Mis Discos Favoritos de 2019

2019 está tocando sus notas finales, lo cual indica que la tradición anual debe cumplirse: con ustedes la infaltable lista de mis 10 discos favoritos del año (sin ningún orden particular). Si piensan que el rock está muerto, como se suele creer constantemente, los invito a pensar dos veces y a oír cada uno de los álbumes de esta lista y después hablamos. A todos les agradezco por leerme y les deseo un feliz 2020, que el año que llega nos traiga descargas brutales y ensordecedoras de esa hermosa "música del demonio" 👿 . 

¡A vuestra salud!

ALTER BRIDGE- WALK THE SKY

Si bien el grupo estadounidense ya parece haber encontrado su formula musical tras 15 años de carrera y seis discos, sus lanzamientos son una descarga de adrenalina a través de canciones sólidas y adictivas. Desde la primera canción (One Life), pasando por Take the Crown y Forever Falling hasta llegar al épico cierre con Dying Light, Walk the Sky es una colección de temas llenos de riffs contundentes, melodías pegajosas, y la espectacular voz de Myles Kennedy, fácilmente el mejor cantante rock del momento. 

THE BLACK KEYS- LET'S ROCK

A menos que un grupo de geólogos haya decidido grabar un disco homenaje a su ciencia, uno sabe que un álbum que se llame "Let's Rock" debe estar cargado de rock. Y sí, el noveno disco del dúo conformado por Dan Auerbach y Patrick Carney es rock en su estado más puro y orgánico. En tiempos de música meticulosa y cuadriculada no es nada menos que un bálsamo auditivo oír un grupo de canciones construidas sobre riffs tipo rock n´roll de los 60 y solos blues. 

DUFF MCKAGAN- TENDERNESS

¿Qué hace en sus ratos libres un tipo que es bajista de una de las bandas de rock duro más importantes de la historia y cuyas raíces musicales están en el punk rock? Un disco de country rock. Producido por el cantautor de música country Shooter Jennings, el tercer disco de McKagan en solitario es una especie de grito de ayuda/llamado de atención que nace de las entrañas de todo lo que anda mal en el mundo. Historias de abuso sexual, tiempos difíciles en la política, tiroteos en escuelas, epidemia de suicidios y adicción a opioides son algunos de los temas que se tratan en las 11 canciones que hacen parte del álbum.

THE RACONTEURS- HELP US STRANGER

Tras 11 años del último disco del grupo, Jack White regresa con otra de sus múltiples encarnaciones musicales y nos da una lección más de sus talentos en guitarra, su peculiar voz, y una colección de canciones que parecen sacadas de la década de los 60. El estudio en el que White y su corte grabaron este álbum, el tercero de la banda, debe doblar como máquina del tiempo en la que viajaron para componer melodías adictivas de rock clásico y traerlas a la modernidad y presentarlas de una forma en la que hoy, en plena época de ritmos procesados y no muy orgánicos, funcionan con total frescura.  

RIVAL SONS- FERAL ROOTS

Otros que se metieron en una máquina del tiempo para grabar su nuevo álbum, sexto en su carrera, fueron los Rival Sons. Sin ningún temor a sonar "pasados de moda", el grupo estadounidense ofrece con Feral Roots una descarga absoluta de riffs llenos de blues al mejor estilo de Led Zeppelin y de sus contemporáneos de The Black Keys. Es difícil hacer un disco con tonos vintage y no sonar aburrido o como una banda tributo, los liderados por Scott Holiday toman el riesgo  y salen triunfantes. 

SUM 41- ORDER IN DECLINE

A comienzos del milenio, cuando Sum 41 comenzaba a pegar fuerte, jamás pensé que llegaría el día en que uno de sus álbumes se ganara el derecho de estar entre mis favoritos del año. El día llegó. Si bien su sonido pop punk nunca ha sido totalmente de mis afectos, este disco es todo menos eso. Es un álbum de heavy metal. Punto. El grupo se ha negado a caer en la nostalgia o en el boom de ritmos procesados, e hizo un disco lleno de riffs y solos metaleros que suenan absolutamente genuinos. 

TAYLOR HAWKINS & THE COATTAIL RIDERS

"Mientras tengo un tiempito libre de los Foo Fighters voy a grabar un señor disco", es lo que debió decir Taylor Hawkins, quien se lanza al agua (o al jacuzzi) con su tercera producción junto a los Coattail Riders, un álbum que suena a rock de los 70 con uno que otro signo de teclados ochenteros y reggae. Prácticamente todas las canciones cuentan con grandes invitados especiales entre ellos Dave Grohl, Duff McKagan (Guns N' Roses), Joe Walsh (Eagles), Perry Farrell (Janes Addiction), Roger Taylor (Queen), entre otros, a pesar de lo cual Get The Money nunca pierde el enfoque y la banda base nunca pasa a segundo plano.

BAD RELIGION- AGE OF UNREASON

A casi 40 años después del inicio de su carrera estas leyendas del punk siguen quejándose y señalando todo aquello que les parece que está mal con la sociedad. En este disco, el número 17 de su historia, todo lo que está mal para ellos tiene nombre y apellido: Donald Trump, a quien a lo largo de las 14 canciones del álbum atacan con guante blanco. Si creen que el punk murió con la llegada de los 80, les tengo dos palabras: Bad Religión. 

WHITESNAKE- FLESH & BOOD

Con 40 años de carrera y algo más de una docena de discos uno creería que no hay nada más por hacer y que retirarse de la música para vivir de la nostalgia (por no hablar de las regalías) es el camino a seguir. No para David Coverdale, quien con el álbum número 13 de Whitesnake nos demuestra que aún tiene gasolina para rato y talento que plasmar en canciones vitales y poderosas. Shut Up & Kiss Me, Hey You (You Make me Wanna Rock), y Trouble is Your Middle Name, son claro botón de muestra de que, si bien los ochenta terminaron, los días de gloria del grupo británico están todo menos acabados. 

KORN- THE NOTHING

El álbum número trece en la carrera de la banda californiana está lleno de todo lo que los hizo grandes en los 90: rabia, dolor, riffs inclementes, y las letras depresivas y melancólicas de Jonathan Davis, quien obtuvo inspiración en la pérdida de su madre y esposa en 2018 para escribir The Nothing. Sin duda esta es una muy cercana aproximación a la mejor forma de Korn en años, ¡con gaitas incluidas y la voz llorosa de Davis, quien entre lágrimas cierra el disco cantando "I failed, I failed" (fallé, fallé). Si fallar es hacer música de alta calidad, pues qué siga fallando. Nosotros lo consolamos con aplausos.

¡Bienvenido de Nuevo, John!

John Frusciante hizo como el buen hijo y volvió a casa. Otra vez...por segunda vez. Después de 10 años de su partida de Red Hot Chili Peppers y tras varios genialmente exóticos proyectos en solitario, el arma secreta de la banda vuelve a sus filas. Así lo anunció el grupo a través de sus redes sociales, al informar que cortaban relaciones con Josh Klinghoffer, quien reemplazó a Frusciante a finales de la década pasada y con quien la banda lanzó un par de álbumes (I'm with You y The Getaway).

Si bien las razones de la salida de Klinghoffer no se saben, al menos no en este instante, solo podemos jugar a especular con que Anthony Kiedis, Flea, y Chad Smith, se dieron cuenta de que la química, la magia, el fuego es con Frusciante. O tal vez su sucesor renunció y no quisieron ponerse en la tediosa tarea de buscar a alguien nuevo. Como dicen en la calle: "mejor malo conocido..." Claro está que en este caso el conocido no solo no es malo, es brillante.

Siempre he creído que Frusciante es el arma secreta del grupo y posiblemente el mejor músico del cuarteto. Sí, Flea y Kiedis se llevan todas las luces por su puesta en escena y desbordante energía. Chad Smith es un gigante que toca la batería con precisión quirúrgica, pero es el guitarrista -y esto es solo mi opinión- quien pone el chile en la receta musical de la banda. Si repasamos la historia de Red Hot Chili Peppers es claro como el día el hecho de que cuando Frusciante llegó tras la muerte de Hillel Slovak en 1988, la banda se catapultó a la fama. No es coincidencia. Como tampoco es coincidencia que cuando en las dos ocasiones en las que se ha marchado de la alineación de los Chili, sus discos no son tan aclamados o pasan muy por fuera del radar.

En 1991, con él a cargo de las seis cuerdas, la banda lanzó su obra maestra: Blood Sugar Sex Magik, con míticas canciones como Give it Away y Under the Bridge. Cuando se fue por primera vez en 1992 y fue reemplazado un par de años más tarde por Dave Navarro, al mercado llegó One Hot Minute, un disco interesantísimo (para mí intocable) pero que a la crítica y a buena parte de los fans no les gustó, pues el funk se hizo a un lado para dar paso a un sonido más oscuro y estridente. en 1999, después de su regreso un año antes, el grupo lanzó su segunda obra maestra: Californication. Los hits siguieron a la orden del día con By the Way (2002) y el ambicioso Stadium Arcadium (2006). En 2009 decidió abandonar el barco de nuevo, para ser reemplazado por Josh Klinghoffer, quien llevaba en la banda dos años como guitarrista adicional en vivo. Era, sin duda, el reemplazo natural. (continúa después de la foto) 

Con él lanzaron dos álbumes que tuvieron canciones dignas pero nunca de un nivel asombroso. El picante no estaba y el grupo parecía comenzar a caducar. Nunca llegué a saber quién era Klinghoffer como músico, pues me parece que en la década que estuvo en las filas del cuarteto no hizo sino emular a su antecesor. 

Cuando Frusciante salió por segunda vez del grupo, parecía que jamás iba a volver. Según él mismo afirmó, ya había hecho en la banda todo lo que tenía que hacer. La música que empezó a hacer como solista no tenía mucho (más bien nada) que ver con los Chili Peppers. Sus discos estaban cargados de psicodelia e intensa experimentación electrónica. Recomiendo particularmente Letur-Lefr y PBX Funicular Intaglio Zone, tan exóticos y raros como sus inpronunciables títulos. 

Afortunadamente para los fans de antaño del grupo (habrá quienes crecieron oyendo la era Klinghoffer), los sentimientos y deseos de las personas cambian, y Frusciante es una vez más Chili, esperemos que no haya una tercera partida, mi corazón estaría tan triste como hoy está emocionado con su regreso. en el año 2000 vi al grupo en el marco de la gira Californication. En 2011 hice lo propio, en esta ocasión promocionaban I'm with You. Tras verlos con ambos guitarristas no tengo duda, Frusciante es EL guitarrista del grupo, punto final. 

La Importancia de la Reunión de Rage Against The Machine

A riesgo de sonar como un viejito anticuado pero creyendo firmemente que lo que digo es cierto, creo que el rock hace rato perdió sus cojones y capacidad de alterar el status quo. Los últimos en hacerlo realmente fueron Guns N' Roses y Nirvana. Después de la ola del nü metal, de la cual muchos no gustan, el rock le cedió su trono al pop y al rap, y los grupos del género se volvieron blandos y cuadriculados. Aclaro, no necesariamente malos, pero sí algo aburridos. Bandas como Kings of Leon y The Killers, simplemente no dan la talla en la categoría de incitar a las masas a rebelarse ante el sistema. En épocas de alta turbulencia política mundial alguien tiene que sentar su voz de protesta. Axl Rose y su corte no pueden ser los únicos con pantalones para criticar a Trump (¿recuerdan cuando al final de un concierto en México los Guns sacaron una piñata del encopetado presidente estadounidense para que el público la cogiera a golpes?). Que no pande el cúnico, diría el gran Chespirito, Rage Against The Machine viene al rescate. 

Hace un puñado de días el grupo estadounidense anunció su regreso después de casi una década para hacer unas fechas por Estados Unidos, y no podrían haber llegado en mejor momento, sobre todo teniendo en cuenta el caliente panorama electoral estadounidense. A mediados de los 90, cuando era un adolescente y mi gusto musical seguía en formación, llegó a mis manos el álbum debut de la banda. Su portada, un monje ardiendo en llamas tras encenderse adrede, me mandó un claro mensaje sobre el contenido auditivo del disco: fuego puro. Eso siempre ha sido Rage, fuego puro. Desde las rimas desenfadadas de Zack de la Rocha y las guitarras distorsionadas de Tom Morello, hasta el bajo rebelde de Tim Commeford (el gigante de 1.93 que se atrevió a quemar una bandera gringa en pleno Woodstock 99) y la inexplicablemente pequeña pero potente batería de Brad Wilk, no sé si haya existido un grupo más rebelde e importaculista en la historia del rock.

Después del lanzamiento del álbum de covers Renegades en el año 2000 el grupo anunció su separación, culpando a la falta de ideas y otros tantos de los clichés que las bandas siempre nos venden al separarse. De dicho final nació Audioslave, banda formada por la parte instrumental de Rage, pero con Chris Cornell en la voz. En 2016, Morello, Commeford, y Wilk juntaron fuerzas una vez más para formar Prophets of Rage (que no se note que morían por revivir a Rage), banda con la que giraron alrededor de tres años junto a los raperos Chuck D y B-Real, de Public Enemy y Cypress Hill, respectivamente. Pero el fuego de ambas bandas no fue muy grande, quizás porque faltaba el fósforo perfecto para encenderlo: Zack de la Rocha, quien pasó sus años fuera del grupo haciendo cosas en solitario y en diversos proyectos. 

Bienvenidos de regreso, muchachos. Es hora de quemar más banderas y de gritarle en la cara a la máquina política "fuck you, I won't do what you tell me". 

Canciones Sobre Octubre

Una vez llega octubre muchos comienzan a pensar en sus disfraces de Halloween, pero no muchos piensan acerca de la música que ha sido inspirada por este mes, uno de los más cool del año...no porque cumpla años en este sino por su escabrosa mística "jalogüinera". 

Estas son algunas de las canciones cuya inspiración es octubre.

AMY WINEHOUSE- OCTOBER SONG

Si bien la cantante británica nos tenía acostumbrados a ritmos bañados en jazz y blues, para esta canción escrita sobre su mascota muerta se aleja un poco de estos géneros y nos acerca a algo más "buena vibra" y relajado, y de paso nos recuerda porque estaba destinada a ser la voz del milenio. 

YELLOWCARD -OCTOBER NIGHTS

En esta canción llena de melodías pop/punk el grupo estadounidense nos narra la historia de dos jóvenes que encontraron el amor en una noche caliente de octubre (lo cual es un poco raro considerando que octubre es todo menos caliente en Estados Unidos). "Viniste y te acostaste junto a mí, nuestras narices se rozaban, quisiera que fueran nuestras almas", más tierno no se puede. 

JAMES TAYLOR- OCTOBER ROAD

Esta canción, incluida en el álbum 15 del cantautor, habla sobre una travesía de regreso a casa, dejando de lado todos los problemas y adversidades de la vida. 

THE HELIO SEQUENCE- OCTOBER

Mucha gente suele deprimirse una vez llega el otoño y la caída de las hojas de los arboles le roban al verano su calor y alegría, pero en este himno de fe y esperanza la banda de Portland, Oregon nos recuerdo que las buenas cosas algún día volverán. 

U2- OCTOBER

¿Cómo iba a dejar por fuera de este conteo a quizá la más hermosa canción que se ha escrito sobre el mes de octubre? Este tema, que además le da nombre al segundo disco de la banda irlandesa, brilla por su simpleza. Bono canta en forma poética sobre cómo lo árboles son despojados de sus vestimentas, mientras The Edge le ayuda a pintar cuadros otoñales con su piano. 

Queridos Liam y Noel: ¿Para cuándo la Reunión de Oasis?

A todo grupo le llega la hora de reunirse, no importa lo difícil que parezca o lo graves que sean las razones de su separación. The Police, Soda Stereo, Pink Floyd en Live Aid 2005, Soundgarden son algunos de los casos más aclamados. Pero quizás la reunión más deseada hasta 2016 cuando por fin sucedió fue la de Guns N' Roses. Tras dos décadas de peleas, comentarios increíblemente irrespetuosos entre sus antiguos integrantes (Axl se refirió a Slash como "un cáncer), y una negación rotunda con respecto a una posible reunión cuando los micrófonos de TMZ preguntaron a Axl sobre el tema: "no en esta vida", contestó el cantante categóricamente. De forma irónica la súper exitosa gira de reunión fue bautizada Not in this Lifetime. Tras la confirmación de la reunión de los Gunners hace casi 4 años, muchos se preguntan cuál es el siguiente gran grupo que debería seguir sus pasos. Mi respuesta: Oasis. 

Era 1994. El panorama musical estaba dominado por lo que sucedía en Estados Unidos, sobre todo por el grunge. En Reino Unido parecía no pasar nada, pero un monstruo estaba a punto de dar sus primeros paso. El 29 de agosto de dicho año Oasis lanza Definitely Maybe, su primer álbum, con canciones que le dieron una buena y necesaria patada en el trasero al rock británico y lo puso en el mapa de nuevo. Con canciones como Supersonic y Live Forever los hermanos Gallagher comenzaban a hacerle contrapeso a Nirvana y a la escena alternativa estadounidense. Al movimiento liderado por Oasis se le conoció como Britpop, el cual se enriqueció con otros grupos como Suede, Pulp, y Blur, principalmente. 15 años más tarde, tras millones de discos vendidos y un súper exitoso álbum en (What´s the Story) Morning Glory del cual salieron canciones como Wonderwall y Don't Look Back in Anger, la banda decidió poner fin a su carrera. La razón: los Gallagher no podían ni verse. 

El fin llegó el 28 de agosto de 2009 cuando los Gallagher tuvieron su última pelea tras bastidores antes de salir a escenario en París. Dicen quienes estuvieron ahí que se dijeron varios insultos, se arrojaron cosas, y que incluso una ambulancia tuvo que ser llamada al lugar. Noel inmediatamente emitió un comunicado anunciado su salida del grupo y diciendo que no podía "trabajar un día más con Liam". Tras la ruptura de Oasis Noel ha lanzado varios álbumes en solitario con resultados nada despreciables, mientras que su hermano menor ha hecho lo propio pero sin mayor gloria. Su nuevo disco, Why me? Why not?, será lanzado el 20 de septiembre, y hasta ahora se han conocido varios sencillos promocionales, incluyendo One of Us, el cual no es otra cosa sino un grito nostálgico y doloroso para que Oasis se reúna. Desde su lanzamiento se ha especulado acerca de que la canción trata sobre Noel. El mismo Liam afirmó que el tema de esta es la familia. "Dijiste que viviríamos por siempre", dice su letra, en directa alusión al clásico de Oasis Live Forever. Por si lo anterior no fuera lo suficientemente claro, el video echa más leña al fuego. En este aparecen tres niños, muy posiblemente los tres hermanos Gallagher, y Liam entra por una puerta que tiene los números 28.08.09, el día que el grupo se separó. (continúa después de la imagen)

Mensaje más claro y directo, imposible. Lastimosamente Noel no ha tenido reacción al respecto (además de haber negado vehementemente a lo largo de los años que el grupo pueda reunirse) y parece no tener ningún tipo de interés en limar asperezas con su hermano. Pero así como Axl y Slash,  y David Gilmour y Roger Waters pudieron solucionar sus conflictos, no cabe duda de que los Gallagher podrían seguir el mismo camino. Ya les llegará su hora. Ya verán. Sus lazos artísticos, familiares, y emocionales lo juntarán tarde o temprano. El rock británico necesita otra patada en el trasero. 

Cuando los Premios MTV Apoyaban el Rock

En una época muy, muy lejana MTV apoyaba el rock. De hecho, la mitad (o más) de lo que sé del género se lo debo al otrora canal de música. Sí, eran otros tiempos y el paisaje musical ha cambiado mucho. En los 90 el rock no era una subcultura, era LA cultura. Por ende, MTV apoyaba el movimiento. Era lo que adolescentes como yo queríamos ver. Hoy por hoy el canal ya ni música rota, y cuando lo hace, es solo rap o pop (se supone que es un canal para todo tipo de música). 

Uno de los vehículos que MTV utilizaba para apoyar el rock, además de sus diversos programas como Headbangers Ball y Nación Alternativa, eran los Video Music Awards. Shawn Mendes, Taylor Swift, J. Balvin, Bad Bunny, son algunos de los que se presentaran en vivo durante la ceremonia de este año. ¿dónde está el rock? Repito, los tiempos han cambiado y la gente hoy ya no oye lo mismo que hace 25 años, pero si son premios dedicados a la música, al menos un representante de cada género debería haber. 

¿Qué tal si recordamos mejores tiempos para nosotros, los roqueros, en los premios MTV? Con ustedes algunas de las mejores presentaciones de artistas rock en los Video Music Awards. 

NIRVANA- LITHIUM (1992)

En 1992 Nirvana era el grupo a seguir. La cadena quería que el grupo tocará Lithium, sin embargo, ellos no querían interpretar Rape Me, pero su contenido lírico no era considerado apropiado por MTV (como si las letras de los reguetoneros que rotan hoy en día fueran hermosas). El trío abrió su presentación con un fragmento de Rape Me, los ejecutivos aburridos del canal casi se desmayan. Bullying roquero en su estado más puro.  

GUNS N´ ROSES- NOVEMBER RAIN (1992)

Otro grupo que mandaba en la escena musical de comienzos de los 90 era Guns N´ Roses. Por ese entonces ellos y Nirvana se odiaban e incluso hubo amagos de pelea tras bambalinas. Obviamente MTV intentó capitalizar en eso y llevó a amagos grupos a su ceremonia anual de premios. Los Guns tocaron November Rain junto a un tal Elton John. 

MARILYN MANSON- THE BEAUTIFUL PEOPLE (1997)

En 1998, con un panorama musical bastante diferente al de la primera mitad de los 90, a MTV no le tembló la mano para llevar al grupo más controversial del momento: Marilyn Manson. El Anticristo Superestrella interpretó The Dope Show sobre un escenario lleno de policías vestidos de rosado besándose apasionadamente al final de la canción y vistiendo un abrigo que a mitad de la presentación dejó caer para revelar un vestido con senos el cual dejaba ver su trasero. 

JON BON JOVI/RICHIE SAMBORA- WANTED DEAD OR ALIVE (1989)

Cuando el entonces dúo dinámico de Bon Jovi tomó el escenario de los VMAs no tenían la menor idea de la tendencia musical que estaban a punto de desatar: la de las presentaciones acústicas. Si bien MTV (ni nadie, de hecho) les ha dado crédito por inspirar la famosa serie de presentaciones MTV Unplugged, no me cabe la menor duda de que esta fue la actuación que sentó las bases de lo que sería una de las insignias del canal en los 90. 

NEIL YOUNG/PEARL JAM- ROCKIN´ IN THE FREE WORLD

Durante la ceremonia de 1993 Neil Young, conocido por muchos como el padrino del grunge, decidió juntar fuerzas con uno de los grupos más cojonudos de la escena rock de la época: Pearl Jam. El resultado fue versión estridente y llena de voltaje de "Rockin´ in the Free World", la cual termina con guitarras rotas y un hermoso caos roquero. 

Live y Throwing Copper: Una de las joyas ocultas de los 90

La década de los 90 fue una de gran revuelco musical y grandes producciones, sobre todo en su primera mitad. Nomás en 1991 Nirvana publicada su opera prima Nevermind, Metallica lanzaba el Álbum Negro, Pearl Jam debutaba con Ten, los Red Hot Chili Peppers nos deleitaban con Blood Sugar Sex Magik, y Guns N´Roses invadía las tiendas de discos con los Use Your Illusion. Pero por debajo de la realeza del rock había una segunda línea de muy buena música. Menos aclamada, sí, pero no menos atractiva. 

Era abril de 1994, el grunge y el rock alternativo daban su último coletazo. En la penumbra ya comenzaba a gestarse el movimiento del nü metal con Korn.  El 24 del mes en cuestión Live lanza Throwing Copper, su tercer álbum, apenas un par de semanas después de la muerte de Kurt Cobain. Si bien el disco ha vendido 8 millones de copias a la fecha (una de ellas reposa en mi biblioteca musical) y alcanzó el puesto número 1 en el Billboard 200, su impacto y legado no fueron equivalentes. Tal vez era el disco correcto lanzado en el momento equivocado. Quizás de haber sido lanzado en 1991 o 1992, durante el mejor momento de la movida alternativa, otra sería la historia y hoy Live llenaría estadios o los sencillos del álbum estarían oficialmente a la altura de los Smells Like Teen Spirit, Jeremy, o Black Hole Sun. 

De las 13 canciones que hacen parte de Throwing Copper (14 si contamos la escondida), al menos 4 son de primer nivel. Comenzando por Selling the Drama, primer sencillo, pasando por I Alone y Lightning Crashes, hasta llegar a la nostálgicamente oscura All Over You. En medio de este póker de canciones se encuentran otras que soportan su peso de forma heroica como White, Discussion, Iris, y Shit Towne. Es posible que Ed Kowalczyk y su combo hayan llegado tarde a la fiesta, pero si me preguntan a mí y sin el más mínimo temor a exagerar, este disco está en las grandes ligas de álbumes de los 90. 

En noviembre de 2016 Kowalczyk regresó al grupo después de años de disputas legales y otro cantante tomando su lugar, y en octubre de 2018 lanzaron el EP Local 717. En el verano del presente año Live unió fuerzas con Our Lady Peace y Bush (otro subvalorado de los 90) para embarcarse en el ALTimate Tour, una gira celebratoria con motivo de los 25 años de Throwing Copper, del cual -a propósito- se lanzó una edición de lujo con 3 tracks inéditos grabados en las sesiones del álbum y que a pesar de contar con excelente calidad no llegaron a ser publicados en el disco.

 ¡Live está vivo, señores!

Las 5 Canciones más Representativas del Rock Colombiano

Si bien el país no es musicalmente conocido por su escena roquera, pero sí por el vallenato y otros ritmos de su folclor, hay una escena rock que lleva décadas luchando por salir del inframundo y finalmente permanecer vigente por algo más que 15 minutos. ¿Cuándo pasará esto? Lo veo lejos, pues cada grupo que intenta sobresalir muere en el intento o tiene una muy corta vida. Público hay, demanda también, ¿apoyo económico? No sé. 

Mientras esperamos que la movida crezca y se consolide, estas son en mi opinión (por favor, no obvie el resaltado, negrillas ni cursivas) las canciones más representativas del rock local. 

Kraken- Vestido de Cristal

Si hay alguien que supo remar contra la corriente y medírsele a las mil y una adversidades a la hora de hacer rock en Colombia, ese fue Elkin Ramírez. Incluida en el álbum Kraken II (1989) esta canción consolidó al grupo y lo impulsó a las ondas radiales, logrando aumentar su culto y número de seguidores. Dentro del amplio número de "hits" de Kraken este siempre fue y sigue siendo el más aclamado. 

Ekhymosis- Solo

Otro que no le temía a trabajar con las uñas e incluso ensayar en lugares sucios y llenos de ratas fue Juanes, quien con su banda Ekhymosis comenzó a plantar las semillas del metal colombiano y a demostrar que, a pesar de no contar con grandes recursos, algo se podía hacer. Después de una serie de EP el grupo de Medellín lanzó Niño gigante, su primer larga duración, en el cual estaba el éxito Solo, canción que se destacaba por una gran sensibilidad lírica y que rompía la línea pesada y agresiva que caracterizaba al grupo. 

Aterciopelados- Bolero Falaz

Para algunos esta es la mejor canción del rock colombiano de todos los tiempos, y el disco en el que se lanzó -El Dorado- uno de los más importantes del rock en español. No sé si es la mejor de la historia del rock nacional, lo que sí sé es que es la canción que puso al rock local en el mapa latino, esto gracias a su video, el cual rotó fuertemente por MTV, informando a la región que en el país había talento que iba más allá de su tradicional folclor. 

Los de Adentro- Una Canción

Alguna vez un periodista los llamó irrespetuosamente "costeños con complejos de cachacos", tal vez ignorando que los integrantes de la banda dieron sus primeros pasos como músicos en Bogotá, empapándose de los sonidos y forma de hacer música de la capital. No sé si haya una canción en la historia de la escena rock colombiana que le cante con más sentimiento al desamor, casi como si de un vallenato se tratara, sin complejos, solo puro corazón. 

La Derecha- Ay qué Dolor

Mucho antes de que Mario Duarte se hiciera famoso por su papel en la telenovela Yo soy Betty, la fea, formó La Derecha a comienzos de los 90, grupo con el cual ha lanzado varios discos y ha alternado su exitosa carrera como artista, además de ser una de las figuras clave en la fundación de Rock al Parque. Esta canción, que alterna el rock con ritmos del folclor latino como la salsa, es una de las piezas esenciales del rock local.

La Historia Detrás de la Canción de Casa de Papel

Cuando se piensa en el fenómeno viral en el que se ha convertido la serie española La casa de papel muchas cosas vienen a la cabeza: los monos rojos, las máscaras de Dalí, y -cómo no- Bella Ciao, canción que se ha vuelto en un himno entre los seguidores del programa y cuya melodía acompaña a sus protagonistas en varias ocasiones. Sin embargo el track tiene un bagaje mucho más profundo.

Bella Ciao (Adiós, bella, en español) fue el himno que la resistencia italiana adoptó en contra del fascismo de Benito Mussolini y las tropas nazi en el marco de la Segunda Guerra Mundial. Las raíces del tema son difusas, hay quienes aseguran que esta es una adaptación de una balada klezmer, género que hace parte de la tradición musical de los judios de Europa oriental. Por otra parte en 1919 Mishka Ziganoff, acordeonista ucraniano, grabó una canción llamada "Oi oi di koilen", en la que se puede apreciar el parecido con Bella Ciao.  (continúa después del video) 

Otras versiones apuntan a que la canción nace al norte de Italia en el siglo XIX, donde trabajadoras de campos de arroz entonaban cantos populares como "Picchia alla porticella", la cual tiene fragmentos que recuerdan al himno de la serie. La influencia de la canción ha sido tal que en protestas en Argentina los manifestantes han hecho una especie de cover de la misma. En 2018 una movilización de empleados bancarios que pedían un incremento en su salario entonó la canción con la letra "somos bancarios, queremos aumento y Macri chau, Macri chau, Macri chau, chau, chau". Géneros como el punk y el ska se han dejado contagiar por la melodía, a tal punto que han hecho versiones de la misma. Tal es el caso del grupo argentino Argies. (continúa después del video)

Así como el movimiento antifascista tomó Bella Ciao como su grito de resistencia, El Profesor y sus pupilos hicieron lo propio para manifestar su oposición ante el sistema. ¡qué viva la resistencia!

Juanes, ¡Les Callaste la Jeta!

Sí, la jeta. No la boca, la jeta. Hace unos meses cuando se anunció la parrilla de artistas que harían parte de la edición 25 de Rock al Parque varios protestaron vehemente e irrespetuosamente, como ya es costumbre cada vez que el festival revela su lineup. "No, es que ese tipo no es rock. Se vendió hace años", exclamaban muchos. Hace mucho Juanes soñaba con tocar en Rock al Parque, pero por diversos motivos no lo había logrado. Su día llegó ayer, cuando ante más de 100.000 personas interpretó sus mejores canciones por un poco más de una hora. Un rato antes de subirse al escenario dijo en rueda de prensa "¡la voy a romper hijueputa!" y vaya si lo hizo. En la historia del festival he visto muchos grupos con menos rock en sus venas que él, entonces por qué no podría tener su chance en uno de los escenarios más importantes en Colombia.

Es verdad que su lado heavy lo dejó atrás hace décadas, pero -y esto lo digo por experiencia- quien es metalero nunca deja de serlo. Él mismo lo dijo al encantado público bogotano: "yo era más metalero que todos ustedes juntos". Era como si fuera un asunto personal, como si estuviera ahí para probar su punto. ¿Juanes no es metalero? Un tipo que ensayaba en la Medellín de los años 80 en un edificio infestado de ratas, como él mismo ha contado, tiene que ser muy metalero. Si eso no es prueba suficiente, los invito a oír la canción que siendo cantante y guitarrista de Ekhymosis grabó para la banda sonora de Rodrigo D. No Futuro. Si necesitan más pruebas, oigan el disco de Ekymosis Niño Gigante, metal en estado puro. 

Juanes ayer se montó a la tarima de Rock al Parque a cerrar bocas, jetas, perdón, con guante blanco. A punta de música y no de insultos. Sin ponerse disfraces ni máscaras, tocó lo mejor de su repertorio, con La Camisa Negra incluida, además de contar con invitados como Zeta Bosio, de Soda Stereo, con quien interpretó el clásico del trío argentino Cuando pase el temblor. A pesar de no haber hecho ningún tipo de reunión con Ekhymosis, el paisa tocó Solo, una de las canciones más importantes del grupo y del rock colombiano. Después de ese momento sublime se colgó una guitarra Flying V, instrumento que si bien no fue diseñado para los metaleros, estos lo adoptaron para su arte. "¿Por qué creen que me puse esto? ¿Para tocar qué?". Era obvio que venía algo pesado. Ese algo fue Seek and Destroy, canción del primer álbum de Metallica y con la que el grupo estadounidense suele cerrar sus conciertos. En esta ocasión Juanes la tomó prestada para cerrar el suyo, con pogo incluido y llamas sobre el escenario. El público aplaudía y pedía más, pero Fito Páez esperaba. Un Fito a quien, siendo el grande que es, Juanes hizo ver pálido. Y es que el P.A.R.C.E debió cerrar el festival, pero bueno, no quiero entrar en esa discusión, al menos no hoy. 

Siempre he apreciado la labor de Juanes como embajador de Colombia. ¿Qué prefieren ustedes? Que puertas afuera se hable de violencia, guerrillas, bandas criminales, ¿o de la música del país? Si prefieren lo primero, ¿Por qué nos se van, no se van del país? Como cantaban Los Prisioneros. Juanes es un grande de la música colombiana, punto final. Hasta tocó con los Rolling Stones en su concierto en Bogotá. ¿Hay algo más que pueda decir? No. Mi boca está cerrada. 

Cuando Keanu Reeves Apareció en un Video de Anthrax

Era el año 2003, el grupo de thrash estadounidense Anthrax acababa de lanzar We've Come for You All, su noveno álbum de estudio. El disco, que recibió críticas favorables por la prensa mas no tanto por sus fans, tuvo invitados muy especiales como Dimebag Darrell (Pantera) y Roger Daltrey, de The Who. Pero la lista no paró ahí, ya que para el video promocional de la canción Safe Home el grupo contó con la participación de Keanu Reeves. El actor, amigo y gran fanático de la banda, aceptó aparecer en el video sin cobrar un solo centavo. (continúa después de la imagen)

En el clip musical se ve a Keanu caminado por el costado de una autopista sin rumbo fijo, tal vez buscando su hogar, mientras canta algunos fragmentos de la canción. Se trata básicamente de unos fugaces cameos. El video nunca tuvo mayor rotación e incluso hoy no es tan fácil de encontrar, pero tal vez salga a la luz una vez más tras el renovado interés que parece haber por el actor. Esto por su nueva película, John Wick 3: Parabellum, y su participación en el juego de video Cyberpunk 2077, en cuyo anuncio público un hombre de la audiencia lo llamo en tono coqueto "breathtaking" (alucinante/asombroso). 

Artistas que Deberían Retirarse

Dejar de hacer algo debe ser muy difícil. Retirarse de una actividad que uno lleva haciendo toda la vida ha de ser psicológicamente impactante, pero la realidad es que a todos nos llegará la hora de dejar de hacer algo, ya sea por que no nos gusta más, ya no somos buenos en ello, por quebrantos de salud, o nadie aclama nuestra labor. A los músicos les pasa igual, a pesar de que tendemos a verlos como seres intocables e inmortales. Mucha culpa la tenemos nosotros, pues pedimos más y más de ellos como si fueran robots. 

Con ustedes un forzoso top 5 de artistas que, al menos en mi concepto ya dieron todo lo que tenían para dar y deberían colgar la toalla. 

1. Rolling Stones

Como roquero que soy y gran admirador de los "Dinosaurios del Rock", creo que es hora de que los Stones digan adiós. Respeto su longevidad y entereza, pero a Charlie Watts (baterista) se le notan los brazos cansados, y -por si fuera poco- Mick Jagger acaba de ser sometido a un delicado procedimiento cardiaco. Seguro lo veremos volver a los escenarios, pero ya su cuerpo le dio una serie advertencia, y no queremos que se nos desplome en medio de una presentación, ¿o sí? Keith Richards debería armar toldo aparte y salir de gira otros 50 años. 

2. Charly García

El rock en español le debe mucho, si no todo, a Charly García. No creo que sea posible que exista un músico latino que no tenga algo de él en su música. Si bien sus quebrantos de salud son materia pública desde hace muchos años, personalmente no sabía que estaba tan mal hasta que vi su biografía en Natgeo. Es casi doloroso ver lo que le cuesta montarse a un escenario hoy por hoy. Casi que ni la boca puede abrir para cantar y la agilidad para tocar piano lo ha ido abandonando. Te queremos, Charly, pero duele verte así. 

3. Madonna

No tengo absolutamente nada en contra de la gente mayor. ¡Carajo! Después de todo yo no es que sea muy niño que digamos, pero sé que hay un punto en la vida en el que hay cosas que ya no se ven bien. Por ejemplo, yo dejé de ser un ave de la noche y bares hace casi una década, pues me veía ridículo y me sentía igual. En el caso de Madonna, al bailar se le ve pesada y carente de la agilidad de antaño. Y es normal, ya no tiene 21 años, tiene 60. Por si fuera poco, su música clásica ha envejecido terriblemente mal (no sé si haya una canción más anticuada que Material Girl) y cuando ya hasta te toca hacer dúos con Maluma creo que es mejor irse a tejer sacos. 

4. Limp Bizkit

La época en la que los liderados por Fred Durst mandaban en el mundo de la música pasó hace dos décadas. Sus canciones eran himnos de rebeldía para la juventud, pero esa juventud ya envejeció y ellos también. Una cosa es cantar a la locura adolescente a los 23 años y otra cosa muy distinta es hacer lo mismo a los casi 50. Si bien el grupo sigue tocando con regularidad en vivo, su público se ha reducido gradualmente y no ha rejuvenecido. Hace varios años Limp Bizkit lleva amenazando con un nuevo álbum, pero ¿a quién le interesa? Parece que ni a ellos.

5. Ozzy Osbourne

A sus casi 70 años el padre del metal está en una etapa en la que la más leve brisa se lo lleva volando. Si hay algo que nunca hago es burlarme de los problema de salud de las personas y aquí no lo estoy haciendo, pero a Ozzy se le ve muy sensible. Le da gripa y termina hospitalizado por neumonía y aplazando su gira hasta el otro años. Hace unas pocas semanas sufrió una lesión cuando iba a acostarse y se tropezó con un zapato. Cuando hasta acostarse a dormir se vuelve un deporte extremo es hora de parar. Ozzy, creo que tus días de morder palomas terminaron. 

Artistas que se salvaron por un pelo de estar en este top: Backstreet Boys (ya ni boys son), Kiss (porque ya se están retirando), Bon Jovi (a sus conciertos solo van soccer moms), Stone Temple Pilots (sin Scott Weiland nunca lo van a a lograr).

Metallica y Su Primera Visita a Colombia

Un 2 de mayo de 1999 el cuarteto de San Francisco se presentaba por primera vez en territorio colombiano. El número de asistente nunca lo he tenido claro. Algunos dicen que hubo 30.000 almas en el Parque Simón Bolívar, otros dicen que fueron 90.000. Lo que sí sé es que ha sido uno de los conciertos más apoteósicos que se han visto en el país.  

Por aquel entonces la imagen del país era muy negativa. 20 años después no es difícil ver cómo hemos cambiado como sociedad. Nos falta, pero ahí vamos. Que Metallica viniera era algo que parecía nunca iba a suceder. Yo estaba en la universidad y recuerdo ir caminando a mi apartamento cuando en una camioneta sonaba una canción del grupo, Turn the Page, y el DJ interrumpió para anunciar algo. No pude oír bien, pues seguí caminando y alejándome del vehículo. Pero en cuanto llegué a casa mi mamá me dio la noticia. No lo podía creer. Uno de mis grupos favoritos iba a venir. ¿A Colombia? Era increíble, pues por estas tierras no pasaba nadie. O bueno, todos pasaban derecho en su camino a Argentina, Chile o Brasil. Colombia era una ruleta rusa y ningún artista quería tener problemas con la precaria seguridad del país. El panorama de conciertos aquí era tan pobre, que el último gran concierto había sido Def Leppard en 1997. Antes de ellos Elton John y Bon Jovi estuvieron en 1995. INXS en 1994 y Guns N´Roses en 1992. 

La venta de boletas fue un caos. No había orden alguno y a estas se podía acceder acercándose a unas cuantas distiendas y rezar para que aún hubiera existencias. Yo estuve el día que salieron a la venta desde las 6am haciendo una fila interminable, todo para llegar a la puerta de la tienda a las 4pm y que un tipo que trabajaba ahí dijera "las boletas de platino (la mejor localidad) se acabaron. De pronto mañana llegan". Yo pensé: "mierda. No puedo quedarme sin ver a estos tipos". ¿Qué hice? Fácil. Capar clase otra vez al día siguiente para ir a otra tienda. Fui con un amigo. No había casi nadie haciendo fila, pues el rumor era que ya las boletas de platino estaban agotadas, pero no era así y pudimos comprar las nuestras. Mi felicidad era indescriptible. Al salir de la tienda me monté en un bus con la boleta en el bolsillo, todo el tiempo tocándola y protegiéndola como si se tratara de mi vida, y -de cierta forma- se trataba de mi vida. (continúa después de la foto)

Dos meses después por fin llegó el gran día. La entrada al concierto fue un desorden total. Muy a la colombiana. Gente corriendo, saltándose barreras de seguridad, colándose, etc. Confieso haber saltado por encima de un policía que estaba en el piso cuando la multitud salió a correr para ganarse unos puestos en la fila y estar más cerca al escenario. La logística era tan deplorable que la fila pasaba por encima de un puente peatonal. ¡Un puente peatonal sosteniendo a varios cientos de personas! Por si fuera poco, cuando estábamos en el puente por los parlantes tuvieron la brillante idea de poner One. En la parte pesada de la canción todo el mundo comenzó a saltar y el puente a sacudirse como un edificio en un terremoto japonés. Pensé que el puente se iba a caer y me iba a tocar ver a Metallica desde el cielo. Finalmente pudimos entrar y ver a la Pestilencia, cuota colombiano en el concierto, par después ver a Fanny Mickey (gran impulsora de la cultura en Colombia) decir algo así como "¿Están listos para Metallico?". Sí, ¡Metallico! Los chiflidos y otras muestras de gaminada chibchombiana no se hicieron esperar.  

A las 7:20 de la noche y recién bajados del avión (así de mala era la imagen del país que el grupo no quiso quedarse más tiempo del necesario) Metallica subió al escenario para patear el trasero de todos los allí presentes. Pogos, saltadera, gritos y mucho calor fueron los protagonistas del concierto, y -por supuesto- el brutal setlist que James Hatfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Jason Newsted nos ofrecieron. Un hermoso paseo por toda su discografía. Finalizado el evento y con una sensación de júbilo inmortal y agotamiento extremo volví a casa con el alma llena y el sueño cumplido. Al día siguiente tenía clase de 7am, pero no pude ir. No había una zona de mi cuerpo que no estuviera azotada por el dolor y la exigencia física que representa un concierto de Metallica. Mi cuello seguía doliendo de tanto headbanging una semana después. si bien Metallica ha venido varias veces después de esa ocasión (¿4, 5? Ya perdí la cuenta), esta  siempre será sin duda la más memorable.