Silverchair: La Banda que el Tiempo Olvidó

Han pasado 21 años desde que el trío australiano lanzó Frogstomp, su álbum debut, y han pasado casi 10 años desde su último álbum y cuatro desde que anunciaron su "retiro temporal". Muy poco ruido generó su separación. Es posible que algunos apenas se estén enterando al leer estas líneas. En las casi dos décadas que estuvieron juntos, Daniel Johns, Ben Gillies, y Chris Joannou, vendieron cerca de 10 millones de copias de sus 5 discos a nivel mundial. Cifra nada despreciable, pero la banda mereció más, mucho más. Sus videos rotaban con bastante frecuencia en MTV, así como sus canciones en la radio. Fanáticos no les faltaban. Entonces ¿qué pasó?, ¿Por qué la popularidad del grupo pareció diluirse en la nada y desaparecer casi sin dejar rastro?,  ¿Por qué el grupo no logró ser más grande?

Tal vez el hecho de ser australianos no les ayudó. Es cierto, Australia nos ha dado grandes artistas como AC/DC o INXS, pero cuando Silverchair comenzó a pedir pista a mediados de los 90, Estados Unidos tenía dominado el mundo de la música, por lo menos del rock. Reino Unido, por su parte, apenas trataba de levantar cabeza y comenzaba a avisar que el brit pop venía en camino de la mano de Oasis y Blur, entre otros. Los oídos del mundo estaban muy concentrados en el grunge y post-grunge como para prestar atención a un trío de adolescentes australianos. Y cuando digo "adolescentes", realmente quiero decir "niños", pues los integrantes del trío tenían todos 15 tiernos años cuando salió su primer disco, lo cual pudo haber aportado a que no tuvieran mayor éxito. Eso, precisamente, fue lo que me llamó la atención de ellos. Todas las canciones de Frogstomp cuentan con gran madurez musical y lírica, a pesar de lo que señaló la crítica en su momento. Daniel Johns siempre fue un gran compositor, quien a pesar de su edad sonaba muy maduro y experimentado. Cuando escuché Silverchair por primera vez, me sentí identificado por varias razones: tenían mi misma edad y yo estaba tratando de aprender guitarra. Ellos me demostraron que no hacía falta ser un veterano para sonar bien y tener éxito, y que si ellos podían hacerlo, yo también. Lastimosamente para mí, nunca tuve la disciplina o paciencia para seguir tocando.

El parecido de Johns con Kurt Cobain era innegable, física y musicalmente. Muchos lo tildaron de "copietas". ¿Qué querían?, ¿Qué se hiciera una cirugía plástica para cambiar su apariencia? Cuando Frogstomp llegó a las tiendas en marzo de 1995, el rock seguía de luto por la muerte de Cobain, por ende, muy pocos pudieron obviar los parecidos entre Nirvana y Silverchair y vieron en el sonido y apariencia de los australianos un intento oportunista por sacar dividendos del legado dejado por el grunge. Además, el disco era una mezcla clarísima entre los sonidos de Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden, lo cual no ayudó en nada a Johns y compañía a quitarse de encima el rótulo de "wannabes". El rock alternativo estaba muriendo. Silverchair llegó muy tarde.

Después de Frogstomp, el trío sacó al mercado 4 discos más, siendo Freakshow y Neon Ballroom los más exitosos. Con canciones como "Freak", "Abuse Me", Ana´s Song (Open Fire), y Anthem for the Year 2000", Silverchair logró colarse en la rotación de la radio mundial y ganar cierto respeto y reconocimiento, pero una vez finalizados los 90, todo se derrumbó. Su sonido, como el de otros tantos grupos noveleros, parecía anticuado frente a las tendencias marcadas en aquel entonces por el nü metal y el regreso del rock de garaje. En mayo de 2011.

En mayo de 2011, Silverchair anunció que se separaba de forma temporal, pero hay quienes afirman que dicha afirmación es solo una forma de maquillar el hecho de que nunca van a volver a tocar juntos. Sin embargo, y según los mismos integrantes del trío, antes de su separación, un nuevo álbum estaba casi listo y este sería lanzado eventualmente.

Use Your Illusion: 25 Años Después

El autor no se hace responsable si se siente viejo al leer la siguiente entrada. 

Sí, un cuarto de siglo ha pasado desde que Guns N´ Roses puso en el mercado los discos Use Your Ilusión I y II, los cuales marcaron el comienzo de una etapa nueva para la banda y -si se quiere- el inicio del fin. Cambios de alineación, adicciones, controversia, peleas internas, egos y música épica marcaron este lanzamiento.

Septiembre 17 de 1991, cientos de personas hacían fila en discotiendas en Estados Unidos para comprar los nuevo de Guns N´Roses. Era medianoche y los fans esperaban a que las tiendas abrieran y comenzaran a vender los álbumes. No importaba ni el frío, el hambre o el sueño. Las masas no querían esperar un segundo para oír las nuevas aventuras sónicas del grupo. Nadie sabía que iban a oír. Gran sorpresa la que les estaba por invadir sus vías auditivas.

Los Use Your Illusion se alejan bastante de las raíces glam y sucias de los 80 para adentrarse en los terrenos de un rock mucho más pulido, épico y hasta con tintes progresivos. La primera señal de que las cosas habían cambiado era la llegada de un nuevo baterista. Steven Adler había sido despedido por usar muchas drogas, lo cual parecía un chiste, pues por ese entonces entre todos los integrantes del grupo se peleaban por quién era el más adicto. En reemplazo de Adler, llegó Matt Sorum (exbaterista de The Cult, un músico mucho más técnico y versátil. Sin él, muchas de las piezas más largas y experimentales de los discos no habrían sonado tan bien. Sarum podía tocar el material previo del grupo. A Adler, en mi opinión, le hubiera costado tocar canciones como Estranged y Locomotive. Otro de los grandes indicios de un cambio inminente fue la entrada del teclista Dizzy Reed, quien -si bien sutilmente- hizo aportes interesantes en varias de las pistas de los álbumes y que le dieron un toque menos "guerrero" y más pulido a las mismas. 

Ambos discos tenían la misma portada. Excepto que con colores diferentes. Use Your Ilusión I (portada amarilla) es el disco que más se acerca al sonido del legendario álbum debut Appetite for Destruction. Canciones como Right Next Door to Hell, Perfect Crime, y Don´t Damn Me recordaban a la energía pura y rocanrolera de los 80. Mientras que otras como Coma, Don´t Cry, y la épica November Rain (la cual Axl Rose comenzó a escribir a comienzos de los 80) anunciaban que el grupo había aprendido varios nuevos trucos. Use Your Ilusión II (portada azul) era la confirmación de dichos nuevos trucos. Sus canciones eran mucho más extensas y se paseaban por territorios antes desconocido para Axl, Slash y compañía. Civil War (única canción en la que tocó Steven Adler), las ya citadas Estranged y Locomotive, Breakdown y la corta y electrónica My World eran prueba de ello. 

En los Use Your Illusion, Guns N´Roses, además de estrenar sonido, baterista y teclista, también reveló al mundo nuevas armas: la capacidad de hacer muy buenos covers como Live and Let Die (original de Wings) y Knockin´on Heaven´s Door de Bob Dylan. Esta última fue tan exitosa que hay gente que no sabe que fue escrita por Dylan. Otra de las nuevas armas fue el estreno en la voz líder de Izzy y Duff, quienes salieron de la parte de atrás para pasar al frente y mostrar de qué estaban hechos. Duff cantó a dúo con Axl en la romántico So Fine, mientras que Izzy demostró que no solo era un enorme compositor sino también un gran cantante en canciones como Dust N´Bones, 14 Years y Double Talkin´Jive. Por si fuera poco, los discos tenían invitados especiales como Alice Cooper (influencia gigante en Axl Rose) y Shannon Hoon, quien posteriormente sería conocido por su trabajo con Blind Melon. Sí, los del video de la niña disfrazada de abeja. 

Para muchos críticos y fanáticos, los Use Your Ilusión fueron el comienzo del fin para Guns N´Roses. "Dañaron la carrera con esos discos", alguna vez dijo un excompañero con el que trabajé en radio. Tal vez cambiaron su sonido muy rápido, pero no creo que la hayan dañado. Lo que si creo es que la banda creció a niveles que ni ellos ni su disquera ni su staff ni nadie pudo controlar. Axl no quería salir de gira y los demás sí. Ahí comenzaron los problemas que apenas unos pocos años después llevarían a que uno a uno dejara las filas de la agrupación. Son dos discos épicos y si los oye hoy -como he estado haciendo mientras escribo este texto- se dará cuenta de que son una ópera maestra que suena tan fresca e innovadora hoy como en esa época. 

El 11 de Septiembre y El Rock

Hace 15 años el mundo entero cambió. Diferentes áreas de la vida se vieron afectadas por los actos terroristas del 11 de septiembre. Viajar e ir a eventos masivos fueron apenas un par de actividades que nunca volvieron a ser iguales.Me tocó vivir este día en Boston (de donde salió uno de los aviones usados por los terroristas) y el ámbito de auténtico pánico era dantesco. El mundo del entretenimiento sufrió mucho. A la gente le daba miedo ir a conciertos. Lo artistas no querían arriesgar su integridad ni la de sus fans. La radio comenzó un exhaustivo proceso de censura a una larga lista de canciones cuyas letras pudieran asociarse de alguna forma a lo sucedido en Nueva York. 

Highway to Hell de AC/DC, War Pigs de Black Sabbath, Speed Kills de Bush, Break Stuff de Limp Bizkit, Fly Away de Lenny Kravitz, fueron apenas algunas de las canciones que hacían parte de la extensa lista de canciones censuradas. Tal vez dos de los grupos que más sufrieron con el 11 de septiembre fueron Rage Against The Machine y Anthrax. Al primero, le fueron censuradas absolutamente todas sus canciones, mientras que a Anthrax se le exigía que -por aquello de la amenaza de los ataques con ántrax- cambiaran su nombre, a lo cual ellos se negaron vehementemente durante un concierto tributo a las víctimas en el cual vistieron overoles con las palabras "We´re not changing our name" (No cambiaremos nuestro nombre).

Varios conciertos benéficos se organizaron. Tal vez el más importante se llevó a cabo el 21 de septiembre en un lugar que, por razones de seguridad, nunca fue revelado. En este participaron artistas como Bruce Springsteen, Billy Joel, Sting, Fred Durst y Wes Borland (Limp Bizkit), U2 -quienes tocaron vía satélite desde Inglaterra- y Neil Young, entre otros. Precisamente, Young lanzó un par de meses después una canción llamada Let's Roll, inspirada en las últimas palabras de Todd Beamer, pasajero del vuelo 93 de United Airlines, quien -junto con otro grupo de pasajeros- intentó retomar control del avión.

El 11 de septiembre dejó una cicatriz indeleble en el mundo y la forma en que vivimos, pero también se convirtió en un símbolo de unidad, fortaleza y de salir adelante, así como una fuente -aunque oscura- de música hermosa. Como esta canción de U2, en la que Bono hace alusión a aquella tristemente inolvidable mañana con la frase "It's early fall, there's a cloud in the New York skyline. Innocence dragged across a yellow line". (Es principios de otoño. Hay una nube en el horizonte de Nueva York. La inocencia arrastrada a través de una línea amarilla).

Freddie Mercury: Tan Grande Como Un Asteroide

Hoy, en el que sería el cumpleaños 70 de Freddie Mercury, se anunció que un asteroide llevara su nombre. Lindo y emotivo homenaje, sin duda. Su legado merece eso y mucho más. Entradas de blogs,  artículos de periódico, portadas de revistas, estatuas, nombres de calles, poner su música a todo volumen, disfrazarse de él en Halloween, ¡merece el nombre de un planeta y una galaxia entera! No quiero sonar a cliché y espero equivocarme, pero no sé si algún día veamos a otro como Freddie. Tan completo como artista. Tenía la voz, ¿qué digo? la tremenda voz, el carisma, la pinta, don de gentes, etc, etc, etc. En mi opinión, y que me perdone Robert Plant, el mejor cantante de rock en la historia. Lo ponían a cantar hard rock, lo hacía. Metal, también. Pop, sin problema. Lo hacía todo y todo lo hacía bien. Su influencia es enorme. Axl Rose, Matt Bellamy (Muse), George Michael, Adam Lambert, todos tienen algo de él. ¡Tan influyente era, que Kurt Cobain lo menciona en su carta de suicidio! alabando su increíble puesta en escena y ese dominio majestuoso de las inmensas multitudes ante las que se presentaba. Su muerte dejó una gran enseñanza sobre el sida y las enfermedades de transmisión sexual. Antes de su fallecimiento el tema era tabú, pero -al tratarse de un personaje tan importante para la cultura pop- el asunto se hizo masivo y los jóvenes empezaron a educarse al respecto.

Muchos acuden hoy a frases como: "Freddie debe estar en el cielo sonriendo ante tantos homenajes y haciendo un concierto con otras luminarias de la música". Esas personas se equivocan. Freddie debe estar en la nave espacial que lo recogió en 1991, ¡El tipo era un extraterrestre!