El pasado pop de Alanis Morissette

 

Muchos, por no decir que todos, asociamos el nombre de Alanis Morissette con esa joven rockera y estridente de sus días de Jagged Little Pill, su álbum debut. Pero lo que no muchos saben es que la cantante canadiense tuvo un pasado pop. 

En la serie estadounidense How I Met your Mother, Robin Scherbatsky -uno de sus personajes- tiene un gran secreto: en su pasado fue estrella pop bajo el nombre de Robin Sparkles en su natal Canadá, pero eventualmente su estilo musical y personalidad dieron un giro de 360 grados para transformarse en la oscura y agresiva Robin Daggers. Cualquier parecido con la realidad NO es pura coincidencia. Si bien -al menos hasta donde sé- la conexión con la historia de Alanis nunca ha sido confirmada por los creadores de la serie, resulta evidente que la hay. Tanto así, que una de las canciones de Robin Daggers, P.S. I Love You, tiene cierto aire a You Oughta Know, el éxito que catapultó a Morissette al estrellato. 

Alanis y Now is the Time fueron los dos discos que la versión pop de Morissette lanzó en Canadá. Ambos vendieron alrededor de 250.000 copias y fueron disco de platino y oro. Lastimosamente, dichos álbumes ya no están en circulación y no se encuentran en ninguna aplicación de música. Pero, ¿qué pasó con estas producciones y por qué no sabemos nada de ellas?

La verdad es que no eran muy buenas y, muy probablemente, las disquera detrás de Alanis le puso un disfraz a la pobre para que tratara de emular a artistas que tanto éxito estaban teniendo en la época, en especial a Janet Jackson y Mariah Carey. Solo en muy, muy breves momentos se puede alcanzar a escuchar a la Alanis que unos años después conoceríamos. ¿Qué piensa la cantante sobre su "oscuro" pasado pop? "No me da miedo que la gente escuché esos discos...no hay nada de lo que me arrepienta. Entonces no era yo misma...mi propósito entonces era entretener a la gente y dar mis primeros pasos en la industria". Pasos que se volvieron de gigante cuando llegó 1995 y el súper éxito que fue su disco debut, Jagged Little Pill. 

¿Soda Stereo cantó en inglés? Yes, sir!

 

Creo que se puede decir sin temor a equivocarse que Soda Stereo fue, es y será el grupo de rock en español más importante de todos los tiempos. A mediados de los 90, cuando lanzaron Sueño Stereo, su último disco de estudio, pensé que en algún momento darían el salto y conquistarían el mercado anglo. Infortunadamente, Gustavo Cerati, Zeta Bosio, y Charly Alberti decidieron que ya era hora de dejar así, y en 1997 dieron sus últimos conciertos. No es un secreto que una de las más grandes claves del éxito en la industria de la música es cantar en inglés. Artistas como Shakira lo han hecho, ganando así gran popularidad a nivel mundial. ¿Y si Soda hubiera hecho música en inglés? ¡un momento! Soda hizo música en inglés!

A mediados de los 80, hacia 1986 -para ser algo más exactos- el trío argentino grabó en inglés dos de sus canciones más apetecidas: Juegos de seducción y Cuando pase el temblor, traducidas como Games of Seduction y When the Shake is Past. ¿Por qué lo hicieron? Este interrogante no tiene una respuesta exacta, pues la información sobre estas sesiones de grabación es muy escueta. Sin embargo, se dice que ambas canciones fueron grabadas cuando la banda viajó a Londres para grabar el álbum Doble vida. Otra versión apunta a que Cerati y compañía grabaron en inglés tras petición de un DJ británico, quien les pidió que lo hicieran para poder sonar en discotecas en Reino Unido, con la intención también de algún día lanzar una producción totalmente en inglés, lo cual nunca sucedió.

Ambos temas nunca fueron lanzadas de manera oficial, y hay quienes ni siquiera saben que existen. Gracias a la internet, donde no hay nada oculto, podemos disfrutar de Gustavo Cerati cantando estos clásicos en un muy buen inglés. Una de las cosas más interesantes de estas versiones es lo claras que suenan algunas de las influencias de Soda Stereo, como The Cure y The Police. 

¿Habría funcionado grabar un álbum totalmente en inglés? Juzguen ustedes mismos.

La historia detrás de Cuando pase el temblor, de Soda Stereo

Cada vez que tiembla, alguien comenta en alguna red social "despierten a Cerati, ya pasó el temblor". Esto en alusión al coro de la famosa canción de Soda Stereo Cuando pase el temblor. Pero más allá de los memes y el ahora clásico comentario, ¿qué hay detrás de la letra de la canción?

Este clásico del rock latino hizo parte de Nada Personal, segundo álbum del trío argentino, el cual llegó al mercado en 1985 y catapultó al grupo en la región. Tanto fue el éxito del LP, que les alcanzó incluso para grabar la canción en inglés, pero eso es tema de otro día. Su video, grabado en la ciudad argentina de Tilcara, es uno de los más icónicos en la historia del rock en español, además de ser uno de los primeros del rock latino que encontró un espacio para rotar en MTV. Sobre el significado de Cuando pase el temblor, Gustavo Cerati contó que esta fue "una de las primeras canciones que salieron, sobre una idea que yo ya tenía, inspirada en paisajes que conocía de chico, del noroeste argentina". Con respecto a su particular sonido, el cantante y guitarrista afirmó que "es una fusión de reggae con un aire de carnavalito". 

En cuanto a lo que hay detrás de su título y letra, Cerati señaló que obtuvo inspiración en el terremoto que había ocurrido en México a mediados de los 80: "me impactaba mucho esa noticia y la relacioné con algo totalmente emocional". 

La siguiente vez que tiemble, mientras evacúa el lugar en el que está, puede aliviar un poco las tensiones del momento contándole a la gente con quien esté la historia de esta canción, y si la pone a todo volumen, puntos extra. 

Frisson: cuando la música nos eriza la piel.

Toda persona que tenga una canción que le guste mucho habrá sentido en alguna ocasión ese corrientazo que recorre todo el cuerpo al escucharla. Los pelos se erizan, sobre todo en los brazos, al oír una melodía que llega al alma. Es casi como si la piel tuviera un orgasmo. Este fenómeno conocido como "frisson" puede ocurrir al contemplar un hermoso paisaje, al probar un plato suculento, o al apreciar una obra de arte, pero la música es el principal culpable de ese curioso escalofrío, pero ¿por qué se produce?

Según diferentes estudios, para tener un "frisson" es necesario tener ciertas características de personalidad. Una de ellas es contar con la capacidad de entregarse a una canción. Por otra parte, quien la escucha debe ser una persona de gran imaginación, abierta a experiencias nuevas, y que no tiene temor a expresar sus sentimientos. Si usted es de los que oye, por ejemplo, Stairway to Heaven, de Led Zeppelin, o el solo de guitarra de Slash en November Rain, y puede aislarse del mundo o meterse tan profundo en la canción que llega a soñar despierto con la misma, tal vez imaginándose que está en el concierto o que la canción suena de fondo mientras usted realiza algún tipo de gesta heroica, entonces muy seguramente usted hará parte del selecto grupo que siente estos orgasmos en las piel. 

Según el musicólogo David Huron en su libro Sweet Anticipation, una de las razones por las cuales sentimos esa respuesta fisiológica al escuchar una canción es por el contraste que nos genera la misma y un proceso llamado "evaluación cognitiva", en el que nuestras mentes se reformulan el significado de algo. Si una canción nos produce cierta incomodidad al comienzo, pero después nos comienza a gustar, ese cambio de opinión con respecto a la misma es, al menos en parte, lo que nos produce el "frisson".

Un grupo de científicos se puso en la tarea de crear una lista de 715 canciones que pueden causar escalofríos a las personas. Una de ellas es Master of Puppets, de Metallica, la cual -como explica la teoría de evaluación cognitiva ya analizada- genera un cambio drástico de opinión a medida que avanza. De una introducción que suena amenazante, se pasa a una melódica y reconfortante sección intermedia, en la que el escucha posiblemente alcanzará una gran sensación de confort con la pieza. Asimismo, si una canción grandes cambios de ritmo, pasa de notas bajas a altas, y el cantante hace algún tipo de grito, el "frisson" es casi una certeza. 

Escuche su canción favorita y sumérjase profundamente en su melodía y letra, incluso piense en algo que la canción le haga sentir, algún recuerdo o emoción, y estoy seguro de que su piel lo sentirá. 

 

Dejémonos de Vainas, sí es Luis Miguel.

 

El mundo de la música está lleno, qué digo lleno, repleto de teorías de conspiración. Que Jim Morrison y Elvis Presley fingieron su muerte, que Avril Lavigne se quitó la vida y una doble tomó su lugar, o que Paul McCartney murió en un accidente a mediados de los 60 y fue reemplazado por alguien idéntico a él. Esas son apenas algunas de los teorías locas que hay por ahí. Ahora, el periodista argentino Luis Ventura aseguró en un programa televisivo que el cantante que se presentó en el primer concierto en Buenos Aires no era Luis Miguel, sino un doble.

Según la teoría del periodista, dos dobles del cantante llegaron a Argentina antes que el Sol de México, esto para evitar ser vistos juntos y así ahorrarse sospechas. Pero, ¿de dónde sale esta teoría? Según Ventura, Luis Miguel lució muy extraño y diferente en su regreso a Buenos Aires, más delgado y con rasgos faciales diferentes, señalando también que las diferencias son muy grandes si se comparan imágenes suyas de hace unos años con las actuales. Sí, es cierto que Luis Miguel luce MUY distinto, que en ocasiones parece otra persona o que estuviera enfermo (¡ojo!, no estoy especulando que lo esté), pero que levante la mano a quien los años no lo cambien en algo. Todo se puede explicar también desde su enorme cambio de peso, el cual puede alterar características faciales. ¿Cómo saber que no hay cirugías de por medio? Ahora, ¿por qué habría Luis Miguel de usar un doble? Para hacer más dinero, dirán. ¿Necesita más dinero? Probablemente no. Si no quisiera volver a la luz pública, simplemente no lo haría. ¿Qué necesidad habría de poner un Luismi falso en escena, arriesgar ser descubierto y arruinar una muy ilustre carrera? Creo que el periodista está buscando notoriedad, seguidores en redes sociales, o el programa busca subir números de audiencia y hacer más dinero. 

Estuve analizando varios videos de la presentación de su supuesto doble, y no oigo ni pistas ni señal alguna de que no sea Luis Miguel. Lo único que oigo es un tipo con una voz de puta madre. Un privilegiado. No es un doble, pues canta exacto a Luis Miguel, y el único que canta como Luis Miguel, es Luis Miguel. Compren sus entradas para los conciertos con toda confianza. 

El (ab)uso de las Pistas en los Conciertos

 

En los últimos años, la controversia por el uso de pistas en las presentaciones de los artistas ha aumentado considerablemente. Aparentemente, muchos las usan pero pocos (más bien nadie) lo acepta. Lo peor de todo es que hay múltiples videos por ahí que demuestran el uso de pistas. Cantantes como Paul Stanley, de Kiss, y Vince Neil, de Mötley Crüe, han sido pillados alejándose del micrófono mientras su voz sigue sonando. 

Hace unos meses, el cantante de Falling in Reverse, Danny Radke, se enfrentó vía Twitter a Sebastian Bach, cuando el excantante de Skid Row condenó el uso de computadores portátiles de la banda de su colega en sus conciertos. A lo que Radke respondió diciendo que Bach es un "maldito idiota", añadiendo que artistas como Kiss y Aerosmith usan pistas todo el tiempo. Pero, ¿es el uso de pistas correcto o no?

Hay artistas que están a favor de su uso. Gene Simmons, cantante y bajista de Kiss, señala que el problema del uso de pistas no es necesariamente el uso de las mismas sino el no decir que se usan: "Tengo un problema con artistas que cobran 100 dólares por una presentación en vivo en el que el artista usa pistas. Es como los ingredientes en la comida. El primer ingrediente en la etiqueta es azúcar. Al menos eso es honesto. El uso de pistas debería estar en cada boleta". Por su parte, Nita Strauss -solista y guitarrista de Alice Cooper- admitió el uso de pistas cuando toca Dead Inside, canción que grabó junto a David Drainman, de Disturbed: "no podíamos pagar un cantante para que saliera de gira conmigo. En mi humilde opinión, hay ocasiones en las que es válido usar pistas". 

Recientemente, la cantante Cardi B generó una gran controversia en una de sus presentaciones cuando arrojo violentamente su micrófono a alguien en la audiencia quien lanzó algo hacia ella. Independientemente de si estuvo bien lo que hizo (eso es tema para otro día), algo que también generó una fuerte controversia fue que su voz siguió sonando y, a menos que tenga poderes sobrehumanos y pueda cantar telepáticamente, el uso de pistas en sus conciertos quedó totalmente al descubierto. 

Hay quienes condenan el uso de pistas, como Adrian Smith, guitarrista de Iron Maiden, quien catalogó como "una vergüenza" el uso de pistas. El líder de los Foo Fighters Dave Grohl, también dejó saber su opinión al respecto: "prefiero sonar como una mierda, que sonar como Linkin Park o Mötley Crüe. Ellos se sienten desnudos cuando tocan en vivo". Sebastian Bach, excantante de Skid Row, fue uno de los más abiertos en cuanto a su odio de las pistas diciendo estar "orgulloso de estar en una banda de seres humanos que no usan pistas ni hacen mímica. No somos Mariah Carey en la víspera de Año Nuevo. Estos es rock n' roll puro".

El tema de las pistas está manchando los conciertos en vivo, y lo peor es que no creo que vaya a parar. Es más, no tengo duda de que en un futuro no lejano tendremos más videos controversiales de artistas haciéndose los que cantan o tocan en vivo, mientras nosotros, sus fieles seguidores, metemos la mano a nuestras billeteras para pagarles por nada.