, y su sexto álbum no es la excepción. Tal vez el disco no tenga el peso de los primeros discos del grupo indie rock de Nueva York, pero compararlo con sus predecesores es un error, pues Interpol no trabaja ni pensando en el pasado ni pensando en gustar, trabajan haciendo lo que les place. Si tras oír sus 13 canciones la voz de Paul Banks y la cohesión artística de la banda no le hace sentir nada, le tengo noticias: es posible que esté muerto por dentro. 

GRETA VAN FLEET- ANTHEM OF THE PEACEFUL ARMY

Muchísimo se ha hablado sobre este grupo estadounidense, para bien y para mal. Que son la nueva joya y el futuro del rock, dicen los visionarios. Que suenan demasiado a Led Zeppelin, argumentan los detractores. Por mi parte, caigo en un punto intermedio con respecto a dichas opiniones. Sí, las influencias Zeppelin son más que evidentes. No, no sé si sean el futuro del rock, pero por lo menos espero que -pase lo que pase- inspiren a muchos con su sonido vintage y cargado de guitarras, algo de lo que el rock ha carecido en los últimos años. Anthem of the Peaceful Army es un disco emocionante desde el primer momento, lleno de fuego guitarrero al mejor estilo de la escena roquera de los 70. Tal vez Greta Van Fleet no esté descubriendo nada nuevo, pero un mundo en el que los jóvenes solo quieren hacer rap y eso que llaman reggaeton (yo lo llamo basura), llena de esperanza ver a cuatro muchachos que apenas pasan de 20 años -creo que aún hay un adolescente entre ellos- roqueando al mejor estilo de la vieja guardia.

SLASH- LIVING THE DREAM

Cuando se anunció a comienzos de 2016 que el legendario guitarrista era de nuevo integrante de Guns N´Roses el futuro de sus trabajos solistas junto a Myles Kennedy and the Conspirators parecía estar en duda. Sin embargo Slash encontró tiempo entre giras para trabajar en el tercer disco del grupo. El resultado son una docena de canciones que representan lo que el guitarrista es musicalmente: rock estridente y sucio infectado con un toque de blues y punzantes baladas. Si en Guns N´Roses Slash se da el lujo de tener como cantante a Axl Rose, en esta banda está también muy bien rodeado y con un cantante en Myles Kennedy quien todo lo que canta lo convierte en oro. 

GHOST- PREQUELLE

A grupos como Mastodon y Gojira se les unió este grupo sueco en la no fácil tarea de sacar -algunos dirán "salvar"- al heavy metal y rock de los métodos cuadriculados y aburridos en los que ha caído recientemente. Afortunadamente para Ghost en esa ardua labor cuentan con un gran disco: Prequelle, el cuarto de su carrera. Si se juzga el libro por su portada, o el disco -en este caso- y la puesta en escena del grupo (cargada de elementos e imágenes religiosas), se podría pensar que se está ante una banda de death metal o rock gótico, pero las apariencias engañan. Prequelle es un álbum que mezcla el hard rock con heavy metal e incluso un poco de pop rock para tener a las ondas radiales contentas, todo mientras nos llevan en un viaje a tiempos medievales y nos cuenta historias sobre la Muerte Negra y cómo la población europea se vio afectada en el proceso. 

WALKING PAPERS- WP2

En 2012 el cantante y guitarrista Jeff Angell y el baterista Barrett Martin, conocido por su paso por Screaming Tres y Mad Season, formaron Walking Papers. Ante la carencia de un bajista y teclista  para grabar un disco decidieron invitar a Duff McKagan (Guns N´Roses) y a Benjamin Anderson, compañero de Angell en The Missionary Position. La química fue tanta que decidieron vincularlos como integrantes oficiales de la banda, aunque hoy ni McKagan ni Martin continúan en la banda. En 2015 grabaron WP2, su segunda producción, pero esta apenas llegó al mercado en enero de 2018 debido a los compromisos de McKagan con Guns N´Roses. Contrario a lo que se suele afirmar sobre el rock, el género no está muerto. Y si lo estaba, ahora está resucitando. Como botón de muestra tenemos WP2, una guía de todo lo que el rock debería ser: alto volumen, guitarras distorsionadas,  baladas de amor, feeling blusero, y el dedo del medio levantado hacia la acartonada industria musical actual. 

Guns N´ Roses: Where do They Go Now?

En abril de 2019 se cumplirán tres años del inicio de la gira Not In This Lifetime, la cual fue marco del regreso de Slash y Duff McKagan a las filas del grupo después de años de roces con Axl Rose. Los números de la gira hablan claro de su éxito: 159 shows en total y alrededor de 500 millones de dólares en ganancias, hacen de esta gira una de las más grandes en la historia de la música. Pero, ¿Qué sigue ahora para el grupo?

Cuesta creer que este es su fin o por lo menos que es todo para Slash y Duff. El grupo volvió a hacer espectáculos de gran escala y se convirtió una vez más en una bien aceitada máquina de hacer dinero. ¿Por qué no hacer varios millones de dólares más? Si Axl volviera a ser el único integrante original de la banda posiblemente perdería público y nadie le volvería a creer el cuento de que él solo es Guns N´ Roses. Cuento que supo mercadear muy bien por un par de décadas. Slash y Duff podrían hacer carreras exitosas por fuera del grupo. Basta con mirar a Slash y lo que ha logrado junto a Myles Kennedy, sin olvidar que él y Duff podrían resucitar a Velvet Revolver. En otras palabras, pareciera que Axl los necesita más a ellos que ellos a él. ¿Qué haría Axl si los dos decidieran partir una vez más? ¿Llenar otra vez el grupo de extraños y rodar por ahí llamándose Guns N´Roses? Ese conejo ya no vuelve a salir del sombrero.

Dicen los rumores que todos los integrantes del grupo se están llevando muy bien y que en sus planes está grabar música nueva, lo cual sería el paso más acertado y seguro que podrían dar. Seguir tocando en vivo con certeza continuaría funcionando hasta cierto punto, pero ya no sería novedoso después de casi tres años haciéndolo. Hace unos años Faith No More, después de un largo rato de gira, anunció que "esto de tocar en vivo ha sido divertido, pero es hora de ponerse creativo". Creo que lo mismo aplica en el caso de Guns N´Roses. Si quieren que la máquina siga rodando, generando ingresos, y no caer en territorios comunes y predecibles, necesitan grabar nueva música. Personalmente, siendo fan devoto desde hace casi tres décadas, los vería mil veces en vivo, pero se me hace agua la boca con solo pensar en un nuevo disco. Siento que eso es lo que los fans quieren. La nostalgia estuvo bien. Es hora de algo nuevo. 

Rock Star Supernova: el supergrupo que no fue tan súper

La primera década del nuevo milenio trajo consigo una fuerte moda, la de crear "supergrupos", bandas conformadas por músicos con una trayectoria reconocida y amplia experiencia en la escena musical. Audioslave (integrado por Chris Cornell con integrantes de Rage Against the Machine) y Velvet Revolver, banda formada por Slash, Duff Mckagan, y Matt Sorum de Guns N´Roses junto a Scott Weiland de Stone Temple Pilots, fueron dos de las más populares. Si bien esta tendencia no es exclusiva de los 2000, pues hay indicios de supergrupos varias décadas atrás -Cream y Blind Faith, por ejemplo- fue en este periodo en que esta moda pegó más fuerte. 

El 3 de julio de 2006 Gilby Clarke (Exintegrante de Guns N´ Roses), Tommy Lee de Mötley Crüe, y Jason Newsted, quien para entonces ya no hacía más parte de Metallica, iniciaron la búsqueda por un cantante a través del reality Rock Star: Supernova. Después varios meses probando con varios cantantes durante el programa de televisión, el escogido fue un tal Lukas Rossi, con quien grabaron y lanzaron un disco en noviembre de ese mismo año con resultados más negativos que nada. Es difícil imaginas que a un grupo con semejante alineación le vaya mal. Es casi como si entre Batman, Superman, y Aquaman no pudieran detener al Guasón. ¿Qué pasó?, ¿Por qué el grupo no consiguió éxito? 

Mi primera teoría es, probablemente, la más obvia: el cantante. Una sección instrumental del calibre de la de este supergrupo necesitaba un frontman de más peso. imagínese usted a este grupo liderado por un Axl Rose o un Steven Tyler. Habrían sido imparables. Pero al pobre Lukas Rossi le quedó grande. A veces uno podía ver que lo quería tras cantar con el grupo era acabar la canción e irse a tomar una foto con los otros tres y pedirles un autógrafo. ¿Pudo ser la calidad de la música la culpable? Tal vez las canciones de su único lanzamiento no sean lo mejor que se haya compuesto y no está ni cerca del nivel de lo que Newsted o Lee hicieron con sus respectivas agrupaciones, pero el resultado es digno. Quizás no memorable, pero sí digno. Eso sí, le faltaron vocales más contundentes. Otra posible causa del fracaso del supergrupo pudo estar en la expectativa versus sonido del mismo. Al oír los nombres de sus integrantes y asociarlos con su pasado de rock pesado y ruidoso uno esperaría algo similar, pero no, su sonido era más pop rock que cualquier cosa. 

Mi última teoría acerca del escaso éxito de la banda está en el beso de la muerte que suelen ser los realities en el mundo de la música. De los varios ganadores de American Idol la gente no recuerda sino a un puñado, por mucho. El público de este tipo de programas les interesa y atrae el drama, la competencia, mas no el producto final o que pase con este. Ganar un reality y armar un grupo a través de uno es pedir a gritos no ser tomado en serio. 

Después del lanzamiento del disco el supergrupo hizo una fallida gira con teloneros muy poco llamativos, entre ellos exconcursantes del programa. Por si fuera poco, Jason Newsted sufrió una grave lesión en uno de sus brazos y tuvo que ser sometido a cirugía, por lo cual fue reemplazado momentáneamente, pero ese "momentáneamente" se convirtió en "permanentemente". En junio de 2007 Rossi se retiró oficialmente del supergrupo, señalando que no le gustaba la forma en que los demás integrantes de un momento a otro comenzaron a trabajar en proyectos paralelos. Tal vez algún día a alguno de los tres pesos pesados del grupo tengan la idea de volver a grabar el disco con un cantante distinto...o tal vez, como en 2006, el supergrupo no les importe. 

Greta Van Fleet: ¿La Nueva Joya del Rock?

Cada cierto tiempo alguien, usualmente Gene Simmons (Kiss), hace la controversial y abusada declaración "el rock está muerto". No sé si esté muerto, pero lo que es seguro es que no atraviesa su mejor momento. Hace décadas dejó de ser el género predominante en la escena musical y ha tomado el asiento trasero para volver a un estatus mucho más underground y contracultural, lo cual no es necesariamente algo malo, pues parte del atractivo del rock es que yace en las sombras y reta lo "aceptable". Ahora, en la actualidad la bandera del género la ondean los grupos clásicos. Pero, ¿dónde está la nueva escena del rock? Formado apenas hace seis años en Michigan-Estados Unidos por los hermanos Josh, Jake y Sam Kiszka, Greta Van Fleet parece ser la respuesta a este y otros interrogantes. 

Todo, desde su pinta, actitud y, por supuesto, sonido recuerdan al rock de los 70. Para algunos recuerda demasiado, al puntos que el grupo ha sido tildado de "copia de Led Zeppelin". No sé si el calificativo sea justo, pero sí suenan muy parecido, principalmente en la parte vocal. La comparación con Robert Plant es casi que obligada y hace difícil ser poder apreciar su esencia. Al mismo Plant le han preguntado al respecto, y este -muy respetuoso- ha evadido la pregunta con chistes. Quien ha tenido menos pelos en la lengua es Slash, diciendo que son un buen grupo pero que "preferiría que no sonarán tanto a Led Zeppelin". 

Sí, la influencia de Led Zeppelin es evidente y puede jugar en su contra, pero si tenemos en cuenta que sus integrantes tienen entre 19 y 22 años y que estamos en un mundo en que los jóvenes ya no quieren roquear sino cantar sandeces en pobres canciones de reggaeton, lo que los hermanos Kyszka hagan, suene como suene, es bienvenido. No sé si Greta Van Fleet sea la segunda venida de Dios, pero tienen el sonido y voltaje correctos y -así no resulten ser los salvadores del rock- con que inspiren de nuevo a los jóvenes a levantar una guitarra y roquear, ya es ganancia suficiente en estos tiempos de rap y hip hop. 

Placeres Culposos Musicales

Cuando tenía 11 tiernos años mi tío puso en mis manos mi primer disco de rock anglo: Use Your Illusion I de Guns N´Roses, desde entonces soy un roquero consumado. Sin embargo cada cierto tiempo aparece una canción de otro género que llama mi atención y me pone a cantar con ojos cerrados e incluso hasta a bailar. Las siguientes son algunas de esas canciones que logran ese efecto en mi. Con ustedes: mis placeres pulposos musicales. Y ustedes, ¿qué placeres pulposos tienen?

Wham! Careless Whisper 

La única razón por la cual considero esta canción un placer culposo es porque musicalmente se sale de mi zona de confort y por la forma en que la radio abusó de ella hasta el punto de convertirla en un cliché ochentero. De resto no me importa que lo sepa el mundo: ¡George Michael es el puto amo!

Backstreet Boys- Show me the Meaning of Being Lonely

Cuando este sencillo fue lanzado yo estaba en modo adolescente roquero rebelde. Tenía el pelo hasta los hombros y me vestía como si fuera integrante de los Deftones. Para mí esta boy band representaba casi todo lo que detestaba en la música: coreografías sin sentido, cursilería romántica, y el hecho de que ninguno de sus integrantes tocara un instrumento. Pero los años fueron pasando y me volví más tolerante en muchos sentidos, incluido el musical. Hoy por hoy oigo esta canción de forma frecuente y hasta la pongo en mis reuniones festivas. 

Kanye West- Runaway 

Después de Donald Trump creo que Kanye West es la persona más detestable del universo. Todo sobre él me da nauseas: su cara, actitud, ropa, y ni hablar de su sobrevalorada y famosa por nada esposa. Seguramente cuando me gustó Runaway, de su álbum My Beautiful Dark Twisted Fantasy, aún no sabía ni quién estaba detrás de la canción. Hay algo sumamente pegajoso en Runaway, tal vez sea ese simple pero hermoso piano, o el sentimiento nostálgico de la canción en contraste con su letra picante, tal vez eso sea lo bueno de la canción, que no puedo descifrarla. 

Drake- Hotline Bling

Está canción tuvo un éxito importante a pesar de que su video -objeto de todo tipo de parodias- y su letra fueron bastante criticados. Siempre he creído que el rap y el hip hop son géneros muy pobres, pero esta canción tiene algo de otras canciones que aprecio mucho como la versión de Kingston Town de UB40 y Rock with You de Michael Jackson: se pueden bailar pero también sirven para relajarse y dormir. 

Justin Timberlake- Cry me a River

Aquí hubiera podido poner varias canciones de NSYNC, pero me decidí por esta canción de la carrera solista de Timberlake. ¿Qué quieren que les diga? El tipo me parece un artista talentoso, y esta canción- una oda al dolor tras su ruptura con Britney Spears- me ha puesto la piel de gallina varias veces, ¿y qué? 

Michael Jackson Rocks!

¿Cómo hablar de Michael Jackson sin decir algo que no se haya dicho una y otra vez? ¿Cómo hablar de él sin decir que era el Rey del Pop...y del rock, y del r&b, del hip hop? Michael Jackson era el rey de la música, punto.  No había nada que no pudiera hacer Hacía de todo, y todo le salía bien. Tiene el disco mejor vendido de todos los tiempos. Es el mejor bailarín que el mundo ha visto. sus videos son los más sobresalientes de la historia. Es, en conclusión, el mejor artista de todos los tiempos. En cada artista hay algo de MJ. En cada bailarín hay algo suyo. No hay ningún movimiento que alguien haga en un escenario que él no haya hecho antes y mejor. Le pedían que hiciera pop, hacía pop. Le pedían que hiciera rap, hacía rap. Le pedían que hiciera rock, y roqueaba. ¡demonios! El tipo comenzaba sus conciertos quedándose como una estatua por un rato y ya tenía a todo el mundo loco. Así de bueno era.

Michael Jackson rocks! Literalmente. Por ende, he aquí algunas de sus mejores canciones del Rey del Pop cuando incursionó en el género.

BEAT IT

¿Qué hace un artista en el primer lustro de la década de los 80 cuando quiere lanzar una canción pesada y guitarrera? Llamar al mejor guitarrista rock del momento y uno de los mejores de la historia: Eddie Van Halen, cuyo solo hace arder la canción y convirtió a Beat It en el máximo himno roquero de Jackson. 

Dirty Diana

Siguiendo con la costumbre de llamar a grandes guitarristas, para esta canción del álbum Bad Jackson consiguió de los endiablados servicios en las seis cuerdas de otro de los grandes guitarristas de los 80: Steve Stevens, también conocido por ser el guitarrista en la banda de Billy Idol.

Come Together

Clase 1 de Introducción al Rock: tomar la que es quizás la canción más estridente y cargada de guitarras del grupo más grande de la historia, los Beatles, y darle vida propia.

Black or White

Si algo hacía bien Michael Jackson era adaptarse a los tiempos y rodearse con la mejor gente del momento. Para la introducción de esta canción de su álbum Dangerous llamó a Slash para que tocara guitarra antes de que la canción comenzara de lleno. Muchos creen que el guitarrista de Guns N´Roses toca en todo el track, pero solo lo hace en la introducción. Sin embargo, el músico tocó la canción con MJ en varias presentaciones en vivo.

Give in to Me

Otra canción para la que el Rey del Pop contó con Slash en la guitarra. Si me preguntan, esta es la canción más roquera de todo el catálogo de Jackson. Sus tintes oscuros la engalanan de un feeling típico de una power callad ochentera. En su video oficial grabado en Alemania aparecen Slash y Gilby Clarke, quienes se encontraban de gira con Guns N´Roses en Europa y coordinaron con Jackson para aparecer en el video. 

¿Por qué la epidemia de suicidios en el rock?

La muerte y el rock n´roll van, lastimosamente, de la mano. Drogas, alcohol, y accidentes son las principales causas. Sin embargo en los últimos años una nueva causa se sumó a estas: el suicidio. Kurt Cobain, Avicii, Elliot Smith, Ian Curtis, Brad Delp, Chris Cornell, Chester Bennington, engrosan esta triste y oscura lista...y no nombré a todos. 

¿Qué está pasando? ¿Por qué los artistas están tomando esta salida y qué está haciendo la industria para ayudar?

Para responder a la última pregunta, no mucho. De hecho, parecen estar haciendo más por llevarlos a estos trágicos desenlaces que para evitarlos. Para ilustrar mejor este punto tomemos el caso de Michael Jackson. Él no se suicidó, no, pero su estado de salud no era el adecuado para comprometerse a hacer la gira masiva a la cual los promotores lo comprometieron. Su salud mental posiblemente tampoco era la mejor, por ende, no podía dormir y el doctor Conrad Murray terminó suministrándole más Propofol del que el cuerpo de Jackson pudo tolerar. ¿Ven el punto que quiero hacer? Se los pongo más claro: la industria está, tal vez sin halar el gatillo y apretar la soga literalmente, tratando a sus "protegidos" como pedazos de carne, importándoles muy poco su bienestar, ni físico ni emocional. Si a Jackson no lo hubieran prácticamente obligado a hacer esa gira de despedida en Londres, o al menos le hubieran permitido hacerla en un espacio más largo de tiempo  y con menor intensidad, tal vez el Rey del Pop aún estaría deleitándonos con su genialidad. 

Sí, los músicos tienen cicatrices de vida (llámese abuso sexual cuando eran niños, abandono por parte de sus padres, bullying etc) que los llevaron a buscar refugio en sustancias alucinógenas y ,por supuesto, al arte. La industria sabiendo esto, porque vaya que lo saben muy bien, ¿por qué no les dan una mano y los ayudan a lidiar con sus males? Fácil, porque no les conviene que estén sanos. Pensemos, las mejores manifestaciones de arte tienen sus inspiración en las drogas. Las drogas amplían la creatividad de los compositores, si no pregúntele a los Beatles, los Rolling Stones, o a Jim Morrison. Luego entonces, un artista sin drogas no va a componer cosas tan buenas y no va a vender, y si no vende no hay ingresos. Llevar a un músico a terapia psicológica es sanar su mente, y si sana su mente no hay dolor, si no hay dolor no hay buenas canciones, y si no hay buenas canciones las cuentas bancarias no crecen. Lo que es aún peor: para la industria vale más un artista muerto que uno vivo. ¿Recuerdan qué pasó con la música de Michael Jackson (o de cualquier otro artista) al momento de fallecer? Volvió a consumirse como pan caliente. El muerto el hoyo y el vivo al dinero, dirían por ahí.

Lo que más me preocupa, además de seguir perdiendo músicos ilustres y seres humanos (aunque para la industria no lo son), es el ejemplo que estos artistas y sus decisiones -respetando el dolor que los llevó a esto- es el ejemplo que dan. Cuando Kurt Cobain se quitó la vida en 1994 hubo más de uno que siguió el ejemplo de su ídolo. 

Si usted o alguien que conoce está sufriendo, busque ayuda, por favor. Profesional o no, preferiblemente profesional, pero busque ayuda. Le garantizo que siempre hay alguien dispuesto a oírlo. Ahora, quienes no padecen de trastornos de tipo mental tienen un rol sumamente importante en esto: no aportar al estigma. Mucha gente no habla de sus problemas por temor a ser objeto de burla o tildados de "locos". Hay que frenar esta epidemia.

LAS BANDAS DE ROCK MÁS ODIADAS

Por cada Black Sabbath, Kiss, Pink Floyd, Beatles, hay una (o más) banda o artista que la gente simplemente detesta y no soporta escuchar. A continuación algunas de las más odiadas. 

JOHN MAYER

Desafortunadamente para el cantante y guitarrista, Taylor Swift no es la única persona que lo odia. Alguna vez un profesor de filosofía dijo en clase que definitivamente el alma y el rostro están conectados, y Mayer es clara muestra de esto. De otra forma ¿Cómo se puede explicar que actuar de forma tan petulante y verse igual? Como botón de muestra de su petulancia basta leer esta cita célebre del tan querido John hablando sobre él mismo: "Si antes no era percibido como un joven Bruce Springsteen, ahora estoy seguro de que ahora lo soy". No, John. No eres ni una uña de Springsteen.

DAVE MATTHEWS BAND

Salvo quizás por un par de canciones este grupo no es ni malo ni bueno, la banda está en incómodas aguas tibias donde, a pesar de su imagen anti-cool, son queridos por algunos. Sin embargo, muchos de los fans de sus primeros discos en los 90 se cansaron de la peculiar voz de su cantante y sonido que es de todo y a la vez es nada. Todo un mazacote musical. 

LIMP BIZKIT

No les voy a mentir, en mis años de adolescencia me gustaba Limp Bizkit, y aún hoy hay canciones que no me molestan. Supongo que vi en el grupo algo que no muchos vieron, a pesar del éxito masivo que los liderados por Fred Durst cosecharon a finales de los 90 y comienzos del nuevo milenio. Su mezcla de rap, hip hop, y metal resultó intolerable para los puristas, así como la actitud sobrada y cursi de Durst. 

CREED

Otro grupo que al igual que Limp Bizkit tenía su principal problema en la actitud de su cantante. Respetando el trastorno bipolar del cual sufre Scott Stapp y con el cual me compadezco, su muchas veces extraña actitud fue una de las cosas que hizo de Creed una de las bandas más odiadas de la historia, por no hablar de las acusaciones de que estaban robando a Pearl Jam con su sonido pero palideciendo en el intento. Eso sí, Creed tenía en Mark Tremonti un excelente guitarrista. Oigan su grupo Alter Bridge y lo notarán. Nickelback antes de que Nickelback existiera, como les dicen algunos.

NICKELBACK

Tal vez sea el hecho de ser canadienses, la actitud  y voz de su cantante, Chad Kroeger, o simplemente esta banda apesta en los oídos de las masas. El tema de ser la peor banda de la historia se ha vuelto tan popular que sus integrantes -al menos en ocasiones- se han negado a conceder entrevistas, seguramente anticipándose al espinoso tema. Por otra parte, las ventas de sus álbumes han bajado (¿acaso las de qué artista no?). Artistas como Patrick Carney de los Black Keys y Corey Taylor de Slipknot y Stone Sour han manifestado abiertamente su oído hacia Nickelback, este último diciendo sobre Kroeger cosa como "no puedo decir nada malo sobre Nickelback...Es solo él. Así que, hombre, escóndete en tu cama con tu almohada de Hello Kitty y cierra la boca". 

Canciones Mundialistas

Desde hace varias décadas, tal vez valiéndose de la música como un instrumento de comercialización, cada Mundial ha tenido su canción -en algunos caso canciones- oficiales, y sus ceremonias inaugurales han contando en presentaciones en vivo, siendo Shakira una de las que más se ha vinculado con la fiesta máxima del fútbol. Aunque en la apertura de Rusia 2018 es Robbie Williams quien dará el puntapie inicial, al menos en los musical, no se les haga raro que la colombiana aparezca en algún momento. 

Estas son algunas de las canciones que han servido de banda sonora para algún Mundial:

DARYL HALL & SOUNDS OF BLACKNESS- GLORYLAND

Para Estados Unidos 94 se lanzó un compilado llamado Soccer Rocks the Globe, en el cual aparecían canciones de diversos artistas como Queen y su We are the Champions, Tears for Fears, Jon Bon Jovi, Scorpions, entre otros. Pero al canción que se robó el show fue Gloryland, la cual era originalmente instrumental, pero se le agregaron letras para la ocasión.

SHAKIRA- WAKA WAKA (this time for Africa)

En su segunda aventura como interprete de la canción oficial de un Mundial, Shakira se inspiró en Africa, sede el torneo en 2010, para darle la pista de sonido oficial al evento. Posiblemente la canción mundialista más popular, esta cuenta con un video lleno de estrellas del fútbol, incluyendo Gerard Piqué, con quien la cantante inició un romance gracias a la grabación del video.

RICKY MARTIN- LA COPA DE LA VIDA

Para Francia 98- último Mundial del siglo XX- el puertorriqueño Ricky Martin fue el encargado de la canción oficial. Llamada en inglés The Cup of Life, su letra es una canto a la lucha y el deseo de vencer al rival para obtener la copa.

GIANNA NANNINI & EDOARDO BENNATO- UN´ESTATE ITALIANA

Sin duda mi canción favorita de los mundiales, tal vez por ese feeling loquero que tiene. Con melodía compuesta por el italiano Giorgio Moroder y letras del estadounidense Tom Whitlock quien ayudó a escribir Take my Breath Away para la película Top Gun, esta canción es un homenaje a las noches de verano italianas y sigue siendo hasta hoy uno de los tracks mundialistas más recordados.

Tres Canciones Perfectas

Hace unos días me preguntaba acerca de qué canciones pueden ser consideradas como "canciones perfectas". Después de un rato pensando solo llegaron a mi mente tres canciones que podrían ser catalogadas de dicha manera. ¿Qué considero una canción perfecta? Aquella que no le falta ni le sobra nada, que es impecable desde su interpretación, producción e impacto, así como permanencia a través del tiempo. 

1. Led Zeppelin- Stairway to Heaven

Quien alguna vez haya tenido algún tipo de acercamiento con una guitarra ha tratado de tocar esta canción del grupo británico. Compuesta por Jimmy Page y Robert Plant, esta pieza de ocho minutos es considerada por muchos como una de las mejores en la historia del rock. Desde su comienzo lento y acústico, pasando por una parte eléctrica mid tempo, hasta su orgásmico y potente final con la majestuosa voz de Plant a capella contándonos que "ella va a comprar una escalera al cielo", esta canción no deja absolutamente nada al azar, ni siquierasu oscura y mística letra.

2. Wham! - Careless Whisper

Incluida en un disco de Wham! pero extraoficialmente presentada como el primer sencillo solista de George Michael, esta canción es -sin lugar a la más mínima duda- la canción más romántica de la historia. No hay ninguna melodía más sensual (y sexual) que la melodía de saxofón interpretada por el prácticamente desconocido Steve Gregory. Su letra, lleno de arrepentimiento y dolor amoroso, cuenta la historia de cómo George Michael le fue infiel a una novia con otra mujer con la que siempre había querido tener. Antes de que la versión hoy conocida por todos de esta canción saliera a la luz hubo otra versión en la que el cantante trabajaba con el productor Jerry Weller, quien consideraba que esta ya estaba terminada. Sin embargo, George Michael no estaba de acuerdo y siguió trabajando en ella hasta convertirla en ese perfecto himno romántico. No sé si haya una ejecución vocal más perfecta y con el corazón en la historia de la música. 

3. Eagles- Hotel California

Recuerdo oír esta canción infinidades de veces a mediados de los 90 cuando el grupo estadounidense se reunió después de 14 años para una presentación en formato acústico para MTV. A pesar de que la versión acústica en cuestión es sublime, su versión original -lanzada en 1976- es una de las obras más apoteósicas que se hayan compuesto hasta la fecha. Dejar de oír esta canción una vez comienza es un sacrilegio (alguna vez me negué a bajarme de un carro hasta que esta terminara), casi una falta de respeto con Don Henley, Don Felder, y Glenn Frey. No tengo la menor idea de qué habla la letra y no quiero saber, pues no hacerlo es parte de la mística de esta. Algunos dicen que habla del infierno, otros dicen que habla de las drogas, y hay quienes van más allá y aseguran que la canción la escribió el mismísimo satanás. La haya escrito el que la haya escrito, hable de lo que hable, esta es una de las mejores canciones de la historia con una de los mejores solos de guitarra...ni hablar de ese duelo de guitarras que cierra la canción y de Don Henley tocando batería mientras canta, ¡un genio!.

(¿) Creed Apesta (?)

A finales de los 90, cuando el post-grunge se había tomado las ondas radiales y era la nueva "moda" en el rock, el grupo estadounidense Creed comenzaba a sembrar las semillas de un éxito masivo que recogería en los primeros años del nuevo milenio. Con el lanzamiento de Weathered, su tercer álbum, Creed estaba en todos lados. El disco vendió 887 mil copias en Estados Unidos durante su primera semana y estuvieron en el lugar número 1 en ventas por ocho semanas consecutivas, récord que comparten con unos tales Beatles. Si eran tan exitosos en los listados, ¿por qué y de dónde viene el odio a la banda?

A mí me gustaba Creed (¿y qué?), principalmente sus dos primeros álbumes. Es más, me atrevo a decir que su debut -My Own Prison- es una joya del último lustro de los 90. Con canciones como Torn, My Own Prison, What´s this Life for? y One, Creed se metió a críticos y fans al bolsillo. Para entonces su música, de tintes más oscuros y densos, sonaba en cuanto emisora de rock había en Estados Unidos. El odio hacia el cuarteto comenzó a nacer con su segundo lanzamiento, Human Clay, con el cual comenzaron a ser más "pop" y menos rock, más comerciales y menos underground, algo que no cayó bien entre sus fans y prensa especializada. Por un lado eran acusados de haberse "vendido" a la industria, por otro los señalaban de copiar a Pearl Jam. Pero, ¿Eran esas la verdaderas razones para odiarlos? Sumaban, pero creo que no eran los principales motivos.

Había otros catalizadores de odio. Como el hecho de que el grupo fuera de una forma más bien oculta un grupo de rock cristiano disfrazado de banda post-grunge. En cuanto las masas comenzaron a caer en cuenta de esto, Creed dejó de ser tan cool. Pero la principal razón del inclemente odio al grupo tenía nombre y apellido: Scott Stapp, su cantante y líder. Muchos  detestaban su cara, sus gestos su pinta de modelo y voz de tarro. Otros no soportaban su actitud, la cual resultó ser determinante en el momento en que el grupo decidió separarse en 2004, momento para el cual los otros tres integrantes de Creed anunciaron su nuevo grupo: Alter Bridge, con el entonces desconocido pero hoy un señor cantante llamado Myles Kennedy. Tanto era Stapp el problema que una vez sus excompañeros armaron carpa aparte la gente comenzó a alabar las destrezas de Mark Tremonti en la guitarra y al grupo en general. Hoy en día Alter Bridge cuenta con 5 álbumes de estudio y tres en vivo, y Mark Tremonti ya va para su cuarto disco con su proyecto en solitario. Mientras tanto el pobre Stapp no despega ni como solista ni con otros proyectos. En 2016 fue anunciado como el reemplazo de Scott Weiland en Art of Anarchy, pero la felicidad duró poco, ya que sus propios compañeros de banda lo demandaron por incumplimiento de contrato. 

Con el paso del tiempo Creed pasó de ser un éxito masivo a una banda que el tiempo ha olvidado, de tocar en Woodstock 99 a ser prácticamente irrelevante en el presente. Sin embargo, al menos su primer disco vale la pena desempolvar. 

Martin Luther King y el Rock

Decir que Martin Luther King tuvo una enorme importancia en el mundo de la política y la vida en general sería tan obvio como decir que el agua moja y el solo sale todos los días (a menos que estemos en Islandia durante su casi interminable invierno). Lo que tal vez no resulta tan evidente es  su influencia en la cultura pop, específicamente en la música. Por ende -con motivo del aniversario 50 de su muerte- he aquí 3 canciones que hablan sobre MLK.

U2- Pride (In the Name of Love)

Incluida en su álbum de 1984 The Unforgettable Fire el grupo irlandés creo un clásico con esta canción en la que Chrissie Hynde de The Pretenders apoyó a Bono en los coros. A pesar de girar en torno a un mismo acorde de guitarra con leves variaciones, U2 hizo uno de los tributos más conmovedores a Luther King hasta la fecha. No, MLK no fue asesinado en la mañana del 4 de abril como dice la canción, sino al caer la tarde, pero ni importa. Te perdonamos, Bono.

GUNS N´ROSES- Madagascar

Si bien el tema de la canción no es necesariamente la política o cambios sociales, sino más bien una especie de frustración amorosa, en la mitad de esta joya oculta del álbum Chinese Democracy, Axl Rose y la alineación de la banda de esa época se da licencia para utilizar varios fragmentos del famoso discurso de "I have a dream" de Martin Luther King.

QUEEN- One Vision

Al oír este clásico del álbum A Kind of Magic las referencias a Martin Luther King tal vez no sean muy claras, pero si se analiza la letra minuciosamente se encuentran claras alusiones al discurso de "I have a dream", como por ejemplo "I had a dream when I was young (tuve un sueño cuando era joven)" o "look what they´ve done to my dream (mira lo que han hecho con mi sueño)".

Érase una vez The Hall Effect

A mediados de la primera década del presente milenio una nueva camada de rock colombiano comenzaba a tocar la puerta. Del rock local de los 90 liderado por bandas como Aterciopelados se pasaba a un sonido más global y cantado en inglés. Varios grupos comenzaron a cantar en la lengua madre del rock, lo cual - si bien ya se había hecho antes- no dejaba de ser fresco en su momento. En la cabeza de este movimiento se encontraba The Hall Effect, la banda bogotana que dio sus primeros pasos en la escena haciendo tributos a U2. Otras bandas siguieron su ejemplo y comenzaron a cantar en inglés, Stayway -por ejemplo- cuyo cantante alguna vez me dijo que hacían fuerza por The Hall Effect, pues ellos podían abrir las puertas para muchos otros quienes, como ellos, luchaban por triunfar en la dura escena roquera colombiana. 

Después del éxito más que todo local de su primer álbum (Aim at Me), liderado por varias canciones que pegaron fuerte como la que le da nombre al disco, Unpure y Become, el grupo se puso ambicioso y viajó a Inglaterra para grabar su sucesor. De la mano de Phil Manzanera, conocido por su trabajo junto a Roxy Music, David Gilmour, Pink Floyd, entre otros grandes de la música global, el cuarteto pasó una temporada en Londres trabajando en su segundo álbum, el cual salió al mercado en el primer semestre de 2010. Con canciones como Shine y Hitman Story, el disco tal vez no dio los resultados esperados, a pesar de contar con una muy buena producción y un sonido más maduro. 

Tal vez fue el cambio en el sonido del grupo (menos brit pop y más hard rock), o quizás se pusieron muy ambiciosos muy rápido. El caso es que después de la presentación del disco en cuestión las cosas comenzaron a no funcionar tan bien. La banda perdió a un par de sus integrantes originales y empezó a experimentar sonoramente (tal vez fue eso lo que llevó al colapso de su formación original). Un poco aporreados y algo fuera de foco el grupo siguió adelante y después de ese segundo álbum ha lanzado un LP y dos EP, dejando casi totalmente de lado la idea principal de cantar en inglés para hacerlo en español e incluso en francés. Si tras sus dos primeros discos el grupo hubiera entrada en la Bolsa de Valores, hasta acciones hubiera comprado (¡carajo! Hasta los llevé a tocar en mi universidad y el rector casi me crucifica por el alto volumen), pero algo sucedió en el camino que desvalorizó al grupo dentro del panorama nacional del rock y -de ser los nuevos abanderados en la noble causa de sacar a flote el rock colombiano- pasaron a ser actores secundarios y ver cómo bandas como Diamante Eléctrico reciben el testigo. 

The Hall Effect: "Te lo digo y lo siento, cuando tu vuelvas aquí voy a estar". 

¡A Romper Calabazas de Nuevo!

Como he dicho siempre: TODOS, absolutamente TODOS los grupos eventualmente se reúnen, ya sea total o parcialmente (Oasis, ustedes siguen). Después de semanas de especulación, la formación original de los Smashing Pumpkins ha decidido reunirse, excepto por D´arcy quien -por motivos que aún no son del todo claros- no será parte de esta reunión. Junto a Billy Corgan, Jimmy Chamberlin, y James Iha, estará Jeff Schroeder, guitarrista que ha sido parte de previas encarnaciones del grupo. Aún falta por aclararse quién va a tocar el bajo en lugar de D´arcy. Lo que si se sabe es que a mediados de julio la banda de Chicago iniciará una gira que los llevará por diferentes ciudades de Estados Unidos hasta el mes de septiembre. En un anunció (el cual pueden ver al final del artículo) el grupo anunció oficialmente las fechas del tour por medio de un nostálgico video de las niñas de la portada de Siamese Dream ya grandes y algo "desgastadas" prendiendo fuego al clásico logo del corazón con las letras SP en su interior. Después de esto todo es incierto hasta el momento, pero si jugamos a especular, no resultaría extraño que Corgan y compañía hicieran la clásica jugada de escapar del invierno en Europa y Estados Unidos para pegarse la "rodadita" a Suramérica. Dedos cruzados.

Los Pumpkins estarán tocando música de sus 5 primeros álbumes, entre los cuales se destacan Siamese Dream y el épico Mellon Collie and the Infinite Sadness, toda una insignia de los discos del rock alternativo de los 90 que, si apuntan un arma a mi cabeza, confieso que en mi corazón noventero ocupa un lugar más especial que el mismo Nevermind, sin quitarle mérito o decir que no me gusta esta otra pieza definitiva de la era grunge. 

Amantes del rock de los 90, a desempolvar esa vieja camiseta de zero (la tuve hace más de dos décadas), ¡es hora de volver a roquear!